Dieser erste Sammelband vereint die ersten fünf US Hefte der Reihe, die mich sehr an die – mehr oder weniger – erfolgreichen TV-Serien Black Mirror oder Beforeigners erinnert. Er wirft normale Menschen in eine Sci-Fi-Welt, in der sich die Zeit selbst nicht mehr an Regeln hält. Denn vor der eigenen Haustür kann beispielsweise plötzlich die Steinzeit stehen. Oder der Bus fährt statt nach Queens in ein anderes Jahrhundert.

Doch zwischen all dem Chaos bleibt das eigentliche Drama erstaunlich bodenständig. Die Figuren wollen arbeiten, lieben, trauern oder einfach nur überleben. Sie stolpern dabei über eine Realität, die sich wie ein schlecht aktualisiertes Betriebssystem verhält. Mal hängt sie, mal springt sie, mal zeigt sie dieselbe Szene immer und immer wieder.

Mich hat das Konzept sofort gepackt, weil ich Zeitreisen liebe und die einzelnen Geschichten nicht so tun, als müsse man die Phänomene erst groß erklären. ASSORTED CRISIS EVENTS folgt dem klassischen Grundsatz Show-Don’t-Tell und zeigt mir die jeweilige Story-Idee Seite für Seite für Seite.

Die formale Spiellust wird dabei jedoch nie zum Selbstzweck. Sie hat eine klare Funktion und drückt ein Gefühl aus, das vielen gerade vertraut vorkommt. Unsere Welt wird schneller, Krisen werden zum Dauerrauschen und Orientierung wird zu persönlichem Luxus. Dieser Comic macht daraus keine These, baut jedoch aber abwechslungsreiche Erzählungen.

Kurzgeschichten mit Langzeitwirkung

Die Grundidee ist simpel und zugleich radikal. Die Zeit selbst hat eine Krise. Epochen, Alternativen, Schleifen und Ausreißer mischen sich in den Straßenverkehr.

In diesem Setting erzählen Deniz Camp und Eric Zawadzki keine einzelne, große Heldenreise. Sie liefern lieber One-Shot-Geschichten. Jede davon konzentriert sich auf eine Person und nutzt eine andere Erzählform. Dabei stellt jede Geschichte eine andere Frage nach Verantwortung, nach Mitgefühl oder Selbsterhalt.

Das klingt nach Anthologie und irgendwie ist es das auch. Gleichzeitig fühlt es sich aber an wie eine lose Reihe von Kurzromanen, weil Camp sich pro Heft viel Platz nimmt. Selbst die Seitenstruktur wirkt wie aus dem Labor, da jede Ausgabe ihr eigenes Regelwerk bekommt. Auch das ist für mich der Reiz der Reihe.

Während ich lese, mache ich drei Beobachtungen: Erstens, die Geschichten leben vom Kontrast. Das Zeit-Chaos tobt im Hintergrund. Im Vordergrund kämpfen Menschen mit sehr persönlichen, konkreten Dingen wie Trauer, Arbeit, Gewalt, Beziehung oder Zugehörigkeit.

Zweitens: Zawadzki und Bellaire machen das Thema Zeit sichtbar. Seitenaufteilungen kippen, Wiederholungen werden zu Fallen und Farben steuern den Blick, statt ihn zu überladen.

Und drittens: das Ganze wirkt nicht wie ein Trickfilm aus Ideen. Es landet emotionale Treffer. Ich spüre Wut, Angst und Scham. Und ja, ich spüre das unangenehme Wissen, dass vieles davon auch ohne Zeit-Risse passieren könnte.

Ashley und die neue Normalität

Heft eins folgt Ashley, einer jungen Frau, die ihren Tag und ihren Kalender genauso organisiert wie jede(r) andere. Nur dass sie neben Terminen auch Warnmeldungen zu atypischen temporalen Phänomenen checkt.

Draußen wird ihre Straße ständig zur Filmkulisse. Billige Endzeit-Drehs laufen praktisch nebenan. Mal marschieren Nazis durchs Bild, mal treiben Kannibalenhorden ihr Unwesen.

Ashley müsste längst abgestumpft sein. Doch gerade diese Mischung aus Dauer-Ausnahme und Alltag macht sie anfällig. Der Band zeigt sehr genau, wie sie ihre Gegenwart – ihre Realität – sortiert. Sie versucht, feste Punkte zu behalten. Einer davon ist eine Uhr, ein altes Familienerbstück, das sie mit ihren verstorbenen Eltern verbindet. Als diese Uhr kaputtgeht, kippt mehr als nur ein Gegenstand.

Camp erzählt das als langsames Abrutschen. Ashley rennt nicht sofort schreiend durch die Straßen. Sie wird erst unruhig, dann reizbar, dann panisch. Zawadzki unterstützt dies mit Seiten, die dicht getaktet sind, ohne hektisch zu wirken. Neben Ashley tauchen Höhlenmenschen, Ritter oder futuristische Fahrzeuge auf, doch sie bleiben oft Hintergrund.

Gerade dadurch wirkt der Wahnsinn glaubhaft. Die Welt insgesamt hat das Absurde akzeptiert, Ashley kann es nicht. Am Ende steht ein Moment, der sich wie eine persönliche Apokalypse anfühlt. Kein großes Spektakel, eher der Punkt, an dem eine Stimme im Kopf entscheidet, dass Ordnung wohl nicht mehr erreichbar ist.

Jesus auf dem Fließband der Zeit

Das zweite Heft wechselt den Ton. Es folgt Jesus, einem spanischen Arbeiter im Schlachthaus. Schon diese Wahl ist ein Statement. Hier geht es um Körper, um Routine und um Gewalt, die als Job verkauft wird.

Camp schneidet Szenen wie Fleisch, schiebt Erinnerungen ebenso in die Gegenwart wie Halluzinationen. Dazwischen liegt das Dröhnen der Maschinen. Jesus trägt eine Geschichte mit sich, die der Comic nur stückweise seziert. Sein Schock sitzt tief. Der Tod seines Vaters wird zum Knotenpunkt. Nichts daran fühlt sich fair alles jedoch industriell an.

Die Zeit-Krise kommt hier nicht als bunter Epochenmix. Sie kommt als Verzerrung der Wahrnehmung. Blut scheint zu wandern. Räume wirken endlos. Die Arbeit frisst Minuten und Jahre zugleich. Das Thema ist Ausbeutung und es wird nicht weichzeichnet.

Oder ist das Heft überfrachtet und zu sehr auf Schock gebaut? Ich bin mir unsicher. Die Wucht trifft, gleichzeitig drückt Camp so viele Grausamkeiten in dieses eine Heft, dass auch meine Emotion irgendwann stumpf wird. Das hilft dem Anliegen nicht immer, passt aber ins Bild.

Formal ist es trotzdem beeindruckend. Details wie ein sich steigernder Bluteindruck im Seitenrand machen das Heft zu einem Objekt, das man fast wie einen Unfallbericht betrachten muss. Wegschauen geht, aber das Gesehene bleibt im Kopf.

Warum ein Schlachthaus nie neutral ist

Das zweite Heft trifft einen Nerv, weil Schlachthäuser als Symbol längst aufgeladen sind. Der moderne Fleischbetrieb steht für Industrie, für Unsichtbarkeit und für eine Arbeit, die viele Gesellschaften gern an Bevölkerungsschichten auslagern, die sowieso keine andere Wahl haben.

In den USA wurde diese Unsichtbarkeit schon früh literarisch verarbeitet. Upton Sinclair’s Roman THE JUNGLE erschien 1906. Er beschrieb drastisch die hygienischen Zustände und die Ausbeutung im Umfeld der Fleischindustrie.

Der öffentliche Druck trug dazu bei, dass 1906 Gesetze wie der PURE FOOD AND DRUG ACT und der MEAT INSPECTION ACT beschlossen wurden. Roosevelt unterschrieb den Meat Inspection Act am 30. Juni 1906. Der Roman zielte stark auf die Lage der Arbeiter. Die unmittelbare Debatte drehte sich aber um Sauberkeit und Verbraucherschutz.

Der Punkt ist keine Nostalgie. Es geht um ein Muster. Die Fleischindustrie funktioniert als System. Sie zerlegt Leben in Arbeitsschritte, verschiebt Verantwortung und versteckt Gewalt hinter Prozessen und Verpackung.

