ABSOLUTE GREEN ARROW beginnt wie ein Fall, der Vielen schlaflose Nächte bereiten wird. Die Super-Reichen schlafen schlecht, die Polizei sortiert Spuren und Dinah Lance steht als zentrale Figur mittendrin. Sie weiß, dass ein Mord ein Mord bleibt. Sie weiß aber auch, dass manche Opfer sehr viele Schatten werfen.

Genau darin liegt der Reiz dieses Auftakts. Pornsak Pichetshote (Szenario), Rafael Albuquerque (Zeichnungen) und Marcelo Maiolo (fabren) machen aus Green Arrow (k)einen Horror-Comic. Auch, wenn es sich für die Opfer dieses Serienkillers so anfühlen mag und die Community es so sieht. Für mich bauen sie einen harten Thriller mit deutlichen Krimi-Anleihen. Die Frage lautet nicht nur: Wer tötet hier? Sie lautet auch: Warum gerade jetzt? Warum gerade diese Opfer? Und was hat Oliver Queen mit all dem noch zu tun?

Ein neues Universum mit alten Wunden

Die ABSOLUTE-Reihe von DC ist als eigenständiger Neustart angelegt und gehört inzwischen zum Besten, was der US-Comic-Markt zu bieten hat. Vertraute Figuren werden aus ihren bekannten Erzählstrukturen herausgelöst. BATMAN, SUPERMAN und WONDER WOMAN tragen noch immer ihren jeweiligen Kern in sich. Doch die Welt um sie herum ist schroffer. Sie schenkt ihnen weniger und sie zwingt sie schneller zu Entscheidungen, die weh tun.

Für GREEN ARROW passt dieser Ansatz erstaunlich gut. Oliver Queen war nie nur ein Bogenschütze mit einer Maske. Die Figur lebte immer auch von ihrer sozialen Reibung und eindeutigen Moralvorstellung. Er war der Held, der bei den großen Fragen nicht höflich anklopfte.

Reichtum, Ungleichheit, Korruption, Machtmissbrauch waren immer schon seine Themen. All das gehörte seit Jahrzehnten zum Design dieser Figur. Gerade deshalb ist es reizvoll, dass ABSOLUTE GREEN ARROW nicht bei der Abenteuermaschine ansetzt, sondern mit einer Erschütterung: Oliver Queen ist tot! Sein Zeichen lebt jedoch weiter, aber es hat seine Unschuld verloren.

Der Untertitel THE LONGBOW KILLER weckt natürlich Erinnerungen an THE LONGBOW HUNTERS, jene Green-Arrow-Geschichte, die die Figur Ende der 1980er Jahre rauer und erwachsener machte. Dieser neue Auftakt kopiert das nicht. Er nimmt eher die Idee auf, dass ein Bogen auch in die dunkleren Ecken des Genres führen kann. Diesmal geht es jedoch weniger um romantische Gesetzlosigkeit. Es geht um Tatmuster, Spuren, um Verdächtigungen und um eine Heldin, die lernen muss, einem Symbol nicht mehr zu trauen.

Auch das Kreativteam macht Sinn. Pichetshote denkt in moralischen Spannungen. Albuquerque zeichnet Körper, Räume und Gewalt mit einer Direktheit, die selten glatt wirkt. Maiolo legt darüber Farben, die nicht schmücken, sondern Druck erzeugen. So entsteht ein Comic, der sich wie eine Ermittlungsakte liest, in der jemand immer wieder mit rotem Stift etwas markiert hat.

Dinah Lance und die Sache mit dem Vertrauen

Die Handlung von ABSOLUTE GREEN ARROW – THE LONGBOW KILLER setzt an einem Punkt ein, an dem die klassische Heldenordnung bereits zerbrochen ist. Oliver Queen ist ermordet worden. Sein Tod steht dabei jedoch nicht nur als ferne Vorgeschichte im Raum, sondern als offene Wunde.

Dinah Lance, in dieser Version ehemalige Polizistin und MMA-Kämpferin BLACK CANARY, arbeitet als Personenschützerin. Sie ist erfahren, kampferprobt und innerlich deutlich weniger stabil, als sie nach außen wirken möchte. Genau diese Spannung trägt das Heft.

Der neue Fall zieht sie in einen Kreis aus reichen, einflussreichen – und sehr nervösen – Menschen. Ein maskierter Täter jagt Milliardäre. Seine Opfer sind keine gewöhnlichen Zufallsziele. Sie gehören zu einer Schicht, die sich Schutz kaufen kann, Nähe zur offiziellen Macht pflegt und Probleme verschwinden lässt. Der Serienkiller hinterlässt grüne Pfeile. Damit wird aus Olivers altem Zeichen ein Beweisstück. Dies trifft Dinah doppelt. Sie muss einen Mörder aufhalten. Zugleich muss sie verstehen, warum ausgerechnet dieses Symbol plötzlich für Hinrichtungen steht.

Pichetshote erzählt das angenehm konzentriert. Die Geschichte kippt nicht in eine ausufernde Ursprungserzählung. Ich bekomme genug über Oliver, um seinen Schatten zu spüren. Ich bekomme aber nicht so viel, dass er Dinah ihre Bühne nimmt. Das ist klug konzipiert. Denn Dinah ist hier keine Nebenfigur, die dem toten Helden hinterherläuft. Sie ist der Blick, die Haltung und das Gewissen des Comics.

Albuquerque unterstützt diese Anlage mit klarer, ruppiger Bildführung. Die Actionszenen haben Tempo, aber sie protzen nicht. Ein Angriff kommt schnell, ein Körper fällt schwer, ein Blick bleibt einen Moment zu lang hängen. Das ist Thriller-Handwerk. Der Seitenrhythmus arbeitet mit Druck und Unterbrechung. Mal zieht die Erzählung an, dann bremst ein stilles Panel die Bewegung ab. Ich hatte beim Lesen immer wieder das Gefühl, dass Dinah nicht nur Beweise sammelt. Sie sortiert auch ihre eigenen Erinnerungen neu.

Der Bogenschütze bleibt zunächst mehr Funktion als Figur. Das ist für ein erstes Heft in Ordnung. Seine Maske, seine Präzision und seine Zielauswahl reichen, um Bedrohung aufzubauen. Wichtiger ist der Verdacht, den er sät. Wenn ein Symbol plötzlich an Tatorten auftaucht, wird jeder frühere Verbündete, jede alte Verbindung und jede offene Rechnung erst einmal verdächtig. Roy Harper und Mia Dearden schwingen als mögliche Spuren mit. Doch der Comic tut gut daran, nicht sofort alle seine Karten aufzudecken. Er will, dass ich weiterblättere. Und das tue ich gerne!

Ein Auftakt, der den Bogen spannt

Als Nummer 1 funktioniert ABSOLUTE GREEN ARROW sehr gut. Das Heft erklärt seinen Schauplatz knapp, setzt Dinah stark ins Zentrum und liefert ein klares Versprechen.

Hier wird nicht einfach eine bekannte Figur modernisiert. Hier wird ein Vermächtnis zur Gefahr. Das ist ein starkes Sujet, weil es ohne großes Vorwissen verständlich bleibt. Wer GREEN ARROW kennt, spürt die Verschiebung. Wer ihn nicht kennt, versteht trotzdem, dass dieses Zeichen einmal für etwas anderes gestanden hat.

Besonders überzeugend finde ich die Krimi-Struktur. Es gibt Opfer, Muster, Verdächtige, berufliche Zwänge und private Altlasten. Die Gewalt ist hart, aber sie steht im Dienst des Falls. Der Comic will nicht schocken, nur um laut zu sein. Er will zeigen, wie schnell moralische Gewissheit verrutscht, wenn die Toten selbst keine reinen Unschuldslämmer waren. Wer einen Schmetterling zertritt ist ein Mistkerl, wer eine Kakerlake zertritt … nun ja.

