RUMMELSDORF – ENIGMA ist ein Spin-Off aus dem SPIROU-Universum, ein Teil der Reihe SPIROU PRÄSENTIERT und zugleich der Start einer eigenen Reihe um den jungen Grafen Pankratius Hieronymus Ladislaus Adalbert von Rummelsdorf.

Das Album will die bekannte Figur neu aufstellen. Es will ihr Jugend, Haltung und eine Geschichte mitgeben. Vor allem aber will es zeigen, dass der liebenswerte Sonderling der späteren Abenteuern früher einmal ein junger Mann war, der mit offenem Blick durch eine aus den Fugen geratene Welt ging.

Beka und David Etien setzen dafür nicht auf knallige Effekte. Sie setzen auf Neugier, auf Atmosphäre und auf Figuren, die klug genug sind, um interessant zu sein, aber menschlich genug, um nicht verkopft zu wirken. Und sie sind eindeutig von Morton Tyldum’s Film THE IMITATION GAME aus dem Jahr 2014 inspiriert, den ich persönlich für einen der besten Filme zum Thema Krieg und Spionage im 2. Weltkrieg halte.

Mich hat an diesem Album daher sofort gereizt und natürlich, dass es Krieg nicht als Kulisse für Heldentum benutzt. Der Krieg ist da, ja, und er drückt auf jede Szene. Aber im Mittelpunkt stehen keine Siegerposen, sondern Menschen, die denken, zweifeln, kombinieren und trotzdem handeln.

Genau das macht den Band für mich so sympathisch. Er will nicht bedeutungsschwer wirken. Er will eine gute, bekannte Geschichte noch einmal neu und aus einer anderer Richtung erzählen. Und er vertraut darauf, dass ein kluger Abenteuercomic völlig ausreicht, wenn Figuren und Rhythmus stimmen.

Bletchley Park und die Enigma

Der historische Kern dieses Albums ist präzise gewählt. Die Enigma war keine bloße Fantasie aus einem Kriegsroman, sondern eine echte Chiffriermaschine, die von Deutschland militärisch genutzt wurde. Bletchley Park war das britische Zentrum der Codeknacker, die versuchten ihre Verschlüsselung zu knacken. Dort arbeiteten männliche und weibliche Mathematiker, Linguisten, Logiker, Schachspieler, Funkleute und viele andere Spezialistinnen und Spezialisten daran, die Nachrichten der Achsenmächte zu lesen.

Gerade das macht diesen Ort bis heute so faszinierend. Er war kein Schlachtfeld im klassischen Sinn. Er war ein Ort, an dem Konzentration, Geduld und Kombinationsgabe über Leben und Tod entschieden. Und auch hier führten Fehler möglicherweise zum Verlust von Menschenleben. Für einen Comic ist das fast schon ideal, weil sich hier Spannung nicht aus Explosionen ergibt, sondern aus Gedankenarbeit unter enormem Druck.

Besonders interessant finde ich, dass Bletchley Park eben nicht nur mit Alan Turing verbunden werden darf. Dieser Ort funktionierte stets als Teamleistung. Viele der Beschäftigten waren Frauen. Sie arbeiteten als Übersetzerinnen, Analytikerinnen und Bedienerinnen der Maschinen.

Auch die berühmten Bombes waren keine magischen Wunderkästen, sondern Werkzeuge, die mit der harten Denkarbeit ihrer Erbauer zusammenspielten. Der Band greift genau diese Mischung auf. Er macht aus dem Stoff kein Schulbuch, sondern ein Abenteuer über kluge Köpfe, über Muster und über die seltsame Schönheit eines Rätsels, das sich erst Stück für Stück dem Rätselnden öffnet. Das gefällt mir sehr, weil der Comic spürbar Respekt vor dem Thema hat, ohne sich davon erdrücken zu lassen.

Ein Held, der noch keiner sein will

Die eigentliche Handlung beginnt 1940. Belgien ist besetzt. (Ganz Belgien? Ja, ganz Belgien!) Schloss Rummelsdorf steht unter dem Druck des Krieges. In diese Lage hinein flattert eine verschlüsselte Botschaft, die den jungen Grafen sofort elektrisiert.

RUMMELSDORF ist hier noch nicht die skurrile Vaterfigur, die viele aus den SPIROU UND FANTASIO-Comics kennen. Er ist wach, wissbegierig und ein wenig rastlos. Genau das funktioniert wunderbar. Der Band zeigt ihn nicht als geborenen Helden, der tollkühn irgendwo hinein stolpert. Er folgt einer Spur, weil sie seinen Verstand herausfordert und weil er spürt, dass hinter allem mehr steckt als ein nettes Denkspiel. Die Botschaft enthält eine Einladung, welche ihn nach England führt und damit in ein Abenteuer, das sehr schnell größer wird als er selbst.

Schon dieser erste Abschnitt liest sich angenehm flüssig. Ich mag, wie locker der Comic seine Ausgangslage baut. Das Schloss, die Besatzung, die chiffrierte Nachricht und die Reise nach London greifen sauber ineinander. Nichts wirkt übererklärt, nichts wirkt hektisch.

Stattdessen entsteht das schöne Gefühl, dass sich vor meinen Augen eine Tür öffnet. Hinter dieser Tür wartet kein übliches Kriegsabenteuer, sondern ein Rätselspaß mit Tempo und Charme. RUMMELSDORF ist dafür die richtige Figur, weil er weder Soldat noch Draufgänger ist. Er bringt etwas viel Passenderes mit: Neugier! In England findet der Band dann seine eigentliche Geschichte. 

Blair, Turing und das Rätsel hinter dem Rätsel

RUMMELSDORF trifft im Folgenden auf auf die Welt von Bletchley Park und eine Frau, Blair McKenzie. Blair ist für mich eine der größten Stärken dieses Comics. Sie ist nicht nur eine clevere Begleiterin. Sie gibt der Geschichte Wärme, Witz und Reibung. Zwischen ihr und RUMMELSDORF entsteht schnell eine Spannung, die den Band emotional auch trägt.

Zugleich wird Alan Turing als wichtige Figur eingeführt. Dies hätte leicht daneben gehen und in Ehrfurcht erstarren können. Tut es aber nicht. Der Comic nutzt Turing als Teil eines Teams, nicht als Denkmal. Dadurch bleibt die Geschichte lebendig und der Blick frei für das Zusammenspiel ihrer Figuren.

Die Handlung bleibt dabei angenehm konzentriert. Es geht um das Knacken der Enigma-Codes, um Zeitdruck und Vertrauen. Und es geht um die Frage, wer in so einem Moment eigentlich handeln darf und handeln muss.

Das alles bleibt verständlich, auch wenn man mit Bletchley Park oder kryptografischen Themen vorher kaum Berührung hatte. Genau das rechne ich dem Band hoch an. Er ist klug, aber nie glatt, historisch interessiert, aber nie trocken. Und er schafft etwas, das gar nicht so leicht ist: er macht Denkarbeit spannend, ohne sie künstlich mit Action aufzupeppen.

Mehr als einmal hatte ich beim Lesen das Gefühl, dass hier nicht bloß eine Geschichte erzählt wird, sondern ein ganz eigener Ton gefunden wird, der weit über den Zungenschlag des SPIROU-Universums hinausgeht.

Wo dieser Band seinen Platz hat

Als erster Band der Reihe muss RUMMELSDORF – ENIGMA viel leisten. Er muss seine Hauptfigur noch einmal neu vorstellen und den historischen Rahmen setzen. Auch muss er die emotionale Verbindung zu Blair aufbauen und zugleich den Grundstein für die Folgebände legen.

Genau deshalb verzeihe ich ihm auch kleinere Unebenheiten. Manche Szene erklärt halt doch ein wenig mehr, als sie vielleicht müsste. Manche reale Figur bleibt etwas stärker Funktion als voller Charakter. Trotzdem entwickelt sich der Band erstaunlich gut. Gerade im Rückblick sehe ich, wie sauber hier gearbeitet wurde, weil spätere Bände genau an einzelnen Punkten ansetzen können und die Reihe Schritt für Schritt weiter entwickeln – allerdings dunkler und persönlicher.

Für mich ist das die vielleicht schönste Qualität dieses Auftakts. Er will nicht alles schon im ersten Anlauf überbieten. Er legt an, pflanzt Motive, baut Beziehungen. Und er sorgt dafür, dass man nach der letzten Seite nicht das Gefühl hat, einen abgeschlossenen Einfall gelesen zu haben, sondern am den Beginn einer größeren Lebensgeschichte steht.

PATIENT A führt die Reihe in deutlich dunklere Zonen

Der zweite Band knüpft direkt an Bletchley Park an. RUMMELSDORF und Blair arbeiten weiter an der Entschlüsselung deutscher Kommunikation. Zwischen beiden ist inzwischen mehr gewachsen als Freundschaft. Genau das macht den Einstieg hier angenehm, weil die Reihe ihre Figuren nicht neu sortieren muss.

Dann kommt ein codierter Hilferuf. Wissenschaftler werden von den Nazis gezwungen, an einem Forschungsprogramm mitzuwirken. Dieses Mal führt die Spur nach Berlin. Aus dem Denkabenteuer des ersten Bandes wird damit ein deutlich riskanteres Unternehmen mitten im Machtbereich des verfeindeten Regimes. Der Ton kippt spürbar, die Serie wird dunkler, härter. Sie bleibt zwar zugänglich, wirkt aber nun ernster und dichter.

Gerade diese Verschiebung finde ich stark. Der erste Band lebt von Entdeckung, Tempo und dem Zauber eines großen Rätsels. Der zweite Band zwingt RUMMELSDORF viel direkter in die moralische Wirklichkeit des Krieges. Das gibt der Figur weiter Gewicht.

Blair wird dabei noch wichtiger. Sie läuft nicht bloß mit oder wird als Damsel-in-Distress verwendet. Sie greift ein, sie denkt mit und sie hält die Geschichte menschlich. Dadurch wächst auch mein Blick auf RUMMELSDORF. Er ist jetzt nicht mehr nur der kluge junge Graf, der spannende Probleme löst. Er wird zu jemandem, dessen Intelligenz in einer brutalen Welt bestehen muss. Genau an diesem Punkt zeigt sich, dass die Reihe mehr sein will als ein hübsches Historien-Abenteuer.

EINE HANDVOLL KOHLENSTOFFATOME öffnet die Reihe in eine neue Richtung

Der dritte Band springt in den Herbst 1951. Schon dieser Zeitsprung tut der Serie gut, weil er das Konzept weitet. Eine etwas exzentrische Amerikanerin namens Margaret Sanger taucht auf Schloss Rummelsdorf auf. Sie hat von den Forschungen des Grafen zur Empfängnisverhütung gehört und nimmt ihn mit nach Boston. Dort soll ein Labor helfen, eine Pille zu entwickeln.

Das ist ein überraschender, aber sehr kluger Schritt. Die Reihe bleibt bei Wissenschaftsgeschichte, nur verschiebt sich der Schwerpunkt weg vom Krieg und hin zu Fragen von Körper, Selbstbestimmung und Verantwortung.

Ich finde diesen Band als Fortsetzung besonders spannend, weil er zeigt, dass die Serie nicht in ihrem Kriegsstoff gefangen bleiben muss. Sie will mehr, will RUMMELSDORF als Figur des 20. Jahrhunderts erzählen. Jemanden, der an entscheidenden Momenten wissenschaftlicher Entwicklung beteiligt ist und daran zugleich persönlich leidet.

Genau dadurch gewinnt auch der Auftakt rückwirkend an Tiefe. Was in RUMMELSDORF – ENIGMA noch wie ein kluges Abenteuer mit historischem Kern beginnt, wächst in den Folgebänden zu einer Reihe, die Wissenschaft und Moral zu einer Einheit verbindet.

Wo der erste Band überzeugt und bremst

Was mir an RUMMELSDORF – ENIGMA wirklich gut gefällt, ist seine Art, Spannung aus Intelligenz zu holen. Der Comic hat Vertrauen in seine Leserinnen und Leser. Er glaubt daran, dass ein chiffrierter Brief, ein kluger Einfall und eine gut geschriebene Begegnung reichen können, um Spannung zu erzeugen. Vor allem reicht es, weil Blair und RUMMELSDORF als Paarung so gut funktionieren. Zwischen beiden liegt etwas Zartes, Neugieriges und Unfertiges. Genau das macht sie glaubhaft. Ich habe den Band nicht nur wegen seiner historischen Kulisse gern gelesen, sondern auch, weil ich diesen beiden Figuren beim Denken und Annähern gern zugesehen habe.

Ganz ohne Einschränkung komme ich trotzdem nicht aus. An manchen Stellen merkt man dem Album an, dass es ein erster Band ist. Er muss die Welt erklären, Namen einführen und historische Dinge – zumindest knapp – einordnen. Dadurch fehlt ihm gelegentlich der letzte Hauch Leichtigkeit, den spätere Fortsetzungen an einigen Stellen sogar stärker entwickeln. Das ist aber kein schweres Problem.

Es ist eher die kleine Reibung eines sehr ambitionierten Auftakts. Für mich überwiegt ganz klar der Gewinn. Der Band ist klug gebaut, lesbar, warm und deutlich charakterstärker, als man es von einem historischen Spin-Off vielleicht zunächst erwarten würde.

Zeichnungen, die Rätsel greifbar machen

David Etien ist genau der richtige Zeichner für diesen Stoff. Sein Strich bleibt beweglich und klar. Die Figuren haben Ausdruck, ohne zur Karikatur zu werden. Räume, Maschinen und historische Details wirken konkret, nie steif oder künstlich. Schloss, Arbeitsräume, Züge und Bletchley Park haben in diesem Comic nicht bloß einen Dekorwert. Man spürt, wie dort gedacht, beobachtet und gearbeitet wird. Das hilft der Geschichte enorm, weil ein Stoff über Codeknacker nur dann funktioniert, wenn die Welt drumherum glaubwürdig bleibt.

Dazu kommt ein gutes Gefühl für Tempo. Etien kann eine Szene leicht halten, wenn der Band spielen will. Er kann sie verdichten, wenn Gefahr aufzieht. Das passt hervorragend zu einem Album, das zwischen Charme, Romantik und Kriegsdruck balanciert. Ich würde sogar sagen, dass ein Teil der Zugänglichkeit dieser Reihe direkt aus den Zeichnungen kommt. Sie laden ein. Sie schrecken nicht ab. Und genau deshalb erreicht der Comic sowohl erfahrene Leser als auch Menschen, die mit frankobelgischen Reihen sonst wenig anfangen können.

Fazit

RUMMELSDORF – ENIGMA ist für mich ein sehr gelungener Reihenauftakt. Der Band ist klug, warm und spannend, ohne laut zu werden. Er erzählt von Krieg, Wissenschaft und Verschlüsselung. Vor allem aber erzählt er von Menschen, die mit ihrem Kopf und ihrem Herzen gegen eine dunkle Zeit anarbeiten. Gerade das macht ihn so lesenswert.

