ABSOLUTE GREEN ARROW beginnt wie ein Fall, der Vielen schlaflose Nächte bereiten wird. Die Super-Reichen schlafen schlecht, die Polizei sortiert Spuren und Dinah Lance steht als zentrale Figur mittendrin. Sie weiß, dass ein Mord ein Mord bleibt. Sie weiß aber auch, dass manche Opfer sehr viele Schatten werfen.

Genau darin liegt der Reiz dieses Auftakts. Pornsak Pichetshote (Szenario), Rafael Albuquerque (Zeichnungen) und Marcelo Maiolo (fabren) machen aus Green Arrow (k)einen Horror-Comic. Auch, wenn es sich für die Opfer dieses Serienkillers so anfühlen mag und die Community es so sieht. Für mich bauen sie einen harten Thriller mit deutlichen Krimi-Anleihen. Die Frage lautet nicht nur: Wer tötet hier? Sie lautet auch: Warum gerade jetzt? Warum gerade diese Opfer? Und was hat Oliver Queen mit all dem noch zu tun?

Ein neues Universum mit alten Wunden

Die ABSOLUTE-Reihe von DC ist als eigenständiger Neustart angelegt und gehört inzwischen zum Besten, was der US-Comic-Markt zu bieten hat. Vertraute Figuren werden aus ihren bekannten Erzählstrukturen herausgelöst. BATMAN, SUPERMAN und WONDER WOMAN tragen noch immer ihren jeweiligen Kern in sich. Doch die Welt um sie herum ist schroffer. Sie schenkt ihnen weniger und sie zwingt sie schneller zu Entscheidungen, die weh tun.

Für GREEN ARROW passt dieser Ansatz erstaunlich gut. Oliver Queen war nie nur ein Bogenschütze mit einer Maske. Die Figur lebte immer auch von ihrer sozialen Reibung und eindeutigen Moralvorstellung. Er war der Held, der bei den großen Fragen nicht höflich anklopfte.

Reichtum, Ungleichheit, Korruption, Machtmissbrauch waren immer schon seine Themen. All das gehörte seit Jahrzehnten zum Design dieser Figur. Gerade deshalb ist es reizvoll, dass ABSOLUTE GREEN ARROW nicht bei der Abenteuermaschine ansetzt, sondern mit einer Erschütterung: Oliver Queen ist tot! Sein Zeichen lebt jedoch weiter, aber es hat seine Unschuld verloren.

Der Untertitel THE LONGBOW KILLER weckt natürlich Erinnerungen an THE LONGBOW HUNTERS, jene Green-Arrow-Geschichte, die die Figur Ende der 1980er Jahre rauer und erwachsener machte. Dieser neue Auftakt kopiert das nicht. Er nimmt eher die Idee auf, dass ein Bogen auch in die dunkleren Ecken des Genres führen kann. Diesmal geht es jedoch weniger um romantische Gesetzlosigkeit. Es geht um Tatmuster, Spuren, um Verdächtigungen und um eine Heldin, die lernen muss, einem Symbol nicht mehr zu trauen.

Auch das Kreativteam macht Sinn. Pichetshote denkt in moralischen Spannungen. Albuquerque zeichnet Körper, Räume und Gewalt mit einer Direktheit, die selten glatt wirkt. Maiolo legt darüber Farben, die nicht schmücken, sondern Druck erzeugen. So entsteht ein Comic, der sich wie eine Ermittlungsakte liest, in der jemand immer wieder mit rotem Stift etwas markiert hat.

Dinah Lance und die Sache mit dem Vertrauen

Die Handlung von ABSOLUTE GREEN ARROW – THE LONGBOW KILLER setzt an einem Punkt ein, an dem die klassische Heldenordnung bereits zerbrochen ist. Oliver Queen ist ermordet worden. Sein Tod steht dabei jedoch nicht nur als ferne Vorgeschichte im Raum, sondern als offene Wunde.

Dinah Lance, in dieser Version ehemalige Polizistin und MMA-Kämpferin BLACK CANARY, arbeitet als Personenschützerin. Sie ist erfahren, kampferprobt und innerlich deutlich weniger stabil, als sie nach außen wirken möchte. Genau diese Spannung trägt das Heft.

Der neue Fall zieht sie in einen Kreis aus reichen, einflussreichen – und sehr nervösen – Menschen. Ein maskierter Täter jagt Milliardäre. Seine Opfer sind keine gewöhnlichen Zufallsziele. Sie gehören zu einer Schicht, die sich Schutz kaufen kann, Nähe zur offiziellen Macht pflegt und Probleme verschwinden lässt. Der Serienkiller hinterlässt grüne Pfeile. Damit wird aus Olivers altem Zeichen ein Beweisstück. Dies trifft Dinah doppelt. Sie muss einen Mörder aufhalten. Zugleich muss sie verstehen, warum ausgerechnet dieses Symbol plötzlich für Hinrichtungen steht.

Pichetshote erzählt das angenehm konzentriert. Die Geschichte kippt nicht in eine ausufernde Ursprungserzählung. Ich bekomme genug über Oliver, um seinen Schatten zu spüren. Ich bekomme aber nicht so viel, dass er Dinah ihre Bühne nimmt. Das ist klug konzipiert. Denn Dinah ist hier keine Nebenfigur, die dem toten Helden hinterherläuft. Sie ist der Blick, die Haltung und das Gewissen des Comics.

Albuquerque unterstützt diese Anlage mit klarer, ruppiger Bildführung. Die Actionszenen haben Tempo, aber sie protzen nicht. Ein Angriff kommt schnell, ein Körper fällt schwer, ein Blick bleibt einen Moment zu lang hängen. Das ist Thriller-Handwerk. Der Seitenrhythmus arbeitet mit Druck und Unterbrechung. Mal zieht die Erzählung an, dann bremst ein stilles Panel die Bewegung ab. Ich hatte beim Lesen immer wieder das Gefühl, dass Dinah nicht nur Beweise sammelt. Sie sortiert auch ihre eigenen Erinnerungen neu.

Der Bogenschütze bleibt zunächst mehr Funktion als Figur. Das ist für ein erstes Heft in Ordnung. Seine Maske, seine Präzision und seine Zielauswahl reichen, um Bedrohung aufzubauen. Wichtiger ist der Verdacht, den er sät. Wenn ein Symbol plötzlich an Tatorten auftaucht, wird jeder frühere Verbündete, jede alte Verbindung und jede offene Rechnung erst einmal verdächtig. Roy Harper und Mia Dearden schwingen als mögliche Spuren mit. Doch der Comic tut gut daran, nicht sofort alle seine Karten aufzudecken. Er will, dass ich weiterblättere. Und das tue ich gerne!

Ein Auftakt, der den Bogen spannt

Als Nummer 1 funktioniert ABSOLUTE GREEN ARROW sehr gut. Das Heft erklärt seinen Schauplatz knapp, setzt Dinah stark ins Zentrum und liefert ein klares Versprechen.

Hier wird nicht einfach eine bekannte Figur modernisiert. Hier wird ein Vermächtnis zur Gefahr. Das ist ein starkes Sujet, weil es ohne großes Vorwissen verständlich bleibt. Wer GREEN ARROW kennt, spürt die Verschiebung. Wer ihn nicht kennt, versteht trotzdem, dass dieses Zeichen einmal für etwas anderes gestanden hat.

Besonders überzeugend finde ich die Krimi-Struktur. Es gibt Opfer, Muster, Verdächtige, berufliche Zwänge und private Altlasten. Die Gewalt ist hart, aber sie steht im Dienst des Falls. Der Comic will nicht schocken, nur um laut zu sein. Er will zeigen, wie schnell moralische Gewissheit verrutscht, wenn die Toten selbst keine reinen Unschuldslämmer waren. Wer einen Schmetterling zertritt ist ein Mistkerl, wer eine Kakerlake zertritt … nun ja.

Genau hier liegt auch die größte Aufgabe für die kommenden Hefte. Die Serie darf sich nicht zu sehr auf ihre düstere Attitüde verlassen. Sie muss Dinah’s Konflikt vertiefen, den Täter schärfen und Oliver Queen’s Erbe mit echten Konsequenzen aufladen.

Die große Nachfrage vor der Veröffentlichung passt zu diesem starken Start. Die Erstauflage war über Vorbestellungen so schnell vergriffen, dass DC bereits eine Zweitauflage angekündigt hat. Wer lesen will, muss das also erst einmal online tun.

Für ein Auftaktheft ist das natürlich ein hübsches Ausrufezeichen. Wichtiger bleibt für mich aber, dass der Comic diese Aufmerksamkeit erzählerisch begründet. Er hat einen sauberen Haken, eine Figur, der ich folgen möchte und er hat Bilder, die nicht nach Hochglanz aussehen.

Ein Autor mit Gespür für Schuld

Pornsak Pichetshote ist ein thailändisch-amerikanischer Autor, der vor seiner eigenen Arbeit als Szenarist auch redaktionell bei DC’s Vertigo Imprint tätig war. Dort bewegte er sich in einem Umfeld, das viele erwachsene, literarisch geprägte Genrestoffe hervorbrachte.

Als Autor wurde er besonders mit INFIDEL und EXQUISITE CORPSES bekannt. Seine Geschichten verbinden oft Spannung mit Fragen nach Herkunft, Macht, Schuld und gesellschaftlicher Ausgrenzung. Das merkt ich auch hier. Pichetshote interessiert sich nicht nur dafür, was passiert. Ihn interessiert, welche Wunde eine Tat offenlegt.

Ein Zeichner für Druck und Bewegung

Rafael Albuquerque stammt aus Brasilien und arbeitet seit vielen Jahren für den amerikanischen Comicmarkt. Bekannt wurde er unter anderem durch BLUE BEETLE, SUPERMAN / BATMAN und vor allem AMERICAN VAMPIRE.

Seine Zeichnungen haben eine körperliche Energie, die gut zu Geschichten passt, in denen Figuren unter Druck geraten. Albuquerque kann Action klar erzählen, ohne sie glattzubügeln. Gesichter, Schatten und Bewegungen wirken bei ihm oft leicht angeraut. In ABSOLUTE GREEN ARROW – THE LONGBOW KILLER ist genau das wichtig. Die Welt sieht nicht edel aus, sondern benutzt.

Fazit

ABSOLUTE GREEN ARROW liefert viele Anspielungen auf aktuelle Ereignisse, Personen und Diskussionen. Gleichzeitig ist der erste Band ein starker, harter und sehr kontrollierter Auftakt, bei dem ich verstehen kann, weshalb die Community so heiß auf diese Ausgabe war.

Ich mochte vor allem, dass der Comic seine Hauptfigur nicht bequem über das Symbol Green Arrow definiert, sondern über den Verlust dieses Symbols. Dinah Lance trägt die Geschichte mit Wucht, Zweifel und genug Wärme, damit die Kälte des Falls nicht alles verschluckt. Die Ausgabe ist ein Thriller mit Krimi-Puls. Genau so funktioniert sie hier am besten.

Die Pfeile fliegen nicht mehr als reines Helden-Signe. Sie stecken in Beweisräumen örtlicher Polizeistationen fest. Und ich will wissen, wer sie dort hin geschossen hat.

Der Panini Verlag hat angekündigt, die Reihe auf Deutsch zu bringen. Falls die kommenden Hefte der Reihe das Niveau halten, wird der Sammelband mit Sicherheit seinen Weg in mein Regal finden.

• ABSOLUTE GREEN ARROW #1
• Pornsak Pichetshote und Rafael Albuquerque
• 28 Seiten | Farbe
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © DC Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Peter Mennigen und Ingo Römling liefern in dieser Erzählung keinen Blutrausch um des Effekts willen. Ich erhalte stattdessen eine viktorianischen Abenteuernarration, die sich mit sichtbarer Lust an Schauer, Krimi, Steampunk, Weltuntergangsflirt und sehr trockenen Humor durch ihre 64-seitige Geschichte hindurch laviert. Hierbei handelt es sich um den inzwischen sechsten Band der laufenden, sehr erfolgreichen Serie. Und – er endet mit einem fetten Cliffhanger. Der Folgeband AM ENDE DER ZEIT ist beim Splitter Verlag nun – endlich! – für September 2026 angekündigt.

Was ich an dieser Serie so mag, zeigt sich auch in diesem Werk wieder. Malcolm Max ist kein grummeliger Dämonenschlächter, der mit finsterem Gesicht durch die Seiten stapft. Er ist elegant, spöttisch, kontrolliert und oft genau dann am besten, wenn sich alles außerhalb seiner Kontrolle abspielt.

Seine Partnerin, Charisma Myskina, ist für mich dabei längst das emotionale Zentrum der Reihe. Halbvampirin hin oder her, ihre Mischung aus Direktheit, Stolz, Fremdheit und verletzlicher Neugier trägt diese Geschichten mindestens genauso stark wie Malcolm’s Gehabe als Gentleman mit Nerven aus Stahl.

Das Ganze spielt im London der späten viktorianischen Epoche. Also in einer Welt, die nach außen zwar voller Normen und Regeln aussieht, innerlich jedoch bereits vor sich hin fault. Genau an diesem Ort und zu dieser Zeit fühlt sich diese Serie seit Jahren am wohlsten.

London aus Nebel, Armut und Zukunftseuphorie

Bevor ich zur Handlung komme, lohnt sich ein kurzer Blick auf den Hintergrund, vor dem diese Serie läuft. Zunächst einmal: Malcolm Max begann nicht als Comic, sondern als Hörspiel. Peter Mennigen entwickelte die Figur 2008 im Umfeld einer geplanten Wiederbelebung von GESPENSTER GESCHICHTEN. Erst später wurde daraus diese Comicreihe beim Splitter Verlag.

Für die Chronologie ist das wichtig, denn die frühen Hörspiele erzählen die Vorgeschichten, während der erste Comic zeitlich danach einsetzt. Das erklärt auch, warum die Welt dieser Serie oft so wirkt, als läge schon ein ganzes Leben hinter ihren Figuren.

Noch spannender ist für mich aber der Schauplatz. Der Band führt tief ins East End und damit in jenen Teil Londons, der im späten 19. Jahrhundert wie ein Gegenbild zur imperialen Selbstverherrlichung wirkte. Charles Booth’s Londoner Armutskarte markierte Spitalfields und Whitechapel 1889 bis 1891 großflächig in Schwarz und Blau. Also als Gegenden mit besonders hoher Armut.

Gleichzeitig hängt dort noch der Schatten von JACK THE RIPPER in der Luft. Die Morde in Whitechapel von 1888 wurden zum Dauertrauma der Stadt und fraßen sich tief in die Popkultur hinein. Genau diese Mischung aus Elend, Angst und öffentlicher Obsession zapfen das Hörbuch und später auch der Comic sehr gezielt an.

Dazu kommt ein dritter Punkt, der für MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON fast ideal ist. London war damals eben nicht nur düster, sondern auch im wörtlichen Sinn elektrisiert. In den 1860er Jahren wuchs das Interesse an Séancen und modernem Spiritualismus. 1879 bekam der Lesesaal des British Museum elektrische Lampen und 1882 ging am Holborn Viaduct eine frühe öffentliche Stromversorgung in Betrieb.

Diese Stadt glaubte also gleichzeitig an „Geisterklopfen“ und an technische Erlösung. Ich finde, kaum ein deutscher Genre-Comic nutzt diese Spannung zwischen Okkultismus und Fortschrittsrausch so stimmig aus wie diese Reihe.

Zwei Ermittler wie ein altes Ehepaar

Im Zentrum dieses Bandes stehen – natürlich – wieder Malcolm Max und Charisma Myskina. Er ist der stilbewusste Spezialist für paranormale Fälle, sie die Halbvampirin an seiner Seite, gefährlich, scharfzüngig und deutlich weniger bereit, höflich um die Dinge herumzureden.