Genau hier liegt auch die größte Aufgabe für die kommenden Hefte. Die Serie darf sich nicht zu sehr auf ihre düstere Attitüde verlassen. Sie muss Dinah’s Konflikt vertiefen, den Täter schärfen und Oliver Queen’s Erbe mit echten Konsequenzen aufladen.

Die große Nachfrage vor der Veröffentlichung passt zu diesem starken Start. Die Erstauflage war über Vorbestellungen so schnell vergriffen, dass DC bereits eine Zweitauflage angekündigt hat. Wer lesen will, muss das also erst einmal online tun.

Für ein Auftaktheft ist das natürlich ein hübsches Ausrufezeichen. Wichtiger bleibt für mich aber, dass der Comic diese Aufmerksamkeit erzählerisch begründet. Er hat einen sauberen Haken, eine Figur, der ich folgen möchte und er hat Bilder, die nicht nach Hochglanz aussehen.

Ein Autor mit Gespür für Schuld

Pornsak Pichetshote ist ein thailändisch-amerikanischer Autor, der vor seiner eigenen Arbeit als Szenarist auch redaktionell bei DC’s Vertigo Imprint tätig war. Dort bewegte er sich in einem Umfeld, das viele erwachsene, literarisch geprägte Genrestoffe hervorbrachte.

Als Autor wurde er besonders mit INFIDEL und EXQUISITE CORPSES bekannt. Seine Geschichten verbinden oft Spannung mit Fragen nach Herkunft, Macht, Schuld und gesellschaftlicher Ausgrenzung. Das merkt ich auch hier. Pichetshote interessiert sich nicht nur dafür, was passiert. Ihn interessiert, welche Wunde eine Tat offenlegt.

Ein Zeichner für Druck und Bewegung

Rafael Albuquerque stammt aus Brasilien und arbeitet seit vielen Jahren für den amerikanischen Comicmarkt. Bekannt wurde er unter anderem durch BLUE BEETLE, SUPERMAN / BATMAN und vor allem AMERICAN VAMPIRE.

Seine Zeichnungen haben eine körperliche Energie, die gut zu Geschichten passt, in denen Figuren unter Druck geraten. Albuquerque kann Action klar erzählen, ohne sie glattzubügeln. Gesichter, Schatten und Bewegungen wirken bei ihm oft leicht angeraut. In ABSOLUTE GREEN ARROW – THE LONGBOW KILLER ist genau das wichtig. Die Welt sieht nicht edel aus, sondern benutzt.

Fazit

ABSOLUTE GREEN ARROW liefert viele Anspielungen auf aktuelle Ereignisse, Personen und Diskussionen. Gleichzeitig ist der erste Band ein starker, harter und sehr kontrollierter Auftakt, bei dem ich verstehen kann, weshalb die Community so heiß auf diese Ausgabe war.

Ich mochte vor allem, dass der Comic seine Hauptfigur nicht bequem über das Symbol Green Arrow definiert, sondern über den Verlust dieses Symbols. Dinah Lance trägt die Geschichte mit Wucht, Zweifel und genug Wärme, damit die Kälte des Falls nicht alles verschluckt. Die Ausgabe ist ein Thriller mit Krimi-Puls. Genau so funktioniert sie hier am besten.

Die Pfeile fliegen nicht mehr als reines Helden-Signe. Sie stecken in Beweisräumen örtlicher Polizeistationen fest. Und ich will wissen, wer sie dort hin geschossen hat.

Der Panini Verlag hat angekündigt, die Reihe auf Deutsch zu bringen. Falls die kommenden Hefte der Reihe das Niveau halten, wird der Sammelband mit Sicherheit seinen Weg in mein Regal finden.

• ABSOLUTE GREEN ARROW #1
• Pornsak Pichetshote und Rafael Albuquerque
• 28 Seiten | Farbe
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © DC Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Peter Mennigen und Ingo Römling liefern in dieser Erzählung keinen Blutrausch um des Effekts willen. Ich erhalte stattdessen eine viktorianischen Abenteuernarration, die sich mit sichtbarer Lust an Schauer, Krimi, Steampunk, Weltuntergangsflirt und sehr trockenen Humor durch ihre 64-seitige Geschichte hindurch laviert. Hierbei handelt es sich um den inzwischen sechsten Band der laufenden, sehr erfolgreichen Serie. Und – er endet mit einem fetten Cliffhanger. Der Folgeband AM ENDE DER ZEIT ist beim Splitter Verlag nun – endlich! – für September 2026 angekündigt.

Was ich an dieser Serie so mag, zeigt sich auch in diesem Werk wieder. Malcolm Max ist kein grummeliger Dämonenschlächter, der mit finsterem Gesicht durch die Seiten stapft. Er ist elegant, spöttisch, kontrolliert und oft genau dann am besten, wenn sich alles außerhalb seiner Kontrolle abspielt.

Seine Partnerin, Charisma Myskina, ist für mich dabei längst das emotionale Zentrum der Reihe. Halbvampirin hin oder her, ihre Mischung aus Direktheit, Stolz, Fremdheit und verletzlicher Neugier trägt diese Geschichten mindestens genauso stark wie Malcolm’s Gehabe als Gentleman mit Nerven aus Stahl.

Das Ganze spielt im London der späten viktorianischen Epoche. Also in einer Welt, die nach außen zwar voller Normen und Regeln aussieht, innerlich jedoch bereits vor sich hin fault. Genau an diesem Ort und zu dieser Zeit fühlt sich diese Serie seit Jahren am wohlsten.

London aus Nebel, Armut und Zukunftseuphorie

Bevor ich zur Handlung komme, lohnt sich ein kurzer Blick auf den Hintergrund, vor dem diese Serie läuft. Zunächst einmal: Malcolm Max begann nicht als Comic, sondern als Hörspiel. Peter Mennigen entwickelte die Figur 2008 im Umfeld einer geplanten Wiederbelebung von GESPENSTER GESCHICHTEN. Erst später wurde daraus diese Comicreihe beim Splitter Verlag.

Für die Chronologie ist das wichtig, denn die frühen Hörspiele erzählen die Vorgeschichten, während der erste Comic zeitlich danach einsetzt. Das erklärt auch, warum die Welt dieser Serie oft so wirkt, als läge schon ein ganzes Leben hinter ihren Figuren.

Noch spannender ist für mich aber der Schauplatz. Der Band führt tief ins East End und damit in jenen Teil Londons, der im späten 19. Jahrhundert wie ein Gegenbild zur imperialen Selbstverherrlichung wirkte. Charles Booth’s Londoner Armutskarte markierte Spitalfields und Whitechapel 1889 bis 1891 großflächig in Schwarz und Blau. Also als Gegenden mit besonders hoher Armut.

Gleichzeitig hängt dort noch der Schatten von JACK THE RIPPER in der Luft. Die Morde in Whitechapel von 1888 wurden zum Dauertrauma der Stadt und fraßen sich tief in die Popkultur hinein. Genau diese Mischung aus Elend, Angst und öffentlicher Obsession zapfen das Hörbuch und später auch der Comic sehr gezielt an.

Dazu kommt ein dritter Punkt, der für MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON fast ideal ist. London war damals eben nicht nur düster, sondern auch im wörtlichen Sinn elektrisiert. In den 1860er Jahren wuchs das Interesse an Séancen und modernem Spiritualismus. 1879 bekam der Lesesaal des British Museum elektrische Lampen und 1882 ging am Holborn Viaduct eine frühe öffentliche Stromversorgung in Betrieb.

Diese Stadt glaubte also gleichzeitig an „Geisterklopfen“ und an technische Erlösung. Ich finde, kaum ein deutscher Genre-Comic nutzt diese Spannung zwischen Okkultismus und Fortschrittsrausch so stimmig aus wie diese Reihe.