Industrie als Horror, damals wie heute

Natürlich ist das nicht einfach dieselbe Geschichte. Trotzdem bleibt der Kern aktuell. Fleischverarbeitung ist bis eine Branche, die von harter, gefährlicher Arbeit lebt. Sie zieht oft Migrantinnen und Migranten an, weil sie Jobs bietet, die andere nicht machen wollen.

Gleichzeitig entstehen Abhängigkeiten, Verletzungen, Schweigen. Genau dieses Spannungsfeld nutzt Camp, wenn er die Routine des Tötens mit einer zerrissenen Zeit Wahrnehmung koppelt. Der Comic übertreibt, halluziniert und schockt. Doch die Metapher sitzt, weil das reale System schon lange wie ein Fließband funktioniert, das Menschen und Tiere in Einheiten zerlegt.

Hearth, zwei Welten, ein schlechtes Willkommen

Heft drei wirkt auf den ersten Blick wiederum klassischer. Dann merke ich, wie fies es ist. Eine Kleinstadt namens Hearth verliert ihre Welt, denn ein Feuer frisst alles. Die Bewohner retten sich in eine nahezu identische Nachbarwelt. Dort existiert Hearth noch. Nur eben mit anderen Menschen, die sich selbst schon für vollständig hielten. Plötzlich stehen ihre Doppelgänger vor der Tür.

Camp setzt hier nicht auf Action. Er setzt auf soziale Chemie. Wie lange hält eigentlich Empathie, wenn die Ressourcen knapp wirken? Wie schnell kippt Hilfe in Abwehr? Und wie bequem ist die Sprache, mit der man sich selbst zum Original erklärt? Der Konflikt entsteht schrittweise.

Zuerst gibt es Essen, Decken, freundliche Hände. Eine Wir-Schaffen-Das-Situation. Dann folgen Gerüchte, dann die Schuldzuweisungen, dann das erste WIR gegen DIE. Das Heft schaut dabei auf beide Seiten. Die Geflüchteten aus Hearth 1 tragen ihr Trauma, die Bewohner von Hearth 2 tragen ihre Angst.

Camp macht keine einfache Rechnung auf. Er zeigt Mechanismen, wie sich Menschen in einer Krise gern an Regeln klammern, die nur so lange galten, wie niemand sie testen muss.

Formal arbeitet das Heft mit Spiegelungen und Parallelität. Man spürt, dass hier zwei Versionen derselben Geschichte gegeneinander gestellt werden. Aber das Ende hat keinen Sieger, es hat nur den bitteren Beweis, dass man selbst in einem absurden Zeit-Setting sehr real scheitern kann.

Mike und die verlorene Zeit

Heft vier erzählt das Leben von Mike, ein Leben als Beschleunigung. Er wacht als Schüler auf. Zwei Seiten später ist er erwachsen. Kurz darauf datet er wieder, wird Vater.

Beziehungen entstehen, zerreißen und verschwinden. Der Horror liegt nicht in irgendwelchen Monstern sondern darin, dass Mike nie wirklich ankommt. Camp nutzt den Zeit-Riss als Metapher für das Gefühl, sein eigenes Leben zu verpassen.

Zawadzki hält die Zeichnungen bewusst im Banalen zwischen Küche, Auto, Couch und Krankenhaus. Gerade das macht es schlimm. Wer schon einmal gedacht hat, dass Jahre plötzlich weg sind, erkennt sich sofort wieder.

Anna und die Grausamkeit der Wiederholung

Heft fünf setzt noch einen drauf, weil es nicht nur schnell ist. Es ist rund. Anna steckt in einer Zeit-Schleife fest. Sie erlebt immer wieder einen Moment häuslicher Gewalt. Nicht als langer Film, sondern in sechzig Sekunden Schnipseln.

Der Comic zeigt, wie Trauma Zeit einfriert und zugleich doch endlos abspult. Die Seite wird zum Kreis. Wir, die Beobachter, stehen außen. Anna steht innen. Das liest sich wie ein sozialer Pranger und wie ein Therapieraum zugleich.

Hier stimmt für mich alles. Die Form erzählt mit. Die Wiederholung erzeugt mein Mitgefühl. Und plötzlich versteht ich, warum dieser Band ein formales Ausrufezeichen ist. Er macht das Erlebte anderer zur inneren, eigenen Erfahrung und hilft mir, mich besser in Andere hinein zu versetzen.

Ein starker Beginn

ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1 sammelt den ersten Story-Block der nach hinten offenen Reihe. Ab Heft sechs startet ein neuer Handlungsbogen. Er setzt stärker auf die Frage, was diese kaputte Zeit überhaupt ausgelöst hat.

Die Serie bleibt dabei bei ihrem Kern. Sie folgt den normalen Leuten und Portale, Schleifen oder Zeitreisende bleiben Störgeräusche, die in die jeweiligen Biografien eindringen.

Zeichnung, Farbe, Lettering als Zeitmaschine

Zawadzki’s Zeichenkunst ist der Motor dieses ersten Sammelbandes. Er kann ruhig erzählen, wenn es nötig ist. Er kann aber auch ganze Seiten in ein Kontrollfeld verwandeln, in dem Panel-Ränder wie Zäune wirken. Oft führt er den Blick so, dass man die Zeit nicht nur liest, sondern sie spürt.

Jordie Bellaire unterstützt dies mit Farben, die nicht dekorieren. Sie ordnen. Figuren bleiben dadurch klar, selbst wenn das Layout explodiert. Bellaire kann jedoch auch reduzieren. Einzelne Elemente stehen dann wie farbige Skizzen im Raum, nur dass die Reduktion hier nicht kühl wirkt.

Wenn Schrift mitspielt

Dann ist da noch das Lettering von Hassan Otsmane Elhaou. Viele Comics behandeln Schrift als Transportmittel, als Hintergrundrauschen. Hier ist sie Teil der Choreografie.

Geräusche, Ansagen, Warnhinweise, Werbesprüche fügen der Geschichte eine zusätzliche Ebene hinzu. Alles hat eine eigene Textur.

In manchen Ausgaben hat man das Gefühl, die Buchstaben selbst würden stolpern. Das ist selten so konsequent eingebaut. Und es passt zum Thema, weil Sprache in einer Krisenwelt oft das Erste ist, was sich automatisiert. Slogans ersetzen Gedanken. Dieser Sammelband legt auch dies offen.

Die Macher hinter den Geschichten

Deniz Camp wirkt wie jemand, der zu viel Energie hat, um sich auf ein Format festzulegen. Im US Markt kennt man ihn als Autor von 20TH CENTURY MEN, einer politischen alternativen History, die Supermenschen und Geopolitik zusammen bringt. Mit BLOODSHOT UNLEASHED hat er gezeigt, dass er auch im Action-Korsett Charakterarbeit unterbringen kann.

Bei Marvel schrieb er unter anderem CHILDREN OF THE VAULT, bevor er mit THE ULTIMATES im neuen Ultimate-Kosmos zu einer Art Ideen-Motor wurde. Gleichzeitig arbeitet er bei DC an ABSOLUTE MARTIAN MANHUNTER, einer viel gelobten Neuinterpretation der Figur im frisch gestarteten Absolute-Universum. Diese Bandbreite erklärt viel.

Camp denkt gern in Genre-Mechanismen. Dann nutzt er sie, um über die Gegenwart zu sprechen. Er liebt formale Kniffe, baut daraus moralische Fallstudien, vergisst dabei aber selten die Figuren.

Eric Zawadzki hat sich über Jahre einen Ruf als grafischen Erzähler aufgebaut, der Sequenzen nicht nur ansprechend zeichnet, sondern sie exakt konstruiert. Seine Arbeiten reichen von THE DREGS über ETERNAL bis zu HEART ATTACK. Dazu kommt die HOUSE OF EL Trilogie.

Auf seiner eigenen Portfolio-Seite wirkt das wie eine klare Linie. Er interessiert sich für Figuren, die unter Druck stehen. Dazu baut er Seiten, die diesen Druck sichtbar machen. Er kann zwischen Stilen springen, ohne seine Handschrift zu verlieren.

Fazit

ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1 ist ein Band, den man nicht einfach schnell überfliegt. Er zwingt dich zum Tempowechsel, zur Einteilung der eigenen Lebens- und Lesezeit. Mal renne ich durch die Seiten, mal bleibe ich hängen, weil ein Layout meinen Blick festhält. Camp und Zawadzki haben eine seltene Kontrolle über Format und Inhalt.