Dazu kommen die Schwestern Emmeline und Miranda Finch, die in dieser Welt längst mehr sind als putzige Nebenfiguren. Sie bringen Witz, Tempo und ein sehr eigenes detektivisches Gespür ein, das ihnen bereits einen eigenen Spin-Off-Band beschert hat.

Gerade diese Mischung aus erwachsener Schauerabenteuer-Serie und fast frecher Jungdetektiv-Energie gibt MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON seinen besonderen Ton.

Ein vollgepacktes Album

Der Band steigt mit einem Hinterhalt ein. Malcolm und Charisma geraten in ein verlassenes Hospital und dort in eine Falle, die sehr schnell klarmacht, dass hier mehr am Werk ist als ein örtlicher Serienmörder. Dämonische Kopfgeldjäger, seltsame Steckbriefe, rätselhafte Gegner, dazu später die Spur eines Kannibalen, der Frauen aus dem Milieu zerfetzt zurücklässt, nehmen hier ihren Anfang.

Peter Mennigen eröffnet den Band gleich mit diversen Fäden. Das ist auf 64 Seiten riskant, funktioniert hier aber erstaunlich gut, weil er nie vergisst, die Figuren zusammenzuhalten. Selbst wenn die Handlung kurz in Richtung dimensionsoffener Irrsinn abkippt, bleibt die Frage wichtig, wie Malcolm und Charisma aufeinander reagieren, wie sie sich necken, reizen, retten und doch ständig einen halben Schritt zu weit voneinander weg bleiben. Schließlich gibt es da ja noch die Drohung von Charisma’s Vater, Malcolm den Garaus zu machen, sollte er seiner Tochter zu nahe kommen. Aber das ist ein anderes Thema.

Gerade dieses Duo ist für mich der eigentliche Grund, warum ich immer wieder zu der Serie zurückkehre. Zwischen diesen Beiden knistert es gewaltig und nicht in einem kitschigen Sinne. Eher so, als würden zwei Menschen seit Ewigkeiten denselben Satz umkreisen und ihn nie aussprechen.

Der Humor kommt genau aus dieser Bewegung. Ein schräger Blick hier, eine kühle Bemerkung dort, ein Satz, der halb Rettungsleine und halb Spitze ist. Das ist genau mein Ding. Ich habe beim Lesen oft den Eindruck, dass Mennigen den Rhythmus der Beziehung besser versteht als viele Autoren, die ihre Figuren nur auf eine Romanze zuschreiben. Hier bleibt das Spiel offen. Und genau deshalb bleibt es lebendig.

Das East End wird zum Schaufenster des Grauens

Der titelgebende Kannibale ist natürlich kein bloßer Vorwand. Der Fall bringt diese Geschichte mitten ins East End, also hinein in jene Straßen, in denen Frauenkörper schnell zur Ware und noch schneller zu Wegwerfmaterial wurden.

Der Band macht daraus keine plumpe Sozialgeschichte. Ich fand aber stark, wie deutlich die soziale Schieflage spürbar bleibt. Die Opfer sind nicht zufällig Frauen aus dem Milieu. Dieser Fall erzählt eben auch davon, wer in dieser Stadt am leichtesten verschwindet und wer erst dann zählt, wenn sich das Grauen nicht mehr vertuschen lässt. Besonders gut hat mir gefallen, wie Charisma von Menningen in diese Umgebung gestellt wird. Dass sie sich als Prostituierte verdingen soll, ist nicht bloß ein sensationeller Aufhänger, sondern ein kluger Perspektivwechsel innerhalb der Serie.

Plötzlich sieht London anders aus, nicht aus Malcolm’s ironischer Distanz, sondern aus einer gefährdeten, körperlich exponierten – wenn auch wehrhaften – Position einer Frau. Gleichzeitig nimmt sich der Band beim Humor nicht zurück. Diese Szenen haben Biss (Sorry, Wortspiel), aber eben auch Witz.

Charisma spielt keine wehrlose Rolle. Sie spielt mit ihrer Rolle. Und Malcolm muss dabei einsehen, wie wenig Kontrolle er wirklich hat. Genau daraus zieht der Comic einen guten Teil seiner Spannung.

Parallel dazu läuft die Geschichte um einen hochbegabten Physiker, der für seine todkranke Tochter an eine Grenze geht, hinter der Wissenschaft nicht mehr sauber von Hybris zu trennen ist. Auch das ist typisch für diese Serie. Sie liebt Laborfantasien, dampfende Apparaturen, große Versprechen und den Moment, in dem Fortschritt vielleicht in Größenwahn kippt.

Ich mag, dass Mennigen diese Ebene nicht trocken erklärt, sondern als emotionalen Motor nutzt. Es geht nie nur um diese Erfindung. Es geht um Verzweiflung, Liebe, Verlustangst und den alten Wunsch, den Tod irgendwie doch zu überlisten. Dadurch bleibt das Science-Fiction-Element im Band nicht bloß Dekor, sondern bekommt ein Herz.

Wenn Witz und Weltuntergang gleichzeitig anklopfen

Was dieser Band besonders gut kann, ist einen ganz bestimmten Ton zu treffen. Ich lese hier einen Geschichte, die Dinge zeigt, die eigentlich unerquicklich sind. Verstümmelte Opfer, dämonische Angriffe, apokalyptische Möglichkeiten. Und trotzdem kippt das Ganze nie in selbstgefällige Düsternis. Dafür sorgt der Humor, vor allem der, der aus den Figuren kommt und nicht aus aufgesetzten Gags. Ein schönes Beispiel ist das Gerücht über eine mögliche Verlobung von Malcolm und Charisma. So ein Einfall könnte albern werden. Hier lockert er die Geschichte auf und zeigt gleichzeitig, wie viel zwischen diesen beiden unausgesprochen herumsteht.

Gleichzeitig merkt ich dem Band an, dass er ein Kapitel in einer fortlaufenden Serie und kein völlig abgeschlossener Einzelband ist. Das ist Stärke und kleine Schwäche zugleich. Stärke, weil die Welt dicht ist, weil Nebenfiguren Gewicht haben, weil jedes neue Abenteuer auf etwas Größeres hinarbeitet. Kleine Schwäche, weil der Band sein Material sehr energisch zusammenhält und deshalb an einigen Stellen fast zu viel in zu kurzer Zeit erzählen muss. Die Übergänge zwischen Serienmörderfall, okkultem Angriff, Wissenschaftsdrama und kosmischer Bedrohung sind spannend, aber nicht immer ganz … „luftig“. Ich war beim Lesen nie verloren, habe aber gespürt, wie dicht Mennigen seine 64 Seiten packen musste.

Trotzdem sitzt der Cliffhanger. Und zwar nicht nur als lautes „To-be-continued“-Schild, sondern als echter Schub nach vorn. Ich habe das Album mit genau dem Gefühl geschlossen, das eine gute Fortsetzungsserie auslösen soll: nicht Sättigung, sondern Vorfreude und ungeduldige Erwartung des nächsten Bandes. Genau darin liegt für mich eine große Qualität von MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON. Der Band will nicht nur gefallen, sondern die Reihe unter Spannung halten. Das gelingt ihm.

Mehr Serienfolge als Einsteigeralbum

Wie schon erwähnt, ist für die Einordnung wichtig, dass die Comics chronologisch nach der Hörspielvorgeschichte spielen und längst ein größeres Netz aus Beziehungen, Mythen und Running Gags aufgebaut haben. Wer hier zum ersten Mal einsteigt, bekommt genug, um dem Fall zu folgen. Ich würde Band 6 trotzdem nicht als idealen Erstkontakt empfehlen.

Zu viel von seinem Charme entsteht aus Vertrautheit mit seinen Figuren und dem Wissen, wie Malcolm und Charisma seit Jahren umeinander kreisen. Oder aus dem Vergnügen, wenn die Finch-Schwestern auftauchen. Und aus dem Gefühl, dass diese Welt schon lange vor der ersten Seite atmet.

Innerhalb der Reihe wirkt der Band für mich wie eine Zuspitzung. Der Fall ist größer, die Bedrohung drastischer, der Blick stärker auf die Serie als Ganzes gerichtet. Darum wird er auch in zwei Alben erzählt. Dazu passt, dass der angekündigte Folgeband AM ENDE DER ZEIT die Linie von Raum, Zeit und Apokalypse ausdrücklich weiterführt.

Ich mag an dieser Entwicklung, dass sie die Serie nicht verrät. MALCOLM MAX bleibt auch dann Malcolm Max, wenn die Bühne wächst. Er bleibt der geschniegelte, grantige Geisterermittler, der lieber einen trockenen Satz setzt, als heroisch zu posieren. Und Charisma bleibt die Figur, die ihm mit Freude jede Attitüde aus dem Gesicht klatscht, sobald sie zu geschniegelt sitzt.

Kurz etwas zu den Machern

Peter Mennigen, Jahrgang 1952, studierte in Köln Kunst und Design und schrieb seit den späten 1970er Jahren für eine erstaunliche Zahl deutscher Comicreihen. Besonders prägend war seine Arbeit für Bastei Titel wie GESPENSTER GESCHICHTEN, SPUK GESCHICHTEN, PHANTOM, CONNY oder FELIX.

Später schrieb er auch für die Verlage Egmont, Panini und Ravensburger und verfasste internationale Stoffe zu Serien wie LUCKY LUKE, DIE SCHLÜMPFE, BESSY und ISNOGUD. Hinzu kommen Hörspiele, Bücher sowie Drehbücher für Fernsehproduktionen wie KÄPT’N BLAUBÄR, TIM THALER und RTL SAMSTAG NACHT. Bei MALCOLM MAX bündelt er viel von dem, was er über Pulp, Serienerzählung, Schauerstoffe und pointierte Dialoge gelernt hat.

Ingo Römling wurde 1969 in Frankfurt am Main geboren und kam aus Illustration, Grafik und Musik zum Comic. Früh arbeitete er für Verlage, Werbeagenturen und später sehr erfolgreich für die Musikbranche als Cover-Illustrator und Layouter. Mit DIE TOTEN machte er sich im deutschen Comic deutlich bemerkbar. Seine Comics METROPOLIA: BERLIN 2099 und DIE CHRONIKEN DES UNIVERSUMS habe ich an dieser Stelle bereits besprochen.

Seit 2013 prägt er gemeinsam mit Peter Mennigen die Welt von MALCOLM MAX. Parallel dazu wurde er mit STAR WARS REBELS zu einem der ersten offiziellen Disney Comiczeichner aus Deutschland. Auch international ist Römling längst unterwegs, etwa über den französischen Verlag Dargaud und Europe Comics. Sein Stil verbindet klassische Lesbarkeit mit digital gestützter Bildfülle und einem sicheren Gespür für Atmosphäre. Genau deshalb passt er so gut zu einer Serie, die zwischen Gasse, Labor und Dämonenportal ständig den Ton wechseln muss.

Fazit

MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON ist für mich ein fast perfekter Band. Fast – denn dafür ist er stellenweise etwas zu dicht und zu verliebt in die Menge seines Materials. Aber genau darin steckt auch seine Kraft.

Ich bekomme einen deutschen Genre-Comic, der seine viktorianische Bühne ernst nimmt, seine Figuren liebt, seinen Humor trocken serviert und sein Grauen nie bloß vordergründig benutzt. Vor allem bekomme ich aber wieder Malcolm und Charisma. Und ehrlich gesagt reicht mir das schon, um glücklich zu sein.

Ich bleibe also dran, obwohl mich – wie bereits erwähnt – Horror selten begeistert. Diese Reihe aber tut das schon. Und auf Band 7 im September 2026 freue ich mich sehr…

• MALCOLM MAX 6 – DER KANNIBALE VON LONDON
• Peter Mennigen und Ingo Römling
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-98721-297-0
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Die Background-Story

Die Ausgangslage klingt erst einmal verlockend. Weekly, der müffelnde, nervige, dabei aber liebenswerte Steinmarder aus ARCTIC NATION und DIE STILLE DER HÖLLE, bekommt seinen eigenen Band. Von der Idee her: Prima!

Wir erfahren, wie der junge Dustin Kalisnowszczyzna – später bekannt als Weekly – mit seiner polnischstämmigen Großmutter Chana im New York der fünfziger Jahre in einem winzigen Apartment lebt. Er schlägt sich mit Gelegenheitsjobs durch, während Chana in der pastoralen Eiferin, Mrs. Lubansky, die Rettung sieht. Gläubig sind sie ja, diese Exilanten.

Pastorin Lubansky bläst zur moralischen Offensive gegen Comics, die sie als Gefahr für die Jugend darstellt. Ihr Mann betreibt derweil ein respektables Bestattungsinstitut, in dem Weekly widerwillig anheuern muss. Parallel landet er bei Proper Comics, einem Verlag von Krimi- und Horrorgeschichten, der – natürlich – im Visier der besagten Tugendwächterin steht.

Wenn das Spin-off plötzlich nach Merchandise schmeckt

Auf dem Papier klingt das nach der idealen Bühne, um Themen wie Coming-of-Age, Medienkritik, Zensurdebatte, Noir-Versatzstücke und familiäre Traumata zu verarbeiten. Dabei ist alles noch wunderbar verpackt in einem Prequel für Hard-Core-Fans einer der erfolgreichsten Serien des frankobelgischen Comic-Marktes. Beim Lesen spüre ich aber schnell, wie stark hier die Marketing-Logik den kreativen Biss beeinflusst hat.

BLACKSAD STORIES – WEEKLY will alles gleichzeitig sein: ein Einstieg für neue Leser bzw. Leserinnen (ja, genau in dieser Reihenfolge) und ein Liebesbrief an … mich und andere Fans der Reihe. Am Ende wirkt es wie ein sehr professionelles Produkt, das genau weiß, wie es aussehen soll, aber nicht genau weiß, warum es erzählt werden muss. 

Ein Steinmarder, zwei Jobs und ein sehr enger Horizont

Der erste Akt der Handlung bleibt dicht bei Weekly. Wir begleiten ihn durch seinen Alltag im heruntergekommenen New York der Nachkriegszeit. Der Junge will mehr, als der enge Korridor aus Schule, billigen Jobs und religiöser Strenge ihm zugesteht.

Seine Großmutter wird von Visionen aus der Vergangenheit geplagt, klammert sich an ihren Glauben und sieht in Comics den Anfang des moralischen Endes. Sie zieht Pastorin Lubansky zu Rate, denn diese Schafsdame führt eine fanatische Kampagne gegen die Schundhefte, wie sie sie nennt. Schon hier setzt Juan Diaz Canales das Thema, auf das der ganze Band abfährt: die moralische Panik rund um Comics und den angeblichen Jugendverfall.

Weekly landet zuerst im Bestattungsunternehmen von Lubansky’s Ehemann. Der Job ist genauso trist, wie man es erwartet kann: Böden werden gefegt, Kisten werden geschleppt, Leichen bewegt und der Mund gehalten.

Giovanni Rigano, der Hauptzeichner, nutzt diese Szenen für ein paar hübsch inszenierte Bildwitze mit Blumenkränzen, Särgen und verlegenen Trauergästen. Gleichzeitig legt Canales Hinweise auf ein schmutzigeres Geschäftsmodell. Der Bestatter pfuscht an Leichen herum und die Behörden schauen weg. Das ist alles solide gemacht, nur bleibt es lange beim Versprechen eines großen Skandals.

