RUMMELSDORF – ENIGMA ist ein Spin-Off aus dem SPIROU-Universum, ein Teil der Reihe SPIROU PRÄSENTIERT und zugleich der Start einer eigenen Reihe um den jungen Grafen Pankratius Hieronymus Ladislaus Adalbert von Rummelsdorf.

Das Album will die bekannte Figur neu aufstellen. Es will ihr Jugend, Haltung und eine Geschichte mitgeben. Vor allem aber will es zeigen, dass der liebenswerte Sonderling der späteren Abenteuern früher einmal ein junger Mann war, der mit offenem Blick durch eine aus den Fugen geratene Welt ging.

Beka und David Etien setzen dafür nicht auf knallige Effekte. Sie setzen auf Neugier, auf Atmosphäre und auf Figuren, die klug genug sind, um interessant zu sein, aber menschlich genug, um nicht verkopft zu wirken. Und sie sind eindeutig von Morton Tyldum’s Film THE IMITATION GAME aus dem Jahr 2014 inspiriert, den ich persönlich für einen der besten Filme zum Thema Krieg und Spionage im 2. Weltkrieg halte.

Mich hat an diesem Album daher sofort gereizt und natürlich, dass es Krieg nicht als Kulisse für Heldentum benutzt. Der Krieg ist da, ja, und er drückt auf jede Szene. Aber im Mittelpunkt stehen keine Siegerposen, sondern Menschen, die denken, zweifeln, kombinieren und trotzdem handeln.

Genau das macht den Band für mich so sympathisch. Er will nicht bedeutungsschwer wirken. Er will eine gute, bekannte Geschichte noch einmal neu und aus einer anderer Richtung erzählen. Und er vertraut darauf, dass ein kluger Abenteuercomic völlig ausreicht, wenn Figuren und Rhythmus stimmen.

Bletchley Park und die Enigma

Der historische Kern dieses Albums ist präzise gewählt. Die Enigma war keine bloße Fantasie aus einem Kriegsroman, sondern eine echte Chiffriermaschine, die von Deutschland militärisch genutzt wurde. Bletchley Park war das britische Zentrum der Codeknacker, die versuchten ihre Verschlüsselung zu knacken. Dort arbeiteten männliche und weibliche Mathematiker, Linguisten, Logiker, Schachspieler, Funkleute und viele andere Spezialistinnen und Spezialisten daran, die Nachrichten der Achsenmächte zu lesen.

Gerade das macht diesen Ort bis heute so faszinierend. Er war kein Schlachtfeld im klassischen Sinn. Er war ein Ort, an dem Konzentration, Geduld und Kombinationsgabe über Leben und Tod entschieden. Und auch hier führten Fehler möglicherweise zum Verlust von Menschenleben. Für einen Comic ist das fast schon ideal, weil sich hier Spannung nicht aus Explosionen ergibt, sondern aus Gedankenarbeit unter enormem Druck.

Besonders interessant finde ich, dass Bletchley Park eben nicht nur mit Alan Turing verbunden werden darf. Dieser Ort funktionierte stets als Teamleistung. Viele der Beschäftigten waren Frauen. Sie arbeiteten als Übersetzerinnen, Analytikerinnen und Bedienerinnen der Maschinen.

Auch die berühmten Bombes waren keine magischen Wunderkästen, sondern Werkzeuge, die mit der harten Denkarbeit ihrer Erbauer zusammenspielten. Der Band greift genau diese Mischung auf. Er macht aus dem Stoff kein Schulbuch, sondern ein Abenteuer über kluge Köpfe, über Muster und über die seltsame Schönheit eines Rätsels, das sich erst Stück für Stück dem Rätselnden öffnet. Das gefällt mir sehr, weil der Comic spürbar Respekt vor dem Thema hat, ohne sich davon erdrücken zu lassen.

Ein Held, der noch keiner sein will

Die eigentliche Handlung beginnt 1940. Belgien ist besetzt. (Ganz Belgien? Ja, ganz Belgien!) Schloss Rummelsdorf steht unter dem Druck des Krieges. In diese Lage hinein flattert eine verschlüsselte Botschaft, die den jungen Grafen sofort elektrisiert.

RUMMELSDORF ist hier noch nicht die skurrile Vaterfigur, die viele aus den SPIROU UND FANTASIO-Comics kennen. Er ist wach, wissbegierig und ein wenig rastlos. Genau das funktioniert wunderbar. Der Band zeigt ihn nicht als geborenen Helden, der tollkühn irgendwo hinein stolpert. Er folgt einer Spur, weil sie seinen Verstand herausfordert und weil er spürt, dass hinter allem mehr steckt als ein nettes Denkspiel. Die Botschaft enthält eine Einladung, welche ihn nach England führt und damit in ein Abenteuer, das sehr schnell größer wird als er selbst.

Schon dieser erste Abschnitt liest sich angenehm flüssig. Ich mag, wie locker der Comic seine Ausgangslage baut. Das Schloss, die Besatzung, die chiffrierte Nachricht und die Reise nach London greifen sauber ineinander. Nichts wirkt übererklärt, nichts wirkt hektisch.

Stattdessen entsteht das schöne Gefühl, dass sich vor meinen Augen eine Tür öffnet. Hinter dieser Tür wartet kein übliches Kriegsabenteuer, sondern ein Rätselspaß mit Tempo und Charme. RUMMELSDORF ist dafür die richtige Figur, weil er weder Soldat noch Draufgänger ist. Er bringt etwas viel Passenderes mit: Neugier! In England findet der Band dann seine eigentliche Geschichte. 

Blair, Turing und das Rätsel hinter dem Rätsel

RUMMELSDORF trifft im Folgenden auf auf die Welt von Bletchley Park und eine Frau, Blair McKenzie. Blair ist für mich eine der größten Stärken dieses Comics. Sie ist nicht nur eine clevere Begleiterin. Sie gibt der Geschichte Wärme, Witz und Reibung. Zwischen ihr und RUMMELSDORF entsteht schnell eine Spannung, die den Band emotional auch trägt.

Zugleich wird Alan Turing als wichtige Figur eingeführt. Dies hätte leicht daneben gehen und in Ehrfurcht erstarren können. Tut es aber nicht. Der Comic nutzt Turing als Teil eines Teams, nicht als Denkmal. Dadurch bleibt die Geschichte lebendig und der Blick frei für das Zusammenspiel ihrer Figuren.

Die Handlung bleibt dabei angenehm konzentriert. Es geht um das Knacken der Enigma-Codes, um Zeitdruck und Vertrauen. Und es geht um die Frage, wer in so einem Moment eigentlich handeln darf und handeln muss.

Das alles bleibt verständlich, auch wenn man mit Bletchley Park oder kryptografischen Themen vorher kaum Berührung hatte. Genau das rechne ich dem Band hoch an. Er ist klug, aber nie glatt, historisch interessiert, aber nie trocken. Und er schafft etwas, das gar nicht so leicht ist: er macht Denkarbeit spannend, ohne sie künstlich mit Action aufzupeppen.

Mehr als einmal hatte ich beim Lesen das Gefühl, dass hier nicht bloß eine Geschichte erzählt wird, sondern ein ganz eigener Ton gefunden wird, der weit über den Zungenschlag des SPIROU-Universums hinausgeht.