Die besten Momente sind die, in denen das Zeit-Phänomen direkt in die Psyche der Figuren greift. Heft eins, vier und fünf können sich neben den stärksten US One-Shots der letzten Jahre sehen lassen.

Dem gegenüber wirkt Heft drei wie eine bitter realistische Parabel. Heft zwei bleibt für mich der wackligste Teil, weil es seine Themen stellenweise in Blut ertränkt. Trotzdem gehört es zum Gesamtbild, weil es zeigt, wie unterschiedlich Krisen sich anfühlen können.

Wer als Gelegenheitsleser nach einem runden Genre-Spaß sucht, muss sich auf Arbeit einstellen. Der Band ist zugänglich, aber wahrlich nicht bequem. Wer Comics liebt, weil das Medium Dinge kann, die Film und Prosa nicht können, bekommt hier eine Lehrstunde. Wer gerade das Gefühl hat, die Welt sei aus dem Takt, findet hier keine Therapie, aber einen Spiegel, der erstaunlich klar reflektiert.

Insgesamt gehört diese Reihe meiner persönlichen Meinung zum Besten, was in den vergangenen Jahren in Comic-Form produziert wurde. Es würde mich daher doch sehr wundern, falls die Autoren bei der kommenden Verleihung der Eisner-Awards leer ausgehen…

• ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1
• Deniz Camp und Eric Zawadzki
• Softcover | 208 Seiten | Farbe | Englisch
• ISBN 978-1-53433-396-3
• Storyline(s): ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Image Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Ich erwische mich schon auf der ersten Seite dabei, wie ich langsamer lese als sonst. Schon wieder! Auch DER WIND IN DEN DÜNEN zwingt mich dazu. Michel Plessix setzt direkt an DER WIND IN DEN WEIDEN an, übernimmt Maulwurf, Ratte, Kröterich und Dachs und schiebt einige von ihnen sanft aus ihrem englischen Flusstal in Richtung Nordafrika. Die deutsche Ausgabe des Splitter Verlages fasst die fünf französischen Alben von LE VENT DANS LES SABLES zu einem 160 Seiten starken Band zusammen.

Eine Schiffsratte, die alles verändert

Am Anfang wirkt alles immer noch vertraut. Es ist Spätsommer geworden am Fluss. Die Tiere richten sich auf die kommenden, kühleren Tage ein und bestücken ihre Vorratskammern. Aber die Ratte grübelt. Sie steckt emotional fest. Die Schwalben ziehen gen Süden. Und was macht sie?

Plötzlich fühlt sich Ratte irgendwie alt, zu sesshaft, irgendwo falsch abgebogen. Ihre Gedanken bekommen eine neue Richtung, als sie auf eine tätowierte Schiffsratte trifft. Der knorrige Besucher schwärmt von Häfen, Gerüchen und Frauen, von Nächten an Deck und von dem Gefühl nicht zu wissen, welcher Horizont als nächstes auftaucht. Fernweh breitet sich in Freund Ratte aus.

Wenn die Weiden zu eng werden

Zum Abendessen bei Kröterich erzählt sie ihren Freunden von dieser Begegnung. Aber eigentlich ist es eine Beichte. Sie fragt sich, ob sie ihr Leben verpasst hat. Der vernünftige Dachs und der vorsichtige Maulwurf versuchen sie zu beruhigen. Kröterich dagegen hört nur das Wort „Abenteuer“. Er saugt die Geschichte auf wie Benzin. Noch in derselben Nacht verschwindet er. Zurück bleiben ein leerer Stuhl und der Verdacht, dass die Sache mit der Schiffsratte Folgen haben wird. Also ziehen Maulwurf und Ratte los, um den Kröterich zu finden.

Plessix erzählt dies nicht als hektische Verfolgungsjagd. Das würde auch gar nicht zum gemächlichen Ton der WIND-IN-DEN-Alben passen. Eher begleitet man zwei Freunde, die schon ahnen, dass sie dem Chaos hinterherlaufen – und es trotzdem tun.

Ihre Suche führt sie in einem Hafen. Sie geraten an zwielichtige Figuren und sitzen am Ende als blinde Passagiere auf einem Dampfer, der Richtung Orient fährt. Schon hier verschiebt sich erstmals die Tonlage. Die Geschichte bleibt warm und verspielt, aber der vertraute Fluss ist fort. Stattdessen wehen Salzgeruch, Maschinenlärm und fremde Sprachen über die Seiten. Eine neue, eine andere Reise beginnt.

Verloren in der Medina

Im zweiten großen Block von DER WIND IN DEN DÜNEN betreten Ratte und Maulwurf eine Welt, die für sie komplett neu ist. Und ich kann mich sehr gut mit ihnen identifizieren. Mir ging es in Marokko ähnlich.

Das Schiff legt in einem nordafrikanischen Hafen an. Der Wind trägt Gewürze, Fisch, Schweiß und Musik heran. Unsere Freunde finden enge Gassen, weiße Häuser und Minarette statt Kirchtürmen vor über den Dächern der Stadt. Plessix nutzt dieses Setting nicht als reine Folklore einer andersartigen Welt. Vielmehr lässt er unsere Helden spürbar überfordert durch diese neue Welt stolpern, die so ganz anders ist.

Ein selbsternannter Führer heftet sich an ihre Fersen. Er lächelt, verspricht Hilfe, kassiert Geld und verschwindet im Getümmel. Ratte und Maulwurf stehen ohne Orientierung in einem Labyrinth aus Gassen und Gässchen. Die beiden werden ausgenommen, aber sie treffen auch auf Menschen, die ihnen helfen, sie aufnehmen, ihnen zu essen geben, die Medina zeigen und sie auf den Platz der Geschichtenerzähler schleusen.

Kröterich erobert den Märchenplatz

Und dort taucht die eigentliche Naturgewalt der Serie wieder auf. Kröterich hat sich längst eingerichtet. Er ist natürlich nicht irgendwo gestrandet. Er steht in der Mitte des Platzes, spielt den großen Erzähler und saugt die Aufmerksamkeit seines Publikums auf. Seine Geschichten sind maßlos. Er schiebt sich mit Worten durch Gefahren, Abenteuer und Romanzen.

Plessix inszeniert dies wie eine humorige Metakommentierung des eigenen Berufs. Der ausufernde Erzähler im Zentrum, das Publikum staunend, die Freunde am Rand, welche mit den Augen rollen und gleichzeitig stolz sind.

Zwischen Souk und Seemannsgarn

So schön die Zeichnungen erneut sind, so erstaunlich textlastig sind auch die Seiten wieder. Auch dieses Mal finden sich Kommentare aus dem Off, Erzählboxen und innere Monologe. Ja, das passt zum Ursprungsalbum und es gab dort auch gute Gründe dafür. Aber hier gilt das Argument nicht mehr, dass Plessix sich bei den WEIDEN stark am Ursprungstext orientiert habe. Teilweise fühlt es sich eher wie ein vorgelesener Kinderroman an, der zufällig wunderschöne Bilder bekommen hat.

Der Band verschiebt nun den Fokus vom Problem der Heimkehr zum Reiz des Bleibens. Ratte entdeckt die Küste, Maulwurf staunt über die Märkte, Kröterich lebt sein Ego aus. Immer wieder fragt die Erzählung ganz leise, ob ein gutes Leben eher am vertrauten Flussufer oder im fremden Hafen liegt. Noch gibt es keine Antwort, nur den Sand unter den Pfoten.

Schatzsuche im Zeitlupentempo

Der nächste Abschnitt von DER WIND IN DEN DÜNEN führt die Figuren endgültig in eine andersartige Welt – in die Wüste. Die Idee eines Schatzes taucht auf, mal als hanebüchene Behauptung von Kröterich, mal als halb wahrer Hinweis aus der Umgebung. Spätestens mit dieser Episode wird klar, dass Plessix keine Abenteuersaga im klassischen Sinne zeichnet. Die Wüste ist bei ihm mehr Bühne für Stimmungen als Kulisse für Gefahr.