Wer nur ein historisches Abenteuer sucht, bekommt hier schon viel. Wer etwas mehr will, bekommt zusätzlich eine Figur, die im Lauf der Reihe sichtbar an Tiefe gewinnt und eine interessante Vorgeschichte erhält. Und genau deshalb bleibt RUMMELSDORF – ENIGMA für mich nicht bloß der erste Band einer Serie, sondern ein Band, der ihr ein Gesicht verleiht.

P.S. Mit RUMMELSDORF – DIE DUNKLEN JAHRE erscheint beim Carlsen Verlag in Kürze der vierte Band der Reihe, der dem Cover-Bild zu Folge den Weg zu den Schattenseiten des technologischen Fortschritts beschreitet. Ich freue mich schon darauf…

• SPIROU PRÄSENTIERT: RUMMELSDORF 1 – ENIGMA
• Beka und David Etien
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-551-77676-1
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★★☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Carlsen Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Rodolphe erzählt uns von einem Küstendorf, das sich mit Absicht am Unglück anderer bereichert. Laurent Gnoni setzt dies in Bilder um, die nach Salz riechen und nach verregnetem, kaltem Stein aussehen. Das Ergebnis ist ein historischer Thriller, der sich zügig liest und trotzdem lange nachhallt. Nicht, weil er besonders kompliziert wäre, sondern weil er eine zentrale Frage gnadenlos stellt: Was bleibt von der Moral, wenn ein ganzes Dorf sie gemeinsam nicht mehr für wichtig erachtet?

Die Schule der Kälte

Das Örtchen Greenway liegt an der englischen Küste. Es ist der 14. Oktober 1704. Die Menschen dort leben ein hartes Leben. Sie schauen auf’s Meer wie andere auf’s Feld. Nur wächst hier nichts, außer Angst und die Hoffnung auf ein wenig Reichtum. Ein Reichtum jedoch, der immer zu Lasten Anderer geht.

Jim ist vierzehn. Sein Vater führt ihn in das Geheimnis des Dorfes ein, das kein Kind kennen sollte. Aber Jim ist nun alt genug dafür. Nachts zünden die Erwachsenen auf dem Strand Feuer an. Sie wollen damit Schiffe in die Irre führen, sie wollen Wracks, wollen deren Ladung. Diese Praxis bildet den unmoralischen Kern der Geschichte, gezeigt als Dorfalltag, nicht als Ausnahme. Genau das macht den Einstieg direkt unangenehm.

Jim steht dabei im Mittelpunkt. Er ist alt genug, um benutzt zu werden und jung genug, um noch ein wenig Widerstand zu spüren. Die Erwachsenen behandeln ihn wie Material. Sie reden von Elend, von Notwendigkeit. Das alles stimmt. Und doch kippen die Szenen nicht ins Entschuldigende.

Der Autor lässt mich fühlen, wie schnell aus Armut ein opportunistisches System werden kann. Dabei bleibt der Text schnörkellos und die Handlung treibt voran, ohne sich in Nebenwegen zu verlieren. Man hat hier keine Zeit für Nebensächlichkeiten.

Ein Schiff wird kommen

Das kommende Schiff heißt Meredith. Es hat die Feuer entdeckt und nähert sich in höchster Not. Für Greenway ist es ein Schiff zu viel, denn an Bord befindet sich ein geheimnisvoller Passagier. Ein Lord erwartet ihn und dieser Passagier trägt einen wertvollen Schatz bei sich. Damit steigt für alle Beteiligten der Einsatz. Aus dem düsteren Dorfverbrechen wird ein Fall, der plötzlich ungewollte Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Rodolphe nutzt diesen Kniff klug. Er verknüpft den sozialen Horror am Strand mit einem klassischen Abenteuer. Aus einer Beute wird plötzlich eine Gefahr für die Ausbeuter.

Nach der Havarie verschwinden der Chevalier de Saint Martin und seine Leute. Soldaten beginnen zu suchen und das Dorf muss nun eine ganz andere Rolle spielen. Es muss unschuldig wirken, während es alle Beweise versteckt.

Diese doppelte Bühne ist einer der stärksten Teile des Albums. Ich siehe, wie eine Gemeinschaft funktioniert, wenn Schuld sie zusammenhält. Jeder Blick wird kontrolliert, jede Antwort wird abgewogen. Jim erlebt dies als Dauerstress und seine innere Zerrissenheit hält die Spannung der Erzählung hoch.

Ein blutiger Pakt

Je näher die Soldaten kommen, desto enger rückt das kleine Dorf zusammen. Rodolphe lässt Greenway wie eine Falle wirken. Niemand darf aus der Reihe tanzen. Genau hier setzt die stärkste Idee der Geschichte an. Der Pakt der Strandräuber verlangt Opfer. Und das Dorf ist bereit, einen der eigenen Leute zu opfern, um das Geheimnis zu bewahren.

Dieser Punkt macht aus dem Abenteuer auch eine Parabel über Mitläufertum. Der Schrecken liegt nicht in einzelnen Monstern, er liegt in der gemeinsamen Abmachung, dass der Zweck eben jedes Mittel heiligt.

Das Dorf folgt dieser Logik wie in einem Uhrwerk. Nuancen könnten noch mehr schmerzen. Ein paar Nebenfiguren stehen eher für Funktionen als für Menschen. Trotzdem funktioniert die narrative Konstruktion. Sie erzeugt Druck und Tempo.

Vor allem gibt sie Jim eine klare innere Linie. Eigentlich will er nicht dazugehören und doch ist er ein Teil des Dorfes und wird er hineingezogen. Und genau dieses Hineinziehen beschreibt Rodolphe sehr präzise.

Piraten aus Weymouth

Dann kommt eine weitere Bedrohung ins Spiel. Piraten aus Weymouth erfahren vom erbeuteten Schatz und sie betreten das Dorf nicht als Bittsteller. Sie kommen als Raubtiere.

Damit legt das Album zwei Formen von Gewalt nebeneinander. Die Dorfbewohner reden sich ihre Taten schön, die Piraten brauchen für ihre keine Ausrede. Sie nehmen, was sie wollen und töten, wenn es sein muss. Diese Zuspitzung wirkt dramaturgisch erwartbar, passt aber gut zum Thema. Wer einmal mit Plündern beginnt, lädt irgendwann die größere Räuber ein.

Für Jim wird diese Entwicklung zum Wendepunkt. Er zieht sich – begleitet von einem Hund – in den Wald zurück. Dazu kommt ein Affe, der das Unglück überlebt hat und eine prächtige Uniform trägt. Jim findet ihn und kümmert sich.

Außerdem sucht Jenny seine Nähe. Sie ist die blinde Tochter des Dorfchefs. Diese kleine Gruppe ist der zarte Gegenentwurf zum Kollektiv der Täter. Rodolphe trifft hier eine gute Entscheidung. Er erzählt Hoffnung, ohne die bereits gezeigte Grausamkeit fortzuwischen. Am Ende bleibt jedoch ein bitterer Nachgeschmack. Der Schatz landet nicht dort, wo die Gewalt ihn haben will.

Zeichnungen wie nasser Stein

STRANDRÄUBER lebt stark von seiner Inszenierung. Laurent Gnoni zeichnet semirealistisch. Er sucht keine glatte Schönheit, sondern zeigt Gesichter, die von Wind und Wellen gezeichnet sind. Er zeigt Körper, die müde sind. Aber besonders überzeugt mich sein Umgang mit dem Wetter.

Regen ist hier nicht nur ein Hintergrundrauschen. Regen ist Rhythmus. Die schrägen Linien treiben die Seiten voran, machen die kalten, nassen Nächte körperlich erfahrbar. Dazu kommt das Licht. Feuer brennt am Strand und steht in den Fenstern. Diese Feuer wärmen nicht, sie markieren, sie verraten. Das ist visuelles Erzählen auf den Punkt.

Ein wenig kritisch sehe ich die Darstellung im Handeln der Figuren. Einige mimische Momente könnten präziser sein. Manchmal wirkt Zorn wie eine Standardpose. In einem so moralisch aufgeladenen Stoff würde ich mir gelegentlich feinere Übergänge wünschen.

Gleichzeitig muss ich anerkennen, wie stimmig hier Zeichnung und Farbe zusammenlaufen. Gnoni koloriert selbst. Das spüre ich. Alles sitzt in einer Palette aus Blau, Grau und schmutzigem Gelb. Diese Entscheidung hält die dargestellte Welt geschlossen und sie lässt Jim’s Jugend stärker herausstechen. Er wirkt inmitten der allgemeinen Dunkelheit wie ein letzter Rest des Tageslichts.

Rodolphe und Gnoni im Spiegel ihrer prägenden Arbeiten

Rodolphe Daniel Jacquette (Rodolphe) gehört zu den Szenaristen, die über viele Jahre ein enormes Genre Spektrum abdecken. Seine Bibliografie umfasst weit viele, viele Alben. Dabei tauchen immer wieder Reihen auf, die in Europa viele Leser geprägt haben.

Zu den wichtigsten zählen KENYA und NAMIBIA, außerdem SCOTLAND, SPRAGUE, MORGEN oder DER MANN DER DIE WELT ERFAND. Diese Titel zeigen, wie Rodolphe häufig arbeitet. Er baut ein Milieu, setzt eine klare Bedrohung hinein. Dann testet er Figuren an Moral, Loyalität und Angst. In STRANDRÄUBER schrumpft das große Serienformat auf einen Band. Das tut ihm gut.

Laurent Gnoni ist als Zeichner und Kolorist ebenfalls vielseitig. Seine Bibliografie führt Projekte wie RADCLIFF und PUMP. Entscheidend ist weniger das Genre als sein engagierter Blick für Atmosphäre. Er kann Historie, Thriller und düstere Räume. STRANDRÄUBER nutzt genau diese Stärke. Es ist ein Album, das nicht von Dialog-Feuerwerken lebt, sondern von Blicken, sturmbedrohten Himmeln und tödlicher Brandung. Gnoni liefert mit seinen Zeichnungen dafür die passende Bühne.

Wrecking: der Mythos und das harte Recht der Küste

Die Idee der Strandräuber ist historisch aufgeladen. Küstenbewohner haben über Jahrhunderte Wrackgut geborgen und auch geplündert. Das ist keine reine Legende. Die berühmte Erzählung von falschen Lichtern, die Schiffe absichtlich auf Felsen locken, ist dagegen historisch viel unsicherer.

Eine wissenschaftliche Zusammenfassung zu Cornish wrecking betont, dass es für das gezielte Locken mit falschen Lichtern keine Belege gibt. Der Mythos hat sich mit realen Wrackpraktiken vermischt.

Spannend ist außerdem der rechtliche Druck im 18. Jahrhundert. Eine Studie bei Oxford Academic beschreibt, dass 1714 Gesetze drohten, die das Betreten von Wracks ohne Erlaubnis und das Behindern von Rettung mit Strafen belegten. Später verschärfte sich das nochmals deutlich.

Das erklärt die permanente Angst in Geschichten wie dieser. Wer am Strand plündert, riskiert nicht nur Streit. Er riskiert das Einschreiten des Staates. Rodolphe macht daraus keinen Vortrag. Er baut es aber als Atmosphäre ein. Soldaten sind nicht nur Gegner. Sie sind die Erinnerung daran, dass ein Dorf nicht ewig im Schatten handeln kann.

Fazit

STRANDRÄUBER ist ein starkes Album, weil es die Perspektive verschiebt. Es zeigt das „Abenteuer“ der Piraterie von der vermeintlich sicheren Küste aus. Es zeigt Beute als soziale Krankheit und einen Jugendlichen, der nicht zum Helden stilisiert wird, sondern zum moralischen Seismografen. Gnoni liefert die Bilder, die das Wetter erzählen lassen, während Rodolphe eine Handlung schreibt, die straff und konsequent bleibt.

Der Gesamteindruck ist ansprechend positiv. Das Album trifft Ton und Tempo. Es ist düster, klassisch, aber nicht bequem. Und es beweist, dass STRANDRÄUBER mehr kann als Küsten-Folklore. Es ist eine Geschichte darüber, wie leicht Menschen sich gemeinsam die Hände schmutzig machen.

• STRANDRÄUBER
• Rodolphe und Laurent Gnoni
• Hardcover | 72 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-949987-36-6
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★☆☆☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Zack Edition
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Schon diese Prämissen setzt den Ton. Sie vermitteln Spaß, Reibung, wollen, dass eine moderne Haltung auf eine Welt prallt, die für die Protagonistin so nicht vorgesehen war. Eine Welt, in der genau diese Mischung aus Zeitreise, Sexismus Erfahrung und Atombomben Bedrohung im Vordergrund steht.

Was ich an diesem Setup mag, ist sein Kultur-Clash und sein Tempo. Die Geschichte bleibt nicht beim kuriosen Körpertausch. Sie schiebt Tabatha sofort in eine Branche, die Macht und Oberflächen wie selbstverständlich verbindet. Damit bekommt das Ganze sofort eine MAD MEN-Energie, ohne direkt nostalgisch zu werden.

Neben dem Alltag der späten 50iger Jahre tauchen CIA-Leute auf, ein sowjetischer Journalist und eine Spur Richtung russischem KGB. Auch Alt-Nazis und eine Atombombe spielen eine Rolle, die im Jahr zuvor „verloren“ gegangen ist. (Seit dem Film „Operation: Broken Arrow“ wissen wir, dass dies so häufig vorkommt, dass es dafür sogar ja einen Begriff gibt.) In diesem Comic greifen also Gesellschaftskomödie, Spionage Thriller und Fantastik mit ansprechender Retro-Eleganz ineinander. Sehr schön!

Von DONJON zu Greenwich Village

Lewis Trondheim ist als Autor Herr seines eigenen Kosmos. Er steht für eine Laufbahn, die zwischen Indie-Geist und großen Serien pendelt. Bekannt wurde er unter anderem mit LAPINOT (dt. „Herrn Hase“). Zusammen mit Joann Sfar schuf er das legendäre DONJON, ein Fantasy-Universum, das sich inzwischen über dutzende Bände verzweigt und eine große Fan-Gemeinde besitzt.

Neben diesen Dauerläufern arbeitet er immer wieder an experimentellen Geschichten oder an autobiografischen Miniaturen. Gerade diese Lust am System und an selbst gesetzten Regeln passt ideal zu GREEN WITCH VILLAGE. Denn hier ist die Form nicht nur Dekor, sondern auch Motor der Geschichte. Wer Trondheim schon von DIE FLIEGE oder AURORA UND DER ORK kennt, erkennt den Drang wieder, erzählerische Grenzen auszutesten.

Zwei Karrieren, ein gemeinsamer Takt

Franck Biancarelli – ebenfalls gebürtiger Franzose und gelernter Mathematik-Lehrer – kommt aus einer anderen Tradition. Er ist ein Zeichner, der sein Handwerk spürbar aus dem amerikanischen Realismus der Zwischenkriegszeit und der Nachkriegs Jahrzehnte zieht. Damit passt er sehr gut zu diesem Album.