Wo dieser Band seinen Platz hat

Als erster Band der Reihe muss RUMMELSDORF – ENIGMA viel leisten. Er muss seine Hauptfigur noch einmal neu vorstellen und den historischen Rahmen setzen. Auch muss er die emotionale Verbindung zu Blair aufbauen und zugleich den Grundstein für die Folgebände legen.

Genau deshalb verzeihe ich ihm auch kleinere Unebenheiten. Manche Szene erklärt halt doch ein wenig mehr, als sie vielleicht müsste. Manche reale Figur bleibt etwas stärker Funktion als voller Charakter. Trotzdem entwickelt sich der Band erstaunlich gut. Gerade im Rückblick sehe ich, wie sauber hier gearbeitet wurde, weil spätere Bände genau an einzelnen Punkten ansetzen können und die Reihe Schritt für Schritt weiter entwickeln – allerdings dunkler und persönlicher.

Für mich ist das die vielleicht schönste Qualität dieses Auftakts. Er will nicht alles schon im ersten Anlauf überbieten. Er legt an, pflanzt Motive, baut Beziehungen. Und er sorgt dafür, dass man nach der letzten Seite nicht das Gefühl hat, einen abgeschlossenen Einfall gelesen zu haben, sondern am den Beginn einer größeren Lebensgeschichte steht.

PATIENT A führt die Reihe in deutlich dunklere Zonen

Der zweite Band knüpft direkt an Bletchley Park an. RUMMELSDORF und Blair arbeiten weiter an der Entschlüsselung deutscher Kommunikation. Zwischen beiden ist inzwischen mehr gewachsen als Freundschaft. Genau das macht den Einstieg hier angenehm, weil die Reihe ihre Figuren nicht neu sortieren muss.

Dann kommt ein codierter Hilferuf. Wissenschaftler werden von den Nazis gezwungen, an einem Forschungsprogramm mitzuwirken. Dieses Mal führt die Spur nach Berlin. Aus dem Denkabenteuer des ersten Bandes wird damit ein deutlich riskanteres Unternehmen mitten im Machtbereich des verfeindeten Regimes. Der Ton kippt spürbar, die Serie wird dunkler, härter. Sie bleibt zwar zugänglich, wirkt aber nun ernster und dichter.

Gerade diese Verschiebung finde ich stark. Der erste Band lebt von Entdeckung, Tempo und dem Zauber eines großen Rätsels. Der zweite Band zwingt RUMMELSDORF viel direkter in die moralische Wirklichkeit des Krieges. Das gibt der Figur weiter Gewicht.

Blair wird dabei noch wichtiger. Sie läuft nicht bloß mit oder wird als Damsel-in-Distress verwendet. Sie greift ein, sie denkt mit und sie hält die Geschichte menschlich. Dadurch wächst auch mein Blick auf RUMMELSDORF. Er ist jetzt nicht mehr nur der kluge junge Graf, der spannende Probleme löst. Er wird zu jemandem, dessen Intelligenz in einer brutalen Welt bestehen muss. Genau an diesem Punkt zeigt sich, dass die Reihe mehr sein will als ein hübsches Historien-Abenteuer.

EINE HANDVOLL KOHLENSTOFFATOME öffnet die Reihe in eine neue Richtung

Der dritte Band springt in den Herbst 1951. Schon dieser Zeitsprung tut der Serie gut, weil er das Konzept weitet. Eine etwas exzentrische Amerikanerin namens Margaret Sanger taucht auf Schloss Rummelsdorf auf. Sie hat von den Forschungen des Grafen zur Empfängnisverhütung gehört und nimmt ihn mit nach Boston. Dort soll ein Labor helfen, eine Pille zu entwickeln.

Das ist ein überraschender, aber sehr kluger Schritt. Die Reihe bleibt bei Wissenschaftsgeschichte, nur verschiebt sich der Schwerpunkt weg vom Krieg und hin zu Fragen von Körper, Selbstbestimmung und Verantwortung.

Ich finde diesen Band als Fortsetzung besonders spannend, weil er zeigt, dass die Serie nicht in ihrem Kriegsstoff gefangen bleiben muss. Sie will mehr, will RUMMELSDORF als Figur des 20. Jahrhunderts erzählen. Jemanden, der an entscheidenden Momenten wissenschaftlicher Entwicklung beteiligt ist und daran zugleich persönlich leidet.

Genau dadurch gewinnt auch der Auftakt rückwirkend an Tiefe. Was in RUMMELSDORF – ENIGMA noch wie ein kluges Abenteuer mit historischem Kern beginnt, wächst in den Folgebänden zu einer Reihe, die Wissenschaft und Moral zu einer Einheit verbindet.

Wo der erste Band überzeugt und bremst

Was mir an RUMMELSDORF – ENIGMA wirklich gut gefällt, ist seine Art, Spannung aus Intelligenz zu holen. Der Comic hat Vertrauen in seine Leserinnen und Leser. Er glaubt daran, dass ein chiffrierter Brief, ein kluger Einfall und eine gut geschriebene Begegnung reichen können, um Spannung zu erzeugen. Vor allem reicht es, weil Blair und RUMMELSDORF als Paarung so gut funktionieren. Zwischen beiden liegt etwas Zartes, Neugieriges und Unfertiges. Genau das macht sie glaubhaft. Ich habe den Band nicht nur wegen seiner historischen Kulisse gern gelesen, sondern auch, weil ich diesen beiden Figuren beim Denken und Annähern gern zugesehen habe.

Ganz ohne Einschränkung komme ich trotzdem nicht aus. An manchen Stellen merkt man dem Album an, dass es ein erster Band ist. Er muss die Welt erklären, Namen einführen und historische Dinge – zumindest knapp – einordnen. Dadurch fehlt ihm gelegentlich der letzte Hauch Leichtigkeit, den spätere Fortsetzungen an einigen Stellen sogar stärker entwickeln. Das ist aber kein schweres Problem.

Es ist eher die kleine Reibung eines sehr ambitionierten Auftakts. Für mich überwiegt ganz klar der Gewinn. Der Band ist klug gebaut, lesbar, warm und deutlich charakterstärker, als man es von einem historischen Spin-Off vielleicht zunächst erwarten würde.

Zeichnungen, die Rätsel greifbar machen

David Etien ist genau der richtige Zeichner für diesen Stoff. Sein Strich bleibt beweglich und klar. Die Figuren haben Ausdruck, ohne zur Karikatur zu werden. Räume, Maschinen und historische Details wirken konkret, nie steif oder künstlich. Schloss, Arbeitsräume, Züge und Bletchley Park haben in diesem Comic nicht bloß einen Dekorwert. Man spürt, wie dort gedacht, beobachtet und gearbeitet wird. Das hilft der Geschichte enorm, weil ein Stoff über Codeknacker nur dann funktioniert, wenn die Welt drumherum glaubwürdig bleibt.

Dazu kommt ein gutes Gefühl für Tempo. Etien kann eine Szene leicht halten, wenn der Band spielen will. Er kann sie verdichten, wenn Gefahr aufzieht. Das passt hervorragend zu einem Album, das zwischen Charme, Romantik und Kriegsdruck balanciert. Ich würde sogar sagen, dass ein Teil der Zugänglichkeit dieser Reihe direkt aus den Zeichnungen kommt. Sie laden ein. Sie schrecken nicht ab. Und genau deshalb erreicht der Comic sowohl erfahrene Leser als auch Menschen, die mit frankobelgischen Reihen sonst wenig anfangen können.