Zwei Ermittler wie ein altes Ehepaar

Im Zentrum dieses Bandes stehen – natürlich – wieder Malcolm Max und Charisma Myskina. Er ist der stilbewusste Spezialist für paranormale Fälle, sie die Halbvampirin an seiner Seite, gefährlich, scharfzüngig und deutlich weniger bereit, höflich um die Dinge herumzureden.

Dazu kommen die Schwestern Emmeline und Miranda Finch, die in dieser Welt längst mehr sind als putzige Nebenfiguren. Sie bringen Witz, Tempo und ein sehr eigenes detektivisches Gespür ein, das ihnen bereits einen eigenen Spin-Off-Band beschert hat.

Gerade diese Mischung aus erwachsener Schauerabenteuer-Serie und fast frecher Jungdetektiv-Energie gibt MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON seinen besonderen Ton.

Ein vollgepacktes Album

Der Band steigt mit einem Hinterhalt ein. Malcolm und Charisma geraten in ein verlassenes Hospital und dort in eine Falle, die sehr schnell klarmacht, dass hier mehr am Werk ist als ein örtlicher Serienmörder. Dämonische Kopfgeldjäger, seltsame Steckbriefe, rätselhafte Gegner, dazu später die Spur eines Kannibalen, der Frauen aus dem Milieu zerfetzt zurücklässt, nehmen hier ihren Anfang.

Peter Mennigen eröffnet den Band gleich mit diversen Fäden. Das ist auf 64 Seiten riskant, funktioniert hier aber erstaunlich gut, weil er nie vergisst, die Figuren zusammenzuhalten. Selbst wenn die Handlung kurz in Richtung dimensionsoffener Irrsinn abkippt, bleibt die Frage wichtig, wie Malcolm und Charisma aufeinander reagieren, wie sie sich necken, reizen, retten und doch ständig einen halben Schritt zu weit voneinander weg bleiben. Schließlich gibt es da ja noch die Drohung von Charisma’s Vater, Malcolm den Garaus zu machen, sollte er seiner Tochter zu nahe kommen. Aber das ist ein anderes Thema.

Gerade dieses Duo ist für mich der eigentliche Grund, warum ich immer wieder zu der Serie zurückkehre. Zwischen diesen Beiden knistert es gewaltig und nicht in einem kitschigen Sinne. Eher so, als würden zwei Menschen seit Ewigkeiten denselben Satz umkreisen und ihn nie aussprechen.

Der Humor kommt genau aus dieser Bewegung. Ein schräger Blick hier, eine kühle Bemerkung dort, ein Satz, der halb Rettungsleine und halb Spitze ist. Das ist genau mein Ding. Ich habe beim Lesen oft den Eindruck, dass Mennigen den Rhythmus der Beziehung besser versteht als viele Autoren, die ihre Figuren nur auf eine Romanze zuschreiben. Hier bleibt das Spiel offen. Und genau deshalb bleibt es lebendig.

Das East End wird zum Schaufenster des Grauens

Der titelgebende Kannibale ist natürlich kein bloßer Vorwand. Der Fall bringt diese Geschichte mitten ins East End, also hinein in jene Straßen, in denen Frauenkörper schnell zur Ware und noch schneller zu Wegwerfmaterial wurden.

Der Band macht daraus keine plumpe Sozialgeschichte. Ich fand aber stark, wie deutlich die soziale Schieflage spürbar bleibt. Die Opfer sind nicht zufällig Frauen aus dem Milieu. Dieser Fall erzählt eben auch davon, wer in dieser Stadt am leichtesten verschwindet und wer erst dann zählt, wenn sich das Grauen nicht mehr vertuschen lässt. Besonders gut hat mir gefallen, wie Charisma von Menningen in diese Umgebung gestellt wird. Dass sie sich als Prostituierte verdingen soll, ist nicht bloß ein sensationeller Aufhänger, sondern ein kluger Perspektivwechsel innerhalb der Serie.

Plötzlich sieht London anders aus, nicht aus Malcolm’s ironischer Distanz, sondern aus einer gefährdeten, körperlich exponierten – wenn auch wehrhaften – Position einer Frau. Gleichzeitig nimmt sich der Band beim Humor nicht zurück. Diese Szenen haben Biss (Sorry, Wortspiel), aber eben auch Witz.

Charisma spielt keine wehrlose Rolle. Sie spielt mit ihrer Rolle. Und Malcolm muss dabei einsehen, wie wenig Kontrolle er wirklich hat. Genau daraus zieht der Comic einen guten Teil seiner Spannung.

Parallel dazu läuft die Geschichte um einen hochbegabten Physiker, der für seine todkranke Tochter an eine Grenze geht, hinter der Wissenschaft nicht mehr sauber von Hybris zu trennen ist. Auch das ist typisch für diese Serie. Sie liebt Laborfantasien, dampfende Apparaturen, große Versprechen und den Moment, in dem Fortschritt vielleicht in Größenwahn kippt.

Ich mag, dass Mennigen diese Ebene nicht trocken erklärt, sondern als emotionalen Motor nutzt. Es geht nie nur um diese Erfindung. Es geht um Verzweiflung, Liebe, Verlustangst und den alten Wunsch, den Tod irgendwie doch zu überlisten. Dadurch bleibt das Science-Fiction-Element im Band nicht bloß Dekor, sondern bekommt ein Herz.

Wenn Witz und Weltuntergang gleichzeitig anklopfen

Was dieser Band besonders gut kann, ist einen ganz bestimmten Ton zu treffen. Ich lese hier einen Geschichte, die Dinge zeigt, die eigentlich unerquicklich sind. Verstümmelte Opfer, dämonische Angriffe, apokalyptische Möglichkeiten. Und trotzdem kippt das Ganze nie in selbstgefällige Düsternis. Dafür sorgt der Humor, vor allem der, der aus den Figuren kommt und nicht aus aufgesetzten Gags. Ein schönes Beispiel ist das Gerücht über eine mögliche Verlobung von Malcolm und Charisma. So ein Einfall könnte albern werden. Hier lockert er die Geschichte auf und zeigt gleichzeitig, wie viel zwischen diesen beiden unausgesprochen herumsteht.

Gleichzeitig merkt ich dem Band an, dass er ein Kapitel in einer fortlaufenden Serie und kein völlig abgeschlossener Einzelband ist. Das ist Stärke und kleine Schwäche zugleich. Stärke, weil die Welt dicht ist, weil Nebenfiguren Gewicht haben, weil jedes neue Abenteuer auf etwas Größeres hinarbeitet. Kleine Schwäche, weil der Band sein Material sehr energisch zusammenhält und deshalb an einigen Stellen fast zu viel in zu kurzer Zeit erzählen muss. Die Übergänge zwischen Serienmörderfall, okkultem Angriff, Wissenschaftsdrama und kosmischer Bedrohung sind spannend, aber nicht immer ganz … „luftig“. Ich war beim Lesen nie verloren, habe aber gespürt, wie dicht Mennigen seine 64 Seiten packen musste.

Trotzdem sitzt der Cliffhanger. Und zwar nicht nur als lautes „To-be-continued“-Schild, sondern als echter Schub nach vorn. Ich habe das Album mit genau dem Gefühl geschlossen, das eine gute Fortsetzungsserie auslösen soll: nicht Sättigung, sondern Vorfreude und ungeduldige Erwartung des nächsten Bandes. Genau darin liegt für mich eine große Qualität von MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON. Der Band will nicht nur gefallen, sondern die Reihe unter Spannung halten. Das gelingt ihm.

Mehr Serienfolge als Einsteigeralbum

Wie schon erwähnt, ist für die Einordnung wichtig, dass die Comics chronologisch nach der Hörspielvorgeschichte spielen und längst ein größeres Netz aus Beziehungen, Mythen und Running Gags aufgebaut haben. Wer hier zum ersten Mal einsteigt, bekommt genug, um dem Fall zu folgen. Ich würde Band 6 trotzdem nicht als idealen Erstkontakt empfehlen.