In seiner Bibliografie tauchen früh Fantasy-Stoffe auf. Später folgen lange Erzählformen und Adaptionen mit realistischen Anstrich. Beispiele hierfür sind GALFAREK sowie Arbeiten nach Romanvorlagen wie LE CIRCUIT MANDELBERG. Die Zusammenarbeit mit Trondheim kenne ich bereits aus KARMELA KRIMM. Dort ging es noch um einen kriminalistischen Blick auf Marseille.

GREEN WITCH VILLAGE verschiebt den Fokus nun auf das amerikanische New York. Die Figuren tragen mehr Glamour und die Politik drängt stärker ins Geschehen. In einem Interview beschreibt Biancarelli außerdem seine Liebe zu amerikanischen Daily Strips. Genau diese Ästhetik wollte er mit diesem Plot verbinden.

Aufwachen in einem fremden Körper

Um was geht es? Tabatha Sands schläft in einem New York der Gegenwart ein und wacht im Jahr 1959 wieder auf. Der Ort bleibt vertraut, die Zeit jedoch ist eine andere. Sie weiß zunächst nicht, wer sie eigentlich ist. Ihren „alten“ Namen hat sie verloren, nur das Jahr aus dem sie kommt, bleibt im Kopf. An den „neuen“ muss sie sich erst noch gewöhnen.

Die neue Realität kommt nicht als schimmerndes Retro-Bild, vielmehr als Alltag. Tabatha steht in einer Wohnung, in der auch ihre Mitbewohnerinnen leben, Erika und Gwen. Sie reagieren mit Sorge, nicht mit Schrecken. Für sie hat Tabatha eine Ohnmacht, vielleicht einen Aussetzer, vielleicht eine Gedächtnislücke. Genau diese pragmatische Reaktion macht das Narrativ schnell glaubwürdig. Niemand ruft sofort die Polizei oder sucht eine lange Erklärung. Welcher Polizist würde Ende der 1950er kommen, nur weil eine junge Frau „unpässlich“ ist? Das Leben verlangt, dass es weitergeht.

Tabatha muss sich also neu orientieren. Telefone hängen noch an Kabeln, Informationen sind nicht in der Hosen- … Pardon, Rock- oder Handtasche zu finden. Sicherheitsgurte sind noch unbekannt und die Männer in den Bars und Büros hören ihr nicht zu, weil sie es gewohnt sind, dass Frauen sich klein machen.

Der Comic nutzt diese Kontraste, um sein Thema zu setzen. Diese Frau aus der Zukunft will nicht zurück in ein Zeitalter, in der sie auf ein Lächeln und ihr Aussehen reduziert wird. Gleichzeitig steht sie jedoch erst einmal unter dem Zwang, zu überleben.

Maskottchen mit Kampfgeist

Der erste große Schritt in die Öffentlichkeit kommt über einen neuen Job. Tabatha landet in einer Modelagentur, die auch Erika und Gwen betreut. Dort fällt sie sofort mit ihrem Audrey-Hepburn-Erscheinungsbild auf.

Es geht um eine Werbekampagne für die Läden im Greenwich Village. Die Kampagne braucht ein Gesicht und ein Kostüm. Tabatha wird zur GREEN WITCH und ja: die Aussprache des Stadtteils gibt den Titel und einen Teil der Idee des Albums vor.

Dieses Motiv ist aber mehr als ein Gag. Diese Hexe ist keine Heilerin mit Esoterik-Postkarten. Sie ist ein Reklame-Wesen, dass freundlich wirken und den Konsum ankurbeln soll. Tabatha wird auf Empfänge geschickt, wird fotografiert und steht in Schaufenstern. Sie steckt damit mitten in einer Branche, die überwiegend mit Blicken arbeitet. Und genau dort prallt ihr modernes Selbstverständnis auf die Regeln dieses Jahrzehnts, in das sie nicht passt, nicht passen will.

Die grüne Hexe wird zur Marke

Die Männer der Werbewelt treten als Machos auf. Tabatha hält dagegen. Sie wird nicht zur stillen Heldin, legt sich mit diesen Männern an. Sie widerspricht und nutzt auch ihre Wirkung, weil sie versteht, dass sie sonst geschluckt wird. In diesen Passagen steckt die soziale Satire des Buches. Das Setting erlaubt Humor, lässt aber auch Wut zu. Die Maske wird zum Schutz und zur Zielscheibe.

Die Geschichte spielt dabei bewusst mit doppelten Identitäten. Tabatha ist Tabatha und sie ist es nicht. Sie trägt ein Kostüm und soll gleichzeitig echt sein. Dies ist die Logik der Werbung. Im Alltag der Figuren bekommt sie etwas Gespenstisches, denn der Geist der Zeitreisenden taucht gelegentlich in Szenen auf und flüstert ihr zukünftige, hilfreiche Fakten zu.

Kalter Krieg im Wohnzimmer

Sobald Tabatha sichtbar wird, wird sie auch interessant, nicht nur für die Fotografen. Ein russischer Journalist kreuzt ihren Weg, den die CIA für einen Spion hält. Wenig später rettet er Tabatha das Leben. Damit zieht der Comic das zweite Genre aus der Kulisse nach vorn. Aus der Sittenkomödie wird auch ein Spionage Thriller.

Tabatha gerät zwischen CIA und KGB. Private Räume fühlen sich plötzlich politisch an. Die Wohnung mit den Mitbewohnerinnen wird zum Ort, an dem man flüstert. Die Straße wird zum Raum, in dem man beobachtet, aber auch beobachtet wird. Eine Werbeaktion kann als Deckung dienen, ein Kuss kann ein Signal sein, man verwendet tote Briefkästen statt Emails.

Daily Strips und Sonntagsseiten

Hier zeigt sich auch die formale Idee des Albums. Viele Seiten funktionieren wie kleine Episoden. Sie haben eine starke Auftakt Szene und eine Pointe am Ende. Diese Struktur hat ihren Ursprung im Blick zurück auf die Daily Strips und Sonntagsseiten, die in gedruckten Zeitungen erschienen. Dort musste jede Seite für sich stehen können. Trondheim und Biancarelli haben diese Regeln bewusst genutzt.

Das erzeugt einerseits Geschwindigkeit, andererseits aber auch Lücken. Manche Übergänge sind abrupt. Genau das macht den Leserhythmus für mich aber auch spannend. Ich stolpere kurz und bin aber schnell in der nächsten Szene.

Pulp Finale mit bitterem Kern

Am Ende zieht GREEN WITCH VILLAGE das Tempo merklich an. Alt-Nazis haben eine Bombe in Stellung gebracht. Sie wollen sie in New York zünden und aus Rache für 1945 einen neuen Krieg entfachen. Das ist eine fette Prise Pulp. Es ist aber auch eine Zuspitzung, die zur erzählerischen Grundidee passt. Das Album liebt die Übertreibung und nutzt sie, um Gegenwart und Vergangenheit in einen gemeinsamen Alarm zu verwandeln.

Tabatha rutscht auf Wunsch – bzw. eher unter Druck – der CIA in diese Affäre hinein. Was als Werbejob beginnt, endet als Weltrettung, bei dem viele helfende Hände mit den von ihr gelieferten Informationen das Schlimmste verhindern können. Dabei bleibt die Geschichte nah an ihrem Kern. Positiv finde ich, das Tabatha kein Motiv angedichtet wird, damit auch ihre zukünftige Gegenwart retten zu wollen.

Tabatha muss sich in einer Männerwelt behaupten. Jetzt gilt das nicht nur im Scheinwerferlicht des Agenturbüros, sondern auch im Angesicht von Gewalt und Verrat in der Schattenwelt. Ja, das Buch lässt Menschen sterben. Und nein, der Band ist kein harmloser Spaß.

Der paranormale Anteil bleibt dabei allzeit präsent. Der Geist der eigentlichen Zeitreisenden schiebt sich gelegentlich in die Szene und sorgt für neue Richtungen. Das ist ein kluger Kniff, denn er verhindert, dass der Körpertausch nur ein Startgag bleibt. Gleichzeitig hält der Comic die große Auflösung der Frage bis zum Ende offen. Wer ist diese Frau aus der Zukunft wirklich? Warum ist sie hier? Und welche Zeitreise-Spielchen à la Zurück in die Zukunft lassen sich einbauen?

Zwischen Boheme und Atomangst

Der Reiz der Zeitreise liegt nicht nur im Kostümwechsel. 1959 ist ein Jahr, in dem die Welt sich gleichzeitig modern und bedroht (an-)fühlt. Der Kalte Krieg ist Alltag. In genau diesem September besucht Nikita Chruschtschow als erster sowjetischer Regierungschef die USA. Das Ereignis wird zum Medienzirkus und erinnert alle daran, wie nah Diplomatie und Eskalation beieinander liegen.

Schon im Juli 1959 gab es außerdem die berühmte Küchendebatte. Nixon und Chruschtschow stritten in einem amerikanischen Musterhaus in Moskau über Wohlstand und Lebensstil. Ausgerechnet die Küche wurde zur Bühne und das Gespräch kreiste auch um die Frage, was Technik für Frauen „von heute“ bedeutet. Komfort kann Befreiung aber auch ein goldener Käfig sein.

Parallel läuft in den Vereinigten Staaten eine Kultur der Zivilverteidigung auf Hochtouren. Präsident Truman gründet die Federal Civil Defense Administration. Sie überflutet das Land mit Aufklärungsmaterial und Alarm-Kampagnen. In Schulen üben Kinder das sogenannte Duck-And-Cover, dass in den 1950er Jahren auf einen möglichen Atomangriff vorbereiten sollte.

Wenn GREEN WITCH VILLAGE eine Bombe unter die Handlung legt, dann knüpft der Band an eine realistische Grundstimmung dieser Zeit an. Die Angst vor „der Bombe“ war nicht nur Stoff für Zeitungsüberschriften. Sie war Teil von Erziehung und Alltag. Vielleicht ist dieses Album damit gerade aktueller, als ich es mir wünsche.

Boheme-Kulisse mit Sirenen im Hintergrund

Und dann ist da natürlich das Greenwich Village. Der Stadtteil gilt im 20. Jahrhundert als Künstler-Viertel und als wichtiger Ort für die Beat-Szene und die Gegenkultur. Washington Square Park wird zu einem Ort, an dem sich Folk-Musiker regelmäßig versammeln. In den 1950er und 1960er Jahren wird der Park außerdem mit der Beat-Kultur verbunden, mit Autoren und Künstlern, die genau diese Boheme markieren.

Diese Boheme Aura erklärt, warum eine Werbekampagne ausgerechnet hier auf eine Hexe setzt. Das Viertel verkauft sich gern als eigenwillig. Gleichzeitig steckt es mitten in Manhattan und damit mitten in den Apparaten von Medien und großem Geld. Und genau diese Spannung nutzt der Comic. Er lässt Tabatha in einem Viertel auftreten, das Freiheit verspricht, während die Regeln der Zeit sie einengen.

Erzählen unter gewissem Zwang

Das interessanteste Statement dieses Bandes ist seine konzeptionelle Einschränkung. Die Autoren wollten einen Comic machen, der wie die großen Zeitung-Comics der 1950er Jahre funktioniert. Biancarelli spricht in Interviews von seiner Begeisterung für Daily Strips und die Eleganz dieser Bildsprache, die sich an enge Regeln zu halten hatte.

Jede Seite startet mit einer großen ersten Szene und endet mit einer klaren Schluss Pointe. Und jede Seite soll so gebaut sein, dass man sie als Ganzes lesen kann, aber auch in drei oder vier Streifen teilen könnte. Wir kennen dies bereits von Calvin und Hobbes.

Die Form als Turbo

Das klingt nach Selbstkasteiung. In der Praxis erzeugt es jedoch ein eigenartig modernes Tempo. Man bekommt jeden Augenblick mit Schwung serviert. Dies wiederum hilft einer Story, die bewusst viel in einen Band packt wie z.B. Werbung, Sexismus, Zeitreise, Spione und Nazis. Ohne diese Form könnte das schnell in Krawall kippen. Die episodische Seite zwingt die Autoren jedoch zur Klarheit. Manche Figuren tauchen auf, wirken groß und sind dann erst einmal wieder weg. Auch diese Sprünge sind Teil des „großen Spiels“.

Mit gefällt das, denn für Einsteiger ist das erstaunlich freundlich. Jede Seite hat ihren eigenen Anker. Ich verliere nicht sofort den Faden, selbst wenn ich einen Übergang verpasse. Für Profis liegt der Reiz darin, wie Trondheim und Biancarelli mit diesen Grenzen arbeiten. Trondheim ist ein Autor, der gern Systeme baut. Hier baut er eines, das gleichzeitig alt, dann aber auch wieder erfrischend neu wirkt.

New York als elegante Falle

Wenn GREEN WITCH VILLAGE funktioniert, dann vor allem darum, weil Biancarelli eine Welt zeigt, die sofort glaubwürdig ist. Die Illustrationen treffen Zeit und Lokalkolorit, sind stimmungsvoll. Er zeichnet Gesichter mit klarer Linie und subtiler Mimik. Er setzt Körperhaltungen als soziale Signale, zeigt wer sich breit macht, wer Platz nimmt und wer ausweicht.

Kritisch sehe ich nur, dass die Eleganz – in der guten alten Zeit – manchmal so dominant wird, dass die Figuren fast zu gut aussehen, um wirklich in Gefahr zu sein. Das ist der Preis dieses Stils. Der Band kompensiert dies mit Tempo und mit einer Prise Härte. Manch einer muss ins Gras beißen. Diese Härte wiederum erdet den Glanz.

Die Farbe von Jérôme Maffre verdient einen eigenen Satz. Die Palette hält das schöne Retro-Gefühl, ohne in Sepia zu versinken. Rot und Grün knallen dort, wo die Werbung schreien soll. Gedämpfte Töne beruhigen die Wohnungsszenen. Im Finale darf die Dramaturgie der Farben auch lauter werden, weil der Plot es verlangt.

Fazit

GREEN WITCH VILLAGE ist ein Comic, der sich traut, viel zu sein: Zeitreise, Thriller, Werbesatire, feministische Reibung, kalter Krieg und ein Abbild der Paranoia. Das könnte auseinanderfliegen, falls jemand anderes das Szenario inszeniert hätte. Trondheim hält es zusammen, weil er zwei Dinge ernst nimmt: die Form und seine Heldin!

Tabatha ist keine Figur, die man nur durch die Jahrzehnte schubst. Sie reagiert, wehrt sich, nutzt ihre Intelligenz. Sie scheitert vermutlich auch, jedenfalls emotional, weil so ein Sprung in eine andere Zeit Wunden hinterlässt. Genau dort entsteht jedoch die Wärme des Buches. Zwischen Gags und Action blitzt immer wieder die Frage auf, was Identität eigentlich bedeutet, wenn der eigene Körper nicht mehr passt.

Bei mir bleibt die Frage, ob das Album an manchen Stellen zu sehr auf Schlagzeilen setzt. Der plötzliche Nazi-Plot hat Wucht, wirkt aber auch wie eine bewusste Übersteigerung, die mich nicht unbedingt abholt.

Diese Geschichte will unterhalten. Und sie liefert genau das, was die alten Zeitungsformate versprachen. Jeden Tag ein Cliffhanger. Jeden Sonntag eine große Bühne. Am Ende bleibt mit diesem Album ein ausgesprochen rundes Paket.