Ratte, Maulwurf, Kröterich und verschiedene Nebenfiguren ziehen mit einer Karawane los. Kamele, Wasserbottiche, Zelte sind in gemächlicher Bewegung. Plessix lässt sie durch die gleißende Hitze schreiten, Sandfelsen ragen hervor, Oasen tauchen aus dem Hitzeflimmern auf. Statt dramatischer Überfälle gibt es kleine Begebenheiten. Ein Tier, das fast kollabiert, ein Streit um eine Richtungsentscheidung oder ein Wüstenbewohner, der ihnen seine Lebenshaltung erklärt. Die Erzählung verlangsamt sich weiter. Es ist, als ob der Sand der Zeit langsamer verrinnt.

Karawane der leisen Töne

In einem Interview sagte Plessix einmal, dass er hier keinen schnellen Abenteuerplot schreiben wollte. Er nennt DER WIND IN DEN DÜNEN einen hedonistischen, kontemplativen, poetischen Reisebericht. Für ihn besteht das Vergnügen darin, seinen Figuren einfach beim Unterwegs-Sein zuzusehen. Die Schatzsuche funktioniert mehr als Vorwand, um die Hitze, die Farben, das Licht im Sand zu zeigen.

Am Ende dieser Reise steht natürlich eine Enttäuschung. Der Schatz ist kleiner als erhofft, anders als erwartet oder vielleicht sogar eher symbolisch. Je nachdem wie man die Bilder liest. Wichtig ist etwas anderes. Die Freunde sind erschöpft, aber gewachsen.

Ratte hat eine Ahnung davon bekommen, wie sich ein anderes Leben anfühlt. Maulwurf hat mehr gesehen als seinen Keller und das nahe Ufer. Kröterich durfte sich als Wüsteneroberer fühlen, ohne mit einem zertrümmerten Automobil im Straßengraben zu enden.

Hier liegt für mich ein Reiz dieser Serie. Plessix erzählt nicht von Helden, die die Welt verändern. Er erzählt von Figuren, die ein Stück weiter sehen als vorher. Die Wüste schmirgelt etwas von ihrer Naivität weg, ohne ihnen die Neugier zu nehmen. Dieser Ton ist selten im Mainstream der frankobelgischen Abenteuercomics.

Alte Freunde, neue Sichtweisen

Im letzten Abschnitt der großen Reise kippt die Stimmung noch einmal. Die Wüste ist bereist, der Schatz ist abgehandelt, das Heimweh wächst. In der fünften Episode zeichnet Plessix Ratte, Maulwurf und Kröterich eher melancholisch. Sie starren gedankenverloren zurück Richtung Heimat. Die Rückkehr gelingt nicht aus eigener Kraft. Plessix bringt den Dachs zurück ins Spiel.

Der alte Freund ist ihnen nachgereist und organisiert die Heimfahrt. Er ist am Anfang der Serie die Stimme der Vernunft. Jetzt wird er zur Brücke zwischen den Welten. Mit seiner Hilfe treten die drei Freunde ihre Heimreise an. Der Weg führt noch einmal durch die inzwischen vertraute Stadt, über den Markt, durch den Souk. Szenen wirken wie Abschiedspostkarten. Eine letzte Essensszene, ein letzter Blick auf eine Gasse in der die Sonne direkt auf die Hauswand scheint und Menschen denen man nicht versprechen kann, dass man sich wieder trifft.

Rat­te, Maulwurf und ein geläuterter Kröterich

Nach dem Staunen kommt die Erkenntnis, dass man nicht alles mitnehmen kann. Die Figuren reisen mit leeren Geldbeuteln, aber prall gefüllten Köpfen zurück – oder vielleicht doch nicht? Nun, das Ende ist bewusst offen gehalten und lässt Raum für neue Abenteuer.

Für mich schließt das Album einen Kreis. Die erste Hälfte begann mit Ratte’s Zweifel, ob ein Leben am Fluss genug ist. Die letzten Seiten zeigen die Freunde gewachsen, verändert, aufgeladen mit Erfahrungen. Plessix verkauft mir das nicht als moralische Lektion. Es fühlt sich eher an wie ein sanftes Schulterklopfen: Du darfst aufbrechen, du darfst zurückkehren und beides hat seinen Wert.

Alte Freunde, neue Nuancen

Eine Fortsetzung mit bekannten Figuren funktioniert nur, wenn diese Figuren mehr werden als bloße Wiederholungen. DER WIND IN DEN DÜNEN knüpft an die psychologischen Linien von DER WIND IN DEN WEIDEN an, schichtet aber Neues obenauf.

Ratte bleibt die Figur mit der ich mich am stärksten identifizieren kann. Sie steht anfangs an einem Punkt, an dem viele Erwachsene irgendwann landen: Beruf, Alltag, immer dieselben Wege, Zweifel, dann Aus- bzw. Aufbruch. Der Besuch der Schiffsratte trifft genau ins Zentrum dieser Müdigkeit und durchbricht die Routinen. Im Verlauf der Geschichte kippt das Handeln – anders als bei Kröterich – nicht in blinde Abenteuerlust. Ratte bleibt vorsichtig, ein Wenig nervös, aber geht trotzdem. Sie ist also keine Stereotype, sondern ein Charakter, der seine Ängste mitnimmt und trotzdem wächst.

Maulwurf bleibt staunend. Er ist die Linse durch die ich die neue Welt betrachte. Plessix gönnt ihm kleine Momente der Eigenständigkeit. Er widerspricht, redet Kröterich ins Gewissen, entscheidet instinktiv mal gegen die Mehrheit. Es sind die kleinen Gesten, die mir Gefühl geben, dass dieser Maulwurf nicht derselbe ist wie im Vorgängerband.

Bewegungsdrang und Ruhe

Kröterich bleibt der große Egomane. Im Originalroman ist er manchmal so nervig, dass man ihn am liebsten an eine Wand klatschen möchte. In DER WIND IN DEN DÜNEN wirkt er fast ein bisschen milder. Seine nazistischen Wesenszüge finden jetzt eine Bühne auf dem Platz der Geschichtenerzähler. Er ist in einer Umgebung, in der Großmäuligkeit sogar gefragt ist. Geht dadurch ein Teil der Schärfe verloren geht, die ihn in DER WIND IN DEN WEIDEN so unberechenbar machte? Vielleicht, vielleicht auch nicht.

Der beliebte Dachs tritt diese Mal nur punktuell auf. Er ist weniger Mentor als Fixpunkt. Seine Funktion besteht darin, immer dann aufzutauchen, wenn die Geschichte einen Erdungspunkt braucht. Das verschiebt die Figurenkonstellation. Das Quartett wird zum Trio auf Zeit.

Plessix füllt diese Lücke mit Nebenfiguren, Hafenarbeitern und Wüstenbewohnern. Die meisten bleiben Typen, bewusst als Figuren gezeichnet, denen man auf einer Reise kurz begegnet und an die man sich Jahre später nur in Stimmungen erinnert.

Panel-Spaziergänge für Detailjäger

Über die Zeichnungen von Plessix lässt sich schwer nüchtern schreiben. Die Kulissen sind erneut detailversessen und die Aquarellfarben lassen selbst einen staubigen Souk wie einen Traum wirken. Hier treffen Plessix‘ Vorstellungskraft und meine erlebte Erfahrung aufeinander. Ja, so habe ich Marokko erlebt.

Die Seiten sind dicht, aber nie unübersichtlich. Plessix arbeitet mit vielen mittleren und großen Panels, in denen sich massenhaft kleine Szenen verstecken: ein Händler, der im Hintergrund gestikuliert, ein Kind, das sich an einem Esel festhält, Insekten, die sich durch die Luft schlängeln. Sie bringen Humor in den Details. Ich ertappe mich beim zweiten Lesen dabei, wie ich kaum noch dem Text folge, sondern nur noch von Detail zu Detail wandere.

Wüstenlicht statt schattige Auen

Die Farbdramaturgie nutzt die Reise von Grün zu Ocker. In DER WIND IN DEN WEIDEN dominieren kühle Flussfarben, Nebel, Blätterdächer. Jetzt regieren Ocker, Rot, verbranntes Gelb. Die Wüste strahlt, die Nächte glühen blauviolett. Trotzdem wirkt nichts kitschig. Plessix hat ein Gefühl dafür wie weit er Sättigung treiben kann, bevor das Auge ermüdet.