Zu viel von seinem Charme entsteht aus Vertrautheit mit seinen Figuren und dem Wissen, wie Malcolm und Charisma seit Jahren umeinander kreisen. Oder aus dem Vergnügen, wenn die Finch-Schwestern auftauchen. Und aus dem Gefühl, dass diese Welt schon lange vor der ersten Seite atmet.

Innerhalb der Reihe wirkt der Band für mich wie eine Zuspitzung. Der Fall ist größer, die Bedrohung drastischer, der Blick stärker auf die Serie als Ganzes gerichtet. Darum wird er auch in zwei Alben erzählt. Dazu passt, dass der angekündigte Folgeband AM ENDE DER ZEIT die Linie von Raum, Zeit und Apokalypse ausdrücklich weiterführt.

Ich mag an dieser Entwicklung, dass sie die Serie nicht verrät. MALCOLM MAX bleibt auch dann Malcolm Max, wenn die Bühne wächst. Er bleibt der geschniegelte, grantige Geisterermittler, der lieber einen trockenen Satz setzt, als heroisch zu posieren. Und Charisma bleibt die Figur, die ihm mit Freude jede Attitüde aus dem Gesicht klatscht, sobald sie zu geschniegelt sitzt.

Kurz etwas zu den Machern

Peter Mennigen, Jahrgang 1952, studierte in Köln Kunst und Design und schrieb seit den späten 1970er Jahren für eine erstaunliche Zahl deutscher Comicreihen. Besonders prägend war seine Arbeit für Bastei Titel wie GESPENSTER GESCHICHTEN, SPUK GESCHICHTEN, PHANTOM, CONNY oder FELIX.

Später schrieb er auch für die Verlage Egmont, Panini und Ravensburger und verfasste internationale Stoffe zu Serien wie LUCKY LUKE, DIE SCHLÜMPFE, BESSY und ISNOGUD. Hinzu kommen Hörspiele, Bücher sowie Drehbücher für Fernsehproduktionen wie KÄPT’N BLAUBÄR, TIM THALER und RTL SAMSTAG NACHT. Bei MALCOLM MAX bündelt er viel von dem, was er über Pulp, Serienerzählung, Schauerstoffe und pointierte Dialoge gelernt hat.

Ingo Römling wurde 1969 in Frankfurt am Main geboren und kam aus Illustration, Grafik und Musik zum Comic. Früh arbeitete er für Verlage, Werbeagenturen und später sehr erfolgreich für die Musikbranche als Cover-Illustrator und Layouter. Mit DIE TOTEN machte er sich im deutschen Comic deutlich bemerkbar. Seine Comics METROPOLIA: BERLIN 2099 und DIE CHRONIKEN DES UNIVERSUMS habe ich an dieser Stelle bereits besprochen.

Seit 2013 prägt er gemeinsam mit Peter Mennigen die Welt von MALCOLM MAX. Parallel dazu wurde er mit STAR WARS REBELS zu einem der ersten offiziellen Disney Comiczeichner aus Deutschland. Auch international ist Römling längst unterwegs, etwa über den französischen Verlag Dargaud und Europe Comics. Sein Stil verbindet klassische Lesbarkeit mit digital gestützter Bildfülle und einem sicheren Gespür für Atmosphäre. Genau deshalb passt er so gut zu einer Serie, die zwischen Gasse, Labor und Dämonenportal ständig den Ton wechseln muss.

Fazit

MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON ist für mich ein fast perfekter Band. Fast – denn dafür ist er stellenweise etwas zu dicht und zu verliebt in die Menge seines Materials. Aber genau darin steckt auch seine Kraft.

Ich bekomme einen deutschen Genre-Comic, der seine viktorianische Bühne ernst nimmt, seine Figuren liebt, seinen Humor trocken serviert und sein Grauen nie bloß vordergründig benutzt. Vor allem bekomme ich aber wieder Malcolm und Charisma. Und ehrlich gesagt reicht mir das schon, um glücklich zu sein.

Ich bleibe also dran, obwohl mich – wie bereits erwähnt – Horror selten begeistert. Diese Reihe aber tut das schon. Und auf Band 7 im September 2026 freue ich mich sehr…

• MALCOLM MAX 6 – DER KANNIBALE VON LONDON
• Peter Mennigen und Ingo Römling
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-98721-297-0
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Was mich an diesem Auftakt der abgeschlossenen Reihe reizt, ist der narrative Tonfall. Die Autoren, José Manuel Robledo und Marcial Toledano gehen mit mir nicht auf eine exotische Postkartenreise. Sie setzen Japan mit seinen Traditionen zwar als exotische Bühne, aber sie erzählen von sehr menschlichen Dingen. Jemand will neu anfangen und jemand anderes nutzt genau das aus. Dazwischen steht ein Ladengeschäft, das nach Tinte riecht und nach Regeln funktioniert, die älter sind als jede Ausrede dafür, etwas nicht zu tun.

Motorenlärm und Wut im Bauch

Die Ausgangslage ist zunächst klassisch. Ein junger Rebell bekommt eine letzte Chance. Natürlich kippt das Ganze. Plötzlich hat jede Linie auf einem Stück Haut eine Bedeutung. Und plötzlich ist ein Tattoo nicht mehr nur Körperschmuck, sondern Beweisstück, Drohung und Mythos zugleich. Yoshi ist zu Beginn der Geschichte kein Held. Er ist ein Teenager, der sich an eine Bande klammert, weil dort Zugehörigkeit und so etwas wie Familiengefühl billig zu haben ist. Er fährt Motorrad, sucht Streit und sammelt schlechte Entscheidungen.

Sein persönliches Umfeld kennt ihn längst als einen Problemfall. Seine Familie sieht, dass es so nicht weitergeht. Also landet Yoshi nicht vor Gericht, sondern bei Seijun. Seijun ist ein hochangesehener Tätowierer und führt ein Studio, das auf Disziplin setzt, auf Routine und damit alles besitzt, um einen jungen Mann „auf den Pfad der Tugend“ zurückzuversetzen.

Der Wechsel wirkt auf Yoshi brutal. Aus Lärm wird Stille, aus Übermut wird Wiederholung. Er lernt, was Hände können, wenn sie nicht zuschlagen, sondern arbeiten. Er entdeckt ein Talent in sich, das ihn selbst überrascht. Genau hier baut der Band eine seiner besten Spannungen auf. Yoshi will wieder dazugehören, diesmal jedoch wirklich. Das Handwerk bietet ihm einerseits einen eigenen Weg, andererseits bleibt in ihm etwas Unruhiges.

Seijun’s Laden hat zudem eine zweite Ebene, im wörtlichen Sinn. Unten läuft das, was man sich unter einem Tattoo Studio vorstellt. Oben passiert jedoch das, was niemand sehen soll. Der Comic streut diese Ahnung früh ein. Ich mag das, weil es nicht mit einem Holzhammer kommt. Ich spüre die Geheimnisse, lange bevor ich sie benennen kann.

Der zweite Stock und ein Rücken voller Unheil

Dann macht die Geschichte einen Sprung. Zehn Jahre sind vergangen, ohne dass der Band daraus ein großes Drama macht. Yoshi ist inzwischen in seinem Handwerk bewandert. Er beherrscht sogar die traditionelle Tebori-Technik. Genau in diesem Moment zieht Seijun die letzte Abdeckung fort, denn seine wahren Kunden sind japanische Mafiosi: Yakuza. Und jede Tätowierung beinhaltet eine konkrete Bedeutung. Sie hängt mit den Taten ihrer Träger zusammen, Taten, die niemand laut ausspricht.