Moralpanik zum Mitnehmen

Parallel dazu entwickelt sich Weekly’s Faszination für Proper Comics. Der Verlag produziert Krimi- und Horrorhefte, die deutlich an EC-Comics wie TALES FROM THE CRYPT erinnern. Die moralischen Angriffe von Lubansky spiegeln realhistorische Debatten wider um Fredric Wertham und den Comics Code Authority. Der Band streut Anspielungen auf diese Zeit ein, verweist auf öffentliche Anhörungen und die Angst vor jugendlicher Verderbtheit durch Bilder von Gewalt und Monstern.

Das Problem ist nur, dass der Comic mir das alles wie eine hübsch arrangierte Ausstellung zeigt. Die Figuren reagieren brav entlang ihrer Rollen. Weekly als neugieriger Rebell, Chana als ängstliche Gläubige, Lubansky als Karikatur der Moralpanik. Niemand überrascht mich. Die Szenen funktionieren, aber sie kitzeln mich nicht. Für ein Noir-Universum, das sonst voller Ambivalenzen steckt, bleibt dieser Auftakt erstaunlich glatt.

Comics, Leichen und reichlich Pappfiguren

Im zweiten Akt von BLACKSAD STORIES – WEEKLY zieht Canales dann die Schrauben an. Weekly schleicht zwischen Leichenhalle und Verlag hin und her. Er übernimmt Botengänge, fotografiert heimlich und gerät zufällig an Hinweise, die das Bestattungsinstitut mit zwielichtigen Geschäften verbinden. Tote werden ausgetauscht, mysteriöse Gelder erscheinen und verschwinden und Unterlagen werden manipuliert. Das Bestattungsunternehmen dient als Schleuse für alles, was im offiziellen Amerika der fünfziger Jahre nicht auftauchen darf.

Gleichzeitig bekommt Weekly bei Proper Comics eine echte Chance. Der Verleger Venables will ein Fotokrimiprojekt ausprobieren, weil ihm die Moralwächter alles andere zusammenstreichen. Weekly soll die Bilder liefern. Hier liegt der Kern von Weekly’s späterer Identität als Fotojournalist.

Rigano setzt diese Sequenzen flott um. Die Fotomontagen, die Künstlichkeit des Settings, der Spaß daran, Bilder zu stellen sind die Momente, in denen die Serie mir zeigt, wie Fiktion auf Realität reagiert und sie gleichzeitig formt.

Thriller aus der Schablone

Der Plot verknüpft dies alles mit Lubansky’s Kreuzzug. Die Pastorin nutzt die staatliche Paranoia, um Comics als Feindbild aufzubauen. Der Band schlägt hier deutliche Bögen in die Gegenwart, zu den heutigen Versuchen, Bücher aus Bibliotheken zu verbannen oder Medien für gesellschaftliche Missstände verantwortlich zu machen.

Der Thriller-Plot funktioniert, aber er bleibt schablonenhaft. Der Bösewicht ist offensichtlich, der Verrat kommt absehbar, die Wendungen wirken wie die sauber abgehakten Punkte einer Checklisten für Krimi-Drehbücher.

Für eine Marke, die in WENN ALLES FÄLLT oder IRGENDWO ZWISCHEN DEN SCHATTEN komplexe Machtgeflechte aufzieht, fühlt sich diese Geschichte überraschend brav an. Die moralischen Fanatiker dürfen wüten, aber sie bleiben dabei erstaunlich harmlos.

Vom Pechvogel zum Reporter – eine Abkürzung zu viel

Die letzte Etappe der Handlung führt Weekly in den direkten Konflikt. Er stolpert in eine Verschwörung, wird zur Zielscheibe, gerät zwischen Secret Service, fanatische Gläubige und skrupellose Geschäftsleute. Natürlich gibt es eine persönliche Offenbarung rund um die Vergangenheit seiner Familie. Und doch frage ich mich: Wofür war die nun gut? Hilft sie der Geschichte oder dem Verständnis darum, weshalb Weekly tut, was er tut? Nein!

Canales arbeitet hier mit allen vertrauten Elementen: Rückblende, Enthüllung, moralische Entscheidung. Weekly muss wählen, ob er schweigt und sich in Sicherheit bringt oder ob er Risiko eingeht, um die Geschichte sichtbar zu machen.

Er entscheidet sich – wenig überraschend – mit der Kamera in der Hand für die Wahrheit. In der Logik des Bandes und der BLACKSAD-Reihe ist dies folgerichtig. Als Leser bleibe ich aber auf Distanz. Die innere Entwicklung wirkt wie ein Sprung über mehrere Stufen. Zwischen überfordertem Herumstolpern und klar definiertem Berufsethos klafft eine riesige Lücke, die der Comic – leider – nicht füllt.

Ein Werdegang im Schnelldurchlauf

Dazu kommt ein zweites Problem. Die Nebenfiguren sind zwar zahlreich, aber flach. Lubansky ist als Schaf mit Bibel in der Hand schnell aus erzählt. Ihr Mann bleibt der schleimige Geschäftsmann ohne Facetten. Venables ist der typische zynische Verleger, der zwar ein paar gute Pointen bekommt, aber nie zu einer widersprüchlichen Figur wächst. Selbst Chana, die vom Skript her jede Menge Konflikt in sich tragen sollte, bleibt erstaunlich eindimensional. Ihre Angst, ihr Glaube, ihre Liebe zu Weekly erscheint, wird benannt und verschwindet dann wieder.

Am Ende klappt der Plot zusammen wie ein ordentlich gefaltetes Dossier. Die Bösen werden gestellt, die Geheimnisse erklärt, Dustin erhält sein neues Leben als Weekly und eine neue Jacke (weil die alte ja so stinkt, dass sich niemand daran traut). Für ein Einsteigerpublikum ist das angenehm klar. Für Leserinnen und Leser, die mit IRGENDWO ZWISCHEN DEN SCHATTEN oder DIE STILLE DER HÖLLE sozial und emotional komplexere Stoffe gewohnt sind, fühlt sich dieses Ende wie eine sehr stark vereinfachte Version des bekannten BLACKSAD-Rezepts an.

Routine trifft Riesenerbe

Juan Díaz Canales ist längst kein Newcomer mehr. Er hat mit der Hauptserie BLACKSAD eine Reihe internationaler Preise eingesammelt und sich als einer der wichtigen Autoren im Bereich des europäischen Noir etabliert.

Seine Arbeiten an CORTO MALTESE zeigen, dass er souverän mit historischen und politischen Themen umgehen kann. Seine Karriere begann im Animationsbereich, er gründete ein eigenes Studio, schrieb für Serien und Langfilme und brachte diese Erfahrung erfolgreich in BLACKSAD ein.

Giovanni Rigano kommt ebenfalls aus der Ecke der Auftragsarbeit und der Zeichentrick-Maschinerie. Er hat unter anderem die ARTEMIS FOWL-Graphic Novels gezeichnet, für Disney an THE INCREDIBLES und FLUCH DER KARIBIK gearbeitet und für italienische Verlage Serien wie MONSTER ALLERGY bebildert. Seine Ausbildung an der Scuola del Fumetto in Mailand und sein Weg über die Disney Academy prägen seinen Stil, dynamisch, klar lesbar und mit einer starken Fokussierung auf Bewegung und Mimik.

Wenn der Schöpfer sich selbst zitiert

In BLACKSAD STORIES – WEEKLY prallen diese beiden Profile auf ein gigantisches Erbe. Canales befindet sich in der unangenehmen Situation, sein eigenes Meisterwerk zitieren zu müssen. Er erzählt eine Geschichte, die sich in die Kontinuität der Reihe einfügen soll und die im kollektiven Gedächtnis bereits fest als moderner Klassiker verankert ist. Also geht er den Weg, den viele etablierte Filme und Serien gegangen sind: er wählt eine Vorgeschichte!

Ich habe beim Lesen den Eindruck, dass Canales hier vor allem auf Sicherheit setzt. Die politische Ebene bleibt generisch genug, um niemanden vor den Kopf zu stoßen. Die Figuren tun, was man von ihnen erwartet. Die Dialoge sind sauber, aber selten wirklich zündend. Der Autor liefert solide Arbeit, aber nicht den Funken, der die Reihe um John BLACKSAD ursprünglich ausgezeichnet hat.

Rigano übernimmt die undankbare Rolle als Erbe von Juanjo Guarnido. Er muss den Look so nah wie möglich treffen, damit das Spin-Off als Teil derselben Welt erkennbar bleibt. Gleichzeitig bräuchte er eigentlich Raum für eine eigene Handschrift. Das Ergebnis wirkt wie ein erstaunlich gut gemachter Cover-Song, bei dem man die Originalmelodie jederzeit heraushört und sich fragt, ob man sie nicht lieber direkt hören würde.

Digitales Fell

Optisch sitzt BLACKSAD STORIES – WEEKLY zunächst erstaunlich gut im Regal neben den Bänden von Guarnido. Das Format passt, die anthropomorphen Figuren tragen vertraute Züge, die Farbpalette legt sich mit einem warmen Sepia-Schleier über das New York der fünfziger Jahre. Die Cover-Illustration des Bandes, in der WEEKLY inmitten einer anonymen Masse steht und ein Lichtstrahl auf ihn und den Rücken von John BLACKSAD fällt, gehört für mich zu den stärksten Bildern des gesamten Projekts.

Beim Blättern merkt man allerdings schnell den Unterschied. Guarnido’s ursprüngliche Seiten leben von einer unglaublich dichten, handgemalten Aquarellstruktur (s. Beispielseite aus BLACKSAD 4 – DIE STILLE DER HÖLLE). Die Hintergründe sind vollgestopft mit architektonischen und atmosphärischen Details, das Licht gleitet wie Rauch über Papier, jede Gasse hat ihre Temperatur.

Rigano arbeitet stattdessen digital und das sieht man. Er nutzt saubere, präzise Linien und eine dunkle, sehr kontrollierte, wenn auch rudimentäre Farbgebung. Das macht die Seiten einerseits klar, andererseits aber nicht immer gut lesbar. Zugleich geht aber ein Teil der körnigen Sinnlichkeit verloren, die BLACKSAD bislang ausgezeichnet hat. Meinen persönlichen Geschmack trifft der hier gewählte Ansatz leider nicht.

Noir ohne tiefen Schatten

Ein weiterer Unterschied liegt im Seitenlayout. WEEKLY setzt deutlich stärker auf viele kleine Panels pro Seite. Das passt zum hektischen Alltag eines jungen Botengängers und Fotografen. Es erzeugt Bewegung, Tempo, Slapstick. Gleichzeitig nimmt es dem Comic die großen, atmenden Panel, in denen Guarnido seine Noir-Kompositionen ausspielte.

Die berühmten Splash-Momente aus IRGENDWO ZWISCHEN DEN SCHATTEN oder ARCTIC NATION, in denen eine Straßenszene oder ein Clubraum plötzlich wie ein Gemälde wirkt, finden sich hier kaum.

Die Figuren selbst sind gelungen, aber glatter koloriert. WEEKLY hat eine cartooneske Mimik. Rigano kann diesen Stil, er hat ihn jahrelang perfektioniert. Im Kontext von BLACKSAD nimmt er der Welt aber ein Stück Härte. Blut, Schmutz, Schweiß, Zigarettenrauch, all das ist vorhanden, aber wie mit einem feuchten Tuch abgewischt. Die Zeichnungen sind stark, doch sie wirken selten gefährlich.

Blacksad light – nötig, nett, nicht mehr

Thematisch spielt BLACKSAD STORIES – WEEKLY mit großen Bällen. Zensur im Namen der Moral, Medienhysterie und Manipulation durch Kirche, Staat und Verlag. Die Anspielungen auf die reale Geschichte der US-Comics, auf das Buch SEDUCTION OF THE INNOCENT und den Comics Code sind klar und reizvoll. Der Band deutet immer wieder an, dass Schundhefte und Horrorcover nur die Spitze eines Eisbergs sind, unter dem ein System liegt, das Angst bewusst steuert.

Doch anstatt tief in diesen Eisberg hinein zu fräsen, bleibt der Comic lieber an seiner glatten Oberfläche. Er zeigt mir skurrile Proteste, empörte Predigten und inkompetente Beamte, die sich von moralischen Unternehmern treiben lassen. Dabei gönnt sich mehrere ironische Brechungen, wenn Weekly die Absurdität des Ganzen kommentiert. Er schafft es aber kaum, echte Verzweiflung zu erzeugen. Die Bedrohung bleibt abstrakt, die Betroffenen bleiben Statisten.

Der Band ist eine gelungene Hommage, die aber manchmal so wirkt, als gehöre sie nicht zu der Reihe. Ein Bonus-Album eben oder ein Album für eine komplett andere, jüngere Leserschaft.

Fazit

BLACKSAD STORIES – WEEKLY ist professionell, gut lesbar und in vielen Momenten charmant. Er ist aber auch die bislang entbehrlichste Reise in dieses Universum. Wer mit BLACKSAD beginnen will, greift sehr viel besser zu IRGENDWO ZWISCHEN DEN SCHATTEN oder meinem persönlichen Favoriten ARCTIC NATION.

Wer die Reihe ohnehin komplett sammelt, wird BLACKSAD STORIES – WEEKLY nicht bereuen. Man bekommt einen hübsch gemachten Band, ein paar schöne Szenen und etwas Hintergrund zu Weekly. Wer aber gehofft hat, dass dieses Spin-off die Welt von BLACKSAD erweitert oder vertieft, wird eher einen sauber polierten Schatten des Originals in der Hand halten.

Ob es weitere Bände der BLACKSAD STORIES gibt, wird sich zeigen. Genügend Nebencharaktere mit Potential wären vorhanden.

Trotz aller Kritik bleibe ich bei einer klaren Empfehlung mit Einschränkungen. Wenn du das Universum liebst und wissen willst, wie Weekly zu dem Reporter wurde, den du kennst, dann lies‘ den Band. Lies ihn mit einem wachen Blick. Vergleiche aber, was er erzählt, mit dem, was die Hauptserie wagt.

Vielleicht hilft dir genau dieser Kontrast zu verstehen, warum BLACKSAD als Reihe so stark ist. Und warum es manchmal nicht reicht, eine gute Idee einfach in ein vertrautes Fell zu stopfen.

BLACKSAD STORIES – WEEKLY

© Carlsen Comics | Hardcover | 64 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★☆☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★☆☆

Humor: ★★★☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆

ISBN: 978-3-551-80741-0

Die Bände der BLACKSAD-Reihe:

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Es beginnt unscheinbar. Die Supermarkt-Kassiererin Antonia (genannt Toni) rettet einem alten Mann, der gedankenverloren vor eine Straßenbahn läuft, das Leben. Sie wird verletzt, der Mann verschwindet und Toni fühlt sich fortan seltsam verfolgt. Schon bald ist in ihrem Leben nichts mehr wie zuvor.

Blutige Schatten zwischen Mosaiken

Kaum zurück im Alltag, überschlagen sich die Ereignisse. In unmittelbarer Nähe eines von Gaudí entworfenen Gebäudes wird eine brutal entstellte Leiche gefunden. Details des Mordes erinnern an rituelle Praktiken. Die Eingeweide des Opfers sind grausam zur Schau gestellt und schon bald zieht ein kaltblütiger Serienmörder eine blutige Spur durch die gesamte Stadt. Die Verbindung: An jedem Tatort spielt die Architektur Gaudís eine zentrale Rolle.

Inspektor Calvo, einst ein gefeierter Ermittler, heute von seinem Dienst suspendiert und mit Privatproblemen beladen, verfolgt die Spuren. Er entdeckt Gemeinsamkeiten zwischen den Opfern und der Geschichte Gaudí’s. Der Geist des Architekten scheint (wortwörtlich) durch die Straßen Barcelonas zu wandeln. Calvo erkennt Zusammenhänge, die seine Polizeikollegen ignorieren. Seine Vorgesetzten unterschätzen dabei die Gefahr.