Wer Trondheim für seinen Einfallsreichtum liebt, bekommt ihn in konzentrierter Form. Wer Biancarelli’s eleganten Realismus schätzt, bekommt ein Schaufenster, das die Zeit gut einfängt. Für Gelegenheitsleser ist das ein erstaunlich zugänglicher Einstieg, weil jede Seite einen Haken schlägt, an dem man sich festhalten kann. Comicfreunde werden vor allem an den Regeln Freude haben, die man beim Lesen spürt, auch wenn man sie nicht kennt. Also: eine klare Leseempfehlung.

• GREEN WITCH VIALLAGE
• Lewis Trondheim und Franck Biancarelli
• Hardcover | 104 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96582-220-7
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Schreiber und Leser Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Jérôme Félix, der Szenarist, erzählt keinen klassischen Nostalgieritt. Er schreibt eine Geschichte über das Ende eines Berufs, über das Ende von Gewissheiten.

Paul Gastine setzt dies mit einem Blick um, der zugleich weit ist, aber auch intim bleibt. Große Landschaften stehen neben Gesichtern, in denen jede Falte eine Entscheidung verrät. Der Splitter Verlag veröffentlichte den Band 2021 als abgeschlossenen Einzelband im Hardcover, der schnell vergriffen war. 2026 erscheint nun die erweiterte Neuausgabe. Freunde des Genres und dieses Comics wird es freuen.

Letzter Treck, letzter Traum

Russell, unser Protagonist, weiß, dass er auf Verschleiß reitet. Die Arbeit der Viehtreiber verliert ihren Wert. Züge und neue Bahnstationen machen den Transport schneller, effizienter und damit auch kostengünstiger. Russell reagiert pragmatisch. Er will raus aus dem Staub und rein in ein kleines Stück Zukunft.

Sein Ziel liegt in Montana. Dort hofft er auf Land, Ruhe und eine Art Familie. An seiner Seite ist Bennett, ein junger Mann, den Russell früh zu sich genommen hat und den er schützt, auch wenn Bennett oft anders reagiert als die Leute es erwarten. Mit ihnen zieht Kirby. Er ist Partner, Freund und stille Stütze. Diese drei bilden eine fragile Gemeinschaft. Sie funktioniert, weil jeder weiß, was der andere nicht sagen kann.

Auf dem Weg legen sie in Sundance einen Halt ein. Die Stadt steht unter Druck. Neue Infrastruktur lockt Geld und verspricht Aufstieg. Gleichzeitig klebt an diesem Versprechen Angst. Wer jetzt als gefährlich gilt, wird zum Risiko für den Ruf des Ortes und damit für dessen Zukunft.

In dieser Stimmung findet man am Morgen eine Leiche. Der Bürgermeister sucht nach einer schnellen Erklärung. Er will Ordnung, bevor die Gerüchte größer werden. Russell spürt sofort, dass hier mehr brodelt als ein Unglück. Er bleibt, fragt nach, schaut genauer hin. Sundance reagiert abweisend. Aus dem Durchreiseort wird ein Knoten, an dem sich ihre Schicksale verwirren.

Eine Stadt, die sich selbst verteidigt

Der erste Tote bleibt nicht der letzte. Ausgerechnet Bennett gerät ins Visier der Ermittlungen. Man schiebt ihm Schuld zu. Die Logik ist brutal einfach: ein Fremder passt als Täter, ein zurückhaltender junger Mann als Sündenbock. So kann die Stadt einfach weitermachen. Ein junger Zeuge streut dabei zusätzlich Unruhe. Plötzlich steht nicht nur ein Unglück im Raum, sondern die Möglichkeit, dass jemand bewusst etwas vertuscht.

Für Russell bricht damit etwas. Er hat Bennett nicht als Besitz an seiner Seite, sondern als Verantwortung. Als Bennett kurz darauf ebenfalls tot aufgefunden wird, legt die Obrigkeit erneut einen Fall schnell zu den Akten. Der Bürgermeister drängt Russell aus Sundance. Er hofft, damit die Wellen zu glätten. Russell lässt sich vertreiben, aber – er vergisst nicht. Félix zieht die Schraube jetzt konsequent weiter an.

Russell kommt zurück, nicht als Bittsteller, sondern mit einer Gruppe Outlaws. Er will Antworten und er will sie sofort. Damit kippt die Dynamik. Sundance wird zur Bühne für eine Belagerung ohne Mauern. Jeder Schritt wird zu einem Statement, jeder Blick kann eine Lüge sein.

In dieses Geflecht tritt Miss Collins, die Lehrerin der Stadt. Sie wirkt wie ein Gegenentwurf zur rauen Männerlogik. Sie handelt mutig und bleibt dabei menschlich. Ihre Rolle ist mehr als die einer Nebenfigur. Sie gibt dem Geschehen einen moralischen Anker. Sie zeigt, dass Zivilisation nicht nur aus Schienen und Verträgen besteht muss.

Wenn Rache zum Gesetz wird

Ab hier erzählt BIS ZUM BITTEREN ENDE in Spiralen. Russell sucht Wahrheit, verliert jedoch gleichzeitig den Boden unter den Füßen. Die Outlaws bringen Gewalt mit, die Stadt Verdrängung. Beides passt erschreckend gut zusammen. Félix arbeitet immer wieder mit Überraschungen, aber nicht als Trick. Er zeigt, wie schnell ein Ort seine Regeln verbiegt, wenn Geld und Zukunft auf dem Spiel stehen. Die Eisenbahn hängt über Sundance wie ein Versprechen, das alle korrumpiert.

Russell und seine Männer pressen Antworten aus einer Gemeinschaft, die sich im Alltag aneinander festhält. Es gibt Schankräume, Flure, Hinterzimmer. Überall stehen Menschen, die zu lange geschwiegen haben. Dann kippt das Spiel.

Eine Beichte taucht auf. Sie wirkt wie ein sauberer Schlussstrich. Genau da wird es aber gefährlich. Russell muss entscheiden, ob er die einfache Erklärung annimmt, oder ob er weiter stochert und damit noch mehr Leben zerstört. Miss Collins versucht, den Kern des Problems sichtbar zu machen. Sie stößt dabei auf ein Netz aus Mitwisserschaft. Kirby dient bei Allem als Erdung. Er sieht, wie Rache den Blick verengt, selbst wenn sie aus Liebe geboren wird.

Am Ende zwingt die Geschichte ihren Helden zu Entscheidungen, die keinen sauberen Ausweg erlauben. Der Band spart sich einen romantischen Schluss. Er zeigt, wie teuer Wahrheit sein kann, wenn sie zu spät kommt.

Figuren im Gegenlicht der Moderne

Das Western-Genre lebt oft von seiner Klarheit. Der Band hier lebt von Unschärfe. Félix schreibt Menschen, keine Abziehbilder. Ein Bürgermeister kann zugleich panisch und berechnend wirken. Outlaws können wie Werkzeuge erscheinen und doch eigene Grenzen haben. Russell trägt Würde in sich, aber auch eine Gewöhnung an die Gewalt an sich. Das macht jede seiner Handlungen doppeldeutig.

Besonders stark finde ich, wie der Comic das Ende einer Epoche nicht nur andeutet, sondern in die Beziehungen einarbeitet. Fortschritt bedeutet hier nicht Komfort, Fortschritt bedeutet Entwertung. Wer sein Leben lang geritten ist, steht plötzlich im Weg.

Die Erzählung bleibt trotz moralischer Grauzonen gut lesbar. Félix setzt auf klare Motive wie Familie, Loyalität, guten Ruf und Angst. Er verschachtelt diese Motive in Szenen, die schnell wechseln, aber verständlich bleiben. Die Kürze des Einzelbandes zwingt zu Verdichtung. Das funktioniert meistens, weil der Autor die Emotionen seiner Figuren präzise trifft. In manchen Passagen spürt man den Druck: Figuren müssen zügig Position beziehen. Mir fehlt gelegentlich ein Atemzug mehr, bevor die nächste Eskalation startet. Gleichzeitig passt dieser Sog zum Thema. Wenn diese Stadt kippt, kippt sie nicht in Zeitlupe.

Paul Gastine’s Westernblick

Gastine zeichnet mit einer Lust am Detail, die nie geschniegelt wirkt. Landschaften bekommen Raum. Felsen, Himmel und Staub stehen nicht nur als Kulisse herum. Sie formen Stimmungen. In den Stadtansichten sieht man, wie eine neue Zeit anrollt. Gleise schneiden Linien in die Weite, Holzfassaden wirken provisorisch. Es sind Orte, die morgen schon anders aussehen können. Dazu kommen Gesichter, die Gastine mit markanten Zügen baut. Mimik und Körperhaltung erzählen oft schneller als die Dialoge. Das macht den Band einsteigerfreundlich. Man versteht, wer gerade lügt, wer zweifelt, wer nur spielt.

Auffällig sind die Farben. Gastine koloriert kräftig. Er greift tief in warme Erd- und Abendtöne. Dann setzt er kalte Akzente, wenn die Stimmung kippt. Das wirkt manchmal moderner, als man es bei einem Western erwartet. Aber mich stört das nicht, im Gegenteil. Es unterstreicht den Gedanken, dass diese Welt gerade umgebaut wird.

Auch die Seitenregie überzeugt. Gastine denkt in Kamerablicken. Er wechselt zwischen Panorama und Nahaufnahme. Er führt die Action klar und kinematografisch. Er kann aber auch Stille stehen lassen. Der Band fühlt sich dadurch oft wie Kino an, nur ohne die Ausrede, dass Bilder vorbeiziehen. Hier muss man hinschauen.

Zwei historische Fäden, die der Comic aufnimmt

Der Kern des Comics illustriert einen realen Strukturwandel. Trail Drives brachten Rinder von den Weiden direkt zu den Märkten oder zu einem Railhead, von dem aus Züge die Tiere weiter transportierten. Solche Trecks konnten Monate dauern. Ein Weg von Texas zu Railheads in Kansas dauerte nach Angaben des National Park Service oft zwei bis drei Monate. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts trieben Cowboys Millionen Tiere über offene Weideflächen Richtung Norden.

Die Stadt Chicago spielte dabei eine Schlüsselrolle. Die Union Stock Yards öffneten 1865 und bündelten Viehhandel und Fleischindustrie in einem riesigen Komplex. Die Stadt wurde so zum Magneten für Tiere, Geld und Logistik. Wer das Transportproblem löste, veränderte ganze Berufe. Genau diese Entwertung spürt man in Russells Welt. Die Arbeit auf dem Pferd verliert gegen Fahrpläne. (Mit diesem Ansatz ist dieses Album gerade wieder hochaktuell.)

Die Konsequenz war das Ende der offenen Weidewirtschaft. Die Railroads und eingezäunte Ranchgrenzen schränkten den Beruf des Cowboys bis etwa 1890 deutlich ein. Aus freier Weite wird Parzelle, aus Handschlag wird Vertrag. Félix nimmt diesen Umbruch als unsichtbaren Gegenspieler und Antrieb.

Dazu kommt ein zweiter Faden. Die neuen Linien erzeugten neue Orte und neue Abhängigkeiten. In BIS ZUM BITTEREN ENDE wartet Sundance auf den Zug wie auf den Heilsbringer. Der Bürgermeister fürchtet, ein Skandal könnte anstehende Investitionen vertreiben. Denn Eisenbahngesellschaften entschieden, wo Haltepunkte und Umschlagplätze entstehen und wo Boomtowns wachsen oder Verliererorte entstehen.

Der Ortsname selbst trägt zusätzlich Geschichte. In Wyoming existiert Sundance als Stadt. Sie entstand Ende der 1870er Jahre und wurde später Verwaltungssitz des Crook County. Bekannt wurde sie auch über Harry Alonzo Longabaugh, den Outlaw „Sundance Kid“.

Diese Fakten zeigen, wie sehr der Westen in jener Zeit neu vermessen wurde. Orte entstanden, weil Handel, Durchreise und Infrastruktur sie brauchten. Félix und Gastine fangen dieses Klima ein. Sie erzählen es nicht als Chronik. Sie machen es als den Druck spürbar, der Menschen zu schnellen, schlechten Entscheidungen treibt.

Fazit

BIS ZUM BITTEREN ENDE ist ein Western, der die Colts nicht vergisst. Jérôme Félix schreibt eine Rachegeschichte, welche die Menschen dahinter ernst nimmt. Paul Gastine liefert Bilder, die ich nicht nur lese, sondern in denen ich verweile. Wer Western liebt, bekommt hier Staub, Schüsse und Weite. Wer selten Western liest, bekommt einen klar erzählten Einstieg in ein Genre. Der Comic bleibt wohlwollend hart. Er fragt nach Verantwortung, zeigt, wie schnell Moral zur Verhandlungsmasse wird. Am Ende bleibt ein Gefühl von Verlust, aber auch von erzählerischer Konsequenz. Und genau das macht diesen Einzelband so überzeugend.

• BIS ZUM BITTEREN ENDE
• Jérôme Félix und Paul Gastine
• Hardcover | 88 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-68950-142-6
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Meyer wiederum ist einer dieser Zeichner, die Figuren nicht nur in Bewegung setzt, sondern ganze Welten atmen lässt. Sein Strich ist präzise, schwer, voller Gravur wie ins Papier gemeißelt. Seit seinem Durchbruch mit IAN (zusammen mit Fabien Vehlmann) zeichnet er sich durch eine seltene Mischung aus Dynamik und archaischer Wucht aus.

Wer sich ASGARD vornimmt, ahnt gleich, dass hier zwei Kreative zusammengefunden haben, die dasselbe Vokabular teilen. Dorison liebt es, mit nordischer Mythologie zu spielen, ohne in Fantasy-Klischees abzudriften. Meyer liebt es, kräftige Körper und harsche Umgebungen zu zeichnen. Ein Treffen zwischen Autor und Zeichner, bei dem die Temperatur irgendwo zwischen eisiger Fjordluft und glühender Schmiedekohle liegt. Ganz ähnlich wie schon bei einem anderen nordisch-mythischen Comic, dem bereits besprochenen Hel’Blar.

Wenn Strich und Wort dieselbe Sprache sprechen

Meyer übernimmt diesmal auch die Kolorierung, was dem Ganzen zusätzlich einen geschlossenen Charakter gibt. Farblich bewegt er sich in zurückhaltenden Paletten von grauem Eis, tiefem Blau, Ocker und Blutrot. Keine Effekthascherei, eher eine Schichtung, die Textur gibt und Raum öffnet. Meyer’s Farben erzählen mindestens so viel wie die Dialoge selbst. ASGARD wirkt wie ein Film im Breitwandformat, nur dass man hier in jedem einzelnen Bild länger verweilen möchte.

Dorison wiederum hält sich sprachlich zurück, setzt kurze Texte, knappe Dialoge, die den Figuren Charakter verleihen statt sie zu zudecken. Gerade weil er schweigsam bleiben lässt, entsteht Sog. Es gibt keinen überflüssigen Ballast. In einem Medium, das manchmal zu geschwätzig sein kann, ist das eine Wohltat.