Der Band führt Takeshi Mitsumune als Kunden ein. Sein Rücken zeigt eine seltsame Kreatur. Dieses Motiv hängt wie ein dunkler Schatten über allem und jedem. Das Tattoo fühlt sich an wie ein Vorzeichen. Gleichzeitig bleibt es greifbar, weil es an Menschen gebunden ist, nicht nur an abstrakte Bedrohungen. Yoshi steht vor einem Dilemma, das ihm keiner abnimmt. Er kann den Auftrag verweigern und damit sein neues Leben riskieren. Oder er kann ihn annehmen und in eine Welt hinübergleiten, die nur nach außen durchgestylt wirkt, innerlich jedoch brutal ist.

Der Auftakt der Reihe endet nicht mit einem abgeschlossenen Fall, sondern mit einem Cliffhanger. Fragen bleiben offen, Beziehungen sind nur angedeutet. Der Band will nicht schon alles ausspielen. Er legt Fäden, die später straffgezogen werden. Wer beim Lesen gern das Gefühl hat, dass ein größerer Plan existiert, bekommt ihn hier bereits angedeutet.

Figuren aus Fleisch, nicht aus Mythos

Am stärksten wirkt TEBORI BAND 1, wenn er seine Figuren nicht erklärt, sondern sie handeln lässt. Show don’t tell. Yoshi sucht Anerkennung. Er findet sie zuerst bei den Falschen. Danach sucht er sie bei Seijun und lernt, dass Anerkennung verdient sein will. Dieses Motiv macht ihn zugänglich. Es macht ihn auch gefährdet, denn wer sich seine Zugehörigkeit verdienen will, lässt sich leichter binden.

Seijun selbst bleibt bewusst ambivalent. Er ist Mentor und Gatekeeper. Er schützt Yoshi und benutzt ihn zugleich. Der Comic zeigt das in seinen Gesten. Ein Lob kommt selten, ein Auftrag plötzlich. Ein Blick nach oben auf die zweite Ebene sagt mehr als eine Drohung. Das ist gutes Erzählen, weil es die Machtverhältnisse im Raum hält.

Auch die Yakuza Figuren wirken nicht wie Karikaturen. Takeshi ist kein reiner Bösewicht. Er wirkt wie jemand, der selbst in seinem eigenen Körper eine Geschichte trägt. Genau deshalb bekommt das Tattoo-Motiv eine solche Präsenz. Das Bild auf seinem Rücken ist nicht nur schön, sondern auch eine Last.

Robledo nutzt zudem den Kontrast zwischen Außenwelt und Innenwelt. Außen steht eine moderne Großstadt, innen herrscht das Ritual. Dieser Widerspruch treibt die Spannung, weil er Yoshi’s neue Identität ständig testet.

Wenn Handwerk zur Falle wird

Das stärkste Element von TEBORI BAND 1 ist für mich die Verbindung aus Arbeitsschritten und Gefahr. Der Comic zeigt das Tätowieren nicht als cooles Accessoire, sondern als Prozess aus  Konzentration, Schmerz, Nähe und Vertrauen. Und genau diese Nähe macht die Geschichte so unangenehm spannend. Wer dir seine Haut öffnet, bekommt etwas von dir. Wer dir die Haut öffnet, kann dich auch besitzen.

Robledo nutzt dieses Setting, um zwei Erzählrichtungen gegeneinander zu schneiden. Auf der einen Seite steht Yoshi, der sich aus Gewalt lösen will. Auf der anderen Seite steht eine Unterwelt, die Gewalt als Geschäft und Mittel zum Zweck versteht. Das Studio wird zur Schnittstelle zwischen den Welten. Dort treffen Tradition und Moderne aufeinander, dort prallen Ehre, Geld und Angst zusammen.

Clever finde ich auch, wie der Band mit zeitlichen Aspekten arbeitet. Der Sprung über zehn Jahre wirkt nicht wie eine Abkürzung. Er wirkt wie ein Kommentar. Ich sehe, dass Lernen Zeit braucht. Ich sehe auch, dass Vergangenheit zäh bleiben kann. Und ich merke, dass ein neues Können nicht automatisch ein neues Leben bedeutet.

Dazu kommt ein Ton, der gelegentlich in Richtung des Unheimlichen kippt. Das Motiv der Kreatur auf Takeshi’s Rücken öffnet eine Tür zu Mythos und Vorzeichen. Der Comic bleibt dabei in einer Schwebe. Er verspricht nicht sofort Magie als Erklärung, stattdessen nutzt er das Fantastische als die wabernde Gefahr im Hintergrund. Das passt, weil Tattoos selbst auch immer Erzählungen sind, die man glauben oder anzweifeln kann.

Farben wie Neon auf nasser Straße

Marcial Toledano’s Zeichnungen wirken auf den ersten Blick glatt. Klare Linien, saubere Flächen, leicht mangaesk. Dann sehe ich, wie viel Arbeit in den Details steckt. Gesichter tragen Nuancen, Körperhaltungen erzählen Stimmungen. Besonders bei Tattoos zeigt Toledano viel Geduld. Die Motive sitzen nicht einfach auf der Haut. Sie wirken eingebettet, als hätten sie selbst Gewicht.

Die Farbgebung spielt dabei eine eigene Hauptrolle. Der Band setzt auf starke Kontraste und auf eine Palette, welche die Szenen emotional codiert. Gelb und Blau tauchen als dominante Pole auf. Das ergibt einen Look, der modern wirkt und trotzdem nicht steril bleibt. Ich hatte mehrfach das Gefühl, dass die Farben den Puls der Seite steuern. Sie beruhigen, sie treiben, sie warnen.

Spannend ist auch die Mischform der Erzählweise. Der Band liest sich dynamisch, teilweise mit einer Rhythmik, die an Manga erinnert. Gleichzeitig bleibt die Gestaltung klar im frankobelgischen Album verankert: mangaeskes Coming-of-Age trifft frankobelgische Ästhetik. Genau diese Kombination macht das Buch zugänglich für unterschiedliche Lesegewohnheiten.

Dass Cross Cult der deutschen Ausgabe Zusatzseiten mitgibt, passt ins Konzept. Der Band will nicht nur unterhalten. Er will auch zeigen, wie stark Recherche und Design zusammenarbeiten.

Das Duo hinter dem Thriller

José Manuel Robledo und Marcial Toledano arbeiten seit Jahren als Team. Beide haben an der Universidad Complutense in Madrid Bildende Kunst studiert und sich dort Anfang der 2000er kennengelernt. Von Anfang an scheint sie das gleiche Interesse zu verbinden, wie Spannung, klare Figuren oder ein Sinn für popkulturelle Dynamik. Dies wird ihr Markenzeichen: Sie bauen Spannung über Figuren und über Geheimnisse.

Ihr bekanntestes gemeinsames Projekt vor TEBORI BAND 1 ist KEN GAMES. Die Serie startete bei Dargaud und machte sie im frankobelgischen Raum bekannt. Für KEN GAMES erhielten sie zudem eine Nominierung beim Barcelona International Comics Festival. Interessant ist, dass beide später auch an CITYZEN beteiligt waren, einem Projekt, das andere Autorinnen und Autoren mit einbindet. Das zeigt eine Offenheit für kollaboratives Erzählen.

Tebori und Tattoo Tabu

Der Begriff Tebori meint traditionelles Tätowieren per Hand, ohne Maschine. Tätowierer arbeiten dabei mit einem Werkzeug, das Nadeln bündelt und die Farbe rhythmisch in die Haut sticht. Das klingt technisch, ist jedoch auch kulturell aufgeladen, weil in Japan Tätowierungen lange zwischen Kunst, Stigma und Verbot pendelten. Auch heute sind sie außerhalb gewisser Kreise nicht gerne gesehen.

Historisch gilt, dass die japanische Regierung im Zuge der Meiji Modernisierung dekoratives Tätowieren 1872 verbot. Das Verbot drängte die Praxis in den Untergrund. Erst 1948 wurde es unter dem Einfluss der amerikanischen Besatzung wieder aufgehoben.