Fazit

RUMMELSDORF – ENIGMA ist für mich ein sehr gelungener Reihenauftakt. Der Band ist klug, warm und spannend, ohne laut zu werden. Er erzählt von Krieg, Wissenschaft und Verschlüsselung. Vor allem aber erzählt er von Menschen, die mit ihrem Kopf und ihrem Herzen gegen eine dunkle Zeit anarbeiten. Gerade das macht ihn so lesenswert.

Wer nur ein historisches Abenteuer sucht, bekommt hier schon viel. Wer etwas mehr will, bekommt zusätzlich eine Figur, die im Lauf der Reihe sichtbar an Tiefe gewinnt und eine interessante Vorgeschichte erhält. Und genau deshalb bleibt RUMMELSDORF – ENIGMA für mich nicht bloß der erste Band einer Serie, sondern ein Band, der ihr ein Gesicht verleiht.

P.S. Mit RUMMELSDORF – DIE DUNKLEN JAHRE erscheint beim Carlsen Verlag in Kürze der vierte Band der Reihe, der dem Cover-Bild zu Folge den Weg zu den Schattenseiten des technologischen Fortschritts beschreitet. Ich freue mich schon darauf…

• SPIROU PRÄSENTIERT: RUMMELSDORF 1 – ENIGMA
• Beka und David Etien
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-551-77676-1
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★★☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Carlsen Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Schon diese Prämissen setzt den Ton. Sie vermitteln Spaß, Reibung, wollen, dass eine moderne Haltung auf eine Welt prallt, die für die Protagonistin so nicht vorgesehen war. Eine Welt, in der genau diese Mischung aus Zeitreise, Sexismus Erfahrung und Atombomben Bedrohung im Vordergrund steht.

Was ich an diesem Setup mag, ist sein Kultur-Clash und sein Tempo. Die Geschichte bleibt nicht beim kuriosen Körpertausch. Sie schiebt Tabatha sofort in eine Branche, die Macht und Oberflächen wie selbstverständlich verbindet. Damit bekommt das Ganze sofort eine MAD MEN-Energie, ohne direkt nostalgisch zu werden.

Neben dem Alltag der späten 50iger Jahre tauchen CIA-Leute auf, ein sowjetischer Journalist und eine Spur Richtung russischem KGB. Auch Alt-Nazis und eine Atombombe spielen eine Rolle, die im Jahr zuvor „verloren“ gegangen ist. (Seit dem Film „Operation: Broken Arrow“ wissen wir, dass dies so häufig vorkommt, dass es dafür sogar ja einen Begriff gibt.) In diesem Comic greifen also Gesellschaftskomödie, Spionage Thriller und Fantastik mit ansprechender Retro-Eleganz ineinander. Sehr schön!

Von DONJON zu Greenwich Village

Lewis Trondheim ist als Autor Herr seines eigenen Kosmos. Er steht für eine Laufbahn, die zwischen Indie-Geist und großen Serien pendelt. Bekannt wurde er unter anderem mit LAPINOT (dt. „Herrn Hase“). Zusammen mit Joann Sfar schuf er das legendäre DONJON, ein Fantasy-Universum, das sich inzwischen über dutzende Bände verzweigt und eine große Fan-Gemeinde besitzt.

Neben diesen Dauerläufern arbeitet er immer wieder an experimentellen Geschichten oder an autobiografischen Miniaturen. Gerade diese Lust am System und an selbst gesetzten Regeln passt ideal zu GREEN WITCH VILLAGE. Denn hier ist die Form nicht nur Dekor, sondern auch Motor der Geschichte. Wer Trondheim schon von DIE FLIEGE oder AURORA UND DER ORK kennt, erkennt den Drang wieder, erzählerische Grenzen auszutesten.

Zwei Karrieren, ein gemeinsamer Takt

Franck Biancarelli – ebenfalls gebürtiger Franzose und gelernter Mathematik-Lehrer – kommt aus einer anderen Tradition. Er ist ein Zeichner, der sein Handwerk spürbar aus dem amerikanischen Realismus der Zwischenkriegszeit und der Nachkriegs Jahrzehnte zieht. Damit passt er sehr gut zu diesem Album.

In seiner Bibliografie tauchen früh Fantasy-Stoffe auf. Später folgen lange Erzählformen und Adaptionen mit realistischen Anstrich. Beispiele hierfür sind GALFAREK sowie Arbeiten nach Romanvorlagen wie LE CIRCUIT MANDELBERG. Die Zusammenarbeit mit Trondheim kenne ich bereits aus KARMELA KRIMM. Dort ging es noch um einen kriminalistischen Blick auf Marseille.

GREEN WITCH VILLAGE verschiebt den Fokus nun auf das amerikanische New York. Die Figuren tragen mehr Glamour und die Politik drängt stärker ins Geschehen. In einem Interview beschreibt Biancarelli außerdem seine Liebe zu amerikanischen Daily Strips. Genau diese Ästhetik wollte er mit diesem Plot verbinden.

Aufwachen in einem fremden Körper

Um was geht es? Tabatha Sands schläft in einem New York der Gegenwart ein und wacht im Jahr 1959 wieder auf. Der Ort bleibt vertraut, die Zeit jedoch ist eine andere. Sie weiß zunächst nicht, wer sie eigentlich ist. Ihren „alten“ Namen hat sie verloren, nur das Jahr aus dem sie kommt, bleibt im Kopf. An den „neuen“ muss sie sich erst noch gewöhnen.

Die neue Realität kommt nicht als schimmerndes Retro-Bild, vielmehr als Alltag. Tabatha steht in einer Wohnung, in der auch ihre Mitbewohnerinnen leben, Erika und Gwen. Sie reagieren mit Sorge, nicht mit Schrecken. Für sie hat Tabatha eine Ohnmacht, vielleicht einen Aussetzer, vielleicht eine Gedächtnislücke. Genau diese pragmatische Reaktion macht das Narrativ schnell glaubwürdig. Niemand ruft sofort die Polizei oder sucht eine lange Erklärung. Welcher Polizist würde Ende der 1950er kommen, nur weil eine junge Frau „unpässlich“ ist? Das Leben verlangt, dass es weitergeht.

Tabatha muss sich also neu orientieren. Telefone hängen noch an Kabeln, Informationen sind nicht in der Hosen- … Pardon, Rock- oder Handtasche zu finden. Sicherheitsgurte sind noch unbekannt und die Männer in den Bars und Büros hören ihr nicht zu, weil sie es gewohnt sind, dass Frauen sich klein machen.

Der Comic nutzt diese Kontraste, um sein Thema zu setzen. Diese Frau aus der Zukunft will nicht zurück in ein Zeitalter, in der sie auf ein Lächeln und ihr Aussehen reduziert wird. Gleichzeitig steht sie jedoch erst einmal unter dem Zwang, zu überleben.

Maskottchen mit Kampfgeist

Der erste große Schritt in die Öffentlichkeit kommt über einen neuen Job. Tabatha landet in einer Modelagentur, die auch Erika und Gwen betreut. Dort fällt sie sofort mit ihrem Audrey-Hepburn-Erscheinungsbild auf.

Es geht um eine Werbekampagne für die Läden im Greenwich Village. Die Kampagne braucht ein Gesicht und ein Kostüm. Tabatha wird zur GREEN WITCH und ja: die Aussprache des Stadtteils gibt den Titel und einen Teil der Idee des Albums vor.