Fjorde, Kälte, Jagd

Worum geht es in ASGARD? Kurz gesagt: Um eine Reise in eine feindselige Welt. Wir folgen einem Exilanten, einem Jäger, einem Mann, der von den eigenen Leuten verstoßen wurde, weil er ein Skraeling – ein Krüppel – ist und gegen das Schönheitsideal der Gemeinschaft verstößt. Doch anders, als es die Wikinger-Gesetze es vorschreiben, tötet ihn sein Vater nicht nach der Geburt. Sein Name: ASGARD.

Passenderweise trägt er denselben Namen wie die mythologische Welt der Götter. Das macht ihn, kaum dass wir ihn kennen lernen, zu einer wandelnden Versinnbildlichung. Doch Dorison wäre kein ernst zu nehmender Erzähler, wenn er daraus eine platte Allegorie machen würde. ASGARD bleibt Mensch, mit Hunger, mit Schwächen und mit Stolz.

Die Handlung setzt ein, als eine riesige Kreatur aus der Tiefe der Nordmeere auftaucht. Sie wird zur Bedrohung für ganze Dörfer, für den Handel und besonders für die Seefahrer. Es gibt also etwas, das jagbar ist, das zugleich größer ist als der Mensch und damit eine Projektionsfläche für Heldenmut oder Feigheit.

Und je länger die Jagd dauert, umso mehr verstärkt sich der Eindruck, dass es sich hierbei um Jörmungandr, die Midgardschlange, handeln könnte, die dem Weltuntergang Ragnarök vorausgeht.

Die einsame Jagd des Verstoßenen

ASGARD, der Verstoßene, nimmt den Auftrag an, dieses Wesen zu töten. Nicht weil er die Welt retten, sondern weil er sich gegen sein Schicksal stemmen will und weil er diese und ähnliche Jagden zu seiner Aufgabe gemacht hat.

Was Dorison hier aufspannt, ist aber mehr als eine klassische Jagdgeschichte. Es ist eine Reise tief in die Ikonografie nordischer Mythen. Wir sehen Dörfer, Schlachtfeste, lange Schiffe und archaische Waffen. Doch der Ton der Geschichte ist nicht der eines Märchens, eher ein archaisches, reales Drama. Der Comic verzichtet weitgehend auf Götterfiguren und kaut keine Mythen wieder. Er interessiert sich für die Menschen, die zu überleben versuchen, für den Einzelnen gegenüber der Natur, für die Gewalt, die in jeder Begegnung steckt.

Meyer übersetzt dies alles in Bildfolgen, die kalt wirken und gleichzeitig voller Spannung sind. Man spürt die Kälte auf der Haut, man riecht förmlich den Atem der Rinderherden, man hört das Knirschen des Schnees. Gerade in Stillen entfaltet der Comic seine Wucht. Ich finde mich in einem nordischen Noir wieder, bei dem die Natur kein Ornament, sondern Gegner ist.

Moby Dick trifft Nordmeer

Diese Geschichte ist ein MOBY DICK im Nordmeer. Keine Jagd nach einem weißem Wal, sondern nach einer Art Seeungeheuer. Doch anders als bei Melville steht hier nicht die Obsession des Kapitäns im Vordergrund, sondern die Konfrontation eines Ausgestoßenen mit einer Aufgabe, die größer ist als er selbst, viel größer. Diese Balance macht den Kern der Erzählung aus.

Ich bleibe dabei, weil mich nicht allein die Frage „Wird er das Monster besiegen?“ am Ball bleiben lässt, sondern weil jede Seite enthüllt, wie viel Menschlichkeit in einer brutalen Welt übrig bleibt.

Ein Kiel, drei Konflikte

Betrachten wir, wie die Geschichte gebaut ist. Dorison wählt keinen linearen Heldenbogen im klassischen Sinne. Stattdessen folgt er einer episodischen Struktur, die zugleich stringent bleibt. Die Mission, das Seeungeheuer zu jagen, liefert eine klare Richtung. Doch unterwegs gibt es Brüche, Umwege und Begegnungen, die scheinbar nebensächlich sind, aber Tiefe einflechten.

Man könnte sagen: ASGARD funktioniert wie ein Wikinger-Langschiff. Der Kiel gibt Richtung, die Planken sind Einzelmomente. Am Ende halten sie ein Schiff zusammen, das nur fährt, weil alles zusammenspielt. Die Dramaturgie balanciert Stille und Action, innere Kämpfe und äußere Duelle.

Struktur wie eine Schiffsplanke

Dorison’s Stärke liegt darin, dass er Konflikte auf verschiedenen Ebenen verschachtelt. Da ist ein äußerer Kampf gegen die Kreatur, ein sozialer Konflikt mit den Dorfbewohnern und ein innerer Konflikt ASGARD’s mit sich selbst. Diese drei Stränge laufen parallel und verstärken sich gegenseitig.

Interessant ist zudem, dass Dorison die Storyline oft abrupt bricht. Kein Übergang von einem Bild zum nächsten, sondern harte Schnitte. Damit wirkt die Erzählung filmisch, fast wie im modernen Kino. Dabei entsteht jedoch keine Ziellosigkeit, sondern Spannung. Gerade diese Rhythmuswechsel heben ASGARD ab von konventionellen Fantasy-Comics, die häufig eine gleichmäßige Erzählmelodie anstimmen.

Der Mann, der kein Held sein darf

ASGARD ist zunächst kein Held zum Liebhaben. Er ist entstellt, misanthropisch und schweigsam. Er trägt Verbitterung, aber auch Stolz in sich. Dorison gönnt ihm keine sofortige Entwicklung zum guten Menschen, sondern zeichnet ihn rau und abweisend. Und das macht ihn für mich glaubwürdig. Wir begleiten keinen glatten Übermenschen, sondern jemanden, der mehr mit Wunden kämpft als mit Schwertern.

Diese Entwicklung ist das Herzstück des Comics. Denn während die Jagd auf See den äußeren Rahmen gibt, entsteht die wahre Spannung im Inneren dieser Figur.

ASGARD ist ein Mann, der permanent beweisen muss, dass er mehr ist als seine Narbe, mehr als sein Makel. Seine Beziehung zu anderen Figuren bleibt schwierig, oft konfliktreich, manchmal von Misstrauen überschattet. Genau das zieht uns hinein, weil der Comic keine typische Heldenreise erzählt, sondern eine Geschichte der Selbstbehauptung.

Kampf aus Trotz, nicht aus Ruhm

Nebenfiguren erfüllen wichtige Funktionen. Sie sind Projektionsflächen für Vertrauen, Feindseligkeit oder Spiegelungen seines Inneren. Sie tauchen auf, verankern Szenen, verschwinden wieder. Anders als in typischen Fantasygruppen treten sie nicht als eingespielte Truppe auf, sondern eher als Wegmarken, die uns die Dimension von Isolation und Gemeinschaft noch stärker fühlen lassen.

Man könnte fast sagen, dass Dorison hier nicht nur einen Antihelden, sondern einen „Nicht-Helden“ entwirft. Er kämpft, ja. Aber er kämpft nicht für Ruhm, nicht für Götter, nicht für eine Gemeinschaft. Er kämpft, weil er atmet, und weil ein weiterer Tag Leben eben Kampf bedeutet. Diese kompromisslose Nüchternheit macht die Figur stärker als jedes Heldenpathos.

Geschichte als Hintergrundrauschen

Spannend ist auch, wie ASGARD historische Signale setzt. Natürlich bewegen wir uns in einer fiktionalisierten Wikingerwelt, irgendwo zwischen Legende und dokumentarischer Härte. Das Seeungeheuer, das erlegt werden soll, hat Parallelen zu skandinavischen Mythen über Meeresdrachen. Zugleich kann man es lesen als Symbol für die Ängste einer Küstengesellschaft, die vom Meer lebt und es fürchtet.

Dorison und Meyer greifen dabei nicht auf exakt belegte historische Tatsachen zurück. Sie weben vielmehr ein Ambiente, das sich anfühlt, als könnte es so einmal gewesen sein. Skelette von Schiffen stehen am Strand, Runen zieren Holz, Masken und Helme wirken handwerklich authentisch. Einige Details erinnern an archäologische Funde, andere wiederum sind frei interpretiert.

Runen, Drachen, Realität

Dieser Umgang mit Geschichte ist wohltuend. Es entsteht keine peinliche Rekonstruktion, die pedantisch wirken könnte, aber auch kein beliebiges Fantasy-Setting. Stattdessen ist ASGARD geerdet, roh und glaubwürdig. Wer sich ein wenig in der altnordischen Literatur auskennt, entdeckt Nachklänge an Sagas, an das Gefühl existenzieller Bedrohung in einer Welt ohne Sicherheit. Aber die Geschichte bleibt trotzdem ein Comic, kein Lehrbuch.

Ein Herzschlag im Eis

Wer sich ASGARD aufschlägt, hält einen Band in den Händen, der nicht bloß von Monstern und Kriegern erzählt. Vielmehr entfaltet sich ein Drama über Außenseiter, über den Kampf gegen Naturgewalt, über die Frage, was ein Mensch wert ist, wenn er aus der Gemeinschaft fällt.

Man könnte meinen, Dorison und Meyer hätten eine kalte Saga geschrieben. Doch diese Saga brennt. Sie brennt, weil die Bilder von Meyer heiß pochen, weil die Dialoge von Dorison scharf wie Äxte schneiden, weil jeder Schnitt im Storyboard bewusst gesetzt ist.

Nein, dieser Comic ist nichts für jemanden, der gemütliche Abenteuergeschichten sucht. Er ist nichts für den Markt, der Fantasy gern als Eskapismus konsumiert. Es ist ein Comic für Leserinnen und Leser, die spüren wollen, wie sehr das Medium Comic die Kraft von Kino, Theater und Mythos in sich vereinen kann.

Fazit

Ein klarer Tipp: ASGARD lesen. Hinsetzen, die Seiten atmen lassen, sich einlassen auf Dunkelheit, Härte, Blut und Schönheit. Und wenn man das Buch schließt, bleibt am Ende nicht einfach der Eindruck einer erledigten Lektüre, sondern das Gefühl, ein Stück kalten Nordens tief in die eigene Brust gesetzt bekommen zu haben. Das ist mehr, als man von einem einzelnen Comic erwarten kann…

• ASGARD (Splitter Double)
• Ralph Meyer und Xavier Dorison
• Hardcover | 112 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-86869-678-3
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Splitter Verlag
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The post ASGARD jagt im Eis des Nordmeeres seine Dämonen first appeared on P A N E L W A L K E R.

Ich schlage also SCHLOSS DER TIERE 4: DAS BLUT DES KÖNIGS auf, den letzten Band der Reihe, die ich schätzen gelernt habe und die längst im Olymp der frankobelgischen Fabel-Comics angekommen ist. Meine Erwartungen sind hoch – höher als der Staub und Dreck im Stall des Schlosses.

Erwartungsdruck und Vorschusslorbeeren

Zuerst einmal: die Ausgangslage sitzt! Die Geschichte spielt in einem sehr abgelegenen Schloss irgendwo im Frankreich der Zwischenkriegszeit. Menschen gibt es dort schon lange nicht mehr. Warum, wird nicht berichtet. Die Tiere haben übernommen und ein System geschaffen, das angeblich eine Republik ist.

In Wirklichkeit regiert Silvio, der Stier mit Sinn für Pathos, aber ohne Gefühl für Grenzen (… und nein, er trägt keine rote, viel zu lange Krawatte). Miss B(angalore), die weiße Katze und ihre Mitstreiter haben drei Bände lang mühsam einen gewaltfreien Widerstand aufgebaut. Die Reihe verneigt sich vor George Orwell’s FARM DER TIERE / ANIMAL FARM, geht dann aber doch ihren eigenen Weg. Hier soll eine Diktatur fallen, weil die Beherrschten „Nein“ sagen und nicht, weil sie zu den Waffen greifen.

Genau dieses Versprechen trägt SCHLOSS DER TIERE 4: DAS BLUT DES KÖNIGS in jede Szene. Dieser Band will nicht nur seine Narration beenden. Er will beweisen, dass gewaltfreie Strategien nicht nur ein netter pädagogischer Einschub sind, sondern zeigen, dass sie ein echter Gamechanger werden können.

Ich sitze also da – mit all diesem Ballast in meinem Kopf – und merke schnell, wie sehr der Band sich dafür inszeniert. Jede Seite ruft mir zu, wie wichtig sie ist. Die Geschichte bleibt stark. Trotzdem kippt die Balance zwischen Erzählung und Programmatik öfter, als mir lieb ist.

Eine Wahl ohne Veränderung

Der Plot setzt an einem entscheidenden Wendepunkt wieder ein. Silvio hat nach langen Auseinandersetzungen zugestimmt, eine Wahl zu organisieren. Nicht aus Einsicht, aus Zwang. Der Druck der Tiere und ihrer gewaltfreien Aktionen war einfach zu groß geworden.

Der Diktator hat Angst um seine Legitimation, aber er glaubt noch immer, die Regeln kontrollieren zu können. Darum erlaubt das Regime zum ersten Mal einen – scheinbar – demokratischen Prozess.

Die Tiere werfen sich in den anstehenden Wahlkampf. Der Bewegung der Margeriten organisiert Versammlungen. Miss B und César ziehen über den Hof und sprechen mit verhärmten Kühen, misstrauischen Hühnern und müden Eseln. Sie erklären, warum eine Stimme etwas bedeutet, obwohl der Gegner die Urnen bewacht.

Azelar, der Rattenclown, ist währenddessen körperlich am Ende. Seine Ideen bleiben jedoch der Motor der Kampagne. Ich sehe Humor, schöne Bilder, kleine Gesten des Ungehorsams, aber keine Fackeln oder Mistgabeln.

Margeriten gegen Muskelberge

Der Band zeigt diese Phase erstaunlich detailliert. Plakate werben für Veränderung, Reden werden gehalten, während lächerliche Mikrofone auf improvisierten Bühnen stehen. In kurzen Momenten blitzt ein perfekter Mix aus Stall-Atmosphäre und Wahlkampfkarikatur auf. Ich rieche das Heu, höre die Parolen und spüre die Müdigkeit.

Gleichzeitig spüre ich beim Lesen eine gewisse Mechanik. Viele Szenen erklären, was die Seiten zuvor bereits illustriert haben. Die Dialoge werden didaktischer, je näher der Wahltag rückt.

Silvio fährt derweil seine Gegenkampagne hoch. Die Hunde patrouillieren, Flugblätter verteilen Lügen, der Stier verkauft sich als einziger Schutz vor den imaginären Wölfen. Sicherheit ist sein Thema.

Der Comic spielt damit bewusst auf autoritäre Wahlinszenierungen unserer Zeit an. Ich sehe die Parallelen. Gleichzeitig wünsche ich mir jedoch ein wenig mehr Reibung, innere Konflikte bei den Zauderern, mehr echte Zweifel, die nicht sofort in Mut umschlagen.