Interessant ist auch sein Umgang mit anthropomorphen Figuren. In Interviews erzählte er, dass er die Tiere eher als kleine Menschen mit Masken zeichnet. Genau so fühlen sie sich an. Sie bewegen sich glaubwürdig durch menschliche Architektur. Sie sitzen auf Stühlen, tragen Mäntel, trinken Tee. Es gibt keine Slapstick-Deformationen. Das hebt die Geschichte aus der reinen Kindercomic-Ecke heraus.

Viel Text? Viel Text!

Ein Kritikpunkt bleibt: die Textmenge. Die Off-Texte wiederholen manchmal was die Bilder bereits ausdrücken. Plessix selbst begründete dies mit dem Wunsch, das Lesetempo zu verlangsamen und eine literarische Stimmung zu erzeugen. Mir geht es so, dass ich nach ein paar Seiten in diesen Rhythmus hineingleite. Wer aber klare, knappe Dialogführung bevorzugt, kann dies hier als ermüdend empfinden.

Vom Flussroman zum Reiseepos

DER WIND IN DEN DÜNEN ist keine simple Zugabe. Es ist die logische Fortsetzung dessen, was Plessix mit DER WIND IN DEN WEIDEN begonnen hat. Der Ausgangspunkt bleibt Kenneth Grahame’s Roman, der 1908 erschienen ist und seitdem als Klassiker gilt, der weit über reine Kinderliteratur hinausreicht.

Der Unterschied liegt in der Freiheit. Die Adaption von DER WIND IN DEN WEIDEN hält sich eng an die Struktur des Romans. Plessix passt Ton und Rhythmus an, aber die Grundpfeiler stehen fest.

DER WIND IN DEN DÜNEN dagegen erfindet eine komplett neue Geschichte mit denselben Figuren. Im Interview sagte Plessix, dass die Figuren irgendwann zu seinen eigenen geworden seien. Genau dieses Gefühl vermittelt mir dieser Band.

Wie viel Grahame noch in Plessix steckt

Inhaltlich verschieben sich die Schwerpunkte: DER WIND IN DEN WEIDEN erzählt von Freundschaft, Heimat, Technikangst und sozialen Klassen. Die DÜNEN der Wüste und des Maghreb öffnen nun ein Feld, das eher von Fremdheit, Neugier, Übergängen und dem Spannungsfeld zwischen Bleiben und Gehen handelt.

Formal bleibt vieles gleich. Die Aufteilung in Kapiteln, die Erzählstimme aus dem Off, die Lust an Nebenhandlungen. Trotzdem wirkt DER WIND IN DEN DÜNEN eigenständig. Statt eines Reigens von Episoden entlang des Flusses bekommen wir einen langen Bogen über Meere aus Wasser und Sand.

Ob man diese Fortsetzung braucht, hängt stark davon ab, wie sehr man sich auf diese Figuren eingelassen hat. Für mich fühlt sich der Band an wie ein langer, schöner Epilog. Der Roman wirkt nach, die Adaption lebt fort und Michel Plessix nutzt die Freiheit, noch einmal alles auszuspielen, was ihn interessiert: Reisen, Licht, kleine Gesten zwischen Freunden. Wer im ersten Band vor allem die Spannung um Kröterich’s Autowahn mochte, findet hier weniger davon. Wer die leisen Zwischentöne liebte, ist hier genau richtig.

Orientbilder zwischen Klischee und Zuneigung

Ein letzter Aspekt verlangt noch einen genaueren Blick. DER WIND IN DEN DÜNEN spielt mit Orientbildern. Souks, Gewürzstände, Erzählerplätze, verschlungene Gassen, Gastfreundschaft, aber auch Schmutz, Betrug und Behördenwillkür. Aus heutiger Sicht: ein Balanceakt.

Plessix kennt die Region aus eigenen Reisen. Er erzählt selbst, dass er die Szenarien in Marokko entwickelt hat und dabei bewusst die eigene touristische Perspektive hinterfragt. Die Alben zeigen keine politisch komplexe Nordafrika-Darstellung. Es sind Reiseimpressionen, gefiltert durch die Augen kleiner Tiermenschen. Trotzdem lässt er kleine Stiche zu: korrupte Führer oder die Frage, wer sich hier eigentlich wen anschaut. Ratte und Maulwurf staunen über den Markt. Die Marktbesucher staunen zurück.

Zeitlose Erzählung

Am Ende schlage ich DER WIND IN DEN DÜNEN zu und habe das Gefühl, von einem Urlaub heimzukommen. Die Figuren sind dieselben wie in DER WIND IN DEN WEIDEN. Die Welt wirkt größer, aber auch fragiler. Da wir – wie bereits erwähnt – 2024 einen Urlaub in Marokko verbracht haben, habe ich mich stark dorthin zurückversetzt gefühlt.

Ein Alleinstellungsmerkmal im heutigen Markt ist die Kombination aus klassischer franko-belgischer Erzählweise und (fast) nostalgiefreier Zeitlosigkeit. Der Band spielt in keiner klaren Epoche. Technik und Kleidung könnten irgendwo zwischen Zwischenkriegszeit und nie verortet sein. Damit passt DER WIND IN DEN DÜNEN gut zu jenen Lesern, die sich nach entschleunigten Geschichten sehnen, ohne direkt in Retro-Kitsch zu rutschen.

Für mich funktioniert das Buch auf zwei Weisen: beim ersten Lesen folge ich einfach der Reise. Ich will wissen ob Ratte ihre Zweifel sortiert, ob Maulwurf seinen Horizont erweitert und ob Kröterich irgendwann ein Minimum an Einsicht gewinnt. Beim zweiten Lesen bleibt die Handlung im Hintergrund und ich verliere mich im Licht auf Hausfassaden, im Muster eines Teppichs und im Staub der Karawane.

Aus Sicht einiger anderer Rezensenten steht DER WIND IN DEN DÜNEN im Schatten des Vorgängerbands. Für mich stehen sie sowohl grafisch als auch atmosphärisch auf derselben Stufe.

Fazit

In diesem Beitrag habe auch ich mir mehr Zeit als sonst genommen. Danke also, falls Du bis hierhin durchgehalten hast.

Mein Fazit fällt klar aus. Wer schon bei DER WIND IN DEN WEIDEN ausgestiegen ist, weil der Ton zu sanft oder der Text zu dicht war, wird mit diesem Werk kaum bekehrt. Wer aber das erste Buch liebt, bekommt mit DER WIND IN DEN DÜNEN ein langes, warmes Nachglühen. Eine Reise, die nicht auf große Twists setzt, sondern auf kleine Erkenntnisse und auf die beruhigende Gewissheit, dass man heimkehren darf, ohne der Welt den Rücken zu kehren.

Ich würde den Band allen empfehlen, die Lust auf entschleunigte Fantasy im Grenzbereich zwischen Kinderzimmer und Erwachsenensessel haben. Man kann ihn gemeinsam lesen, man kann ihn verschenken, man kann ihn immer wieder aus dem Regal ziehen und eine beliebige Doppelseite aufschlagen. Irgendwo werden Ratte und Maulwurf gerade wieder durch die Gassen der Medina laufen. Es lohnt sich, ihnen noch einmal zu folgen.

Leider ist der Band bei Splitter inzwischen verlagsvergriffen und wird dort wohl auch nicht mehr nachgedruckt. Halte also die Augen auf. Und sollte Dir das Album in einem gut sortierten Comic-Laden begegnen … nun, dann löse das Ticket und mach‘ Dich auf die Reise!

© Splitter Verlag | Hardcover | 160 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★☆☆

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★★★

Lettering: ★★☆☆☆

Humor: ★★☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆

ISBN: 978-3-86869-697-4

Die Bände der Reihe

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Dieser eine Schritt aus dem dunklen Bau in das helle Gras ist der Moment, in dem mich Michel Plessix zu seiner Geschichte abholt. Er führt mich an ein Flussufer, an dem die Zeit irgendwie anders verläuft, ruhiger, entspannter, weniger hektisch.

Ich folge dem Maulwurf an die Oberfläche. Die Luft ist frisch, der Boden riecht nach Erde. Am Fluss trifft er die Wasserratte, die sofort wie ein Gastgeber wirkt. Ihr Boot ist kein spektakuläres Schiff, eher ein schwimmendes Wohnzimmer. Ratte zeigt ihm den Fluss, die Biegungen, die kleinen Buchten.

Plessix nimmt sich Zeit, diese erste Begegnung auszuspielen. Die Bilder tragen die Stimmung. Die Dialoge sind freundlich und unaufgeregt. Ich spüre, wie die beiden Figuren einander abtasten.