Dieses Motiv ist aber mehr als ein Gag. Diese Hexe ist keine Heilerin mit Esoterik-Postkarten. Sie ist ein Reklame-Wesen, dass freundlich wirken und den Konsum ankurbeln soll. Tabatha wird auf Empfänge geschickt, wird fotografiert und steht in Schaufenstern. Sie steckt damit mitten in einer Branche, die überwiegend mit Blicken arbeitet. Und genau dort prallt ihr modernes Selbstverständnis auf die Regeln dieses Jahrzehnts, in das sie nicht passt, nicht passen will.

Die grüne Hexe wird zur Marke

Die Männer der Werbewelt treten als Machos auf. Tabatha hält dagegen. Sie wird nicht zur stillen Heldin, legt sich mit diesen Männern an. Sie widerspricht und nutzt auch ihre Wirkung, weil sie versteht, dass sie sonst geschluckt wird. In diesen Passagen steckt die soziale Satire des Buches. Das Setting erlaubt Humor, lässt aber auch Wut zu. Die Maske wird zum Schutz und zur Zielscheibe.

Die Geschichte spielt dabei bewusst mit doppelten Identitäten. Tabatha ist Tabatha und sie ist es nicht. Sie trägt ein Kostüm und soll gleichzeitig echt sein. Dies ist die Logik der Werbung. Im Alltag der Figuren bekommt sie etwas Gespenstisches, denn der Geist der Zeitreisenden taucht gelegentlich in Szenen auf und flüstert ihr zukünftige, hilfreiche Fakten zu.

Kalter Krieg im Wohnzimmer

Sobald Tabatha sichtbar wird, wird sie auch interessant, nicht nur für die Fotografen. Ein russischer Journalist kreuzt ihren Weg, den die CIA für einen Spion hält. Wenig später rettet er Tabatha das Leben. Damit zieht der Comic das zweite Genre aus der Kulisse nach vorn. Aus der Sittenkomödie wird auch ein Spionage Thriller.

Tabatha gerät zwischen CIA und KGB. Private Räume fühlen sich plötzlich politisch an. Die Wohnung mit den Mitbewohnerinnen wird zum Ort, an dem man flüstert. Die Straße wird zum Raum, in dem man beobachtet, aber auch beobachtet wird. Eine Werbeaktion kann als Deckung dienen, ein Kuss kann ein Signal sein, man verwendet tote Briefkästen statt Emails.

Daily Strips und Sonntagsseiten

Hier zeigt sich auch die formale Idee des Albums. Viele Seiten funktionieren wie kleine Episoden. Sie haben eine starke Auftakt Szene und eine Pointe am Ende. Diese Struktur hat ihren Ursprung im Blick zurück auf die Daily Strips und Sonntagsseiten, die in gedruckten Zeitungen erschienen. Dort musste jede Seite für sich stehen können. Trondheim und Biancarelli haben diese Regeln bewusst genutzt.

Das erzeugt einerseits Geschwindigkeit, andererseits aber auch Lücken. Manche Übergänge sind abrupt. Genau das macht den Leserhythmus für mich aber auch spannend. Ich stolpere kurz und bin aber schnell in der nächsten Szene.

Pulp Finale mit bitterem Kern

Am Ende zieht GREEN WITCH VILLAGE das Tempo merklich an. Alt-Nazis haben eine Bombe in Stellung gebracht. Sie wollen sie in New York zünden und aus Rache für 1945 einen neuen Krieg entfachen. Das ist eine fette Prise Pulp. Es ist aber auch eine Zuspitzung, die zur erzählerischen Grundidee passt. Das Album liebt die Übertreibung und nutzt sie, um Gegenwart und Vergangenheit in einen gemeinsamen Alarm zu verwandeln.

Tabatha rutscht auf Wunsch – bzw. eher unter Druck – der CIA in diese Affäre hinein. Was als Werbejob beginnt, endet als Weltrettung, bei dem viele helfende Hände mit den von ihr gelieferten Informationen das Schlimmste verhindern können. Dabei bleibt die Geschichte nah an ihrem Kern. Positiv finde ich, das Tabatha kein Motiv angedichtet wird, damit auch ihre zukünftige Gegenwart retten zu wollen.

Tabatha muss sich in einer Männerwelt behaupten. Jetzt gilt das nicht nur im Scheinwerferlicht des Agenturbüros, sondern auch im Angesicht von Gewalt und Verrat in der Schattenwelt. Ja, das Buch lässt Menschen sterben. Und nein, der Band ist kein harmloser Spaß.

Der paranormale Anteil bleibt dabei allzeit präsent. Der Geist der eigentlichen Zeitreisenden schiebt sich gelegentlich in die Szene und sorgt für neue Richtungen. Das ist ein kluger Kniff, denn er verhindert, dass der Körpertausch nur ein Startgag bleibt. Gleichzeitig hält der Comic die große Auflösung der Frage bis zum Ende offen. Wer ist diese Frau aus der Zukunft wirklich? Warum ist sie hier? Und welche Zeitreise-Spielchen à la Zurück in die Zukunft lassen sich einbauen?

Zwischen Boheme und Atomangst

Der Reiz der Zeitreise liegt nicht nur im Kostümwechsel. 1959 ist ein Jahr, in dem die Welt sich gleichzeitig modern und bedroht (an-)fühlt. Der Kalte Krieg ist Alltag. In genau diesem September besucht Nikita Chruschtschow als erster sowjetischer Regierungschef die USA. Das Ereignis wird zum Medienzirkus und erinnert alle daran, wie nah Diplomatie und Eskalation beieinander liegen.

Schon im Juli 1959 gab es außerdem die berühmte Küchendebatte. Nixon und Chruschtschow stritten in einem amerikanischen Musterhaus in Moskau über Wohlstand und Lebensstil. Ausgerechnet die Küche wurde zur Bühne und das Gespräch kreiste auch um die Frage, was Technik für Frauen „von heute“ bedeutet. Komfort kann Befreiung aber auch ein goldener Käfig sein.

Parallel läuft in den Vereinigten Staaten eine Kultur der Zivilverteidigung auf Hochtouren. Präsident Truman gründet die Federal Civil Defense Administration. Sie überflutet das Land mit Aufklärungsmaterial und Alarm-Kampagnen. In Schulen üben Kinder das sogenannte Duck-And-Cover, dass in den 1950er Jahren auf einen möglichen Atomangriff vorbereiten sollte.

Wenn GREEN WITCH VILLAGE eine Bombe unter die Handlung legt, dann knüpft der Band an eine realistische Grundstimmung dieser Zeit an. Die Angst vor „der Bombe“ war nicht nur Stoff für Zeitungsüberschriften. Sie war Teil von Erziehung und Alltag. Vielleicht ist dieses Album damit gerade aktueller, als ich es mir wünsche.

Boheme-Kulisse mit Sirenen im Hintergrund

Und dann ist da natürlich das Greenwich Village. Der Stadtteil gilt im 20. Jahrhundert als Künstler-Viertel und als wichtiger Ort für die Beat-Szene und die Gegenkultur. Washington Square Park wird zu einem Ort, an dem sich Folk-Musiker regelmäßig versammeln. In den 1950er und 1960er Jahren wird der Park außerdem mit der Beat-Kultur verbunden, mit Autoren und Künstlern, die genau diese Boheme markieren.

Diese Boheme Aura erklärt, warum eine Werbekampagne ausgerechnet hier auf eine Hexe setzt. Das Viertel verkauft sich gern als eigenwillig. Gleichzeitig steckt es mitten in Manhattan und damit mitten in den Apparaten von Medien und großem Geld. Und genau diese Spannung nutzt der Comic. Er lässt Tabatha in einem Viertel auftreten, das Freiheit verspricht, während die Regeln der Zeit sie einengen.