Blut, Schnee und das leise Ende der Gewalt

Nach der Wahl zieht der aktuelle Band die Schrauben weiter an. Der Ausgang fällt nicht triumphal aus. Die Tiere erringen einen Teilsieg. Silvio verliert den moralischen Boden, weigert sich, ihren Sieg zu akzeptieren. Der König im Stall klammert sich an seinen Thron. Sein königliches Blut pocht. Die Atmosphäre kippt vom lauten Wahlkampf in eine angespannte Belagerung. Das Schloss verwandelt sich in eine kalte Bühne, auf der jeder Fehltritt tödlich wirken kann.

Der Untertitel DAS BLUT DES KÖNIGS verspricht ebendies: Blut. Dies wirkt im Kontext der pazifistischen Reihe zunächst wie ein Tabubruch. Das Album löst dies über Umwege. Es zeigt keine gigantische Schlacht. Es setzt auf zugespitzte Einzelszenen, eine drohende Hinrichtung hier, eine Patrouille im Schnee dort oder einen Moment, in dem eine Tat möglich wäre, die alles abkürzen würde.

Wenn das Nein lauter ist als der Schuss

Genau dann entscheidet sich Miss B jedoch … dagegen! Dies könnte der große Triumph der Erzählung sein, denn nun erwächst die Spannung aus dem „Nein“ zur Gewalt, nicht aus einem „Ja“.

In diesen Momenten funktioniert der Band wirklich gut. Ich empfinde diese Spannung, weil ich spüre, wie dünn das Eis unter den Figuren ist. Dorison gelingt es, den Verzicht als aktiven Schritt zu inszenieren. Er zeigt, wie viel Kraft es kostet, eine scheinbar schnelle Lösung abzulehnen. Delep unterstützt dies mit engen Bildfolgen. Er konzentriert sich auf Augen, Pfoten, kleine Bewegungen. Einige dieser Panels gehören zu den stärksten der ganzen Reihe.

Trotzdem bleibe ich mit einem schalen Gefühl zurück. Das Finale will gleichzeitig konsequent und tröstlich sein. Die Diktatur fällt, doch der Preis dafür wirkt erstaunlich gering.

Ein König stürzt, die Fragen bleiben

Was geschieht hier? Nun, der Comic blendet vieles aus. Was geschieht mit den Strukturen der Macht? Wer kontrolliert den Zugang zu Futter, Holz, Schlafplätzen? Wie verhindert die Gemeinschaft, dass ein neuer Silvio entsteht? Der Band deutet Antworten in Form kleiner Räte, Versammlungen und eine vorsichtige, neue Ordnung an. Er führt sie aber nicht (mehr) aus. Was bleibt, ist eine Art Happy-End. Wieder einmal.

Gerade weil der Titel so laut vom Blut des Königs spricht, fällt mir diese Zurückhaltung auf. Das Regime bricht zusammen. Die Folgen bleiben eher skizzenhaft. Das ist erzählerisch bequem und vermeidet eine weitere Ausweitung der Geschichte auf einen fünften Band. Und darum schwächt es die Wucht eines Finales, das als Korrektur von ANIMAL FARM angetreten ist.

Die Last der Vorgeschichte

Um diesen Schluss zu verstehen, hilft vielleicht ein Blick zurück. Der erste Band MISS BENGALORE hat mich damals sofort gepackt. Ein Schloss, in dem nach dem Abzug der Menschen erst Demokratie herrschte und später die „Faust“ des Stiers. Es folgten Alltag und Schinderei.

Miss B, allein erziehende Mutter, schuftet an Silvio’s Prestigeprojekt. Die Tiere tragen Glöckchen um den Hals. Sie frieren, sie hungern, sie verlernen, an etwas anderes als den nächsten Tag zu denken. Azelar erzählt Geschichten von Mohandas Karamchand Gandhi, der die Seinen ohne Gewalt in die Freiheit führte. César spießt die Lage mit bitterem Humor auf. Diese Revolution beginnt als Flüstern (Ich höre Tracey Chapman’s Talkin‘ ‚bout a Revolution im Hintergrund).

Band zwei mit dem Titel MARGERITEN IM WINTER verschiebt den Fokus. Nun sehen wir eine richtige Bewegung. Die Margeriten verweigern ihre Glocken, blockieren Lieferwege und organisieren Sit-Ins vor Silvio’s Fenstern. Der Winter macht jede Protestnacht zur Tortur. Diese Alternative zur Gewalt ist und bleibt gefährlich. Miss B weiß nur zu Gut, dass ein einziger gewaltsamer Ausbruch dem Regime die perfekte Rechtfertigung zum Gegenschlag liefern würde.

Vom leisen Aufstand zum lauten Finale

Der dritte Band DIE NACHT DER GERECHTEN führt mich tiefer in Silvio’s Geschichte. Ja, alles hat immer zwei Seiten. Der Stier bekommt Kontur. Er bleibt Täter, aber kein Pappschurke. Ich sehe Verwundungen aus seiner Vergangenheit, Erniedrigungen und innere Brüche.

Gleichzeitig professionalisiert sich der Widerstand. Strukturen entstehen, Netzwerke werden geknüpft und Codes geflüstert. Die Serie wirkt hier wie eine Werkstatt für Zivilcourage. Sie zeigt Fehler, Rückschläge, Verrat, aber sie kommuniziert: Gewaltfreiheit bedeutet nicht Passivität!

Diese drei Alben tragen DAS BLUT DES KÖNIGS wie ein Fundament. Sie bauen Erwartungen auf, welche die gesamte Reihe zurecht als engagierte, pointierte Tierfabel feiern. Genau deshalb wiegt es so schwer, wenn das seitenstarke Finale schwächelt.

Die Energie der ersten Bände steckt in der langsamen Verschiebung. Der vierte Band wirkt dagegen fokussierter auf den großen Endpunkt. Er erinnert alle fünf Seiten daran, wie wichtig diese Geschichte ist. Dabei verliert er gelegentlich die kleine, alltägliche Perspektive, die die Reihe in der Vergangenheit so stark gemacht hat.

Dorison, Delep und der Schatten von Orwell

Xavier Dorison ist kein unbeschriebenes Blatt. Er landete früh mit DAS DRITTE TESTAMENT einen Hit, schrieb HEILIGTUM, W.E.S.T., LONG JOHN SILVER und später den UNDERTAKER. Er kennt große Themen, komplexe Plots und Figuren, die zwischen Schuld und Pflicht pendeln.

Mit SCHLOSS DER TIERE greift er ANIMAL FARM auf, bleibt aber erzählerisch bewusst auf Abstand. Dorison betont, dass er nicht einfach Orwell nacherzählen will. Stattdessen orientiert er sich bei diesem Werk an historischen gewaltfreien Bewegungen wie z.B. der indischen Unabhängigkeitsbewegung.

Und sein Kompagnon, Felix Delep, tritt als Zeichner aus dem Dunkel ins helle Licht der Comic-Bühne, denn die Serie ist sein Durchbruch. Im Laufe der vier Bände hat er sich entwickelt und hat mit dem letzten Teil eine neue Sicherheit gefunden hat.

Fell, Licht und brave Panels

Optisch bleibt die Reihe eine Wucht. Delep nutzt einen Stil, der zwischen Illustration und Trickfilm liegt. Miss B besitzt ein weißes Fell, das jede Schramme zeigt. Silvio, ein bulliger Block, sprengt jedes Panel. Und die Hunde erscheinen als Mischform aus Karikaturen und Bedrohung. Die Farbgebung stammt ebenfalls von Delep. Sie legt sich wie ein eigener Erzähler über jede Seite.

In SCHLOSS DER TIERE 4: DAS BLUT DES KÖNIGS dominieren gedeckte Erdtöne. Staubiges Braun, müde Grüntöne, viel Gelb. Die Wahlkampfseiten wirken oft wie Spätsommerabende, in denen man das Summen der Insekten hört. Sobald die Gefahr zunimmt, kippt die Palette in kühlere Töne. Schneeszenen erscheinen, dämmerige Innenräume verbergen alles mögliche in den Schatten der Ecken.

Die Qualität seiner Zeichnungen ist malerisch und einzelne Seiten wären eines Posters würdig. Delep beherrscht Lichtstimmungen, saisonale Atmosphären und animalische Körpersprache. Ein hängender Schwanz hier kommuniziert mehr als drei Sprechblasen, ein abgewandter Blick dort lässt eine ganze Freundschaft wanken. Seine Tierphysiognomien sind leicht überzeichnet, aber nie plump.

Wenn starke Bilder höflich sind

Trotzdem stört mich etwas. Der Seitenaufbau bleibt auffallend brav. Viele Seiten folgen einem Raster aus vier oder fünf Panels. Halbtotalen dominieren. Die Kamera sitzt oft in sicherer Distanz. Diese Zurückhaltung passt nicht immer zum emotionalen Aufbau der Szenen. Gerade wenn die Entscheidung gegen Gewalt fällt, könnte der Comic formal Risiken eingehen und die bisherige Aufteilung z.B. durch engere Bildausschnitte, wildere Perspektiven oder mutigere Seitenaufteilungen verlassen.

Aber das ist Klagen auf hohem Niveau. Schließlich gibt es Ausnahmen. Eine stumme Seite, ein diagonales Layout, eine Sequenz, in der der Schnee die Abgrenzungen der Panel fast auslöscht. Sie erinnern daran, wie viel visuelle Kraft manchmal in dieser Serie steckt. Insgesamt zieht sich der Band aber auf eine sehr elegante, fast sterilisierte Form zurück.

Pazifistische Utopie unter Stresstest

Und sonst? Der Kern der Serie bleibt die politische Botschaft: Gewaltfreiheit gegen Diktatoren!

Die Reihe positioniert sich klar. Sie feiert Zivilcourage, Solidarität und Beharrlichkeit. SCHLOSS DER TIERE versteht sich als ANIMAL-FARM-Version, die nicht im Zynismus endet, sondern in einer offenen, hoffnungsvollen Perspektive. Die Hintergründe (z.B. Gandhi) betonen den Bezug zu realen Revolutionen ohne Waffen.

SCHLOSS DER TIERE 4: DAS BLUT DES KÖNIGS steht in diesem Kontext wie eine Prüfung. Funktioniert die Utopie auch im Ernstfall? Der Band sagt ja. Silvio fällt, weil seine Lügen nicht mehr tragen. Die Tiere beugen sich nicht mehr und lassen sich ebenso wenig provozieren. Selbst wenn Gewalt verfügbar wäre, wählen sie sie nicht. Ich kann dies als einen dringend nötigen Gegenentwurf zu zynischen Popkultur-Fantasien erkennen, in denen alles nur mit großen Waffen gelöst werden kann.

Ich bleibe jedoch auch unsicherer zurück. Ich mag die Idee, dass ein Comic konsequent an Gewaltfreiheit festhält. Ich freue mich über jede Seite, die zeigt, wie mächtig kollektive Verweigerung werden kann. Gleichzeitig spüre ich aber, wie stark der Band strukturelle Fragen personalisiert.

Fazit

Was bleibt nun nach der letzten Seite von SCHLOSS DER TIERE 4: DAS BLUT DES KÖNIGS? Aus meiner Sicht: ein starker, aber nicht überragender Abschluss.

Es bleibt ein Comic, der viel möchte, auch viel kann, aber sein eigenes Potenzial dennoch nicht vollständig ausschöpft. Er bringt die Geschichte zu einem Ende, das emotional funktioniert. Er belohnt lieb gewonnene Figuren, die ich über vier Bände begleitet habe. Er liefert mir Bilder, die ich nicht so schnell vergessen werde. Aber er verschenkt gleichzeitig die Chance auf eine wirklich radikale Tierfabel über Macht, den Widerstand und den Tag danach.

Die Reihe als Ganzes gehört für mich zu den Besten, die in den vergangenen Jahren auf dem Comic-Markt erschienen sind. Sie zeigt, dass politisches Narrativ im Medium Comic nicht dröge sein muss. Sie beweist, dass eine weiße Katze, ein rattenhafter Gandhi und ein Gigolo-Hase manchmal mehr über Macht erzählen können als so mancher ernste Essayband.

Wenn du die Reihe noch nicht kennst, fang‘ vorne an. Lass dir Zeit. Schau erst einmal, ob dich die Mischung aus Märchen, politischer Parabel und ländlichem Humor packt. Erwarte keine perfekte Theorie der Revolution, sondern eine lebendige Fabel, die sich traut, etwas anderes zu versuchen.

• SCHLOSS DER TIERE 4: DAS BLUT DES KÖNIGS
• Felix Delep und Xavier Dorison
• Hardcover | 96 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96219-188-7
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★★(★)
• Farben: ★★★★★
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Splitter Verlag

Weitere Bände der Reihe

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Yves Sente ist bekannt für komplexe Charakterzeichnungen und raffinierte Handlungsstränge. Sein Partner, der Zeichner Steve Cuzor, setzt mit seinen dynamische, atmosphärische Illustrationen regelmäßig neue Maßstäbe. Die Beiden vereinen nun im vorliegenden Album erzählerische Kraft mit grafischer Kunstfertigkeit.

Revolutionäre Ideen und geheime Symbole

Bereits die zeitliche Eröffnung von EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE markiert das Werk als historischen Thriller mit außergewöhnlicher Tiefe. Im Jahr 1776 wird Elisabeth „Betsy“ Ross von George Washington – ja, genau dem! – beauftragt, die erste Flagge der Vereinigten Staaten anzufertigen. Die Legende um die Flagge, deren Wahrheit bis heute umstritten bleibt, wird von Sente kreativ fortgesponnen.

Im Zentrum steht Angela Brown, eine afroamerikanische Hausangestellte, deren Brüder Opfer weißer Gewalt werden. Brown setzt mit einem schwarzen Baumwollstern – versteckt unter einem weißen Symbol des zukünftigen Amerika – ein geheimes Zeichen gegen Unterdrückung und Rassismus. Ja, wir sind ein Teil dieser neuen Welt, auch wenn man uns nicht sieht.

Die Handlung springt dann ins Jahr 1944, mitten hinein in eine vom zweiten Weltkrieg erschütterte Welt. Johanna Bolton entdeckt in den vereinigten Staaten das Tagebuch von Angela Brown. Die Fahne, um die sich ein Mythos rankt, befindet sich mittlerweile im Besitz eines Nazi-Offiziers. (Hätte dieses Szenario in einem Indiana-Jones-Film stattfinden können? Gewiss, aber genau wie im JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES spielt es auch hier keine Rolle, ob ein gewisser Archäologe mit Fedora-Hut und Bullen-Peitsche durch die Szenerie reitet.)

Durch einen Trick gelingt es Johanna, einen alliierten Einsatz zu initiieren. Obwohl Schwarze in dieser Zeit nicht den kämpfenden Truppen zugeordnet sind, erhält Ihr Bruder Lincoln, ein afroamerikanischer Soldat, den riskanten Auftrag, die legendäre Flagge hinter den feindlichen Linien zu bergen. Er und seine Kameraden werden Teil der berühmten Monuments Men.

Der Plot folgt damit zwei Zeitebenen, die geschickt miteinander verbunden sind und stets die historischen Hintergründe im Blick behalten.