Mysterien im Herzen Kataloniens

Auch Toni fühlt sich immer tiefer in den Strudel aus Illusionen, Kunst und Mord hineingezogen. Sie glaubt, den Geist Gaudís gesehen zu haben. Halluzinationen vermischen sich mit Realität. Dabei geraten Calvo und Antonia unabhängig voneinander ins Zentrum dieser Mordserie. Die Ermittlungen führen sie in bisher verborgene Ecken der Stadt, aber auch in ihre eigenen Vergangenheit.

Der finale Showdown findet hoch über der Stadt – unübersehbar – auf der Sagrada Família statt. Inspektor Calvo, Antonia und der Täter treffen hier aufeinander. Es kommt zum Showdown, bei dem sich Wahnsinn, Obsession und das Streben nach einer göttlichen Kunst tragisch entladen. Der Fall endet so spektakulär wie die Kulisse, in der er sich abspielt. Und am Ende bleibt die Frage: Sind in dieser Stadt die Toten wirklich tot?

Von Morden und Meisterwerken

GAUDIS GESPENST entfaltet sich als Krimi, der weit mehr ist als bloße Polizeiarbeit eines Whodunit-Falles. Die Handlung nimmt Fahrt auf, sobald Antonia dem Alten begegnet und damit quasi mit Gaudí in Kontakt tritt. Von hier an steuert die Geschichte mit klarem Ziel auf ihren dramatischen Schlusspunkt zu.

El Torres (bürgerlich Juan Antonio Torres Garcia) versteht es, die Elemente des klassischen Whodunit mit Horrorelementen und einem Hauch Übersinnlichem zu vermengen. Besonders gelungen wirkt seine Kombination realer, architektonischer Schauplätze mit einer Nerven aufreibenden Mörderjagd.

Immer wieder spielt der Autor die Faszination aus, die von Gaudís Bauwerken ausgeht. Die Erzählstruktur verschachtelt er dabei bewusst. Rückblenden geben Einblick in Calvo’s Vergangenheit. Träume und Visionen lassen Realitäten und Fantasien verschwimmen.

Narrativ arbeitet El Torres mit klaren Schnitten. Die Panels folgen dicht aufeinander, erlauben kaum eine Pause durchzuatmen. Wir werden so sehr schnell in den Sog der Enthüllungen hinein gezogen. Gleichzeitig bleibt aber genügend Raum für die handelnden Figuren, sich zu entfalten.

Der Spannungsbogen hält, auch weil El Torres konsequent auf überflüssige Nebenhandlungen verzichtet. Jede Szene greift unmittelbar ins Hauptthema ein. Was dient der Handlung? Alles! Wer sich für klassische Kriminalgeschichten interessiert, findet zahlreiche Referenzen von modernen Serienkillergeschichten bis hin zur der Art, wie Edgar Allan Poe seine Geschichten erzählte. Die Dramaturgie führt vom vermeintlich Zufälligen zum Unentrinnbaren.

Wer Barcelona schon einmal besucht hat, wird viele Handlungsorte wiedererkennen und – wie ich – in Erinnerungen schwelgen können.

Zwischen Menschen und Mythos

Antonia steht im Mittelpunkt dieser Erzählung. Als einfache, bodenständige Kassiererin ist sie alles andere als eine klassische Heldin. Gerade das macht ihren Werdegang glaubwürdig. Ihr skeptischer Blick auf die eigenen Halluzinationen, der Kampf mit der Realität verleiht dem Werk psychologische Tiefe. Antonia ist weder Ermittlerin noch Opfer, sondern eine zutiefst menschliche Figur mit Fehlern, Ängsten und einer Verbundenheit zu ihrer Stadt.

Demgegenüber wirkt Inspektor Calvo anfangs wie ein abgedroschenes Klischee. Ein in Ungnade gefallener Ermittler, geplagt von Fehlern, isoliert vom Apparat. El Torres gelingt es aber, ihm überraschende Nuancen zu geben. Seine Besessenheit von der Aufklärung des Falls, sein Zerbrechen an inneren Dämonen, seine Nähe zur Kunst Gaudí’s – all das sorgt für Dramatik und Empathie bietet schnell Identifkationspotential.

Der Antagonist bleibt lange anonym. Er agiert wie ein Schatten, ein Gespenst im Takt der Stadt. Erst spät klärt sich, welche Motivation ihn antreibt und wie seine Taten mit Gaudí’s Vermächtnis verwoben sind.

Auch Nebenfiguren wie Antonia’s Sohn oder Calvo’s frühere Kollegen erhalten ausreichend Tiefe, um aktiv etwas zur Handlung betragen zu können. Die Entwicklungsideen sind zwar klassisch, werden aber so präzise umgesetzt, dass sie nie ins Abgedroschene abgleiten.

Teamwork zwischen Horror und Historie

El Torres und Iglesias erschaffen gemeinsam ein Werk, das Kriminalplot und Künstlerbiografie vereint. Die Konstellation funktioniert, weil Beide an den Grenzen ihrer jeweiligen Genres arbeiten. Genau dieser Crossover-Charme ist es, der mich neben den Zeichnungen angezogen hat.

El Torres, Jahrgang 1972, ist ein Veteran der spanischen Comiclandschaft. Er schuf zahlreiche, international beachtete Arbeiten. Darunter das Höllenspektakel NANCY IN HELL, der irre Mystery-Trip THE SUICIDE FOREST und die Fantasy-Reihe ROGUES!.

Mit GAUDIS GESPENST kombiniert er seine Stärken, nämlich eine sichere Hand für Thrillerstrukturen und ein feines Gespür für das Surreale. Torres experimentiert mit Erzählrhythmen und Schemen, bleibt dabei aber immer zugänglich.

Jesus Alonso Iglesias setzt das Szenario großartig in Szene. Bekannt wurde er unter anderem durch seine Arbeit an der Westernserie DIE DALTONS. Sein Werdegang reicht von Animationsdesigner bis zum Comiczeichner für den französischen und spanischen Markt. Dem Animationsdesigner in ihm verdanken wir die beweglichen, lebensechte Figuren dieser Welt. Der Stil von Iglesias kombiniert expressive Linien mit detailreicher Architektur. Er arbeitet auffällig mit Kontrasten aus Licht und Schatten, Weite und Enge, Fantasie und Realität.

Farbenzauber und Fassaden

Die Zeichnungen von Jesus Alonso Iglesias geben GAUDIS GESPENST ein Gesicht. Iglesias versteht es, die Lichtstimmungen Barcelonas einzufangen. Seine Panels sind voller Dynamik und sehr lebendig. Besonders die Darstellungen von Gaudí’s Bauwerken stechen heraus. Iglesias nutzt weiche Übergänge, expressiven Strich und eine tiefe Farbpalette, um Bewegung und Statik nebeneinander zustellen.

Die Gesichter und die Körpersprache seiner Figuren wirken leicht karikiert. Dadurch entsteht bei uns eine emotionale Distanz, die die Brutalität der Handlung erträglicher macht. Die Farbgebung ist nicht nur illustrativ, sondern erzählerisch eingebunden. Je nach Stimmung verschieben sich Farbtöne, die Atmosphäre wird durch die jeweiligen Farbkontraste unterstützt. Blutige Momente erschüttern durch ihre Kälte. Friedliche Sequenzen atmen mediterrane Wärme.

Der Panel-Aufbau des Albums bleibt weitgehend klassisch. Gleichzeitig wirken einige Seiten wie architektonische Skizzen: Perspektiven springen, Kameraschwenks betonen das Monumentale. Gerade in den Szenen, in denen die Sagrada Família im Fokus steht, verschmelzen Zeichnung mit Architektur.

Wo die Erzählung in surreale Sequenzen abgleitet, wird diese Formalität jedoch durchbrochen. Panels verschwimmen, Perspektiven kippen, Gewissheiten verbiegen sich wie Wachs in der spanischen Sonne. Auf diese Weise verschafft uns Iglesias u.a. auch visuell Einblick in die geistige Verfassung von Toni.

Der Geist des Modernisme

GAUDIS GESPENST zieht seinen Zauber aus der Verschränkung von Fiktion und Geschichte. Antoni Gaudí, Schöpfer der Sagrada Família, prägte das Bild Barcelonas wie kaum ein anderer. Sein Leben war vielfach tragisch. Ein Unfall beendete es viel zu früh. Seine Werke stehen in der Realität als Mahnmale einer Epoche, die Schönheit und Chaos verband.

Die eingebetteten Verweise auf Barcelonas Kunstgeschichte, den Modernisme, die Psychologie des urbanen Lebens und das Unvollendete der Sagrada Família, all das ist kein aufgesetztes Bildungskalkül. Vielmehr bereichert es die Handlung und macht die Lektüre auch für Leserinnen und Leser zu einem Vergnügen, die an Architektur interessiert sind.

Mord und Moderne

GAUDIS GESPENST wurde erstmals 2015 auf Spanisch veröffentlicht. Die deutsche Ausgabe folgte 2016 bei Salleck Publications. Und doch wirken die Themen des Comics heute frisch und aktuell: Serienkriminalität, das Verhältnis von Kunst und Öffentlichkeit, die Zerrissenheit moderner Städte. All das findet ein Echo im heutigen Barcelona, aber ebenso in vielen anderen Metropolen.

Das Buch spricht auch gesellschaftlich relevante Themen wie Vereinsamung, soziale Spannungen und psychische Gesundheit an. Damit hebt sich der Comic wohltuend von anderen – häufig trivialen – Werken ab.

Besonderheiten, Innovationen, Details

GAUDIS GESPENST bleibt zwar grafisch und erzählerisch meist konventionell, überrascht aber durch ausgefeilte Detailverliebtheit. Besonders die im Anhang mitgelieferten Skizzen, alternativen Cover-Entwürfe und die Making-of-Notizen lassen uns nach dem Ende der Geschichte noch einmal hinter den kreativen Vorhang blicken. Diese Einblicke in den kreativen Prozess empfand ich gerade bei diesem Band als besondere Würze.

Obwohl der Comic für sich alleine steht, wäre eine Fortsetzung im gleichen Kosmos mit Antonia und Calvo durchaus denkbar. Bislang bleibt GAUDIS GESPENST jedoch ein Einzelband mit starker persönlicher Handschrift. Leider, muss ich sagen.

Fazit

Im Genre des Kunstkrimis erscheint GAUDIS GESPENST als vielschichtiges und atmosphärisches Werk. Der Comic bringt inspirierte Erzählkunst und kenntnisreiche Zeichensprache zusammen. Für Fans intelligenter Krimis mit düsteren Seiten ist der Band ein Muss.

Obwohl seine Zeichnungen karikaturhaft und im ersten Augenblick vermeintlich kinderfreundlich daher kommen, sind einige Stellen des Albums alles andere als kindgerecht. Sie sind brutal und blutig. Subtil ist dieser Comic nicht. Also Achtung!

Architektur-Begeisterte, Kunsthistoriker und Barcelona-Urlauber finden zahlreiche Anspielungen, die sie attraktiv finden werden. Gelegenheitsleser genießen die Spannung und die ungewöhnliche Kulisse. Besonders für Leserinnen und Leser, die Comics abseits angloamerikanischer Superhelden suchen, lohnt das Eintauchen in diesen Barcelona-Krimi.

Wer Lust auf Mystery, Urbanität und eine große Portion spanisches Flair verspürt, sollte sich GAUDIS GESPENST unbedingt gönnen. Der Band bleibt im Gedächtnis und macht Lust auf weitere Werke dieses kreativen Duos.

GAUIS GESPENST

© Salleck Publications Verlag | Hardcover | 124 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★☆☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★☆☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆

ISBN: 978-3-89908-599-0

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Auch in deutschen Buchhandlungen, Drogerien oder Einkaufsläden finden sich neben den üblichen Waren immer öfter Ständer mit den aktuellsten Bilderbüchlein erfolgreicher, asiatischer Serien. Immer wenn ich vor einer solchen Wand mit Dutzenden Bänden stehe und die Trennschilder mit den unterschiedlichen Kategorien sehe, fühle ich mich von dieser Vielfalt erschlagen. Was ist das alles? Ist das alles etwas für mich? Oder nur bestimmte Ausgaben? Wer soll denn da den Überblick behalten? Manga? Manhwa? Shōnen? Häää?

So ging das nicht weiter. Also habe ich mich als alternder Comic-Begeisterter ohne Zugang zur MANGA-Welt einmal auf den Weg gemacht, um mir die Unterschiede anzuschauen. Man(n) lernt schließlich nie aus. Also:

MANGA bedeutet frei übersetzt etwa „flüchtige Bilder“ und ist heute nicht nur eine Kunstform, sondern ein globales Phänomen. Ob Jugendliche in Europa, junge Erwachsene in den USA oder Leserinnen und Leser in Lateinamerika: Überall finden sich Fans, Costume Player (= Cosplayer) und MANGA-Clubs. Was dabei oft vergessen wird, Japan ist zwar das Ursprungsland, aber längst nicht das einzige Land mit einer lebendigen Comic-Kultur: in Korea gibt es die MANHWA (만화) und in China die MANHUA (漫画), die beide in den letzten zwei Jahrzehnten stark an internationalem Gewicht gewonnen haben.

Bildergeschichten, die um die Welt gingen

Dieser Blogbeitrag nimmt Dich mit auf eine kleine Weltreise durch die Bildgeschichten Asiens. Fangen wir mit der Entstehungsgeschichte an und klären, warum MANGA heute nicht mehr nur Lesestoff, sondern ein Lifestyle geworden sind. Keine Angst: Du musst weder japanische Grammatik meistern noch ein Kalligrafie-Diplom haben. Alles kommt leicht verdaulich serviert und ideal für – uns – Neulinge, die sich wie ich fragen, ob „Shojo“ eine Nudelsorte oder doch eine MANGA-Gattung ist.

Von buddhistischen Rollbildern bis Astro Boy

Die Wurzeln des MANGA führen weit zurück. Streng genommen finden sich erste bildhafte Erzählungen bereits im 12. Jahrhundert. Hierbei handelt es sich um sogenannte „Emakimono“, lange Bildrollen, die Szenen aus dem Alltag oder der Religion darstellen. Besonders berühmt ist das „Choju-giga“, eine Bilderrolle mit tanzenden Fröschen und Kaninchen, die bereits erstaunlich komisch wirkt. Man könnte sagen, dass es sich hierbei um den ersten Cartoon-Slapstick Japans handelt, nur ohne Streaming-Abo.

Im 18. und 19. Jahrhundert kam der Farbholzschnitt Ukiyo-e auf, jene schönen Drucke von Geishas und Landschaften, die heute in Museen hängen. Einer der wichtigsten Vertreter, Katsushika Hokusai, benutzte erstmals den Begriff MANGA, um seine lockeren Skizzen zu betiteln.

Doch erst im 20. Jahrhundert nahm das MANGA-Phänomen richtig Fahrt auf. Nach dem Zweiten Weltkrieg brannte Japan auf Ablenkung und Unterhaltung. Hier trat Osamu Tezuka auf den Plan, der von Fans ehrfürchtig auch der Gott des MANGA genannt. Mit seinem Werk ASTRO BOY (im Original TETSUWAN ATOMU) erschuf er einen Science-Fiction-Helden, der nicht nur kindgerecht war, sondern auch komplexe moralische Fragen stellte. Tezuka revolutionierte die Panelgestaltung, ließ die Bilder filmisch fließen und setzte damit Maßstäbe, die bis heute gelten.

Spätestens ab den 1960er-Jahren wurde MANGA ein Massenphänomen, mit dicken Wochenausgaben, die Millionenauflagen erreichten. Von diesem Fundament aus breitete sich die Kunstform in alle Genres und Zielgruppen aus – und zur Überraschung des Westens bald auch weit über die japanische Insel hinaus!