Erzählen unter gewissem Zwang

Das interessanteste Statement dieses Bandes ist seine konzeptionelle Einschränkung. Die Autoren wollten einen Comic machen, der wie die großen Zeitung-Comics der 1950er Jahre funktioniert. Biancarelli spricht in Interviews von seiner Begeisterung für Daily Strips und die Eleganz dieser Bildsprache, die sich an enge Regeln zu halten hatte.

Jede Seite startet mit einer großen ersten Szene und endet mit einer klaren Schluss Pointe. Und jede Seite soll so gebaut sein, dass man sie als Ganzes lesen kann, aber auch in drei oder vier Streifen teilen könnte. Wir kennen dies bereits von Calvin und Hobbes.

Die Form als Turbo

Das klingt nach Selbstkasteiung. In der Praxis erzeugt es jedoch ein eigenartig modernes Tempo. Man bekommt jeden Augenblick mit Schwung serviert. Dies wiederum hilft einer Story, die bewusst viel in einen Band packt wie z.B. Werbung, Sexismus, Zeitreise, Spione und Nazis. Ohne diese Form könnte das schnell in Krawall kippen. Die episodische Seite zwingt die Autoren jedoch zur Klarheit. Manche Figuren tauchen auf, wirken groß und sind dann erst einmal wieder weg. Auch diese Sprünge sind Teil des „großen Spiels“.

Mit gefällt das, denn für Einsteiger ist das erstaunlich freundlich. Jede Seite hat ihren eigenen Anker. Ich verliere nicht sofort den Faden, selbst wenn ich einen Übergang verpasse. Für Profis liegt der Reiz darin, wie Trondheim und Biancarelli mit diesen Grenzen arbeiten. Trondheim ist ein Autor, der gern Systeme baut. Hier baut er eines, das gleichzeitig alt, dann aber auch wieder erfrischend neu wirkt.

New York als elegante Falle

Wenn GREEN WITCH VILLAGE funktioniert, dann vor allem darum, weil Biancarelli eine Welt zeigt, die sofort glaubwürdig ist. Die Illustrationen treffen Zeit und Lokalkolorit, sind stimmungsvoll. Er zeichnet Gesichter mit klarer Linie und subtiler Mimik. Er setzt Körperhaltungen als soziale Signale, zeigt wer sich breit macht, wer Platz nimmt und wer ausweicht.

Kritisch sehe ich nur, dass die Eleganz – in der guten alten Zeit – manchmal so dominant wird, dass die Figuren fast zu gut aussehen, um wirklich in Gefahr zu sein. Das ist der Preis dieses Stils. Der Band kompensiert dies mit Tempo und mit einer Prise Härte. Manch einer muss ins Gras beißen. Diese Härte wiederum erdet den Glanz.

Die Farbe von Jérôme Maffre verdient einen eigenen Satz. Die Palette hält das schöne Retro-Gefühl, ohne in Sepia zu versinken. Rot und Grün knallen dort, wo die Werbung schreien soll. Gedämpfte Töne beruhigen die Wohnungsszenen. Im Finale darf die Dramaturgie der Farben auch lauter werden, weil der Plot es verlangt.

Fazit

GREEN WITCH VILLAGE ist ein Comic, der sich traut, viel zu sein: Zeitreise, Thriller, Werbesatire, feministische Reibung, kalter Krieg und ein Abbild der Paranoia. Das könnte auseinanderfliegen, falls jemand anderes das Szenario inszeniert hätte. Trondheim hält es zusammen, weil er zwei Dinge ernst nimmt: die Form und seine Heldin!

Tabatha ist keine Figur, die man nur durch die Jahrzehnte schubst. Sie reagiert, wehrt sich, nutzt ihre Intelligenz. Sie scheitert vermutlich auch, jedenfalls emotional, weil so ein Sprung in eine andere Zeit Wunden hinterlässt. Genau dort entsteht jedoch die Wärme des Buches. Zwischen Gags und Action blitzt immer wieder die Frage auf, was Identität eigentlich bedeutet, wenn der eigene Körper nicht mehr passt.

Bei mir bleibt die Frage, ob das Album an manchen Stellen zu sehr auf Schlagzeilen setzt. Der plötzliche Nazi-Plot hat Wucht, wirkt aber auch wie eine bewusste Übersteigerung, die mich nicht unbedingt abholt.

Diese Geschichte will unterhalten. Und sie liefert genau das, was die alten Zeitungsformate versprachen. Jeden Tag ein Cliffhanger. Jeden Sonntag eine große Bühne. Am Ende bleibt mit diesem Album ein ausgesprochen rundes Paket.

Wer Trondheim für seinen Einfallsreichtum liebt, bekommt ihn in konzentrierter Form. Wer Biancarelli’s eleganten Realismus schätzt, bekommt ein Schaufenster, das die Zeit gut einfängt. Für Gelegenheitsleser ist das ein erstaunlich zugänglicher Einstieg, weil jede Seite einen Haken schlägt, an dem man sich festhalten kann. Comicfreunde werden vor allem an den Regeln Freude haben, die man beim Lesen spürt, auch wenn man sie nicht kennt. Also: eine klare Leseempfehlung.

• GREEN WITCH VIALLAGE
• Lewis Trondheim und Franck Biancarelli
• Hardcover | 104 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96582-220-7
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Schreiber und Leser Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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August 2013, Uttar Pradesh, Nordindien. Im mehrheitlich muslimischen Kawal erstechen zwei junge Hindus einen gleichaltrigen Muslim auf offener Straße. Die Täter werden daraufhin von einer aufgebrachten Menge ermordet. Nach Massenprotesten eskalieren die Ereignisse und es kommt zu wiederholten Überfällen der Angehörigen beider Religionsgemeinschaften aufeinander, die mehrere Dutzend Tote fordern und die Flucht Zehntausender Muslime zur Folge haben. [Verlagstext]

Im Zentrum dieses Reportage-Comics stehen die Muzaffarnagar Unruhen und ein Ort, den Sacco mit journalistischem Blick aufsucht: der fragliche Ort liegt im Norden Indiens und ist geprägt von Landflucht, Identitätsfragen und Machtverschiebungen. Der Autor und Zeichner führt uns zu staubigen Straßen, religiösen Dorfbewohnern und gegenseitiger Ausgrenzung, von einem überschaubaren Auslöser hin zu einer Kette von Reaktionen. Alle kommen zu Wort: die Opfer, die Zeugen, die Gemeindeältesten und die Politfunktionäre. Sie bekommen Raum und erzählen ihre Sicht der Dinge, ihre Verletzung, ihre Sicht auf Schuld und Verantwortung. Und wie nicht anders zu erwarten war, ist die Wahrheit wieder eine Frage des Standpunktes.

Sacco schildert dabei streng dokumentarisch. Wir begleiten ihn und seinen Dolmetscher bei seiner Recherche, wie eine Alltagssituation, ein zwischen Hindus und Muslimen eskalierender Konflikt, in eine Verabredung von Gewalt münden konnte. Wie sich die Stimmung verdichtet und explodiert ist. Zwischen den Seiten gibt es keine Helden, aber eine Vielzahl von Protagonistinnen und Protagonisten, deren Leben sich verändern.