Die Figur Angela Brown steht für den unsichtbaren Widerstand, indem sie ihre Trauer und ihren Protest in die Symbolik der entstehenden Nation einwebt. Gleichzeitig entwickelt sich Lincoln Bolton zum modernen Helden. Seine gesellschaftliche Stellung als „Nicht-Kombattant“ resultiert aus der damals alles beherrschenden Diskriminierung. Doch Lincoln widersetzt sich und wächst an seiner Aufgabe.

Zwischen Front und Familie

Das Herzstück von EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE ist Lincoln’s missionarische Reise, welche das fragile Band zwischen Idealen und Realität, zwischen individueller Hoffnung und kollektivem Trauma spürbar macht.

Lincoln ist von Beginn an ein Außenseiter in der Armee. Er wird zum unfreiwilligen Anführer einer kleinen Gruppe, die sich durch das besetzte Europa schlägt. Im Schatten von Wehrmacht und SS entwickelt die Erzählung einen unwiderstehlichen Sog, der sich nicht nur aus der Spannung des Krieges, sondern auch aus der persönlichen Motivation der Hauptfigur speist.

Die Beziehung zwischen Lincoln und Johanna, seiner temperamentvollen Schwester, ist gleichzeitig Rückgrat und Antrieb des gesamten Plots. Johanna agiert als Brückenfigur zwischen Vergangenheit und Gegenwart, da sie mit der Entdeckung des Tagebuchs die Kette der Ereignisse in Gang setzt und die Erinnerung an den „schwarzen Stern“ wach hält. Ihr Charakter ist geprägt von Mut und Durchsetzungskraft, wobei sie als Frau im Amerika der 1940er ebenso gegen Vorurteile und patriarchale Strukturen kämpft wie ihr Bruder in Europa.

Die Nebenfiguren – Kameraden, Hinterbliebene und Antagonisten aus beiden Zeitebenen – sind mit wenigen Strichen treffend charakterisiert. Sie unterstützen Lincoln in seiner Entwicklung oder fungieren als Spiegel seiner inneren Konflikte. Sie verkörpern Gestalten aus verschiedenen Generationen amerikanischer Geschichte und lassen die Unterschiede zwischen Ideal und Wirklichkeit umso schärfer hervortreten. Dabei bleibt die Handlung immer emotional dicht und spannend, ohne ins Melodramatische oder Kitschige zu verfallen.

Dynamik und Düsternis

Die Illustrationen von Steve Cuzor bilden das zweite, gleichberechtigte Standbein von EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE. Sie fallen durch kräftige Schwarzflächen und einen expressiven Strich auf, der durch eine sehr reduzierte Farbwelt unterstützt wird. Stimmungen und Atmosphäre werden gezielt gesteuert.

Cuzor’s künstlerischer Kraft sorgt dafür, dass die Panels nie überladen wirken. Die Bildsprache bleibt stets nachvollziehbar und klar, unterstützt das historische Thema und hebt das Pathos des Textes hervor, ohne ihn zu überlagern.

Die Bildgestaltung verzichtet auf unnötigen Bombast und orientiert sich eher am französisch-belgischen und realistisch-harten Comic. Einzelne Doppelseiten zeigen oft nur ein markantes Detail oder ein emotionales Porträt, was Raum für Reflexion schafft.

Die Farbgebung von Meephe Versaevel setzt dabei unterstützende Akzente. Sie benutzt dominante, monochrome Kolorierungen. Erdige Brauntöne symbolisieren Sicherheit und Tradition im Amerika, während düstere Blauschattierungen und schmutzige Grau- und Grünschimmer die Unsicherheit und Gefahr im Kriegsjahr 1944 heraufbeschwören.

Figuren zwischen Erbe und Aufbruch

Die zentralen Entwicklungen von Angela Brown und Lincoln Bolton sind das Rückgrat des Comics. Angela, anfangs eine Randfigur der amerikanischen Revolution, wächst im Lauf der Erzählung zur eigentlichen Symbolträgerin heran. Ihr geheimer Protest hat über Generationen hinweg Konsequenzen und setzt ein Zeichen, das durch die Jahrhunderte nachwirkt. Angela muss sich in einer feindlichen Welt behaupten. Ihr Akt der Rebellion ist nicht spektakulär, sondern still und nachhaltig.

Lincoln Bolton beginnt als gebrochener, gedemütigter Soldat. Die Mission bringt ihn nicht nur an geografische, sondern auch emotionale Grenzen. Im Verlauf der Geschichte gewinnt er an Selbstbewusstsein und entwickelt sich zum Anführer, zum Brückenbauer zwischen den Kulturen. Lincoln ist ein moderner Außenseiter und Visionär, dessen Entwicklung von Ohnmacht zu eigener Stärke und Solidarität führt.

Johanna Bolton ist die intellektuelle Seele im Gefüge. Ihre Neugier, Eigenständigkeit und ihr Glaube an Gerechtigkeit tragen entscheidend dazu bei, dass die geheime Symbolik überhaupt ans Licht kommt. Sie verkörpert den versöhnenden Geist, der Vergangenheit und Zukunft verbindet.

Die Dialektik zwischen historischem Trauma und individueller Entwicklung wird dabei bereits in wenigen Panels und Dialogen sichtbar. Dadurch bleibt die Handlung vielschichtig und auch für heutige Debatten um Identität, Erinnerung und Widerstand relevant.

Geschichte als roter Faden

EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE hat einen ausgeprägt historischen Rahmen, der weit über eine reine Abenteuergeschichte hinausgeht. Die US-amerikanische Revolution, die Rolle von afroamerikanischen Bürgern im frühen Staat und die Verstrickungen während des Zweiten Weltkriegs sind zentrale Achsen dieser Comic-Erzählung. Der Album nutzt historische Fakten und spekulative Elemente, um die Frage nach Erinnerung und Gerechtigkeit immer wieder neu auszuloten.

Der Szenarist Yves Sente ist bekannt für seine Arbeit an anspruchsvollen Serien wie BLAKE UND MORTIMER. Seine erzählerische Raffinesse zeigt sich insbesondere in der Fähigkeit, komplexe Handlungsstränge und Zeitebenen miteinander zu verweben. In EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE kommen diese Stärken voll zur Geltung.

Die Erzählung ermöglicht tiefe Einblicke in das Innenleben der Figuren und schafft lebendige Übergänge zwischen den Zeiten. Bereits in THORGAL und in XIII hat Sente bewiesen, dass er historische Recherche geschickt mit fiktionalen Elementen verbindet, um vielschichtige Narrative zu erschaffen.

Steve Cuzor, als Zeichner mehrfach preisgekrönt, setzt bei EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE auf einen klaren, dynamischen Strich. Seine Arbeit in BLACK JACK, QUINTETT und XIII MYSTERY ist immer von einer enormen Dichte geprägt, wobei die Panels meist wie Momentaufnahmen wirken. Schön sind im vorliegenden Album auch seine zeichnerischen Referenzen zu schwarzen Schauspielern wie Sammy Davis Jr., Denzel Washington oder Forest Whitaker.

Im aktuellen Band kommt Cuzor’s Fähigkeit zur stimmungsvollen Inszenierung besonders gut zur Geltung, versetzt das Geschehen in einen filmischen Modus und gibt den Figuren Tiefe und Ausdruckskraft.

Fazit

EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE ist ein ambitionierter, erzählerisch anspruchsvoll komponierter Comic über die Macht der Erinnerung, den Kampf gegen Unterdrückung und die Kraft des individuellen Widerstands.

Die verschränkten Zeitebenen, die klug charakterisierten Haupt- und Nebenfiguren sowie die visuelle Kraft der Zeichnungen machen das Werk zu einem Muss für alle Comic-Fans, die sich für Geschichte, Menschen und große Emotionen begeistern.

Der Band bietet großformatig eine spannende Lektüre für Comic-Feinschmecker, ist aber aufgrund klarer Bildsprache und pointierter Erzählung auch für gelegentliche Leser überzeugend.

Das Buch ist nicht nur ein schönes Sammlerstück, sondern ein Statement gegen Rassismus und für gesellschaftlichen Wandel. Wer Geschichte liebt und Comics als Medium der Reflexion und Unterhaltung begreift, sollte EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE unbedingt lesen.

EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE

© All Verlag | Hardcover | 176 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★★☆

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-96804-315-9

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Inzwischen sind wir dreißig Bände weiter. ASTERIX IN LUSITANIEN ist der 41. Band der erfolgreichen, frankobelgischen Reihe und führt unsere Helden zurück auf die iberische Halbinsel, ins Land des Trockenfischs, der gelebten Melancholie und ihrer musikalischen Entsprechung, des Fado. Wie die Fans der Reihe wissen, war ASTERIX IN SPANIEN übrigens der 14. Band der Reihe. Ob der Zahlendreher Absicht war? Beim Teutates, wer weiß das schon so genau?

Eine Rettungsmission beginnt

Zu Beginn dieses Abenteuers erreicht die Galeere des Phöniziers Epidemais das uns wohlbekannte, gallische Dorf, um bestellte Waren abzuliefern. Mit an Bord reist ein lusitanischer Passagier, der sich als ehemaliger Sklave aus dem Album DIE TRABANTENSTADT entpuppt und der auf den Namen „Schnurres“ hört. (Ja, ich weiß: die Namensgebung neuer Figuren wirkt seit einiger Zeit sehr bemüht. Im Original lautet sein Name „Boulquiès“)

Sein Freund Schãoprozes (Im Original: „Mavubès“) wurde von den Römern als vermeintlicher Cäsar-Attentäter verhaftet und soll den Löwen zum Fraß vorgeworfen werden. Einen solchen Justizskandal können die Gallier natürlich nicht zulassen. Also beauftragt Majestix Asterix und Obelix nach Lusitanien zu reisen, um zu helfen. Obelix ist davon – wie man in den Abbildungen unschwer erkennen kann – zwar anfangs nicht begeistert, aber Asterix kennt seinen Kumpel viel zu gut, um sich das neue Abenteuer durch die Lappen gehen zu lassen. Und was soll ein Held ohne weitere Beschäftigung sonst auch tun? Eben.

Schablonen, Klischees und Clichés

Im Zuge der folgenden Rettungsaktion werden wieder viele Klischees des Reiselandes ausgebreitet, neue Freunde gefunden, diverse römischen Patrouillen verhauen und der Gerechtigkeit zum Sieg verholfen. Und ganz zum Schluss, im allerletzten Panel gibt es – endlich – auch wieder Wildschwein.

Der Schauplatz aus ASTERIX IN LUSITANIEN war zur Zeit der römischen Republik eine Provinz im Westen der Iberischen Halbinsel, gelegentlich auch in Teilen des heutigen Spaniens. Die lusitanischen Freiheitskämpfer unter Anführer Viriathus gelten als Pendant zu den Galliern unter Vercingetorix.

Beide Völker standen den römischen Invasoren feindlich gegenüber und Fabcaro greift diese Verbindung und ihre Parallelen gerne auf. Nur sind sie charakterlich unterschiedlich: hier die stets zu Streitereien und Raufereien aufgelegten Gallier, dort die melancholischen und stoischen Lusitanier.

Das aktuelle Team hinter Asterix: Fabcaro …

Fabrice Caro (genannt Fabcaro) durfte sich erstmals mit der Übernahme des Szenarios beim Vorgänger DIE WEISSE IRIS als Autor einbringen. Vorher war er schon für seinen eigenen Stil und seinen teils absurden Humors bekannt, etwa in seinem erfolgreichen Werk Zaï Zaï Zaï Zaï. Und genau dieser Humor ist es auch, der den neuen Abenteuer den Glanz vergangener Jahre zurückgibt.

Fabcaro übernahm die von René Goscinny und Albert Uderzo gegründete Serie, die auf eine jahrzehntelange Tradition zurückblickt und bei der es sich faktisch um ein französische Nationalheiligtum handelt. Keine frankobelgische Comic-Serie ist auch nur annähernd so erfolgreich, wie die Gallier.

Seine Aufgabe besteht darin, dem Geist dieser Klassiker insbesondere mit Wortwitz und kulturellen Anspielungen gerecht zu werden und den liebenswerten Charakteren weiter Leben einzuhauchen. Tradition meets eigene Note, eine wahre Herkulesaufgabe.

Aber: es läuft! Bereits im Zusammenhang mit DIE WEISSE IRIS war von einer gelungenen Rückkehr zu alten Stärken die Rede, da die Bände vorher den Erwartungen der Fangemeinde immer weniger entsprachen. Dass er nun mit ASTERIX IN LUSITANIEN sein zweites Album schreiben darf, zeigt, dass er die hohen Erwartungen erfüllen konnte und die Übergabe des Staffelstabes von Jean-Yves Ferri, der eine Pause einlegt, erfolgreich war.

… und Conrad

Dem gegenüber ist Didier Conrad seit ASTERIX BEI DEN PIKTEN als Zeichner dabei und gilt bereits ein alter Hase. Conrad hat die große Herausforderung übernommen, den ikonischen Stil von Uderzo weiterzuführen, was wahrlich kein leichtes Unterfangen darstellt. Nach eigener Aussage musste er seinen Zeichenstil dafür umstellen:

„Einen fremden Stil zu übernehmen, ist eher wie eine andere Sprache zu sprechen. Uderzo steht in der Tradition des franko-belgischen Comics wie SPIROU oder TIM UND STRUPPI – ein sehr klarer, sauberer Stil. Aber er ist nicht eindeutig  festzulegen. Er weicht von der Ligne claire ab, er ist nie berechenbar, sondern flexibel und innovativ. Das ist wahnsinnig schwer nachzuempfinden.“ (Interview, Welt am Sonntag vom 19.10.2025)

Die Balance zwischen respektvoller Fortführung und eigenem Zugang ist nun mal kein Selbstläufer. Die Gesichter, die Mimik, die reichen Hintergründe: das alles wirkt vertraut und doch frisch.

Im Fall von ASTERIX IN LUSITANIEN kommt zudem erneut Thierry Mebarki als Kolorist ins Spiel. Farben haben bei Asterix bekanntlich seit jeher eine starke Wirkung: Atmosphäre, Stimmung und Humor liegen nicht nur im Text, sondern auch im visuell-narrativen Gesamtgefüge.

Leider – und das ist meine ganz persönlich Meinung – hat mich gerade die Farbgestaltung des Bandes ehrlich gesagt ein Wenig enttäuscht. Warum? Vor einigen Jahren war ich selbst in Olisipo – also dem heutigen Lissabon – bin mit der gelben Straßenbahn gefahren und habe in den schmalen Gassen die schön gefliesten Häuser und das einzigartige Licht erlebt, dass sich durch eben diese Kacheln in den Strassen wiederspiegelt.

Und genau diese Atmosphäre fehlt dem Album. Mebarki hat mit seinen wiedererkennbaren, aber flachen Farben die Chance liegen lassen, diesem Band etwas wirklich Einzigartiges zu verleihen. (Aber vielleicht waren aber auch die Vorgaben zu streng, um diese künstlerische Inspiration effektvoll einzubringen.)