MANGA erobern die Welt

Während MANGA in Japan längst zum Alltag gehörten, war der Westen zunächst skeptisch. In den 1980er- und 1990er-Jahren schwappte die Welle zuerst durch Anime-Serien im Fernsehennach Europa und Nordamerika. Wer heute zwischen 25 und 40 ist, erinnert sich sicher an Nachmittage mit SAILOR MOON, DRAGON BALL oder POKEMON. Meist kamen diese Geschichten zuerst als Anime (eine Art asiatischer Zeichentrickfilm), bevor man entdeckte „Moment – DAS gibt’s ja auch als MANGA!“

Parallel dazu erwachten auch andere asiatische Länder. In Südkorea entwickelten sich MANHWA, die anfangs noch stark japanisch inspiriert waren, aber sehr schnell eigene Wege gingen. Heute gibt es vor allem die digitalen Webtoons, die man bequem mit vertikalem Scrollen statt klassischem Umblättern auf dem Smartphone liest. Titel wie SOLO LEVELING oder TOWER OF GOD wurden globale Erfolge.

Und dann natürlich China. Obwohl dort die Comic-Kultur durch politische Zensur manches Mal gebremst wurde, entstanden großartige MANHUA, die sich oft historischen Stoffen widmen oder bei Martial-Arts-Themen bedienen. Serien wie THE KING’S AVATAR oder BATTLE THROUGH THE HEAVENS zeigen, dass chinesische Künstler längst ein internationales Publikum ansprechen.

Heute ist die Lage klar: Was früher eine exotische Nische war, ist zum Mainstream geworden. Nicht selten finden sich MANGA in den Bestsellerlisten neben Romanen von Literaturnobelpreisträgern. Und wenn man bedenkt, dass NETFLIX Serien wie ONE PIECE oder YU YU HAKUSHO (ein Geisterdetektiv jagt Dämonen) als Realfilm-Adaptionen produziert, ist klar: Das Bilderlesen aus Asien ist längst zu einem maßgeblichen Teil der globalen Popkultur aufgestiegen.

Shōnen: Die Helden der Jugend

Zeit für die Stil-Richtungen! Beginnen wir mit dem Shōnen (少年, wörtlich Junge). Wie der Name schon verrät, richtet sich dieses Genre primär an Jungs zwischen etwa 12 und 18 Jahren, wobei längst auch Millionen Mädchen und Erwachsene mitlesen.

Was kennzeichnet Shōnen? Ganz klar Action, Abenteuer, Freundschaft und Durchhalteparolen. Der typische Held ist jung, hat große Träume, beginnt als Außenseiter und kämpft sich mit Entschlossenheit nach oben. Oft gibt es Rivalen, härter werdende Gegner und natürlich epische Kämpfe. Der Soundtrack dazu läuft quasi im Kopf automatisch mit.

Beispiele für diese Richtung sind DRAGON BALL von Akira Toriyama (Goku und seine Freunde auf der Suche nach mystischen Kugeln), NARUTO von Masashi Kishimoto (ein Junge, der Dorfoberhaupt werden möchte, meistert dabei Ninja-Fähigkeiten) oder ONE PIECE von Eiichirō Oda (die neben dem FLUCH DER KARIBIK wohl bekannteste Piratenabenteuergeschichte unserer Zeit, die inzwischen seit Ende der 1990er-Jahre andauert).

Die Formel dahinter ist einfach, aber wirkungsvoll: Helden müssen nicht perfekt sein – solange sie nicht aufgeben!

Shōnen hat den MANGA international bekannt gemacht. Es gibt sogar ein eigenes Magazin, das „Shōnen Jump“, das seit Jahrzehnten das epische Sprungbrett für unzählige Serien ist.

Shōjo: Liebe, Glitzer, Freundschaft

Auf der anderen Seite gibt es Shōjo (少女, Mädchen). Dieses Genre richtet sich nominell an Mädchen und junge Frauen im Teenager-Alter. Aber auch hier gilt, dass die Grenzen fließend sind und Jungs die Stoffe längst genauso begeistert lesen.

Shōjo bedeutet bunte Welten, elegante Zeichnungen, große Augen (ja, noch größer!) und Emotionen, die von himmelhoch jauchzend bis zu Tode betrübt reichen. Typische Themen sind Freundschaft, erste Liebe, Selbstfindung, sowie manchmal Magie und Zauber.

Berühmte Beispiele sind SAILOR MOON von Naoko Takeuchi (Magische Mädchen in Schuluniformen, die gegen das Böse kämpfen und dabei gleichzeitig Mathe-Tests bestehen müssen), FRUITS BASKET von Natsuki Takaya (eine romantische Komödie mit einer Familie, die durch einen Fluch in Tiergestalten verwandelt wird) oder OURAN HIGH SCHOOL HOST CLUB von Bisco Hatori (ein ironisches Spiel mit Rollenbildern, Liebe und Verwechslungen in einem Eliteschulclub).

Shōjo-MANGA sind ein großer Exporterfolg, nicht zuletzt, weil sie oft universelle Themen wie Selbstfindung oder erste Liebe behandeln. Zudem überschneiden sie sich immer öfter mit Shōnen-Elementen. Heute gibt es starke Heldinnen, Action-Szenen und komplexe Handlungsstrukturen, die weit über das alte Mädchen-trifft-Junge-Schema hinausgehen.

MANGA für Erwachsene: Seinen …

Doch MANGA sind keineswegs nur für Jugendliche gedacht. Ab einem gewissen Alter will man vielleicht keine Schuluniformen oder Superkräfte mehr sehen, sondern Geschichten, die näher an der Realität sind. Hier kommen zwei weitere Sparten ins Spiel: Seinen (青年, junger Mann) und Josei (女性, Frau).

Seinen richtet sich an Männer ab etwa 18 Jahren, oft mit dunkleren, komplexeren Themen. Gewalt, Politik, Gesellschaftskritik oder tiefe psychologische Analysen sind normal.

Beispiele hierfür sind Serien wie BERSERK von Kentarō Miura (ein düsteres Fantasy-Epos um den Schwertkämpfer Guts, bei dem Schauspieler Kenau Reeves Vorbild ist, brutal, tragisch und künstlerisch monumental), MONSTER von Naoki Urasawa (ein Thriller, der in Deutschland spielt und Fragen nach Moral und Schuld stellt) oder GHOST IN THE SHELL von Masamune Shirow (Cyberpunk, Künstliche Intelligenz und philosophische Identitätsfragen).

… und Josei

Josei dagegen richtet sich an ein erwachsenes weibliches Publikum und zeigt oft Liebesgeschichten mit realistischem Blick auf Beziehung, Beruf und Alltag.

Beispiele sind NANA von Ai Yazawa (über Freundschaft, Liebe und die Höhen und Tiefen der Jugend in Tokio) oder HONEY AND CLOVER von Chika Umino (eine bittersüße Geschichte um Studenten, erste Jobs und das Erwachsenwerden).

Beide Kategorien zeigen, dass MANGA genauso tiefgründig, komplex und literarisch sein können wie klassische Romane oder Filme.

MANHWA: Koreas Webcomic-Wunder

Nun richten wir den Blick nach Korea. MANHWA bedeutet dasselbe wie MANGA, also schlicht „Comic“. Aber die moderne MANHWA-Szene unterscheidet sich deutlich von der japanischen.

Besonders prägend war die digitale Revolution. Während in Japan lange klassische Taschenbücher dominierten, setzte Korea früh auf Online-Plattformen. Webtoons boomten. Man scrollt auf dem Handy einfach endlos weiter, Panels sind für vertikale Darstellung optimiert und Farben sind Standard statt Ausnahme.

Berühmte Beispiele sind TOWER OF GOD von SIU (ein epischer Fantasy-Aufstieg durch einen mysteriösen Turm), SOLO LEVELING von Chugong (ein schwacher Jäger, der plötzlich beispiellose Kräfte erhält) oder THE BREAKER (ein Martial-Art-MANHWA, der Spannung und Humor verbindet).

MANHWA sind international nicht nur als Lesevergnügen beliebt, sondern oft als Grundlage für K-Dramen. Manche Webcomics werden eins zu eins als Realserien umgesetzt, wodurch die Reichweite faktisch explodiert.

Korea hat damit einen eigenen Weg gefunden. Während MANGA historisch gewachsen und verwurzelt sind, wirkt MANHWA wie das Kind des Digitalzeitalters, flexibel, global und mobil-first.

MANHUA: Bilder aus dem Reich der Mitte

China blickt auf eine lange Tradition bildlicher Erzählkunst zurück, von Tuschezeichnungen bis hin zu politischen Karikaturen. Der Begriff MANHUA (漫画) existiert wie der japanische MANGA schon lange und wurde in der Moderne vor allem für Comics verwendet.

Lange Zeit stand die Szene unter strenger staatlicher Aufsicht, weshalb die verarbeiteten Themen oft vorsichtiger gewählt wurden. Doch seit den 2000er-Jahren entwickelt sich auch im Land der Mitte eine lebendige, eigenständige Comic-Szene.

Viele MANHUA basieren auf Online-Novels (Romane, die kapitelweise im Internet veröffentlicht werden) und tragen stark romantische, historische oder fantastischen Züge.

Bekannte Beispiele sind THE KING’S AVATAR von Quan Zhi Gao Shou (über einen E-Sport-Profi, der sich ins Gaming zurückkämpft), BATTLE THROUGH THE HEAVENS von Dou Po Cangqiong (ein opulentes Fantasy-Abenteuer mit Martial Arts) oder FOX SPIRIT MATCHMAKER (romantisch, verspielt und enorm populär in Asien).

Während MANGA und MANHWA noch stärker in Serien- und Printformaten gedacht wurden, vernetzen sich MANHUA schnell mit Animation und Online-Plattformen. Chinesische Werke erreicht man heute weltweit über Streamingdienste oder Übersetzungen im Netz. Damit schließt China in Riesenschritten zu dem einstmals japanisch dominierte Comic-Universum auf.

Und wer Manhwa und Manhua immer noch nicht auseinander halten kann, merkt sich einfach das „W“ der Webtoons der Koreaner in Manh(w)a und … Zack, Eselbrücke fertig! (auf japanisch: Nīmonikku kansei ニーモニック完成！)

MANGA als globales Kulturerbe

Am Ende unserer Reise wird klar: Ob Shōnen-Piraten, Shōjo-Zauberinnen, düstere Seinen-Fantasy oder scrollbare Webtoons: Asien’s Bildergeschichten sind ein eigener Kosmos. Was als „seltsame Zeichnerei“ begann, ist heute Mainstream-Kultur.

MANGA, MANHWA und MANHUA funktionieren wie Spiegel der Gesellschaften, in denen sie entstehen. Während MANGA mit ihrer Vielseitigkeit jahrzehntelang die Blaupause lieferten, zeigen MANHWA, wie ein Land seine digitale Innovation in Popkultur umsetzt. MANHUA wiederum fügen eine Mischung hinzu aus Onlinekultur, Tradition und staatlichem Rahmen, manchmal gebremst, manchmal überraschend frei.

Alle zusammen bilden sie einen kulturellen Export, der weit über buntes Papier hinausgeht. Sie beeinflussen Mode, Musik, NETFLIX-Produktionen und sogar die Sprache Jugendlicher weltweit.

Und egal, ob man mit DRAGON BALL aufgewachsen ist, gerade SOLO LEVELING durchscrollt oder sich für die nächste K-Drama-Anpassung eines MANHUA freut, man ist Teil einer globalen Fangemeinde. Eine, die zeigt: Geschichten brauchen keine Grenzen, solange sie großartige Bilder haben. Und diese Gemeinschaft mit der ihr eigenen Subkultur aus Cosplayern tritt seit Jahren auf Comic- und Manga-Messen, aber auch auf Düsseldorf’s Japan-Tag verstärkt in Erscheinung.

Ich selbst habe nur einen MANGA wirklich gelesen, verschlungen um ehrlich zu sein: HIKARU NO GO (ein Junge wird vom Geist eines GO-Meister besessen und lernt das Spiel, obwohl er hierzu eigentlich keine Lust hat und bringt es zur Meisterschaft). Aber das lag damals wohl an meiner Begeisterung für das Spiel…

Also: Wer sich je fragte, ob MANGA nur „Kinderkram“ ist, darf beruhigt sein. Es ist längst Weltliteratur in Bildern. Nur mit mehr Laserstrahlen, fliegenden Fäusten und romantisch funkelnden Augen. Comics haben da in unserer Welt leider immer noch einen schweren Weg vor sich …

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Ihr Ehemann Roland ist nicht nur der Stadtvogt, sondern auch der führende Hexenjäger des Dorfes. Er ist ein Mann, dessen Kreuzzug gegen vermeintliche Ketzer das Dorf in einen Strudel aus Misstrauen und Gewalt reißt. Ingrid selbst ist unglücklich in ihrer Ehe, gefangen zwischen gesellschaftlichen Erwartungen und eigenen Sehnsüchten.

Die Handlung nimmt Fahrt auf, als ein prominentes Mitglied der Dorfgemeinschaft ermordet aufgefunden wird. Roland nutzt den Vorfall, um seine Hexenjagd noch erbarmungsloser voranzutreiben. Niemand ist mehr sicher, auch Ingrid nicht. Während sie versucht, das Geheimnis um den Mord zu lüften, wird sie von einer schattenhaften Gestalt heimgesucht, die sie nachts in ihren Träumen besucht.

Diese Begegnungen sind gleichermaßen bedrohlich wie verführerisch. Ist der nächtliche Besucher ein Dämon, ein Produkt ihrer unterdrückten Wünsche oder gar der Schlüssel zu ihrer Befreiung? Die Grenzen zwischen Traum und Wirklichkeit verschwimmen zunehmend und Ingrid gerät immer tiefer in einen Strudel aus Begierde, Angst und dunkler Magie.

Ganz normaler Horror

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE spielt virtuos mit Elementen des Folk Horror und verbindet historische Realität mit sinnlicher, übernatürlicher Spannung. Die Geschichte bleibt dabei stets vielschichtig und vermeidet einfache Antworten. Ingrid steht für die Sehnsucht nach Selbstbestimmung, aber auch für die Gefahren, die mit dem Ausbruch aus gesellschaftlichen Zwängen einhergehen.

Die Atmosphäre ist dicht, die Bedrohung allgegenwärtig und doch schwingt immer eine verführerische Note mit, die den Comic von klassischen Hexenverfolgungsgeschichten abhebt. Und doch ist SOMNA tief verwurzelt in der Geschichte der europäischen Hexenverfolgung, die wohl zwischen 40.000 und 60.000 Opfer forderte.

Zwei Visionärinnen, ein Comic

Becky Cloonan und Tula Lotay sind keine Unbekannten in der Comic-Welt, im Gegenteil. Beide haben sich längst als Ausnahmetalente etabliert. Cloonan, bekannt für Werke wie BY CHANCE OR PROVIDENCE und ihre Beiträge zu WONDER WOMAN, steht für atmosphärische, kraftvolle Erzählungen mit einem Hang zum Düsteren. Ihr Stil ist geprägt von klaren Konturen und einer Vorliebe für die Abgründe der menschlichen Seele.

Tula Lotay (eigentlich Lisa Wood) ist vor allem für ihre Arbeiten an BARNSTORMERS und zahlreiche Cover-Illustrationen für DC und Image Comics bekannt. Ihr Markenzeichen ist ein weicher, fast träumerischer Stil, der mit Farben und Licht spielt und die Grenzen zwischen Realität und Fantasie verschwimmen lässt. Lotay ist Mitbegründerin des THOUGHT BUBBLE FESTIVALS, einer der wichtigeren Comic-Conventions Europas und hat sich auch als Innovatorin einen Namen im Bereich des grafischen Erzählung gemacht. Lotay liebt das Surreale, das Sinnliche. Genau das macht sie zur perfekten Partnerin für dieses Projekt.