Zwischen Alltag und Aufruhr

Der Comic bleibt bewusst chronologisch, doch immer wieder setzt Sacco Rückblenden ein, beschreibt vergangene Traumata von Familienschicksalen und verweist auf kollektive Erinnerung. Der Titel INDIEN – ÖL INS FEUER spiegelt das Bild gut. Öl hier steht metaphorisch für den explosiven Mix aus Ressentiments, gesellschaftlichen Brüchen und politisch gezielten Triggern. Das Feuer entzündet die Spirale der Gewalt, die mit einem Mal eskaliert.

Sacco führt uns von den geschichtlichen Hintergründen einer indischen Staatsgründung zu ersten Warnzeichen aus Gerüchten und Gruppen, die sich formieren, hin zur Mobilisierung von Macht und Gegenmacht. Die Folgen der Tat sind brennende Häuser, geteilte Familien, verschobene Leben. Er verzichtet auf einen Showdown im klassischen Sinne. Dies ist eine Dokumentation, kein Drei-Akter-Drama.

Das Ende des Comics ist eine Art Pause, ein Moment der Stille, ohne dramatischen Schluss, aber mit einer offener Frage: Wie wird es weitergehen? Wann sind die nächsten Öl-Fässer so voll, das der kleinste Funke sie wieder in Brand setzen kann?

Diese Entscheidung ist klug. Sie macht deutlich, dass der Konflikt nicht endgültig ruht, sondern latent ist und weiter  gefährlich bleibt.

Wenn Funken auf Brennbares fallen

Innerhalb der knapp 140-Seiten versteht Sacco es, komplexe Prozesse wie die Untergrabung von Macht, Glaubensspaltungen oder medial aufbereitete Narrative glaubhaft zu skizzieren. Er bietet keine einfache Schwarz-Weiß-Erzählung, auch wenn der Comic in Schwarz-Weiß gehalten ist. Weder sind Muslime nur die Opfer noch Hindus nur die Täter. Machthaber erscheinen nicht nur böse und die Ohnmächtigen nicht nur machtlos.

Vielmehr wird sichtbar, wie alle Beteiligten Teil eines Systems sind, in dem Ressentiments, Angst, ökonomische Not und politische Instrumentalisierung wie Zahnräder ineinander greifen. Sacco verweilt bei den Menschen, entschleunigt, zeigt ihr Umfeld, ihre kleinen Momente. Dieser Fokus gibt der Geschichte Tiefe und verhindert eine plakative Inszenierung.

Dabei variiert er das Tempo. Phasen mit dichter Atmosphäre wechseln mit ruhigen Beobachtungen, welche die Gewalt nicht glorifizieren, aber ihre Vor- und Nachwirkungen eindrücklich zeigen. So entsteht eine dichte, bedrückende Stimmung. Der Einstieg gelingt leicht, weil Sacco auf erklärende Bildtexte verzichtet und solides Hintergrundwissen einfließen lässt. Zugleich bewahrt er den dokumentarischen Anspruch. Er lässt unterschiedliche Stimmen zu Wort kommen und räumt Widersprüche ein und unterstreicht. Wie bereits gesagt: Wahrheit ist eine Frage des Standpunktes.

Der Chronist der Konflikte

Joe Sacco ist kein klassischer Comic-Szenarist. Er ist Zeitzeuge, Reporter und Zeichner zugleich. Geboren 1960 auf Malta und aufgewachsen in Australien und den USA, studierte er Journalismus und entwickelte früh ein Faible für Comics mit Aussagekraft. Sein Name steht synonym für guten Comics-Journalismus.

In seinen bisherigen Werke PALÄSTINA, GAZA oder WIR GEHÖREN DEM LAND erzählt er von Konflikten, Ungerechtigkeit und globale Machtmechanismen. In INDIEN – ÖL INS FEUER knüpft Sacco genau an diese Tradition an. Er begibt sich selbst vor Ort, spricht mit Betroffenen und zeigt uns seinen eigenen Weg durch die Recherche. Diese Selbstpositionierung als Journalist und Zeichner ist sein Markenzeichen. Er bleibt er nicht bei einer Opfer-Täter-Erzählung, sondern bettet persönliche Schicksale in größere Zusammenhänge ein.

Der Reporter mit dem Zeichenstift

Sacco arbeitet handwerklich sehr traditionell. Er setzt auf analoge Techniken, reduziert Kolorierung und gibt den Skizzen noch Raum. Die Zeichnungen haben dokumentarischen Anspruch, aber keine glamourösen Action-Sequenzen. Dadurch entsteht Authentizität. Zugleich zeigt sein Ansatz, dass Comics mehr sein können als Unterhaltung. Sie sind auch Medium für Debatten. Er zeigt uns nicht alles spektakulär und das ist gut so. Seine erzählerische Stärke liegt im Verweilen, im Beobachten, im Strukturieren von Stimmen und Daten, nicht im marvelesken Effektfeuerwerk.

Handfest und doch feinfühlig

Die grafische Umsetzung von INDIEN – ÖL INS FEUER folgt seinem etablierten Stil des Zeichnens: schwarz-weiß bzw. reduziert koloriert, mit klaren Linien, vielen Texturen, Schaffuren und einem dokumentarischen Look. Er visualisiert keine übertriebenen Bewegungen, keine Pop-Effekte, sondern hat den Alltag im Fokus. Dabei wirken die Panels teils wie eingefrorene Fotografien, teils wie belebte Skizzen.

Besonders auffällig ist die Panelstruktur. Sacco arbeitet häufig mit großformatigen Bildern, überschreitet Panelgrenzen, wechselt dann geschickt zu kleineren Ausschnitten um etwa ein Gespräch oder individuelle Emotionen zu zeigen. Dies erzeugt Rhythmus. Wir bleiben beim Umfeld, dann zoomen wir in ein Gesicht oder auf eine Hand, wechseln von der Intimität wieder zurück zum Überblick. Diese visuelle Dynamik trägt entscheidend zur Wirkung seiner Erzählung bei.

Grafik mit Beobachtung

Technisch zeigt Sacco große Reife und Erfahrung. Seine Zeichnungen sind detailliert, ohne überfrachtet zu wirken. Figuren wiederholen sich nicht monoton, Hintergründe geben Kontext. Der Leser kann abschweifen, schauen, spüren. Wer sich auf diesen Stil einlässt, erhält eine visuelle Reise, die atmosphärisch und fordernd zugleich ist.

Ein Hintergrund mit Breitenwirkung

Der Konflikt, den INDIEN – ÖL INS FEUER behandelt, steht nicht isoliert. Im Umfeld von Wunsch nach Land, Macht und Zugehörigkeit trifft Indiens koloniale Vergangenheit auf moderne Schwächen des politischen Systems Demokratie. Sacco erklärt den aktuellen Ausschlag in historischen Narrativen: mit der Teilung der ehemaligen britischen Kronkolonie, mit Flucht und Migration, Landreformen und der politischen Mobilisierung entlang religiöser Linien. Hinzu kommen Mechanismen der Medien- und Machtpolitik. Welcher Gruppe gehört man an? Wer erzählt die Geschichte? Wer definiert Opfer und Täter? Diese Fragen zieht sich wie rote Fäden durch den Comic.

Sacco schildert die Gewalt als Moment in einer langen Reihe historischer Ereignisse und Wunden, zeigt die sich daraus ergebenden Probleme, aber entschuldigt damit nicht das hier und jetzt. Damit wird INDIEN – ÖL INS FEUER auch für Leser außerhalb Indiens relevant, denn die Mechanismen von Spaltung, Manipulation der Erinnerung und Mobilisierung großer Menschenmengen lassen sich schwer nur auf den indischen Subkontinent begrenzen.