Die Kombination Fabcaro / Conrad / Mebarki ist ein Team, das authentisch mit dem Stoff umgeht, aber auch subtile Veränderungen einbringt. Fabcaro spielt erzählerisch mit vertrauten Zutaten (Zaubertrank, Prügeleien, Römer in Hülle und Fülle, Gallier, die sich wehren), hat aber auch einen modernen Blick auf aktuelle Themen und geht subtil darauf ein. Conrad und Mebarki wiederum liefern die vertraute visuelle Sprache dazu, auch wenn Conrad’s Figuren abgerundeter erscheinen als noch bei Übervater Uderzo. 

Römische Weltwirtschaft …

Welches aktuelle Thema serviert uns Fabcaro nun im aktuellen Band? Während es bei DIE WEISSE IRIS noch um Coaching-Verirrungen und die Achtsamkeitsbewegung ging, nutzt ASTERIX IN LUSITANIEN den größten Hafen des römischen Reiches, um uns an diesem Beispiel die Globalisierung und ihre immanenten Veränderungen näher zu bringen:

Frisches Obst aus Übersee, Manufakturen gegen große Produktionsstätten, massenhafter Warenaustausch mit kapitalistischer Ausbeutung: Dies sind die Themen, die unsere Freunde als roter Faden durch die Erzählung begleiten. Finanzielle Stärke unterdrückt den Einzelnen. Aber solange List und ein Fläschchen Zaubertrank zur Hand sind, besteht für jeden die Hoffnung, dass am Ende alles Gut wird (auch wenn diese Erkenntnis sicherlich kein lusitanisches Konzept ist!). 

… und lusitanisches Lokalkolorit 

Wenn Asterix und Obelix in ein fernes Land reisen, erfahren wir viel über die dort lebenden Menschen, ihre Geschichte und ihre Besonderheiten. So natürlich auch in Lusitanien:

Insbesondere die Saudade, also das Gefühl, das Melancholie und Träumerei mit dem Wunsch nach Glück verbindet, das aber auch immer erst davon ausgeht, dass nicht automatisch alles gut wird, ist immer wieder Thema zwischen Gastgebern und Galliern und sorgt für diverse humorvolle Momente.

Das Straßenpflaster aus weißem Kalkstein und schwarzem Basalt gepaart mit überall erhältlichen Kacheln vermittelt südländisches Kolorit und der allgegenwärtige Bacalhau (Trockenfisch) aus Kabeljau – Verzeihung: Kabeljão – lässt Obelix hungrig und zeitweise verzweifelt zurück (nein, Wildsão gibt es hier nicht).

Übrigens: Dass die Geschäfte in Olisipo alle Kacheln und Kabeljão verkaufen, ist übrigens eine wunderbare Referenz an die Wein-und-Kohle-Läden aus dem bereits erwähnten ASTERIX UND DER AVERNERSCHILD.

Und dies bringt mich zu einer wesentlichen Kritik, die ich für den aktuellen Band habe: Es ist sicherlich ein schöner Versuch, die landestypische Betonung bestimmter Silben in das Lettering einfließen zu lassen und aus jedem „au“ ein lusitanisches „ão“ zu machen. Allerdings stört es den Lesefluss gewaltig. Manche Worte musste ich zweimal lesen, um den Satz zu verstehen. Ein Beispiel: „Dort werden sie bis zur Einschiffung nach Rom in einem Lagerhãos ãofbewahrt.“ Wirklich kein Vergleich zu den großartigen, sprachlichen Umsetzungen aus ASTERIX BEI DEN BRITEN, den AVERNERN oder auch den GOTEN!

Fazit

Alles in Allem ist der 41. Band der gefeierten Reihe und die 25. Reise wieder ein gelungenes Werk und setzt die Serie erfolgreich fort. Für Asterix-Fans ist es ein willkommener Jubiläums-Ausflug in ein neues Land, der Bekanntes und Bewährtes mit Neuem mischt.

Für Gelegenheitsleser ist der Band ein leichter Einstieg, der keine jahrelange Kenntnis der handelnden Personen und ihrer bereits erlebten Abenteuer voraussetzt. Wir erleben die Gallier in einem frischen Umfeld, dass – im Gegensatz zu Goscinny’s Skripten – in manchen Augenblicken etwas überfrachtet daher kommt. Klischees sind schön, sollten aber nicht zum Selbstzweck werden und in erster Linie der Handlung dienen.

Lass dich also mitnehmen nach Lusitanien. Nimm Platz auf dem Wagen, genieß‘ den Blick aufs Meer, halte Ausschau nach Römern – und natürlich: nach Wildschweinen.

Zwei kleine Anmerkungen zum Schluss: Zum Einen fand ich das vorläufige Cover schöner als das aktuelle, ausbaufähig, aber schöner. Idefix sollte man die Gage streichen! Das, was er in diesem Band geleistet hat, grenzt ja schon an Arbeitsverweigerung. Freundchen, so geht das nicht! DAS WIRD MAN JA WOHL NOCH SAGEN DÜRFEN!

ASTERIX IN LUSITANIEN

© Egmont Ehapa Media | Softcover | 48 Seiten | Farbe | erschienen am 23.10.2025

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★★☆

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★☆☆☆

Humor: ★★★★☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-7704-2441-2

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Die Geschichte beginnt genau da, wo große Geschichten einfach hingehören: in einem brodelnden Paris! Wir treffen Julie Kleinnagel, eine junge Frau mit echtem Talent für Wahrsagerei und für das unvermeidliche Chaos, das so ein Talent Mitte des 19. Jahrhunderts zwangsläufig mit sich bringt.

Klingt nach Abenteuer? Ist es auch. Julie gehört zum fahrenden Volk und lebt mit ihrer etwas exzentrischen Mutter in einer Welt, in der zwischen Hochglanz, Dreck und Skandalen kein Platz für Langeweile bleibt.

Drei Weltausstellungen, eine Heldin

Schon zum Auftakt (zur Weltausstellung 1855, vier Jahre nach der Londoner Weltausstellung aus SHI – AM ANFANG WAR DIE WUT) wird klar: Hier geht es wahrlich nicht nur um Pariser Glitzerträume, sondern auch um Intrigen, Spionage und eine Heldin, die ganz genau weiß, was sie will.

Die 12-jährige Julie gerät zu Beginn mitten in einen Diebstahl, der Kreise bis in die Pariser High Society zieht. Dabei trifft sie auf ein wildes Kabinett aus Figuren selbstverliebter Technokraten, Gauner und schnöseliger Adliger. Während halb Paris die Zukunft bestaunt, versucht Julie, ihre eigene in die Hand zu nehmen.

Im zweiten Teil (Weltausstellung 1867) ist Paris selbstbewusster denn je und die inzwischen 25-jährige Julie mit ihr. Sie weiß jetzt, wie fragil ihr Platz in der Gesellschaft und im Leben ist und wird dieses Mal zur begehrten Informationsquelle für Revolutionäre, russische Geheimgesandte und Typen, deren Motive zumeist ziemlich undurchsichtig sind. Hier prallen Globalisierung, Politik und persönliches Drama aufeinander, als wäre es das Staffelfinale einer guten Serie. Ein Finale ist es jedoch nicht. Im Gegenteil.

Der Abschluss dieses Triptychons (Weltausstellung 1878) zeigt uns Julie als 36-jährige, erwachsene Frau, mit allen Ecken und Kanten. Zwischen Mordfällen im Schatten der Expo, l’amour, die nicht so einfach zu haben ist und ihrer zunehmend ehrlichen Mutter wird klar: Die Welt ist an der Schwelle zur Moderne und Julie ist ganz vorn mit dabei. Wer auf smarte Plot-Twists, doppelbödige Beziehungen und eine Heldin mit echter Eigenwilligkeit steht, kommt hier voll auf seine Kosten.

Diese Gesamtausgabe holt beim Thema Weltausstellung alles heraus und bietet ein dickes, 20-seitigen Pakets an Hintergrundinformationen. Man merkt, dass hier mehr passiert als “nur” ein Abenteuertrip durch die Weltausstellungen.

Die große Drei

DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG hat seine Story-Architektur gut im Griff. Drei große Epochen, drei klare Etappen und ständig neue Wendungen. Jack Manini setzt als Szenarist auf Tempo und Überraschungen. Er bietet uns einen idealen Mix aus historischem Sittengemälde und cleverem Krimi.

Die Stories springen zwischen den Orten, den Zeiten und den Stimmungen, aber wir bleiben immer im Thema. Jede Ausstellung bringt neue Probleme, neue Freunde und neue Gegner. Mal wird es politisch, dann wieder unmittelbar privat, aber irgendwo wird immer eine angespannte Erwartungshaltung geweckt.

Storytelling mit Tempo

Was daran richtig Spaß macht: Der Comic versteckt seine Kniffe nicht. Rückblenden, trockene Kommentare aus dem Off, bissige Dialoge – alles sitzt und gibt dem Plot seinen Schwung. Die einzelnen Kapitel jonglieren mit Action und ruhigen Momenten, aber so, dass nie wirklich Leerlauf entsteht.

Man merkt den Bänden an, wie viel Lust Manini und Willem an ihren Figuren, den Details und diesem Paris-Gefühl hatten. Fiese Cliffhanger gibt es natürlich auch, aber sie wirken nie aufgesetzt, sie passen zur Dramatik der Zeit und zu Julie’s Weg zur Selbstständigkeit. Alles bleibt irgendwie angenehm unvorhersehbar, die historische Kulisse macht Spaß und vermittelt uns ganz nebenbei geschichtliches Halbwissen.

Wer gern als Detektiv Comics liest und Drama mag, darf sich hier voll austoben.

Zwischen Mutterwitz und Spionage

Julie ist keine Deko-Figur im Poster-Paris. Sie ist klug, manchmal bockig, aber immer sympathisch. Mit ihr will man durch die engen Straßen streifen und hinter den nächsten Ecken Neues erleben. Ihre Mutter? Ein Charakter mit viel Herz, eben soviel Schnauze und jeder Menge Sprüche. Die Chemie zwischen den Beiden sorgt für Wärme und dafür, dass es zwischendurch menschelt, wenn es in der Stadt – und der Storyline – wieder einmal dramatisch wird.

Das Figurenkarussell dreht sich

Die Nebenrollen strotzen vor wahrem Leben. Bösewichte sind hier nicht einfach nur böse – nein, sie haben ihre eigenen Motive. Niemand ist in diesen Alben ausschließlich zweidimensional. Freunde und Feinde wechseln schon mal die Seiten. Niemand wirkt flach oder wird als reiner Gegenspieler eingebaut. Die Frauenfiguren sind mehr als einfache Sidekicks oder Love-Interests. Manini nimmt sie ernst. Sie dürfen clever, gehässig, hier und da auch solidarisch sein.

Die Dialoge klingen frisch und je nach Lage der Dinge rotzig, poetisch oder voller Galgenhumor. Man merkt einfach, da haben Leute geschrieben, die Spaß an ihrere Geschichte hatten. Das gibt der Serie ihren besonderen Ton. Sie erinnert damit natürlich an legendäre Reihen wie DIE FLINTENWEIBER oder DAS PARIS DER WUNDER.

Wo Humor auf Atmosphäre trifft

Jack Manini textet hier so frei nach Schnauze, wie man es sich nur wünschen kann. Wer seine anderen Comics kennt, weiß, dass dieser Mann schräge Charaktere, bissige Beobachtungen und schlaue Twists liebt. So auch hier: Keine Szene ohne Pointen, aber immer mit genug Gefühl für ernste Töne.

Währenddessen zeichnet Étienne Willem, als hätte er im Paris der Jahrhundertwende gelebt. Seine Panels atmen die Geschichte dieser Stadt. Sie sind dabei aber frisch und lebendig wie klassische Abenteuercomics. Willem ist detailverliebt, effektvoll, dann aber auch mal skizzenhaft und dynamisch. Leider ist er im Juni 2024 viel zu früh verstorben, aber mit diesen Geschichten hat er sich ein bezauberndes Denkmal gesetzt, mit dem er uns noch lange in Erinnerung bleiben wird.

Wer DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG aufschlägt, kann sich auf echt starke Kunst freuen. In seiner cartoonesken Art zeigt uns Willem ein Paris in all seinen Facetten, von pitoresken Boulevards über schicke Ausstellungspavillons bis zu seinen dunklen Hinterhöfen. Jede Kulisse, jede Gasse wirkt lebendig und einladend, jede ratternde Kutschen zeitgemäß.

Tanja Wenish taucht das Ganze zusätzlich in Farben, die Laune machen und die die Atmosphäre des Comics unterstützen – mal nostalgisch, mal bunt wie eine Zuckerwattebude, aber niemals flach. Zusammen liefern die Drei frankobelgische Comic-Power, wie sie sein muss.

Atmosphäre auf allen Seiten

Die Panels sind wie kleine Filmszenen aufgebaut. Es gibt genug Details, damit man ein zweites Mal hinschauen möchte und doch sind sie die Kästchen nie überladen. Perspektivwechsel, coole Ansichten und stimmige Farben sorgen dafür, dass die Welt zwischen Romantik und Realismus wild hin und her pendelt, genau wie die Stimmung der jeweiligen Story.

Das Zusammenspiel von Text und Bild funktioniert blendend. Man spürt, dass wirklich jede Figur, jeder Raum durchdacht wurde. Die Kolorierung tut ihr Übriges. Sie macht das Paris der Belle Époque zu einem schönen Erlebnis, voller Licht, Schatten und versteckter Zitate.

Wer Comics – wie ich – vor allem wegen ihrer Zeichnungen liest, wird hier fündig.

Von der Realität in die Panel-Welt

Was DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG auszeichnet? Die Mischung! Hier werden reale Expo-Fakten und echte Zeitgeschichte nicht einfach plump eingestreut, sondern fließen geradezu lässig in die Handlung ein. Die 20 Seiten Extra-Material mit informativen Hintergrundtexten nehmen uns mit hinter die Kulissen und lassen uns die erzählten Geschichten noch intensiver erleben.

Die Comic-Reihe mischt Krimi, Abenteuer, Frauenpower und historische Recherche. Diese Kombi gibt es selten in dieser Qualität. Frauen und Geschichte funktioniert hier als starkes Doppel: Julie ist alles, außer einer passiv herum sitzenden Beobachterin und die Story – verwebt Fiktion mit echten Pariser Schauplätzen – macht Spaß und bleibt relevant. Besonders, wenn man Comic und Historie zusammen genießen will.

Fazit

DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG ist ein lässiger, schlauer und sehr unterhaltsamer Comic, der Historie auf moderne, zugängliche Weise erzählt. Die Gesamtausgabe aus der ZACK-Edition macht besonders Spaß, weil sie Action, Witz, Drama und ein Stück echtes Paris-Gefühl in einem schönen Format vereint.

Wer Comics mag, die visuell überzeugen und inhaltlich klug sind, ist hier genau richtig. Kurzum: Einfach mal loslesen, abtauchen und das Flair genießen.

Bienvenue à l’Exposition Universelle de Paris!

DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG

© ZACK Edition | Hardcover | 196 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★★☆

Lettering: ★★☆☆☆

Humor: ★★☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-949987-73-1

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Die ursprünglichen Cover der Reihe

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