Trotz Legalisierung blieb ein Stigma. Viele öffentliche Bäder und Onsen verweigern bis heute Menschen mit Tattoos den Zutritt. Der Grund ist weniger Gesetz als soziale Codierung. Tattoos wurden im 20. Jahrhundert stark mit organisierter Kriminalität verbunden, besonders mit der japanischen Mafia, den Yakuza.

Genau in dieses Spannungsfeld stößt der Comic hinein. Er nutzt die Welt der Tattoos nicht nur als Kulisse. Er macht sie zum Konfliktkern. In einer Welt, in der ein Tattoo zugleich Meisterschaft und Makel sein kann, bekommt jede Nadelbewegung eine zweite Bedeutung. Das macht den Reiz von TEBORI BAND 1 aus. Der Comic erzählt oberflächlich über Körper, aber er meint auch die Gesellschaft darunter.

Fazit

TEBORI BAND 1 ist ein Auftakt, der bewusst nicht alles auspackt. Er setzt lieber auf Atmosphäre, auf Figurenentwicklung und auf eine Bedrohung, die erst langsam ihre Konturen zeigt. Wer einen abgeschlossenen Krimi erwartet, wird das offene Ende spüren. Wer dagegen Lust auf einen Thriller hat, der sein Milieu ernst nimmt und dabei visuell intensiv bleibt, bekommt hier einen sehr stimmigen Einstieg.

Ich mag besonders, wie organisch das Tattoo-Handwerk in die Spannung hineinwächst. Nichts wirkt wie Dekoration, alles wirkt wie Konsequenz. Und wenn am Ende offene Fragen bleiben, dann nicht, weil der Band schlampig wäre. Sondern weil er dich genau dort haben will, wo Yoshi steht. Einen Schritt vor der Tür, die man besser nicht öffnet.

Ein Kritikpunkt für mich ist, dass die Folgebände mit jeweils nur 48 Seiten erheblich dünner sind, als der Auftakt-Band.

P.S. Leider war kein deutschsprachiges Bildmaterial (mehr) zu bekommen.

• TEBORI Band 1
• José Manuel Robledo und Marcial Toledano
• Hardcover | 72 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96658-354-1
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Cross Cult Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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GREEN MANOR ist eine köstliche Verbeugung vor dem klassischen britischen Kriminalroman, garniert mit einer ordentlichen Prise makaberem Witz und illustriert als visueller Augenschmaus, der gleichermaßen detailverliebt wie charmant daherkommt.

Gentlemen, Gift und Genialität

Im viktorianischen London, einer Stadt voller Nebel, Sitte und Mordlust, liegt der exklusive GREEN MANOR Herren-Club, wo die feine – natürlich männliche – Gesellschaft ihren niederen Instinkten frönt. Hier wird nicht nur Brandy getrunken und Zigarre geraucht, sondern auch der perfekte Mord diskutiert, geplant und gelegentlich ausgeführt, während die Moral ganz am Ende der Speisekarte steht. Man ist schließlich die Upper-Class.

Die Autoren liefern uns einzelnen Kurzgeschichten, die wie kleine, pointierte Häppchen angerichtet sind, dabei stets überraschend und häufig sehr schwarz-humorig.

Fabien Vehlmann inszeniert die makaberen Eskapaden der Clubmitglieder meisterhaft und spielt dabei virtuos mit Elementen des klassischen Whodunit, so dass selbst ein gewisser Arthur Conan Doyle nicht verschont bleibt. Ganz im Gegenteil wird er sogar zum Ziel eines mörderischen Komplotts.

Von mordlustigen Mathematikern über zeitreisende Gentlemen bis hin zu wahnsinnigen Butlern reicht der Reigen der unvergesslichen Figuren. Die einzelnen Episoden sind in diesem Buch durch eine Rahmenhandlung verbunden, in der ein Butler und ein Psychiater in der Irrenanstalt die düsteren Geschichten von GREEN MANOR rekonstruieren.

Vehlmann und die Lust an der List

Fabien Vehlmann (ALLEIN, DIE INSEL DER 100.000 TOTEN, JENSEITS) ist bekannt für seine verspielten, aber tiefgründigen Erzählungen, die oft am Rande des Abgrunds balancieren, ohne in die Klischeefalle zu tappen. Mit seinen Episoden von SPIROU & FANTASIO ist er längst in der Riege der großen frankobelgischen Erzähler angekommen, zeigt mit den hier besprochenen Geschichten aber auch, dass er Narrative jenseits der Funnies zu bieten hat.

Seine Geschichten schöpfen aus dem riesigen Fundus historischer Kriminalromane, dennoch bleibt seine Handschrift unverkennbar. Seine Sittengemälden bieten Ironie, ein Hauch Zynismus und Dialoge, die Funken schlagen. In GREEN MANOR vereint er all seine Qualitäten und setzt – nicht zuletzt im Spiel mit Erwartungshaltungen und durch raffinierte Plot-Twists am Ende vieler Episoden – immer wieder neue stilistische Akzente.

Bodart’s Schattenreich

Sein Partner-in-Crime, Denis Bodart, illustriert GREEN MANOR mit einer Eleganz und Detailverliebtheit, die sich selten findet. Sein Stil bewegt sich zwischen karikaturhafter Überzeichnung und realistischer Präzision, was den makaberen Pointen die nötige Leichtigkeit verleiht. Die Figuren vom steifen Gentleman bis zum exzentrischen Mörder wirken trotz ihrer grotesken Züge lebendig und auf ihre Art glaubwürdig.

Bodart spielt mit Licht und Schatten. Er verleiht dem viktorianischen London der Jahrhundertwende atmosphärische Dichte und setzt gezielt kleine visuelle Gags, die das Schwarz-humorige der Geschichten unterstreichen.

Besonders in den exklusiven Bonus-Skizzen der Gesamtausgabe zeigt sich sein Talent, Charaktere noch „zwischen den Panels“ zum Leben zu erwecken.

Holmes, Wells und die Mörder im Club

GREEN MANOR spielt gekonnt auf die Traditionen viktorianischer Krimi-Literatur an: Arthur Conan Doyle, Agatha Christie und H.G.Wells lassen grüßen. Die Geschichten zitieren diese Genre-Größen nicht nur durch Figuren und Schauplätze, sondern übernehmen auch deren strukturelle Finessen durch Pointen, die sitzen, und Lösungen, die überraschen.

Die Zeitreise-Elemente und mathematischen Rätsel lehnen sich an die literarische Tradition von Wells und Conan Doyle an und spiegeln eine Epoche wider, in der Wissenschaft und Okkultismus oft noch eng beieinander lagen. Wer sich für britische Gesellschaftsgeschichte interessiert, wird in GREEN MANOR ebenso fündig wie Krimi-Liebhaber, die gerne mitknobeln möchten.

Episoden einer feinen Gesellschaft

GREEN MANOR ist zwar eine Serie, aber kein klassischer Fortsetzungscomic. Die Geschichten bilden vielmehr eine lose verbundene Sammlung von Episoden. Die einzelnen Geschichten erschienen ab 1998 ursprünglich in der belgischen SPIROU und ab 2003 auch in der deutschen ZACK. Später wurden sie erstmals für die Gesamtausgabe ergänzt und erweitert, inklusive nie zuvor veröffentlichter Episoden und Bonusmaterial.

Das Besondere: Jede Episode steht für sich, aber zusammen ergeben sie ein Bild einer dekadenten und abgründigen Welt des GREEN MANOR Herren Clubs, eines Universums, das wahrlich  seinesgleichen sucht. Der episodenhafte Charakter erlaubt es auch Gelegenheitslesern, spielerisch und ohne Vorwissen in die Reihe einzusteigen.