Warum dieses Comic herausragt

Was macht INDIEN – ÖL INS FEUER nun besonders? Zunächst einmal ist es selten, dass ein Comic so kompromisslos Reportage ist. Sacco bringt die Dokumentation in Zeichenform. Diese Verbindung aus Vor-Ort-Recherche, journalistischem Anspruch und visueller Erzählung macht aus dem Comic mehr als eine bloße Unterhaltung. Gleichzeitig bleibt das Thema zugänglich. Der Einstieg gelingt ohne Vorwissen über Indien oder Konfliktforschung.

Joe Sacco fokussiert sich auf Fragen statt auf sofortige Antworten. Er zeigt uns die Mechanismen, wir werfen die Fragen selbst auf. Wie entsteht Erinnerung? Wer profitiert von Gewalt? Wie manipulieren Medien und Politik Narrative? Durch diese Haltung bleiben wir aktiv und nicht nur Konsument.

Auch stilistisch ist der Band relevant: Der dokumentarische Comic – wie z.B. DIE FRAU ALS MENSCH von Ulli Lust oder GAMES von Patrick Oberholzer – hat sich inzwischen etabliert, aber selten wird er im Kontext südasiatischer Konflikte so stringent ausgeführt. Das macht das Werk für Comic-Begeisterte spannend und für Gelegenheitsleser als Einstieg in das Thema interessant.

Das einzige, was mir anfangs persönlich nicht so gut gefallen hat ist, dass manche Kapitel etwas komprimiert wirken, fast zu dicht. Wer jede Figur nach verfolgen will, braucht Konzentration. Aber das ist kein Fehler, sondern Folge der Sparsamkeit im Mittel. Aber als Leser soll ich mich ja auch intensiv mit dem Thema beschäftigen und nicht hindurch fliegen.

Fazit

In der Gesamtschau funktioniert INDIEN – ÖL INS FEUER als vielschichtiger Reportage-Comic sehr gut. Er erzählt nicht nur was passiert ist, sondern auch wie. Wer also eine klassische Heldenerzählung erwartet, wird enttäuscht, zumindest aber überrascht. Und wer bereit ist, sich auf Irritation und Nachdenken einzulassen, erhält Zugang zur menschlichen Seite politischer Gewalt.

Wer Sacco kennt, weiß, worauf er sich einlässt. Wer neu in seinem Werk ist, bekommt einen guten Einstieg in anspruchsvolles Comic-Storytelling und wird sich seinen anderen Werken ebenfalls zuwenden. In INDIEN – ÖL INS FEUER zeigt Sacco, dass die Konflikte zwar lokal erscheinen, aber universelle Muster bedienen. Genau hieraus ergibt sich anschließend ein starker Bezug für eine internationale Leserschaft.

Ja, INDIEN – ÖL INS FEUER ist kein leichter Snack. Er verlangt Aufmerksamkeit, aber er belohnt mit Tiefe, Klarheit und einem Stil, der sowohl informiert als auch bewegt. Joe Sacco gelingt es, lokale Gewalt als Spiegel für globale Phänomene zu zeigen, ohne zu simplifizieren.

Wer sich fragt, warum Politik, Medien und Geschichte so oft miteinander verbunden sind, der sollte INDIEN – ÖL INS FEUER lesen.

INDIEN – ÖL INS FEUER

© Reprodukt Verlag | Hardcover | 144 Seiten | Schwarz-Weiß

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★☆☆☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-95640-493-1

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Es hat in Katanga immer Söldner gegeben. Im Grunde wurde Katanga von einem Söldner ‚erfunden‘.

Ein Land mit brutaler Vergangenheit

Godefroid Munongo, der Innenminister des unabhängigen Katanga, erzählt uns zu Beginn die Geschichte seines Großvaters, König Msiri der Nyamwezi, und der Entstehung des Staates Katanga. Diese Rückblende in die Anfangstage zeigt, mit welcher Brutalität die Mächtigen die  Schwachen schon damals unterdrückten und welche Rolle technologische Überlegenheit dabei spielte. Wir ahnen bereits, welche Konsequenzen dies für die technologisch aufgerüsteten Auseinandersetzungen des mittleren 20. Jahrhunderts haben wird, wenn dies bereits zu Beginn des 19. Jahrhunderts so war.

Die vorliegende Erzählung, so geben die Autoren Fabien Nury und Sylvain Vallée an, sei rein fiktiv und sie seinen auch keine Historiker. Man verbinde historische Ereignisse und Figuren mit Vermutungen und frei erfundenen Elementen und wolle die Leser lediglich unterhalten. Und gut gemachte Unterhaltung liefern sie.

… und ebensolcher Gegenwart

Nach acht Jahrzehnten der brutalen, ausbeuterischen Kolonialherrschaft sagt sich der Kongo am 30. Juni 1960 vom Königreich Belgien los. In welcher ehemaligen Kolonie geht so etwas schon reibungslos und ohne chaotische Zustände? Richtig.

Die Gunst der Stunde, die eigene Unabhängigkeit vom Kongo voranzutreiben, nutzt – mit Hilfe der belgische Bergbaugesellschaft Union Miniere du Haut-Katanga – auch die kleine Provinz Katanga. Schließlich verfügt Katanga über diverse, gewinnbringende Bodenschätze und Minen. Blutige Konflikte sind vorprogrammiert und bedrohen den jungen Staat von innen wie von außen.

Um die wirtschaftlichen Interessen sowohl der jungen Nation als auch die der Bergbaugesellschaft zu schützen, engagieren die jeweiligen Interessenvertreter gemeinsam Söldner zum Schutz der Minengelände und -einrichtungen. Zu diesen Interessenvertretern – und den zentralen Figuren unserer Geschichte – gehören Godefroid Munongo (Innenminister des unabhängigen Katanga, wir kennen ihn bereits), Armand Orsini (Sonderberater des Ministers, ehemaliger französischer Geheimdienstoffizier und skrupelloser Strippenzieher), Bernard Forthys (Generaldirektor der Union Miniere du Haut-Katanga) und Felix Cantor (abgebrühter Söldner und -führer).

Überleben in Zeiten der Krise

Parallel dazu entwickeln Nury und Vallée einen Plot, der näher an den Lebensumständen der einheimischen, weniger wohlhabenden Bevölkerung liegt. Charlie, ein einfacher Arbeiter und seine Schwester Alicia, die ihr Bett und ihren Körper mit diversen Liebhabern teilt und dabei für Orsini  spioniert, versuchen einfach nur den kommenden Tag zu erleben bzw. den heutigen zu überleben. Auf diese Weise greift Nury ein wenig den Berichtsstil der internationalen Presse auf, in dem nationale Ereignisse gerne anhand der Einzelschicksale einfacher Leute nahbar erzählt werden.

Mit Charlie und Alicia ist der Cast des Dramas komplett. Katanga ist die Geschichte schmutziger Bastarde gegen schmutzige Bastarde. Nury und Vallée verwehren uns strahlenden Helden, es gibt nur opportunistische Anti-Helden. Alle verfolgen eigene Interessen, ohne größeres Mitgefühl und
gehen dabei buchstäblich auch über Leichen.