Nach und nach erweitert sich der Kreis. Der Dachs bleibt zunächst eine ferne, leicht unheimliche Figur. Eine Präsenz im Wald, die Respekt einflöst.

Der Fischotter taucht eher als ein beweglicher Nebencharakter auf. Er bringt eine Prise Wildheit mit in die Runde. Und dann ist da natürlich noch er, der Kröterich. Reich ist er, laut und begeistert von allem, was schnell ist. Plessix baut ihn nicht sofort als chaotischen Tausendsassa auf. Er streut erst einmal kleine Hinweise, ein Bootsprojekt hier, eine Idee dort.

Handlung wie ein langsamer Fluss

Die Handlung in diesem ersten Teil der Adaption des bekannten Buches von Kenneth Grahame wirkt wie ein Reigen von Episoden. Es gibt Ausflüge, Picknicks, einen gefährlichen Schneesturm, eine nächtliche Wanderung durch den Wald. Die Bedrohung bleibt dabei überschaubar.

Die Figuren verfangen sich eher in ihren eigenen Schwächen. Der Maulwurf verlässt sich zu sehr auf seine Intuition. Die Ratte hängt sehr am Gewohnten und der Kröterich verschiebt alle Grenzen, weil er sich zu sicher fühlt.

Plessix erzählt diese Phase extrem behutsam. Diese Adaption ist ein stimmungsvolle Idylle am Fluss, die durch einen poetischen, beinahe impressionistischen Umgang mit Natur und Licht geprägt ist. Diese Comic-Fassung erhielt im Jahr 2000 unter anderem den Max und Moritz Preis als bester Kinder- und Jugendcomic und wurde mehrfach als Comic des Jahres ausgezeichnet.

Als Leser sitze ich beim ersten Durchgang gefühlt mit im Boot. Ich höre das Plätschern des Wassers zwischen den Panels. Die Handlung baut keinen großen Bogen auf. Sie lädt mich erst einmal nur ein. Wer hier ein Actionfeuerwerk erwartet, liegt falsch. Wer Lust auf ein gemächliches Ankommen in einer Welt voller kleiner Gesten hat, ist genau richtig.

Wenn der Fluss ruft und Motoren heulen

Je weiter DER WIND IN DEN WEIDEN voranschreitet, desto stärker bildet sich ein zweiter Puls unter der ruhigen Oberfläche. Der Fluss bleibt der Herzschlag der Geschichte, doch an den Ufern hört man plötzlich etwas anderes. Es klingt nach Motor und riecht nach Benzin.

Der Kröterich bleibt der Katalysator dieses Störgeräuschs. Seine Begeisterung für jede neue Fortbewegungsart wirkt zuerst komisch. Ein Boot hier, eine Kutsche dort, im nächsten Moment ein Automobil – Plessix lässt den Kröterich mit jeder neuen Obsession ein bisschen höher drehen.

Seine Freunde versuchen, ihn einzufangen. Sie mahnen zur Vernunft, erinnern ihn an Verantwortung aber natürlich prallt alles an ihm ab. In diesen Passagen rutscht die Geschichte stärker in Slapstick und Farce.

Der erste Teil stellt die Figuren vor und zeigt mir den Fluss als friedlichen Raum mit leicht naiver, poetischer Note. Ab der Mitte verschiebt sich der Schwerpunkt. Der Kröterich rückt stärker in den Mittelpunkt und die Erzählung wird abenteuerlicher und spitzer im Humor.

Balance und menschlicher Einfluss 

Plessix hält die Balance zwischen ruhigen Naturmomenten und komischen Szenen. Die großen Umbrüche deutet er früh an. Das Dorf der Tiere wirkt nicht nur idyllisch, es ist auch verletzlich. Die Menschenwelt bleibt meist am Rand. Sie ist größer, gefährlicher und wenig verständnisvoll. Wenn der Kröterich mit ihr kollidiert, bekommt ich eine Ahnung davon, wie brüchig das gemütliche Leben am Fluss tatsächlich ist.

Später kommt eine deutliche Krise hinzu. Sie betrifft das Zuhause der Freunde und stellt ihre Loyalität auf eine härtere Probe. Mehr möchte ich für diese Rezension nicht ausbreiten. Entscheidend ist, wie Plessix die Gefahr inszeniert.

Er setzt nicht auf Schock, sondern auf das Gefühl, dass die Figuren sich zusammenraufen müssen. Die Spannung entsteht weniger aus der Frage, was genau passiert. Sie entsteht aus der Frage, wie die Gemeinschaft reagiert.

Für mich funktioniert diese Steigerung gut. Ich mag, dass sich das Buch Zeit nimmt, bevor es den Ton verschärft. Zugleich kann ich nachvollziehen, warum manche Leser den Weg dorthin als langsam – ja, mühsam – empfinden. Vor allem, wenn sie eher lineare Plots gewohnt sind.

Ein Comic wie eine Flusskurve

In der Erzählstruktur zeigt DER WIND IN DEN WEIDEN seine Herkunft als Kinderbuchklassiker. Die Adaption folgt weitestgehend den Episoden des Romans von 1908. Sie übernimmt elf der zwölf Kapitel und ergänzt sie um einen Epilog. Die Kapitel wirken oft wie in sich runde Kurzgeschichten. Sie fügen sich aber zu einem Fluss, der sich langsam, aber stetig in Richtung Konflikt bewegt.

Man kann den Aufbau grob in drei Akten lesen. Zuerst die Ankunft des Maulwurfs in der Welt des Flusses. Diese Phase etabliert Figuren und Rhythmus.

Dann eine Reihe von Episoden, die wie Schleifen erscheinen. Jede Episode vertieft eine Beziehung oder eine Eigenschaft. Gleichzeitig dehnt Plessix Zeit und Raum. Er zeigt Jahreszeiten, unterschiedliche Lichtstimmungen. Der große Bogen bleibt noch leise.

Im letzten Drittel verdichtet sich alles. Die Eskapaden des Kröterichs eskalieren. Die äußere Gefahr nimmt zu und die Freunde müssen handeln.

Vom Episodenreigen zum großen Bogen

Das Ergebnis ist andererseits kein klassischer Dreiakter mit sauberem Spannungsdiagramm. Eher ein Reigen, der von einer Atmosphäre zur nächsten gleitet.

Aus heutiger Comic-Perspektive fühlt sich die Struktur ungewohnt an. Wer mit klaren Cliffs und verdichteten Plots sozialisiert ist, braucht hier eine andere Lesebrille. Mich persönlich holt genau diese Flusslogik, diese Andersartigkeit ab.

Die Geschichten plätschern nicht belanglos vor sich hin. Sie mäandern bewusst. Dazu kommen mehrere Leseschichten. Oberflächlich geht es um Tiere am Fluss, darunter steht eine Parabel über Technikbegeisterung, Klassenunterschiede und die Sehnsucht nach einem festen Ort. Auf diese Weise wird DER WIND IN DEN WEIDEN zu einer ausufernden Fabel.

Als Leser muss ich dennoch akzeptieren, dass nicht jede Episode zündet. Manche Nebenwege sind eher Stimmungsbilder. Sie funktionieren vor allem, wenn man bereit ist, sich auf Tempo und Tonfall des Gesamtwerkes einzulassen. Dann fühlt sich der Story-Arc trotz aller Episodenhaftigkeit letztendlich erstaunlich geschlossen an.

Maulwurf, Ratte, Kröterich und ich

Die große Stärke des Comics liegt für mich in den Figuren. Plessix entwickelt Maulwurf, Ratte, Dachs, Kröterich und Otter mit viel Liebe zum Detail, mit starker Mimik und Körperhaltung.

Der Maulwurf ist unser Einstieg. Er wirkt schüchtern, neugierig und anfangs leicht überfordert. In seinen Bewegungen steckt eine Mischung aus Unsicherheit, aber auch Wille zum Aufbruch. Man spürt, wie ihn jeder neue Eindruck überwältigt. Seine Entwicklung ist eher leise. Er wird nicht zum Actionhelden. Er wächst, indem er Verantwortung übernimmt und lernt, die eigenen Ängste auszuhalten.