Die große Bühne der kleinen Verbrechen

Vehlmann und Bodart haben sich mit GREEN MANOR ein kleines Denkmal gesetzt. Wer Vehlmann kennt, wird seine Hand in den psychologisch ausgefeilten Dialogen erkennen. Wer Bodart schätzt, wird die filigranen Zeichnungen loben, die nicht nur die Atmosphäre, sondern auch die Charaktere selbst zum Sprechen bringen. (So wurde ich übrigens auf dieses Album aufmerksam.)

Im Vergleich zu anderen Werken beider Künstler – etwa SPIROU & FANTASIO oder NELLY NIKOTIN – erweist sich GREEN MANOR als das wahnwitzige Kleinod ihrer Schaffensgeschichte. Die Anspielungen auf literarische Größen und die glänzend inszenierte Morbidität machen diesen Comic absolut lesenswert.

Fazit

GREEN MANOR verbindet brillante Kriminalunterhaltung mit satirischer Tiefe und einem rundum gelungenen visuellen Stil. Die Episoden sind pointiert, die Qualität gleichbleibend hoch und selbst nach dem dritten Durchgang bleibt die Lust, den Band noch einmal zur Hand zu nehmen. Ja, GREEN MANOR ist ein wahrer Schatz für Comic-Verrückte und Genußleser. Kleiner Wermutstropfen: Die Kürze mancher Geschichten lässt einen manchmal hungrig zurück, doch andererseits liegt gerade darin die Stärke des Werks.

Diese Gesamtausgabe vereint alle achtzehn bis dato erschienenen Kurzgeschichten, darunter zwei in deutscher Erstveröffentlichung. Hinzu kommen noch die Rahmenhandlungen um den Psychiater Doktor Thorne, zahlreiche Abbildungen und Illustrationen sowie ein umfangreicher Skizzenteil des Zeichners Denis Bodart. Dabei umfasst die deutsche Edition sogar 32 Seiten mehr als die französische Originalfassung. [Verlagstext]

Wer den britischen Humor, geistreiche Krimi-Kost und künstlerische Finessen schätzt, bekommt mit dieser großartigen Gesamtausgabe aus dem Piredda Verlag das perfekte Paket. Also: Hemdsärmel hoch, Krimi-Pfeife angefacht und mit einem warmen Tee hinein ins makabere Treiben. Eine eigene Club-Mitgliedschaft ist nicht notwendig.

SHERLOCK mit Benedict Cumberbatch oder ELEMENTARY mit John Lee Miller können wir uns im Anschluss ja immer noch einmal anschauen…

GREEN MANOR Gesamtausgabe

© Pirreda Verlag | Hardcover | 192 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★☆

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★☆☆

Humor: ★★★★☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-941279-52-0

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Es beginnt unscheinbar. Die Supermarkt-Kassiererin Antonia (genannt Toni) rettet einem alten Mann, der gedankenverloren vor eine Straßenbahn läuft, das Leben. Sie wird verletzt, der Mann verschwindet und Toni fühlt sich fortan seltsam verfolgt. Schon bald ist in ihrem Leben nichts mehr wie zuvor.

Blutige Schatten zwischen Mosaiken

Kaum zurück im Alltag, überschlagen sich die Ereignisse. In unmittelbarer Nähe eines von Gaudí entworfenen Gebäudes wird eine brutal entstellte Leiche gefunden. Details des Mordes erinnern an rituelle Praktiken. Die Eingeweide des Opfers sind grausam zur Schau gestellt und schon bald zieht ein kaltblütiger Serienmörder eine blutige Spur durch die gesamte Stadt. Die Verbindung: An jedem Tatort spielt die Architektur Gaudís eine zentrale Rolle.

Inspektor Calvo, einst ein gefeierter Ermittler, heute von seinem Dienst suspendiert und mit Privatproblemen beladen, verfolgt die Spuren. Er entdeckt Gemeinsamkeiten zwischen den Opfern und der Geschichte Gaudí’s. Der Geist des Architekten scheint (wortwörtlich) durch die Straßen Barcelonas zu wandeln. Calvo erkennt Zusammenhänge, die seine Polizeikollegen ignorieren. Seine Vorgesetzten unterschätzen dabei die Gefahr.

Mysterien im Herzen Kataloniens

Auch Toni fühlt sich immer tiefer in den Strudel aus Illusionen, Kunst und Mord hineingezogen. Sie glaubt, den Geist Gaudís gesehen zu haben. Halluzinationen vermischen sich mit Realität. Dabei geraten Calvo und Antonia unabhängig voneinander ins Zentrum dieser Mordserie. Die Ermittlungen führen sie in bisher verborgene Ecken der Stadt, aber auch in ihre eigenen Vergangenheit.

Der finale Showdown findet hoch über der Stadt – unübersehbar – auf der Sagrada Família statt. Inspektor Calvo, Antonia und der Täter treffen hier aufeinander. Es kommt zum Showdown, bei dem sich Wahnsinn, Obsession und das Streben nach einer göttlichen Kunst tragisch entladen. Der Fall endet so spektakulär wie die Kulisse, in der er sich abspielt. Und am Ende bleibt die Frage: Sind in dieser Stadt die Toten wirklich tot?

Von Morden und Meisterwerken

GAUDIS GESPENST entfaltet sich als Krimi, der weit mehr ist als bloße Polizeiarbeit eines Whodunit-Falles. Die Handlung nimmt Fahrt auf, sobald Antonia dem Alten begegnet und damit quasi mit Gaudí in Kontakt tritt. Von hier an steuert die Geschichte mit klarem Ziel auf ihren dramatischen Schlusspunkt zu.

El Torres (bürgerlich Juan Antonio Torres Garcia) versteht es, die Elemente des klassischen Whodunit mit Horrorelementen und einem Hauch Übersinnlichem zu vermengen. Besonders gelungen wirkt seine Kombination realer, architektonischer Schauplätze mit einer Nerven aufreibenden Mörderjagd.

Immer wieder spielt der Autor die Faszination aus, die von Gaudís Bauwerken ausgeht. Die Erzählstruktur verschachtelt er dabei bewusst. Rückblenden geben Einblick in Calvo’s Vergangenheit. Träume und Visionen lassen Realitäten und Fantasien verschwimmen.

Narrativ arbeitet El Torres mit klaren Schnitten. Die Panels folgen dicht aufeinander, erlauben kaum eine Pause durchzuatmen. Wir werden so sehr schnell in den Sog der Enthüllungen hinein gezogen. Gleichzeitig bleibt aber genügend Raum für die handelnden Figuren, sich zu entfalten.

Der Spannungsbogen hält, auch weil El Torres konsequent auf überflüssige Nebenhandlungen verzichtet. Jede Szene greift unmittelbar ins Hauptthema ein. Was dient der Handlung? Alles! Wer sich für klassische Kriminalgeschichten interessiert, findet zahlreiche Referenzen von modernen Serienkillergeschichten bis hin zur der Art, wie Edgar Allan Poe seine Geschichten erzählte. Die Dramaturgie führt vom vermeintlich Zufälligen zum Unentrinnbaren.

Wer Barcelona schon einmal besucht hat, wird viele Handlungsorte wiedererkennen und – wie ich – in Erinnerungen schwelgen können.

Zwischen Menschen und Mythos

Antonia steht im Mittelpunkt dieser Erzählung. Als einfache, bodenständige Kassiererin ist sie alles andere als eine klassische Heldin. Gerade das macht ihren Werdegang glaubwürdig. Ihr skeptischer Blick auf die eigenen Halluzinationen, der Kampf mit der Realität verleiht dem Werk psychologische Tiefe. Antonia ist weder Ermittlerin noch Opfer, sondern eine zutiefst menschliche Figur mit Fehlern, Ängsten und einer Verbundenheit zu ihrer Stadt.

Demgegenüber wirkt Inspektor Calvo anfangs wie ein abgedroschenes Klischee. Ein in Ungnade gefallener Ermittler, geplagt von Fehlern, isoliert vom Apparat. El Torres gelingt es aber, ihm überraschende Nuancen zu geben. Seine Besessenheit von der Aufklärung des Falls, sein Zerbrechen an inneren Dämonen, seine Nähe zur Kunst Gaudí’s – all das sorgt für Dramatik und Empathie bietet schnell Identifkationspotential.