Lebens-Kreuzungen und Entscheidungen

Die Wege der Figuren kreuzen sich, als im Chaos eines brutalen Aufstandes gegen die ehemaligen Herren ein Koffer mit wertvollen Diamanten „verloren“ geht. Charlie ist als billige Arbeitskraft und Fahrer bei einem europäischen Ehepaar angestellt. Der Ehemann ist der Leiter der Forminière, der Société internationale forestière et minière du Congo, und will sich mit Diamanten im Wert von 30 Mio. Dollar aus dem Staub machen. (Was inflationsbereinigt einem heutigen Wert von rd. 320 Mio. US-Dollar entsprechen würde, nur um die Dimension des Coups zu verdeutlichen.)

Als es auf der Flucht brenzlig wird, gelingt es Charlie, den Koffer in seinen Besitz zu bringen. Bevor wir aber auf die Idee kommen könnten, in Charlie nun den „Helden“ unserer Geschichte gefunden zu haben, sehen wir, wie er den Koffer beiseite schafft. Er ist klug. Er weiß genau, dass er mit ihm nicht weit kommen würde. Aber mit einigen wenigen Diamanten, gut versteckt, kann er seine Schwester erreichen, um mit ihr und dem wieder eingesammelten Koffer das Land als reiche Leute zu verlassen.

Wildestes Afrika

Wie Fabien Nury und Sylvain Vallée im Vorwort angeben, wollen Sie kein Geschichtsbuch abliefern, sondern unterhalten. Es gelingt den Beiden, die politischen Hintergründe detailliert genug zu erzählen, dass der Leser einen guten Eindruck davon erhält, wie instabile Regierungen beeinflusst werden und externe Interessenvertreter ihre Machenschaften erfolgreich umsetzen. Fiktion? Ja, aber kenntnisreich und spannend erzählt. Und wie weit weg von der Realität sind die geschilderten Ereignisse wirklich?!

Auf dem Höhepunkt des kalten Krieges spielten in Afrika sicherlich auch andere Kräfte eine Rolle. Fabien Nury begeht aber nicht den Fehler, die Amerikaner und Soviets ebenfalls in die Geschichte einzubinden. Lediglich die Vereinten Nationen dürfen Blauhelm-Soldaten entsenden, um Flüchtlingscamps zu sichern. Dies ist als Darstellung außenpolitischer Einmischung in interne Angelegenheiten auch völlig ausreichend.

Niemand, wirklich niemand in dieser Geschichte ist moralisch integer. Ein jeder verantwortet im Laufe der Zeit menschliche Kollateralschäden. Sympathieträger sind ausverkauft.

Im Stile eines Jack Sparrow laviert sich Charlie durch die Ereignisse. Im Gegensatz zu Jack ist er klug genug, mögliche Schritte vorauszuplanen, klug genug auch mit den Mächtigen im Land mithalten zu können. Er muss – anders als Jack – nicht alles nehmen, wie es kommt und auf sein Glück vertrauen. Und doch gerät gerade er mitten in den Sturm, der über Katanga hinweg fegt. Dies wiederum beschert uns als Leser ein Wechselbad der Gefühle.

Nach Strich und Farbe

Die Zeichnungen von Sylvain Vallée zeigen uns die Ereignisse schonungslos und mit einer Brutalität, die den tatsächlichen Ereignissen angemessen erscheint, ohne übermäßig in einen Rausch aus Blut und Rot zu verfallen. Aus sicherer Entfernung – hinter der undurchdringlichen vierten Wand – verfolgen wir Gräueltaten, die sich in Zeiten des Umbruchs so oder so ähnlich zugetragen haben könnten. Wir lernen, welche Wirkung z.B. einfache, aus Fahrradpumpen und Schwarzpulver gebaute Pou-Pou-Gewehre haben, die mit Nägeln statt mit Kugeln schießen und dass Macheten furchtbare Nahkampfwaffen sind.

Auch hilft die spezielle Figurenzeichnung, Abstand zu den Gräueltaten zu halten. Die Charaktere sind differenziert, in der Darstellung jedoch comic-bzw. karikaturhaft überzeichnet und wer will kann sicherlich Parallelen zu Hergé’s Anfang der 1930er Jahren erschienenem Album „Tim im Kongo“ herleiten. Alicia, als einzige afrikanischen Frauen dieses Bandes, ist jung und schön. Die Dunkelhäutigen haben durchgängig wulstige Lippen, während die Weißen überwiegend verfettet, schmierig oder grausam kantig gezeichnet sind. Ja, die Klischeekiste ist breit und tief. Eine realistischer Darstellung der Ereignisse mit all‘ ihren Gräueltaten wäre für die Leser aber auch kaum zu ertragen. Derweil würde eine Ligne-Claire-Version der Figuren emotional nicht so packend sein. Und manchmal trügt der äußere Schein.

Charlie weiß das nur zu gut. Wie gesagt, er ist kein Dummkopf. Im Gegenteil. Auch wenn wir ihm zu Anfang als vermeintlich tumben Helfer im Haushalt der weißen Herrschaft begegnen, der nur gebrochen kommuniziert („Ich überprüfe Motor. Heute Panne. Nicht gut, oder?“), so verstehen wir durch sein Verhalten im Laufe der Erzählung und der entlarvenden Rückblenden immer besser, dass er eine vielschichtigere, tragischere Persönlichkeit ist, als wir es zu Beginn vermuten. Ein Spiel mit unseren Vorurteilen.

v.l.n.r.: Armand Orsini, Charlie, Alicia, Godefroid Munongo, Felix Cantor

Binge-Lesen bevorzugt

Zum Glück gibt es die drei Bände „Diamanten“, „Diplomatie“ und „Dispersion“ (also die Verteilung von etwas) mittlerweile zum Binge-Lesen. Die Reihe verdient es, dass sie in einem Zug gelesen werden kann. Die Geschichte ist über alle Bände hinweg meisterlich erzählt und ebenso gezeichnet. Mich hat sie noch lange beschäftigt.

Allerdings wird der Lesefluss immer wieder unterbrochen, sobald schriftliche Korrespondenz zwischen diversen Beteiligten eingefügt wird. Diese zerstückelten Einblendungen sind wichtig und man kann sie nicht einfach links liegen lassen. Allerdings leidet das Pacing erheblich darunter.

Vallée folgt dem Grundsatz Show-Don’t-Tell und die Anzahl der Sprechblasen halten sich in Grenzen. Das verwendete Lettering hat mir gut gefallen, da die kurzen, direkten Sprachblasen sich homogen in den Erzählfluss einfügen.

Fazit

‚Es hat in Katanga immer Söldner gegeben.‘ wird am Schluss Godefroid Munongo wieder sagen und den dritten, den Abschlussband damit beenden. Es zeigt, dass das Streben nach Macht, Ansehen und Reichtum ein ständiger Kreislauf ist, bei dem lediglich der aktuellste Umlauf sein Ende gefunden hat. Einige Akteure wurden erneuert, andere werden nur ihre Position im ewigen Spiel verändert haben. Hasardeure sind sie alle nicht, Profiteure der Macht allemal. Und wir werden das Gefühl nicht los, dass sich seit den sechziger Jahren vielleicht nicht viel geändert hat und schauen im Anschluss vielleicht mit anderen Augen auf heutige Nachrichten.

KATANGA ist ein spannender Politthriller. Er ist nichts für schwache Nerven und hallt nach. Und genau darum ist er eine starke Leseempfehlung!

Weiter Bände der Reihe

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