SOMNA ist das erste große Gemeinschaftswerk der beiden Künstlerinnen, die hier nicht nur gemeinsam schreiben, sondern auch jeweils eigene Kapitel illustrieren. Cloonan übernimmt die Tages- und Realweltszenen, Lotay die Nacht- und Traumsequenzen. Diese bewusste Trennung hebt die unterschiedlichen Perspektiven hervor und sorgt für einen spannenden visuellen Kontrast, der die thematische Dualität von SOMNA unterstreicht.

Die Zusammenarbeit der beiden ist das Ergebnis einer langen Freundschaft und kreativen Verbundenheit. Die Idee zu SOMNA soll bereits vor über zehn Jahren entstanden sein, als beide auf einem schwedischen Comic-Event gemeinsam auf einem Wikinger-Grabhügel standen und sich ein Versprechen gaben, irgendwann zusammenzuarbeiten.

Diese kreative Synergie ist auf jeder Seite spürbar. SOMNA lebt vom Wechselspiel der Stile, von der gegenseitigen Inspiration und dem Mut, erzählerische und künstlerische Grenzen auszuloten.

Zwischen Sinnlichkeit und Schrecken

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE hebt sich deutlich von klassischen Horror-Comics ab. Der Band ist ein Paradebeispiel für modernen Folk Horror, inspiriert von Filmen wie MIDSOMMAR oder THE WITCH. Die Geschichte nutzt historische Kulissen nicht nur als Hintergrund, sondern als Spiegel für zeitlose Themen wie z.B. weibliche Selbstbestimmung, Unterdrückung, Angst vor dem Fremden und die Macht der Begierde.

Eine der größten Neuerungen ist der bewusste Wechsel der Zeichenstile. Cloonan’s klare, fast strenge Linien stehen für die harte Realität des Dorflebens, während Lotay’s weiche, verschwommene Bilder für die verführerische, aber auch gefährliche Welt der Träume und Sehnsüchte stehen. Im Verlauf der Handlung verschmelzen beide Stile immer mehr. Ein künstlerischer Kniff, der die zunehmende Auflösung der Grenzen zwischen Traum und Wirklichkeit spiegelt.

Auch inhaltlich geht SOMNA neue Wege. Die explizite, aber nie platte Darstellung von Erotik ist integraler Bestandteil der Geschichte. Die sinnlichen Szenen sind nicht Selbstzweck, sondern Ausdruck von Ingrids innerem Konflikt und ihrer Suche nach Freiheit. Die Künstlerinnen scheuen sich nicht, Tabus zu brechen und mit der Ambivalenz von Lust und Angst zu spielen. Allerdings sind diese Darstellungen auch die Grundlage für die FSK-Einstufung 18+.

Zwischen Tag und Traum

Die Erzählstruktur von SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE ist bewusst zweigeteilt. Tagsüber dominiert die beklemmende Realität des Dorflebens, nachts öffnet sich der Raum für Träume, Sehnsüchte und Übernatürliches. Diese Dualität wird nicht nur thematisch, sondern auch visuell konsequent umgesetzt. Die Wechsel zwischen den Welten sind fließend, die Grenzen verschwimmen. Und genau das macht den Reiz des Werkes aus.

Die Geschichte folgt keinem klassischen Spannungsbogen, sondern setzt auf eine dichte, atmosphärische Entwicklung. Vieles bleibt angedeutet, Fragen werden aufgeworfen, aber selten endgültig beantwortet. Das erzeugt eine permanente Unruhe, ein Gefühl von Unsicherheit und Bedrohung, was perfekt zum Thema passt. Wir werden eingeladen, selbst zu interpretieren, was real ist und was nicht.

Ingrid’s Perspektive, ihre Ängste und Wünsche treiben die Story. Die Nebenfiguren, allen voran Ehemann Roland, sind mehr als bloße Stichwortgeber. Sie verkörpern die gesellschaftlichen und persönlichen Konflikte, die Ingrid zu zerreißen drohen. Der Plot ist dabei weniger ein Rätselkrimi als ein psychologisches Kammerspiel, das die Leser mit seiner Vielschichtigkeit fordert und fesselt.

Keine Helden, keine Monster

Im Mittelpunkt von SOMNA steht eine Protagonistin, die sich durch ihre Ambivalenz und Vielschichtigkeit auszeichnet. Ingrid ist weder klassische Heldin noch reines Opfer. Sie ist eine Frau, die zwischen Angst, Begierde und dem Wunsch nach Selbstbestimmung schwankt. Ihre Entwicklung ist subtil, glaubwürdig und nachvollziehbar. Sie wächst an ihren Erfahrungen, wird mutiger, aber auch verletzlicher.

Demgegenüber ist Roland, ihr Ehemann, mehr als nur der Antagonist. Er verkörpert die Zwänge und Ängste einer Gesellschaft, die alles Fremde und Unangepasste bekämpft und dabei selbst zum Monster wird. Die Beziehung zu seiner Frau ist von Macht, Kontrolle und Misstrauen geprägt, aber auch von einer tragischen Unfähigkeit zur Nähe.

Die schattenhafte Gestalt, die Ingrid heimsucht, bleibt bewusst rätselhaft. Ist sie ein Dämon, ein Befreier oder das Spiegelbild von Ingrids unterdrückten Sehnsüchten? Diese Unklarheit macht den Reiz der Figur aus und sorgt dafür, dass SOMNA nie in einfache Schwarz-Weiß-Muster verfällt.

Auch die Nebenfiguren sind sorgfältig gezeichnet. Sie spiegeln die Spannungen und Ängste der Dorfgemeinschaft, ohne zu bloßen Karikaturen zu verkommen. Die Charakterentwicklung ist insgesamt ein großer Pluspunkt des Comics. Selten wurde innere Zerrissenheit so einfühlsam und gleichzeitig so verstörend dargestellt.

Farben, Formen, Fantasien

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE ist großartig bebildert. Die Zeichnungen sind nicht nur Mittel zum Zweck, man könnte sie als eigenständige Erzählerinnen betrachten.

Becky Cloonan und Tula Lotay setzen bewusst auf Kontraste. Cloonan’s Panels sind klar, strukturiert und geerdet. Sie fangen das harte, oft brutale Dorfleben ein. Lotay’s Seiten hingegen sind weich, verschwommen und voller sinnlicher Details. Sie machen das Unbewusste, das Traumhafte sichtbar.

Die Farbgebung von Lee Loughridge (STAND STILL), Dee Cunniffe (SENSATIONAL SHE-HULK, DAREDEVIL) und Tula Lotay selbst verstärkt diesen Effekt. Tagsüber dominieren erdige, gedeckte Töne, nachts explodieren die Farben in leuchtenden, fast psychedelischen Varianten. Besonders beeindruckend ist, wie beide Stile im Verlauf der Geschichte immer mehr ineinander fließen.

Die Panels sind dynamisch gestaltet, mit ungewöhnlichen Perspektiven und fließenden Übergängen. Die erotischen Szenen sind kunstvoll, aber nie voyeuristisch. Vielmehr sind sie Ausdruck von Ingrid’s innerer Zerrissenheit. Auch kleine Details (wie etwa die Anspielungen auf klassische Gemälde wie das von Johann Heinrich Füssli DER NACHTMAHR) zeigen, wie viel Liebe und Sorgfalt in SOMNA steckt.

Hexen, Aberglauben und Historie

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE spielt nicht zufällig zur Zeit der Hexenverfolgungen. Der Comic nutzt das historische Setting, um zeitlose Fragen zu stellen. Was passiert, wenn Angst und Aberglaube über Vernunft und Mitgefühl siegen? Wie schnell werden gesellschaftliche Außenseiter zu Sündenböcken? Die Parallelen zu heutigen Debatten um Ausgrenzung und Kontrolle sind unübersehbar und der Zeitpunkt für eine deutsche Veröffentlichung des Werkes könnte nicht besser sein.

Der Comic bleibt dabei nah an historischen Fakten. Die Atmosphäre im Dorf, die Rituale der Hexenprozesse, die Rolle der Frauen: all das ist sorgfältig recherchiert und glaubwürdig umgesetzt. Gleichzeitig erlaubt sich SOMNA künstlerische Freiheiten, um die psychologischen und gesellschaftlichen Mechanismen hinter der Hexenjagd zu thematisieren.

Die Anleihen an den Folk Horror sind nicht nur ästhetischer Natur, sondern auch inhaltlich fundiert. Wie in MIDSOMMAR oder THE WITCH steht die Konfrontation mit dem Unheimlichen, dem Fremden im Mittelpunkt. SOMNA zeigt, wie dünn der Firnis der Zivilisation sein kann und wie schnell sich Angst in Gewalt verwandelt.

Kein Serienprodukt, aber ein Statement

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE ist kein Teil einer klassischen Serie, sondern ein in sich abgeschlossenes Werk. Allerdings steht der Comic in einer Reihe von Veröffentlichungen, die sich dem modernen Folk Horror und der künstlerischen Grenzüberschreitung verschrieben haben. Für Becky Cloonan und Tula Lotay ist SOMNA das erste große Gemeinschaftsprojekt, aber beide haben bereits zuvor mit ähnlichen Themen und Stilen experimentiert.

Die Einflüsse aus ihren früheren Arbeiten sind deutlich spürbar. Cloonan’s BY CHANCE OR PROVIDENCE und Lotay’s BARNSTORMERS sind ebenfalls geprägt von starken Frauenfiguren, düsterem Setting und einer Vorliebe für das Übernatürliche. SOMNA ist somit eine logische Weiterentwicklung und künstlerisches Statement zugleich.

Für Fans der Künstlerinnen bietet SOMNA jede Menge Wiedererkennungswert und doch ist der Comic eigenständig genug, um auch Comic-Neulinge zu begeistern. Wer nach SOMNA mehr will, findet im Werk der beiden zahlreiche Anknüpfungspunkte.

Ein dunkles Märchen für Erwachsene

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE ist ein Ausnahme-Comic, der sich mutig zwischen die Stühle setzt. Folk Horror trifft Erotik, historische Realität auf surreale Traumwelten. Die Zusammenarbeit von Becky Cloonan und Tula Lotay ist ein Glücksfall für das Medium Comic. Selten wurden Angst, Begierde und Selbstbefreiung so kunstvoll und vielschichtig erzählt.

Der Comic ist allerdings nichts für schwache Nerven oder zarte Gemüter. Die Themen sind düster, die Bilder explizit, die Atmosphäre beklemmend. Aber genau das macht SOMNA so besonders. Wer sich auf diese Reise einlässt, wird mit einer Geschichte belohnt, die nachhallt und die Lust auf mehr macht.

Ob Comic-Profi oder Gelegenheitsleser, SOMNA ist ein Muss für alle, die Comics als Kunstform ernst nehmen und die bereit sind, sich auf neue, ungewohnte Wege einzulassen. Wer sich traut, sollte zugreifen und sich von SOMNA in den Bann ziehen lassen. Auch wenn Frau danach sicher froh ist, dass sie nicht in dieser Zeit gelebt hat …

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE

© Cross Cult Verlag | Hardcover | 168 Seiten | Farbe

Storyline:   ★★★★☆
Zeichnungen:  ★★★★☆
Lettering:  ★★★☆☆
Humor:  ☆☆☆☆☆
Meine persönliche Bewertung:  ★★★★☆
ISBN: 978-3-98666-714-6

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Zwei Opas auf großer Fahrt: Der Startschuss

Die in die Jahre gekommenen Zwillinge Helis und Helias wollen einen solchen Road-Trip genießen und machen sich auf, die Vereinigten Staaten zu durchqueren, von Kalifornien nach New York. Das Besondere daran: sie wollen die rd. 3.000 Meilen-lange Strecke in einem alten Ford-T-Modell befahren, in dessen Besitz sie durch einen Zufall gekommen sind und dass sie selbst – in monatelanger, liebevoller Kleinarbeit – gemeinsam restauriert haben.

Die Brüder starten mit Beginn der Sommerferien, verlassen den Großraum San Fransisco’s Richtung Süden und gelangen nach einiger Zeit auf die mit dem Lineal gezogenen Strassen, die durch Wüsten ähnliche Gebiete führen. Landschaft, Weite, kaum Menschen und auf der EVIL ROAD keine Bäume. 

Ein Pinkelstopp mit fatalen Folgen

Letztere vermisst Helias ziemlich schnell, als sich seine Blase meldet und er seinen Bruder bitten muss, an einem völlig verdreckten Schrott-LKW am Wegesrand anzuhalten. (Warum Männer immer ein Objekt brauchen, um sich zu erleichtern, wird wohl nie abschließend geklärt werden. Die bekannten Theorien über Spritz-/Schutz von vorne, Reviermarkierungen oder einfachen Gleichgewichtsfragen bieten jedenfalls abschließend keine befriedigende Antworten.)

Nach vollbrachtem Werk und einigen Witzeleien geht es für die Brüder schließlich weiter. Nur, dass der Schrottlaster eben nicht verlassen am Wegesrand stand und sich der Fahrer – nun ja, „angepisst“ fühlt. Der Road-Trip wird zum Horror-Trip. Wie es um den geistigen Gesundheitszustand des Fahrers bestellt ist, sehen wir schon daran, dass er sich weder zu erkennen gibt, noch sofort auf Helias‘ „Tat“ reagiert und die Zwillinge ab sofort lieber jagt. Die Rücksichtslosigkeit des Trucks und die damit verbundenen Gefahren für Leib und Leben bringen die beiden Reisenden schnell an ihre physischen und psychischen Grenzen.

Truck des Todes: Zwischen Hommage und Abklatsch

Dominique Monféry, der Autor und Zeichner des Albums, nimmt bei seiner EVIL ROAD unverkennbar Anleihen bei Steven Spielberg’s Kurzfilm „Duell“ aus dem Jahre 1971. Im Gegensatz zu Spielberg zeigt uns Monféry aber nie, ob wirklich jemand am Steuer des Abschlepp-Trucks sitzt. Vielleicht hat er sich ja auch bei einem anderen Stephen (King) bedient und eine „Christine“ zum Leben erweckt. Der Truck selbst wird zum Antagonisten unserer Helden. Im Laufe der Geschichte wird nicht abschließend geklärt, ob es einen Fahrer gab und das lässt mich ratlos zurück.

Die Geschichte ist linear, auf schmalen 48 Seiten gradlinig erzählt und hat neben starken Actionszenen auch ruhige Momente. Soweit, so gut. Um aber ehrlich zu sein: ich tue mich mit dem Album insgesamt schwer!

Der Abschlepper der EVIL ROAD ist eine so übermächtige Bedrohung, dass ihm ein uralter Ford Model T mit zwei alten Knackern am Lenker nicht gewachsen sein dürfte. Und doch ist genau das der Fall.

Eine Identifikation mit den Protagonisten ist mir zudem kaum möglich, da es sich um Zwillinge handelt, die sich – vom Wesen her – auch noch sehr ähnlich sind. Welche Mutter ohne größere Ambitionen gibt ihren Kindern Namen wie Helis oder Helias? „Sonne, Licht“ und „der Mächtige“? Und trotz eines gemeinsamen Gegners streiten sich die zwei immer wieder wie die Kesselflicker. Brüder? Ja, natürlich. Aber auch potentielle Sieger eines solchen Straßenkrieges? Nein, eher nicht.

Sonnenstich statt Story-Logik?