Der Antagonist bleibt lange anonym. Er agiert wie ein Schatten, ein Gespenst im Takt der Stadt. Erst spät klärt sich, welche Motivation ihn antreibt und wie seine Taten mit Gaudí’s Vermächtnis verwoben sind.

Auch Nebenfiguren wie Antonia’s Sohn oder Calvo’s frühere Kollegen erhalten ausreichend Tiefe, um aktiv etwas zur Handlung betragen zu können. Die Entwicklungsideen sind zwar klassisch, werden aber so präzise umgesetzt, dass sie nie ins Abgedroschene abgleiten.

Teamwork zwischen Horror und Historie

El Torres und Iglesias erschaffen gemeinsam ein Werk, das Kriminalplot und Künstlerbiografie vereint. Die Konstellation funktioniert, weil Beide an den Grenzen ihrer jeweiligen Genres arbeiten. Genau dieser Crossover-Charme ist es, der mich neben den Zeichnungen angezogen hat.

El Torres, Jahrgang 1972, ist ein Veteran der spanischen Comiclandschaft. Er schuf zahlreiche, international beachtete Arbeiten. Darunter das Höllenspektakel NANCY IN HELL, der irre Mystery-Trip THE SUICIDE FOREST und die Fantasy-Reihe ROGUES!.

Mit GAUDIS GESPENST kombiniert er seine Stärken, nämlich eine sichere Hand für Thrillerstrukturen und ein feines Gespür für das Surreale. Torres experimentiert mit Erzählrhythmen und Schemen, bleibt dabei aber immer zugänglich.

Jesus Alonso Iglesias setzt das Szenario großartig in Szene. Bekannt wurde er unter anderem durch seine Arbeit an der Westernserie DIE DALTONS. Sein Werdegang reicht von Animationsdesigner bis zum Comiczeichner für den französischen und spanischen Markt. Dem Animationsdesigner in ihm verdanken wir die beweglichen, lebensechte Figuren dieser Welt. Der Stil von Iglesias kombiniert expressive Linien mit detailreicher Architektur. Er arbeitet auffällig mit Kontrasten aus Licht und Schatten, Weite und Enge, Fantasie und Realität.

Farbenzauber und Fassaden

Die Zeichnungen von Jesus Alonso Iglesias geben GAUDIS GESPENST ein Gesicht. Iglesias versteht es, die Lichtstimmungen Barcelonas einzufangen. Seine Panels sind voller Dynamik und sehr lebendig. Besonders die Darstellungen von Gaudí’s Bauwerken stechen heraus. Iglesias nutzt weiche Übergänge, expressiven Strich und eine tiefe Farbpalette, um Bewegung und Statik nebeneinander zustellen.

Die Gesichter und die Körpersprache seiner Figuren wirken leicht karikiert. Dadurch entsteht bei uns eine emotionale Distanz, die die Brutalität der Handlung erträglicher macht. Die Farbgebung ist nicht nur illustrativ, sondern erzählerisch eingebunden. Je nach Stimmung verschieben sich Farbtöne, die Atmosphäre wird durch die jeweiligen Farbkontraste unterstützt. Blutige Momente erschüttern durch ihre Kälte. Friedliche Sequenzen atmen mediterrane Wärme.

Der Panel-Aufbau des Albums bleibt weitgehend klassisch. Gleichzeitig wirken einige Seiten wie architektonische Skizzen: Perspektiven springen, Kameraschwenks betonen das Monumentale. Gerade in den Szenen, in denen die Sagrada Família im Fokus steht, verschmelzen Zeichnung mit Architektur.

Wo die Erzählung in surreale Sequenzen abgleitet, wird diese Formalität jedoch durchbrochen. Panels verschwimmen, Perspektiven kippen, Gewissheiten verbiegen sich wie Wachs in der spanischen Sonne. Auf diese Weise verschafft uns Iglesias u.a. auch visuell Einblick in die geistige Verfassung von Toni.

Der Geist des Modernisme

GAUDIS GESPENST zieht seinen Zauber aus der Verschränkung von Fiktion und Geschichte. Antoni Gaudí, Schöpfer der Sagrada Família, prägte das Bild Barcelonas wie kaum ein anderer. Sein Leben war vielfach tragisch. Ein Unfall beendete es viel zu früh. Seine Werke stehen in der Realität als Mahnmale einer Epoche, die Schönheit und Chaos verband.

Die eingebetteten Verweise auf Barcelonas Kunstgeschichte, den Modernisme, die Psychologie des urbanen Lebens und das Unvollendete der Sagrada Família, all das ist kein aufgesetztes Bildungskalkül. Vielmehr bereichert es die Handlung und macht die Lektüre auch für Leserinnen und Leser zu einem Vergnügen, die an Architektur interessiert sind.

Mord und Moderne

GAUDIS GESPENST wurde erstmals 2015 auf Spanisch veröffentlicht. Die deutsche Ausgabe folgte 2016 bei Salleck Publications. Und doch wirken die Themen des Comics heute frisch und aktuell: Serienkriminalität, das Verhältnis von Kunst und Öffentlichkeit, die Zerrissenheit moderner Städte. All das findet ein Echo im heutigen Barcelona, aber ebenso in vielen anderen Metropolen.

Das Buch spricht auch gesellschaftlich relevante Themen wie Vereinsamung, soziale Spannungen und psychische Gesundheit an. Damit hebt sich der Comic wohltuend von anderen – häufig trivialen – Werken ab.

Besonderheiten, Innovationen, Details

GAUDIS GESPENST bleibt zwar grafisch und erzählerisch meist konventionell, überrascht aber durch ausgefeilte Detailverliebtheit. Besonders die im Anhang mitgelieferten Skizzen, alternativen Cover-Entwürfe und die Making-of-Notizen lassen uns nach dem Ende der Geschichte noch einmal hinter den kreativen Vorhang blicken. Diese Einblicke in den kreativen Prozess empfand ich gerade bei diesem Band als besondere Würze.

Obwohl der Comic für sich alleine steht, wäre eine Fortsetzung im gleichen Kosmos mit Antonia und Calvo durchaus denkbar. Bislang bleibt GAUDIS GESPENST jedoch ein Einzelband mit starker persönlicher Handschrift. Leider, muss ich sagen.

Fazit

Im Genre des Kunstkrimis erscheint GAUDIS GESPENST als vielschichtiges und atmosphärisches Werk. Der Comic bringt inspirierte Erzählkunst und kenntnisreiche Zeichensprache zusammen. Für Fans intelligenter Krimis mit düsteren Seiten ist der Band ein Muss.

Obwohl seine Zeichnungen karikaturhaft und im ersten Augenblick vermeintlich kinderfreundlich daher kommen, sind einige Stellen des Albums alles andere als kindgerecht. Sie sind brutal und blutig. Subtil ist dieser Comic nicht. Also Achtung!

Architektur-Begeisterte, Kunsthistoriker und Barcelona-Urlauber finden zahlreiche Anspielungen, die sie attraktiv finden werden. Gelegenheitsleser genießen die Spannung und die ungewöhnliche Kulisse. Besonders für Leserinnen und Leser, die Comics abseits angloamerikanischer Superhelden suchen, lohnt das Eintauchen in diesen Barcelona-Krimi.

Wer Lust auf Mystery, Urbanität und eine große Portion spanisches Flair verspürt, sollte sich GAUDIS GESPENST unbedingt gönnen. Der Band bleibt im Gedächtnis und macht Lust auf weitere Werke dieses kreativen Duos.

GAUIS GESPENST

© Salleck Publications Verlag | Hardcover | 124 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★☆☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★☆☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆

ISBN: 978-3-89908-599-0

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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