Die Ratte ist der ruhige Pol. Sie verkörpert das Heimweh im besten Sinne. Sie liebt den Fluss, kennt jede Ecke, weiß, welche Strömung wann gefährlich wird. In vielen Szenen fungiert sie als moderierende Kraft. Sie nimmt den Maulwurf an die Hand, bremst den Kröterich ein und hält den kleinen Freundeskreis zusammen.

Der Dachs bleibt kantig. Plessix zeichnet ihn als grummeligen, aber warmherzigen Einzelgänger. Er ist derjenige, der ausspricht, was die anderen denken, aber nicht zu sagen wagen. Er ist ein klassischer Sympathieträger, weil seine Figur Rauheit und Verlässlichkeit verbindet.

Der Kröterich ist der Motor des Humors. Er ist eitel, laut, schnell begeistert und noch schneller gelangweilt. Man kann ihn genau wegen dieser Überhöhung lieben, muss es aber nicht. Er erscheint oft als einzige Figur mit echter psychologischer Tiefe: Er trägt die große Wandlung, die von verantwortungsloser Raserei zu einem gewissen Maß an Einsicht führt.

Ich merke beim Lesen, wie stark mein eigenes Alter hier eine Rolle spielt. Als Kind wäre ich vermutlich beim Kröterich hängen geblieben. Heute fühle ich mich dem Ratte näher. Seine Mischung aus Freundlichkeit und Abstand liegt sehr nah an meiner eigenen Leseerfahrung. Genau diese Unterschiedlichkeit der Figuren macht das Buch für mich so spannend. Sie altern mit mir.

Vom bretonischen Atelier an den englischen Fluss

Michel Plessix stammte aus der Bretagne. Er wuchs in einer Familie auf, in der Pinsel schon vor ihm eine Rolle spielten. Sein Vater und sein Großvater waren Maler.

Als Jugendlicher verschlang er Hefte wie TIM UND STRUPPI und SPIROU und beschloss früh, selbst Comics zu zeichnen. Irgendwann arbeitete er wiederholt an Kinder- und Jugendstoffen. Aus einer Mischung aus Reiselust, Beobachtungsgabe und klassischer frankobelgischer Schule speiste sich später DER WIND IN DEN WEIDEN und sein Nachfolger.

Die Adaption erschien zwischen 1996 und 2001 in vier Bänden unter dem französischen Titel LE VENT DANS LES SAULES und brachte Plessix internationale Aufmerksamkeit. Der dritte Band erhielt auf dem Comic-Festival in Angoulême den Publikumspreis. Im deutschsprachigen Raum wurde die Serie als Comic des Jahres gefeiert und mit dem Max und Moritz Preis ausgezeichnet.

Vom Fluss zum Meer aus Sand

Nach Abschluss dieser Adaption knüpfte Plessix mit DER WIND IN DEN DÜNEN an die Figuren an (s. meine Besprechung in der kommenden Woche). Darin schickt er Ratte, Maulwurf und Kröterich in eine neue, eigenständige Fortsetzung, die noch stärker vom Reisen und vom Fremdsein handelt.

2017 verstarb Michel Plessix mit nur 57 Jahren an einem Herzinfarkt. Viele Nachrufe betonten, dass DER WIND IN DEN WEIDEN sein Signaturalbum bleibt. Es vereint seine Wurzeln als Naturmaler mit seiner Liebe zu klassischer Erzählung mit anthropomorphen Figuren. Kenneth Grahame’s Original von 1908 hat er damit nicht ersetzt, sondern für eine neue Generation auf andere Weise sichtbar gemacht.

Ich spüre auch, dass hier jemand an einem Herzensprojekt gesessen hat. Die Adaption wirkt nicht wie eine Auftragsarbeit, sondern wie eine sehr persönliche Übersetzung eines geliebten Textes in ein anderes Medium.

Aquarell, Licht und die Kunst der Brise

Wenn man andere Rezensionen zu DER WIND IN DEN WEIDEN quer liest, taucht ein Begriff ständig auf: Die Zeichnungen seien einfach wunderschön. Das klingt in anderem Kontext häufig abgenutzt, in diesem Fall jedoch stimmt es.

Plessix arbeitet mit Aquarellfarben und feinem Strich. Die Landschaften erinnern an impressionistische Gemälde. Dadurch, dass er Natur oft aus der Perspektive der Tiere zeigt, entsteht eine unmittelbare Nähe. Man sitzt buchstäblich tief im Gras, leicht unterhalb der Menschenwelt oder auf einem Zweig und hört den Freunden bei ihren Gesprächen zu.

Die Figuren sind stilisiert, aber nie karikaturhaft. Der Maulwurf wirkt rund und weich. Der Kröterich trägt seine Eitelkeit schon im Schnitt seines Mantels. Die Ratte strahlt mit wenigen Linien Gelassenheit aus. Alles hängt an kleinen Details, an einer hochgezogene Augenbraue, einer Pfote, die am Mantelsaum zupft. Mit feinen Details vermittelt Plessix gekonnt Charaktere und Emotionen. 

Wie der Fluss ins Papier sickert

Der Seitenaufbau unterstützt den langsamen Rhythmus. Viele Panels sind breit und offen. Die Übergänge zwischen ihnen lenken den Blick über verschiedene Aspekte eines Ortes. 

Was mir kritisch auffällt ist, dass Erzählerkästen und Sprechblasen viel Raum einnehmen. Das wirkt – leider – altmodisch. Vielleicht liegt es an einer möglichst exakten Adaption der Prosavorlage?

Für mich gehört diese Graphic Novel zu den seltenen Büchern, die man langsamer liest, weil man länger schauen will. Ich ertappe mich ständig dabei, Seiten zurückzublättern. Nicht, weil ich etwas nicht verstanden habe, sondern weil ich das Licht auf dem Fluss noch einmal sehen will.

Ein Buch für späte Abende

Eine Besonderheit von DER WIND IN DEN WEIDEN liegt in seinem Verhältnis zur Zeit. Dieser Comic verlangt kein binge reading, im Gegenteil. Er lädt stattdessen zu Leseabenden ein mit Tee, mit Decke, mit Geduld.

Auch ist dieses Album für alle Altersstufen geeignet. Kinder können der Oberfläche folgen (Tiere fahren Boot, Kröterich baut Mist, die Freunde halten zusammen). Erwachsene entdecken nebenbei andere Ebenen, sehen die leise Technik und Zivilisationskritik, lesen die Klassenbilder heraus. Sie spüren die Melancholie eines ländlichen England, das es so nicht mehr gibt.

Gleichzeitig gibt es eine erkennbare Spannung zwischen Anspruch und Zielgruppe. Die Qualität der Zeichnungen und der Vorlage kann ich loben. Ich merke aber auch, dass die Erstveröffentlichung in Deutschland in einer hochwertigen, dafür aber auch relativ teuren Ausstattung erschienen ist. Die Bände wurden als wertvolle Kindercomics vermarktet. Das passte zur ästhetischen Ambition, erschwerte aber den spontanen Zugang für viele Familien.

Langsamer Lesen im schnellen Zeitalter

Kritisch halte ich fest, dass der Comic zwischen die Stühle fallen kann. Für viele jüngere Leser ist der Textumfang zu hoch und die Sprache stellenweise zu altmodisch. Für Erwachsene, die eher auf knappe Graphic Novels stehen, wirkt das Setting zunächst sehr brav. Dazu kommt eine gewisse Berechenbarkeit der Konflikte. Man spürt, dass die Vorlage aus einer Zeit stammt, in der Geschichten anders gebaut wurden.

Ich würde den Band deshalb niemandem als Einstiegscomic empfehlen, der bisher nur Superhelden, Manga oder schnelle Gagstrips kennt. Wer aber bereit ist, sich auf eine langsam erzählte, sehr sinnliche Fabel einzulassen, findet hier etwas, das es so nicht oft gibt.

Für mich liegt das eigentliche Alleinstellungsmerkmal im Zusammenspiel aus Naturbetrachtung, humorvoller Charakterstudie und stiller Gesellschaftsskizze. Dieser Comic winkt nicht mit einem erhobenen Zeigefinger, sondern vertraut stattdessen darauf, dass ich zwischen den Panels lese.

Warum sich DER WIND IN DEN WEIDEN heute noch lohnt

Am Ende bleibe ich mit einem seltsamen Gefühl der Vertrautheit zurück. Ich kenne diese Welt nicht wirklich, war nie an diesem Fluss. Ich bin trotzdem sicher, dass ich wüsste, wie das Wasser klingt, wenn ich dort ein Boot abstieße.