Auch scheinen sich unsere Protagonisten mehr Gedanken um die Restaurierung des Fahrzeugs als um die Planung der Reise gemacht zu haben, selbst wenn uns ein kleines Panel etwas anderes glauben lassen möchte. Bei der Planung der Reise haben die Zwillinge sich für eine südliche Route durch Wüsten und ähnliche Landschaften entschieden. Und das obwohl sie ein Cabrio restauriert haben? Obwohl Helias kein Hutträger ist und ihm stundenlang die Sonne das Hirn weich kochen wird? Auch verlangt die Handlung von den Zwillingen, die nicht mehr die jüngsten sind, körperliche Stunts ab, die selbst in der heutigen Zeit unglaubwürdig wären. Doch dazu spoilere ich hier nichts weiter.

Im Gegensatz zu Spielberg’s Duell, dass einen Kampf Mann-gegen-Mann darstellt und durch die vermeintliche Überlegenheit des Trucks gegenüber dem roten Plymouth Valiant De Luxe des Protagonisten bei ihm – und dem Zuschauer – paranoide Züge begünstigt, treffen die beschriebenen Geschehnisse bei mir als Leser keinen Nerv.

Paranoide Personen sind üblicherweise mit ihrem individuellen Angstempfinden allein, allein in der Weite des Landes, auf unbelebter Straße. Aber nicht hier. Die Zwillinge sind nie allein. Das nimmt dem Album die Kraft. (Vorsicht Spoiler:) Existiert dieser Twist vielleicht nur, weil die Antagonisten ebenfalls Zwillinge sind? Nur damit – nachdem einer erledigt wurde und man sich endlich sicher fühlen könnte – der zweite wie Kai-aus-der-Kiste auftaucht? Dieser Effekt ist billig und eine vergebene Chance! Aber vielleicht wollte sich Monféry auch einfach nur zu sehr von „Duell“ abheben.

Licht, Farbe, Panelkunst: Monféry’s Kino im Comic

Was mich an EVIL ROAD von Beginn an fasziniert hat, sind die lebendigen Zeichnungen von Dominique Monféry, der Ende der 80er-Jahre als Animator angefangen und später sogar eine Oscar-Nominierung erhalten hat. Die klassische Panel-Abfolge ist an vielen Stellen mit den Sehgewohnheiten der (ebenfalls) klassischen Kinogänger kompatibel, in ihrer Ausrichtung abwechslungsreich, aber wenig dynamisch. Eine Kinoleinwand eben, die auf Comic-Format herunter gebrochen wurde.

Man merkt Monféry an, dass er sein Anmiations-Handwerk versteht. Er beherrscht den Einsatz von Licht und Schatten, die Farbkomposition ist stimmig, die ausdrucksstarke Mimik der Handelnden und die wuchtige Darstellung der Action-Sequenzen machen das Album visuell zu einem echten Hingucker. Das war auch genau das, was mich zum Kauf animiert hat. Und aus diesem Grund habe ich ihn nicht bereut.

Comic ohne Kompass: Zwischen den Genres verloren

Der Comic entzieht sich den üblichen Genre-Schubladen. Er ist kein einfaches Road-Movie, kein Krimi, kein Thriller, vor allen Dingen aber auch kein Funny. Ja, er hat gewisse Horror-Elemente, hat aber gleichzeitig keine Protagonisten, die ich gern haben und mit denen ich ernsthaft mitfiebern kann.

Echter Horror, der sich des überraschenden Moments bedient, kann in den Weiten dieser Wüste glaubhaft nicht entstehen. Ja, Monféry lässt den Truck immer wieder aus dem Nichts auftauchen, aber eine gute Erklärung dafür liefert er nie und damit ist es bloße Effekthascherei.

Finale ohne Wirkung – David gegen Goliath, mal zwei

Helis und Helias wachsen über sich hinaus und werden am Ende überlebt haben. Aber dieser erfahrene Goliath, der – wie wir auch erfahren – schon zahlreiche Morde begangen hat, soll diesen beiden David’s nicht gewachsen sein? Obwohl es sogar zwei von dieser üblen Sorte gibt?

Die Protagonisten erinnern mich sehr an Jack Lemon und Walter Matthau in ihren besten Tagen. Ein Gespann, dass auf ihre Weise eine Komödie abliefert, aber keine echte Heldenreise absolviert. Helis und Helias werden zum Schluss wieder in der Garage sitzen, das herunter gekommene Wrack des Ford an ihrer Seite. Ob sie es nach den Geschehnissen noch einmal aufarbeiten, lässt die Geschichte offen. Im Augenblick fühlen sich die Beiden wohl einfach nur alt, uralt – wie das T-Modell selbst.

Schöner Schein, schwache Story

Böse Zungen werden behaupten, dass man das alles hätte erahnen können und dass einem das Cover bei genauem Hinsehen bereits einen versteckten Hinweis gegeben hätte: denjenigen, die uns zu sehr folgten, zeigen wir den Stinkefinger… EVIL ROAD hin oder her!

EVIL ROAD

© Splitter Verlag| Hardcover | 48 Seiten | Farbe

Storyline:   ★☆☆☆☆
Zeichnungen:  ★★★★☆
Lettering:  ★★★☆☆
Humor:  ★☆☆☆☆
Meine persönliche Bewertung:  ★★☆☆☆
ISBN: 978-3-96445-131-6

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Welcher Feind kann verrückt genug sein, um die schrecklichen Wikinger anzugreifen? Diese Frage stellt sich eine Gruppe von dreizehn Kriegern auf der Suche nach anscheinend unbesiegbaren Kämpfern, die ihr Dorf angegriffen und ihre Kinder entführt haben. Die Antwort werden sie erst nach einer ebenso gefährlichen wie blutigen Jagd finden… Norwegen.

Harek und seine Krieger kehren nach einem Raubzug in ihr Dorf zurück. Als die Drakkar sich der Bucht nähern, hat der Seher Leif eine düstere Vorahnung, die durch die Präsenz seltsamer Nebelschwaden verstärkt wird. Die Nordmänner finden ihr Dorf verwüstet vor, die Mehrzahl der Bewohner wurde bestialisch getötet. Die Überlebenden des Gemetzels berichten, dass Hareks Kinder und seine drei Neffen von den Draugar, den furchterregenden und legendären Kriegern, die aus dem Totenreich zurückgekehrt sind, mitgenommen wurden. Zu allem bereit, schart der Anführer der Wikinger seine tapfersten Gefolgsleute um sich und begibt sich auf die Verfolgungsjagd. [1]

Die Macher

Alex und Sergio A. Sierra sind Brüder und kommen aus Spanien, einem Land mit viel Sonne, Wärme und lebensfrohen, ausgelassen Menschen. Vielleicht hatten Sie Lust einen Comic mit genau dem Gegenteil ihrer Lebenswelt zu erschaffen? In der auf zwei Bände angelegten Erzählung geht es um genau das – um lange Winter, Kälte und lebensfeindliche Bedingungen! Willkommen in einer Wikinger-Untoten-Geschichte aus dem hohen, unwirtlichen Norden.

Was mich gereizt hat

Eigentlich bin ich kein Freund von Vampir-, Horror- oder Untoten-Geschichten. Sie haben mich nie gereizt. „Dracula„, „Buffy“ oder „The Walking Dead“ langweilen mich zu Tode, während asiatische Geistergeschichten wie „A Chinese Ghost Story“ das eine oder andere Mal Interesse wecken. Das mag daran liegen, dass ich einen Faible für japanische, chinesische und asiatische Kunst im Allgemeinen habe. Im vorliegenden Fall hätte ich HEL’BLAR wahrscheinlich links liegen lassen … wenn da nicht die großartigen Zeichnungen des Geschwister-Duos Sierra gewesen wären.

Geister, Zombies und Vampire faszinieren die Menschen schon immer und auch nach hunderten von Jahren. Sie spielen sowohl in der Literatur als auch in Filmen und Videospielen zentrale Rollen und treten in unterschiedlichen Formen in Erscheinung. Untote schüren dabei unsere Furcht vor gewaltsamem Tod, der eigenen Vergänglichkeit und vor möglichen Konsequenzen des Lebens im Diesseits. Dunkle Mächte lassen uns auch heute immer noch am Feuer näher zusammen rücken und sorgen für wohlige Schauer. Sie sind ja nicht real. Oder?

Die Menschen früherer Zeiten hatten ein anderes Verhältnis zur Anderswelt, ein weniger wissenschaftliches, mehr mystischeres und mythischeres. Dies trifft besonders auf die nordeuropäischen Völker zu. Länder in denen die Sonne ein halbes Jahr lang kaum den Horizont überschreitet und die Dunkelheit mit ihren Schatten für echte oder vermeintliche Gefahren sorgt.

Die Hintergründe der Geschichte

In der nordischen – insbesondere der isländischen – Sagenwelt werden die Helden gerne mit einer besonderen Form der Wiedergänger konfrontiert: den Draugar (Plural) oder dem Draugr (wenn es ein Einzelner ist). Diese Gestalten leben tagsüber in einem Grabhügel weiter und verbreiten nachts aktiv Angst und Schrecken. Sie tun dies auch über größere Entfernungen abseits des Hügels. Die so Verfluchten haben bereits im Leben unsoziales Verhalten gezeigt und sind als Störenfriede aufgefallen.

In einigen Geschichten der Mythologie sind die Draugar in der Lage, die von ihnen Getöteten selbst in Wiedergänger zu verwandeln. Sie haben dann üblicherweise besondere, körperliche Kräfte oder magische Fähigkeiten. Sie können z.B. ihre Größe ändern, schwerer oder leichter werden und sich „in Luft auflösen“. Zu erkennen sind sie an der schwarzen oder auch blauen Farbe ihrer Körper, die dem hier besprochenen Comic auch den Namen gegeben hat. HEL’BLAR bedeutet soviel wie „schwarz wie der Tod“[2].

Zumeist kann man den Draugr besiegen, wenn man ihm den Kopf abschlägt oder ihn weit, weit entfernt von menschlichen Siedlungen erneut begräbt. Fühlen wir uns da nicht alle etwas erinnert? Stimmt, die weißen Wanderer aus der HBO Serie „Game of Thrones„? Ob Köpfen hier funktioniert hat? Daran kann ich mich nicht mehr erinnern. Drachenglas war jedenfalls die Waffe der Wahl. Hier nicht. Aber dazu später mehr. Kommen wir zur eigentlichen Geschichte.

Die Geschichte

Harek, Sohn des Tharand und Jarl (Häuptling) von Lagarvik kehrt mit seinen Kriegern von einem Raubzug nach Hause zurück. Sie stellen fest, dass ihr Dorf angegriffen wurde und die Kinder sowie die Neffen von Harek verschleppt wurden. Die wenigen Überlebenden werden von untoten Angreifern erzählen, die im Nebel auftauchten und alle töteten, die sich ihnen in den Weg stellten.

Ein Untoter, der sich immer noch zwischen den teils arg verstümmelten Leichen aufhält, ist ein Vorgeschmack dessen, was Harek und 12 seiner Getreuen erwartet, als er sich entschließt, mit seinen fähigsten Kriegern Jagd auf die Angreifer zu machen. (Und ja, auch ich fühle mich dabei an John McTiernan’s  „Der 13. Krieger“ u.a. mit Antonio Banderas erinnert.)

Valdis, die Heilerin und Seherin des Ortes, befragt die Runen, bevor die Gruppe aufbricht und ergänzt die Verfolger um den „Welpen“ eines treuen Wachhundes, einen „Falken“, der wieder zur Jagd aufbricht, einen alten „Fuchs“, den Harek lieber nicht an seiner Seite hätte und eine „Eule“, die Angst vor der Nacht hat. Der trickreiche Gott Loki wird manchmal mit dem Fuchs assoziert, Eulen symbolisieren Hexen und Zauberer während der Falke u.a. für Geschwindigkeit und Scharfsinn steht.

So verwundert es nicht, dass Valdis Astrid, die Frau von Friedleif, welcher als einziger den Spuren der Angreifer folgt, mit der Gruppe entsendet. Sie ist der Falke. Als Eule wird Leif, der Enkel von Valdis, ausgewählt, der von ihr in den mysthischen Künsten ausgebildet wurde. Und neben dem Sohn (der Welpe) des besten Freundes von Harek bleibt zuletzt der Bruder des getöteten, ehemaligen Jarls von Lagarvik, der rothaarige Hrein (der Fuchs). Was verwundert ist, dass mit dieser Auswahl die Zahl 13 erreicht wird, die Chaos verspricht und kein gutes Omen für die Expedition darstellt.

Die wilde Dreizehn

In der nordischen Mythologie hat die Zahl 13 eine negative Bedeutung, die eng mit dem Gott Loki und dem Tod des Gottes Baldur verbunden ist, dem Gott der Schönheit und der Reinheit. Bei einem Festmahl in Walhalla sind ursprünglich 12 Götter anwesend, bis Loki unerwartet als 13. Gast auf dem Fest erscheint. Sein Auftauchen führt – wie auch nicht anders zu erwarten – zu Chaos und letztendlich zu Baldurs Tod. Dieser tragische Vorfall markiert den Beginn einer Zeit von Dunkelheit und Unheil, die schließlich im Weltuntergang (Ragnarök) gipfelt. Die Zahl 13 wird daher als Symbol für Unordnung und Unglück angesehen, da sie die Zahl 12 überschreitet, die in vielen Kulturen als vollkommen und harmonisch angesehen wird.

Trotzdem ziehen sie gemeinsam  los. Doch bereits bei der ersten Begegnung mit dem echten Feind müssen sie erkennen, dass ihre Kräfte denen ihrer Gegner weit unterlegen sind. Einige der Recken werden diesen brutalen Kampf auf tückischem Eis nicht überleben, obwohl sie nur von einem der fünf schwarzen Krieger gestellt werden. Da möchte man gerne den Rat weitergeben, den Ahmad Ibn Fadlān / Antonio Banderas im oben genannten Film von einem seiner Gefährten erhält: „Wenn Du nicht stark genug bist, werde stärker!“ Aufgeben ist für einen Wikinger schließlich keine Option. Und Harek darf nicht ohne die Kinder ins Dorf zurückkehren, ohne jegliches Vertrauen in seine Führungsqualitäten und seinen Führungsanspruch zu verlieren.

Die Charaktere

Insgesamt wird der Spannungsbogen gut gehalten, auch wenn die Storyline selbst recht gradlinig verläuft und die wenigen Wendungen nicht überraschend sind. Die Atmosphäre der Erzählung ist gerade deshalb stimmig. Sergio A. Sierra vermeidet erzählerische Winkelzüge und hält die Leser stattdessen lieber bei der Stange, indem die Wikinger eben nicht als Musketiere präsentiert. Es gibt keine „Einer für Alle und Alle für Einen!“-Parolen.

Stattdessen schwächen Zwistigkeiten, Machtkämpfe und Misstrauen untereinander die Gruppe. Hrein hadert mit Harek, weil der seinen Bruder Einar tötete, dem prophezeit wurde, dass er einmal König sein würde und er – Hrein – damit ebenfalls in höchste Ränge aufgestiegen wäre. Das Einar ein machthungriger, sadistischer Dreckskerl war, ist für ihn nebensächlich. Im Nachgang zu diesem schicksalhaften Kampf ist Hrein zwar zum Säufer mutiert, gleicht aber mit Köpfchen aus, was ihm an Körperkraft fehlt.

Leif, der Zauberer, welcher von seiner Großmutter auf die Reise entsandt wurde, macht die umfangreichste Charakterentwicklung durch. Zu Beginn ist er der Lehrling der Alten, der von allen nur als Feigling betrachtet wird. Er beteiligt sich nicht an den üblichen, wilden Raufereien und bekämpft die Angreifer nicht mit Schwert oder Axt. Im Laufe der Geschichte werden seine Kenntnisse jedoch vielfach auf die Probe gestellt und sein Selbstvertrauen und seine Hingabe wachsen. Auch die Anderen müssen mit der Zeit anerkennen, dass er ein wertvolles, wenn nicht gar unverzichtbares Mitglied ihrer Gruppe ist.

Die verschiedenen Motivationen der Protagonisten zu dieser Heldenreise sind zwischen Angst um den eigenen Partner (Astrid) über Bestätigung des eigenen Herrschaftsanspruchs (Harek) über eine notwendige, mystische Unterstützung (Leif) bis hin zu purem Eigennutz (Hrein) angesiedelt und für den Leser sehr gut nachvollziehbar.

Gut recherchiertes Worldbuilding

Auch das Worldbuilding zeugt von einer guten Recherchearbeit der Autoren zu Lebensart und Glauben der Wikinger zur damaligen Zeit. Die Bedeutung der Runen für das diesseitige und das jenseitige Leben, ihre Anwendung im Kampf gegen die Untoten auf den Waffen der Jäger ist gut in Szene gesetzt und entspricht dem – weiter oben bereits angesprochenen – Drachenglas in Game of Thrones.

Auch wird über Astrid die teilweise gleichberechtigte Stellung der Frauen in der Wikingergesellschaft schön herausgestellt. Hier gibt es kein „Bleib-Du-Mal-Schön-Zu-Hause-Am-Herd“-Geplänkel. Im Gegenteil. Einige sind sehr froh, die Berserker-Töterin mit an Bord zu haben.

Die grafische Umsetzung

Die Zeichnungen von Alex Sierra haben eine großartige, dynamische und kraftvolle Strichführung. Dies gilt sowohl für die ruhigeren Szenen, als auch für die Aktion-Sequenzen. Die einzelnen Charaktere sind sehr gut über ihre jeweiligen Eigenheiten zu unterscheiden. In der Kolorierung spiegelt sich der hohe Norden mit eisigen Blau- und Grau-Tönen. Dies suggeriert Kälte und Lebensfeindlichkeit und bereitet dem Leser eine Gänsehaut.

Sergio A. Sierra’s Kameraführung zwischen Groß- und Nahaufnahmen, zwischen normalem Panel und Inset-Panel ist sehr dynamisch und abwechslungsreich. Sie zeugt von einem kenntnisreichen Verständnis sequentieller Erzählkunst und transportiert stimmig die jeweilige Phase der Geschichte.

Das Pacing der Handlung ist gut. Der Einstieg in die Geschichte holt den Leser bei der Einfahrt in der Fjord ab, bevor die wahre Action losbricht. Der Wechsel zwischen aktionsreichen und ruhigen Sequenzen ist im Folgenden gut austariert, begünstigt durch das Setting: Männer im Wald. Bei 56 Seiten bleibt da wenig Zeit für ausführliche Männergespräche.

Ein wenig Kritik

Was gibt es zu kritisieren? Manchmal ist die – eigentlich gute – deutsche Übersetzung „unzeitgemäß“ z.B. „Es fehlte eine Frau an der Spitze dieser Machos!“ auf Seite 20. Auch wenn das Wort „Macho“ seinen Ursprung im Lateinischen „masculus“ hat, können wir annehmen, dass es seinen Weg kaum in die Alltagssprache der Nordmänner des frühen Mittelalters gefunden hat.

Darüber hinaus hätten größere Schrifttypen der Lesbarkeit der Texte an der einen oder anderen Stelle gut getan. Aber hier hat – wie üblich – die Übersetzung ins Deutsche wahrscheinlich wieder eine Rolle gespielt. Was im Original passt, ist in der Übersetzung vielfach zu umfangreich und kann kaum sinnvoll eingekürzt werden. Also arbeitet der Letterer zwangsweise über die Schriftgröße.

Einige Erklärungen zur nordischen Mythologie ist in den Panels selbst statt unterhalb zu finden. Darunter leidet die Lesbarkeit. Auch das ist ein weiteres Manko.

Humor sucht man vergebens. Gut, es ist eine Vampir-Horror-Geschichte. Aber selbst die rauen Burschen aus dem hohen Norden hatten nach einem Kampf sicherlich hier und da einen Scherz auf den Lippen. Nur halt nicht bei HEL’BLAR.

Das Fazit

Insgesamt hat mir die abgeschlossene Geschichte um Harek und seine Begleiter gut gefallen. Die Brüder Sierra waren mir bislang kein Begriff. Aber im Segment mystisch-historischen Geschichten haben die Spanier eine unterhaltsame Arbeit abgeliefert. Die kurzweilige Unterhaltung für zwischendurch ist garantiert. Die Art und Qualität der Zeichnungen erinnert an die Comics der 80er Jahre, als sich die Künstler noch Zeit für ihre Projekte nehmen konnten. Keine fordernde Verlagsredaktion saß ihnen im Nacken. Auch verstärkten keine digitalen Zeichenmittel den Hang zur Fließbandarbeit.

Im Nachwort des zweiten Bandes – und dem Ende des Zyklus – lassen die Autoren wissen, dass sie für ihre Wikinger noch eine Menge spannender Abenteuer bereithalten. Zumindest für die, die überlebt haben. Das war 2018 nach einem erfolgreichen Crowdfunding des zweiten Bandes. Auch wenn seither bereits einige Jahre ins Land gegangen sind, besteht zumindest geringe Hoffnung, dass die spanischen Brüder noch einmal in den hohen Norden zurückkehren. Mich würde es jedenfalls freuen.

P.S. In der nordischen Mythologie war die Wahrscheinlichkeit, das ein Toter als Draugr zurückkehrte größer, wenn er / sie im Sitzen bestattet wurde. Zieht nach dieser Geschichte aus dieser Erkenntnis eure eigenen Schlüsse zum Plot.

P.P.S. In Island feiert man heute – am ersten Sonntag des Juni – mit Sjómannadagurinn übrigens den Ehrentag der Seeleute. Und das passt doch ganz gut zu dieser Geschichte, nicht wahr?

© All Verlag | Hardcover | 56 Seiten | Farbe
Storyline:  ★★★★☆
Zeichnungen:  ★★★★★
Lettering:  ★★★☆☆
Humor:  ☆☆☆☆☆
Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-946522-20-1

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Eine Heldin wird eingeführt

Linn ist die attraktive Heldin unserer Geschichte. Sie ist jung, athletisch schlank, wild und mit einem Rotschopf, der eigentlich jedem auffallen müsste, es dann aber doch nicht tut, selbst wenn der Betrachter die blaue Strähne beachten würde. Linn gleitet durch diese Welt OHNE beachtet zu werden. Und das ist gut so. Denn Linn ist eine Diebin! Diese Unsichtbarkeit verleiht ihr Selbstvertrauen. Sie glaubt an sich.

Bevor wir Linn begegnen, machen wir jedoch erst die Bekanntschaft mit dem Antagonisten der Geschichte. „Meister“ Worn ist dunkel, selbstsicher und trägt eine Pestmaske. Er ist der „Herr der Angst“, der die dunklen Schrecken befehligt, die im Jahr 2016 das Lyonnais geplündert haben und die  Burgund belagern: die Shayk.

Es sind Tierwesen mit Zähnen und Klauen, die die Welten der Menschen mit Schrecken überziehen und über die er Macht besitzt. Tierwesen mit Verstand. Mit ihnen will Meister Worn Paris einnehmen, ein mittelalterliches Paris, während die Herrschenden des Klerus noch glauben, dass sie sich seine Macht gefügig machen und zu ihren Gunsten nutzen können. Der Grund hierfür bleibt erst einmal unklar. Diese Geschichte dreht sich folglich – auch – um den Glauben.

Zeitliche Irritationen

Doch stellen wir uns einige Fragen: Nach hiesiger Zeitrechnung ist es also 2016? (Ich habe tatsächlich zweimal hingeschaut und nein, es ist wohl kein Druckfehler.) Ein mittelalterliches Paris? Ein „Meister“ in einem Rokoko-Kostüm, das nur bis in die 1770er Jahre modern war? Ein Burgund, dass es in dieser Form ebenfalls nur bis 1790 gab? Was für eine Zeitrechnung soll das sein? Und was – bitte schön – soll die Pestmaske?

Farbdesign

Wir erleben, wie Meister Worn die Massen der Shayk mit flammenden Worten und ebensolchen Rottönen gegen Paris schickt, wie er ihnen seinen Plan erläutert, sie über die Kanalisation in die Stadt einzulassen, damit sie die Verteidiger überraschen können. Der Angriff steht unmittelbar bevor, wir wissen noch nicht welchen Zweck Meister Worn mit Alledem verfolgt und wir …

… springen zu Linn, die sich über den Dächer des Paris unserer Tage ihrem aktuellen Ziel nähert. Wie gesagt: Linn ist eine Diebin. Um sich die Langeweile zu vertreiben, bricht sie in Museen oder in Privatwohnungen ein und erbeutet für skrupellose Sammler Reliquien oder Kunstgegenstände von großem Wert. Warum? Weil sie es kann. Ihr jüngster Auftrag könnte ihr Meisterstück werden. Sie soll für den berüchtigten Benyamin Argonovitch ein Schmuckstück von unschätzbarem Wert entwenden: das Medaillon des Gottes Aton, von dem bis dato keine Darstellung existierte.

Die Geheimnisse entwirren sich

Irgendwie dreht sich bei diesem Raub alles um Ägypten, das alte Ägypten (natürlich), um Echnaton und seine weltverändernde, monotheistische Religion des einen Gottes, um Eje, den hohen Hofbeamten und späteren Wesir unter Pharao Tut-Anch-Amon. Aber noch bleibt vieles im Dunkeln. Buchstäblich.

Der Diebstahl des Medaillons bleibt nicht unbemerkt und bei dem Versuch, Lamia, der Besitzerin des Juwels und Argonovitch’s Häschern zu entkommen, durchschreitet Linn eine geheimnisvolle Tür und wird in eine anderes Paris portiert, in ein paralleles, mittelalterliches und bedrohliches, in dem sich die Geschichte nicht auf die gleiche Weise entwickelt hat und dem der Angriff der Shayks bevorsteht. Sie betritt eine andere Welt in diesem Multiversum. Erinnert uns das nicht an Stargate, den Film aus 1994? Nur wurde dort lediglich der Raum überwunden, weniger die Zeit.

Fragen über Fragen

Yannick Corboz und Stephen Desberg gelingt es, mit dieser Erzählung ein Bild zweier starker Frauen zu schaffen, die zu Beginn auf gegnerischen Seiten stehen, die sich dann jedoch zusammenraufen müssen, um sich ihrer Feinden gemeinsam erwehren zu können. Die eigentliche Motivation von Linn ist klar. Sie langweilt sich und will sich beweisen. Doch was genau treibt die geheimnisvolle Lamia um? Ihre Geheimnisse, ihre Motive bleiben noch im Dunkeln. Woher hat sie das Portal, durch das Linn in die andere Welt reist? Was will sie damit? Was ist das Ziel ihrer Reise? So richtig erfahren wir nur, dass sie an Ausgrabungen beteiligt war und dass sie erwartet hat, dass sie um die Früchte ihrer Arbeit betrogen würde.

Grafische Kunst

Bei den Zeichnungen zeigt sich der meisterhafte Stil von Yannick Corboz, der die Welten mit Tusche und überwiegend in – mal hellen, mal dunklen – Pastelltönen erstrahlen lässt. Die Linien sind nicht exakt wie in anderen Arbeiten, eher skizziert, tragen aber zur allgemeinen Stimmung des Werkes positiv bei. Corboz arbeitet hier weniger mit Schaffuren, arbeitet flächig und setzt insbesondere das Licht effekt- und stimmungsvoll ein.

Die Farbe Rot ist die zentrale Komponente. Sie symbolisiert Wärme, Hitze, Temperament, das Blut und ist die Farbe der Macht. Rot steht aber auch für Liebe und Leidenschaft. In Rot fällt jeder auf. Ausser Linn, mit ihren roten Haaren. Sie fällt nach eigener Aussage niemandem auf. Bis zu dem Zeitpunkt, an dem sie Lamia nicht wirklich entfliehen kann.

Zeichensetzung

Was mir an diesem Band gar nicht gefällt ist das Lettering. Die Schriftart ist dieselbe wie im Original. Sie ist aufgrund der – lt. Verlagsinformation – geringeren Größe des Druckformats der deutschen Ausgabe von 30 x 22 cm (statt 32 x 24 cm) und der üblicherweise wort- bzw. zeichenreicheren Übersetzung aus dem Französischen nicht wirklich flüssig zu lesen. Ganz im Gegensatz zum Original (s. Beispiel oben). Interessanter Weise habe ich dieses Problem bei den Zack-Editionen schon mehrfach beobachtet. Hilft nur alles nichts, wenn man mangels Französisch-Kenntnissen nicht zum Original wechseln kann.

Eine kritische Betrachtung

Insgesamt ist „Die Flüsse der Vergangenheit“ eine durchaus ansprechende, genre-übergreifende Krimi-Fantasy-Geschichte mit History- und Horror-Elementen. In diesem ersten Band wird die Bühne bereitet und es werden zwei Welten erschaffen, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Wir lernen die Protagonistinnen und einige ihrer Geheimnisse kennen, erfahren aber noch viel zu wenig über ihre Motive. Zumindest lernen wir, weshalb Meister Worn die Pestmaske trägt. (Auch wenn wir noch nicht wissen, wie es dazu kam, dass er sie braucht.)

Das Szenario ist sprunghaft, leider. Natürlich springen wir in dieser Geschichte durch Zeiten und Dimensionen, aber Stephen Desberg zeigt uns einfach nicht, wohin die Reise letztendlich gehen soll. Wir fiebern mit den Figuren, weil sie in gefährlichen Situationen sind, nicht aber, weil wir wissen wollen, ob sie es schaffen werden, an ihr Ziel zu gelangen.

Das Erzähltempo ist hoch bis zum Schluss, aber niemals überhastet. Die Hauptfiguren erhalten ausreichend Zeit, dass man sie kennenlernt, aber nicht genug, um sich irgendwie im Laufe der Geschehnisse weiter zu entwickeln. „Meister“ Worn wird als der geheimnisvolle Strippenzieher im Hintergrund präsentiert, aber seine (?) Kreaturen lehnen sich gegen ihn auf, was seine Schwächen offenbart und seinem Nimbus einen Knacks verleiht. Und welche Rolle spielt Cerf, der Hauptmann von Paris, außer das er in der mittelalterlichen Stadt für Ordnung sorgt?

Die Shayk erinnern mich ein wenig an die Taotie aus dem Film „The Great Wall“ von 2016 (!) u.a. mit Matt Damon und Willem Dafoe in den Hauptrollen. Und das passt ganz gut. Doch woher kommen sie, was machen sie in dieser Welt und warum konnten sich die Menschen bisher nicht wirklich gegen sie verteidigen? Schließlich sind die Shayk nicht zahlreich genug, um Paris einfach zu überrennen.

Fazit

Für den zweiten und abschließenden Band der Reihe, der im Mai 2025 erscheinen soll, bleiben noch viele offene Fragen, die es zu beantworten gilt, u.a. natürlich, welche Rolle der „Herr der Angst“ eigentlich spielt. Erst wenn diese beantwortet sind, wird aus dieser Geschichte endlich eine runde Sache geworden sein.

Üblicherweise versprechen uns die Autoren einer Geschichte, dass sie uns ein befriedigendes Ende liefern werden. Wir werden sehen, ob die Macher der FLÜSSE DER VERGANGENHEIT dieses Versprechen einlösen können. Glauben wir! Glauben wir daran!

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