DER WIND IN DEN WEIDEN ist kein makelloser Comic. Manche Episoden sind etwas bieder, der Text kann zu voluminös wirken und der Humor um den Kröterich wiederholt sich an diversen Stellen. Einige Kinder und Erwachsene der Gegenwart werden mit dem gemächlichen Tempo fremdeln.

Gleichzeitig hat dieses Buch etwas, das viele moderne Serien verloren haben. Es besitzt Gelassenheit und vertraut seiner eigenen Langsamkeit. Es setzt nicht auf Schock, sondern auf Schichten.

Beim ersten Lesen nimmt man vielleicht nur die freundliche Geschichte wahr, beim zweiten Lesen schaut man stärker auf die Technikbegeisterung des Kröterich’s und die Reaktion der anderen Tiere. Zuletzt sieht man, wie sehr dieses England eine Erinnerung ist und kein realistischer Ort.

Fazit

Für Comic-Fans, die sich für Adaptionen klassischer Literatur interessieren, ist der Band beinahe Pflicht. Er zeigt, wie man einen Roman respektvoll und trotzdem eigenständig in Bilder überträgt. Er steht damit neben anderen Arbeiten im Werk von Plessix und passt trotzdem mühelos in eine Reihe mit BONE, MOUSE GUARD, DAS SCHLOSS DER TIERE oder CALVIN UND HOBBES, wenn es um animalische Figuren mit Charakter geht.

Für Gelegenheitsleser ist die Empfehlung etwas vorsichtiger. Wer eine liebevoll gezeichnete, dichte Geschichte sucht, die man gut vorlesen oder gemeinsam entdecken kann, ist hier sehr gut aufgehoben. Wer dagegen eher schnelle, laute Stoffe bevorzugt, sollte sich bewusst entscheiden, ob er sich auf ein langsames Buch einlassen möchte.

Mein persönlicher Rat fällt dennoch klar aus. Wenn Du Lust hast, Dich für ein paar Abende aus dem Alltag auszuklinken, dann gib diesem Comic eine Chance. Aber such‘ Dir eine großformatige Ausgabe und blättere nicht zu schnell. Lass‘ den Fluss für Dich arbeiten. Und wenn Du nach dem Lesen das Gefühl hast, dass Du leise Motorengeräusche durch das Rauschen der Bäume hörst, dann hat Plessix seinen Job gut gemacht…

DER WIND IN DEN WEIDEN

© Splitter Verlag Toonfish | Hardcover | 128 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★☆☆☆

Zeichnungen: ★★★★★(★)

Farben: ★★★★★

Lettering: ★★★☆☆

Humor: ★★★☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-86869-696-7

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An seinem ersten Erscheinungstag wurde der Strip in 35 Zeitungen veröffentlicht, zuletzt waren es rund 2.400. In den 10 Jahren dazwischen wurden 3.160 tägliche (!) Comic-Strips publiziert. Dreitausend-einhundert-sechzig, eine unvorstellbare Zahl. Ja, es waren Strips bei denen es durchaus qualitative Höhen und Tiefen gab. Aber Bill Watterson hat die Latte für alle, die nach ihm kamen, sehr, sehr hoch gelegt. Jetzt ist aber Schluss mit all den Zahlen!

In diesem Artikel geht es nicht nur um eine Kinderfreundschaft, sondern um ein lebenskluges, witziges Plädoyer für eben diese Freundschaft, gepaart mit ausufernder Fantasie und der Kunst, die Tür zum Abenteuer im Alltag immer einen Spalt offen zu halten.

Mit den Abenteuern des sechsjährigen Calvin und seines Stofftigers Hobbes hat Autor Bill Watterson einen Zeitungscomic geschaffen, dessen magische Qualitäten bis heute unerreicht sind. […] Calvin ist Chaos! Ob Eltern, Babysitterin oder Nachbarstochter: Der Bengel treibt seine Umwelt mit Spitzfindigkeiten und den absurdesten Streichen an den Rand des Wahnsinns. Wenn er nicht gerade als „Raumfahrer Spiff“ oder mächtiger Dinosaurier im Reich seiner überbordenden Fantasie unterwegs ist.

Einzig seinem besten Freund, dem liebenswerten Stofftiger Hobbes, gelingt es, den hyperaktiven Calvin auf den Boden der Tatsachen zu holen. Wenn auch nie für lange, denn eine zünftige Partie Calvin-Ball, eine Vereinssitzung des E.M.S.V. (Eklige Mädchen Sollen Verduften) oder ein tiefschürfendes Gespräch über Zuckerbomben mit Schokoguss sind schließlich auch nicht zu verachten. Hobbes ist ja kein Spielverderber! [Verlagstext]

Drei Strips zum Einstieg

In manchen Strips zeigt uns Bill Watterson einen Gag, in anderen verbindet er seine narrative Kunstfertigkeit zu einer Fortsetzungsgeschichte, die sich über mehrere Strips entwickelt. Aber immer endet die aktuelle Bildfolge mit einer wohlgesetzten Pointe. Dies ist ein wichtiges Merkmal der Zeitungsstrips der damaligen Zeit.

Fantasie zwischen Keksdose und Urknall

CALVIN & HOBBES erzählt die Geschichte des ewig sechsjährigen Calvin, dessen wildes, widerspenstiges Herz einzig von seinem getigerten Weggefährten Hobbes verstanden wird. Auf dem Papier ist Hobbes ein Plüschtier. Doch kaum sind Erwachsene außer Reichweite, verwandelt er sich für uns blitzschnell in einen sprechenden, bestens aufgelegten Tiger.

Mit ihm an seiner Seite geht Calvin auf atemberaubende Fantasiereisen. Da wird das Wohnzimmer zur außerirdischen Dschungellandschaft, das Badezimmer zum See voller Monster, der Schulhof zum Planeten einer Alieninvasion. Jede noch so graue Kleinigkeit des Alltags wird im Kopf des Jungen zur Rakete für große, oft absurde Abenteuer.

Die Erzählstruktur der Comicstrips ist schlau angelegt. Oft reicht ein einziger Blick, ein Satz oder die absurde Klage über das vermeintliche Leiden am Erwachsensein, um einen Bogen vom Alltäglichen zum Kosmischen zu schlagen.

So sieht Calvin im strengen Schuldirektor prompt einen außerirdischen Spion, der mit teuflischen Hausaufgaben die Welt unterjochen will. In anderen Strips plant Calvin genüsslich destruktive Attacken auf seine Nachbarin Susie oder philosophiert (mal kindlich-naiv, mal entwaffnend klarsichtig) über die großen Fragen von Zeit, Existenz und Moral.

Trotz aller Sprunghaftigkeit pendelt CALVIN & HOBBES immer zwischen den Extremen und euphorischer Übermut trifft auf melancholische Nachdenklichkeit. Denn so uneingeschränkt Calvin mit seinem Tiger durch Traumlandschaften jagt, so regelmäßig kracht er zurück auf den Boden der unnachgiebigen Wirklichkeit.

Die Pointen blühen auf der Diskrepanz zwischen dem Wunsch, die Welt zu formen, und der Frustration, ihr ausgeliefert zu sein. Was anfangs als ulkige Alltagsflucht erscheint, entwickelt sich zunehmend zur Meditation über Kindheit, Freundschaft, Identität – und die Fähigkeit, mit kindlichem Staunen die Welt täglich neu zu begreifen.

Zwei, die die Welt neu erfinden

Im Zentrum des Strips strahlt die kontrastreiche Freundschaft zwischen Calvin und Hobbes. Calvin platzt vor Energie, Fantasie und Renitenz. Er rebelliert gegen Hausaufgaben, Zähneputzen und jede Form von Kontrolle.

Sein Vater ist die verkörperte Ironie, seine Mutter die stoische Geduld, die Lehrerin das Sinnbild pädagogischer Frustration, doch wirklich ernst nehmen kann Calvin nur Hobbes. Dieser besitzt alles, was Calvin fehlt: Gelassenheit, ein ausgeprägtes Verständnis für Ironie, das rechte Maß an Nachsicht und gelegentlicher Raubtierlust.

Hobbes oszilliert zwischen Spiegelbild, Korrektiv und subversivem Draufgänger. Mit seiner sanften, oft spöttischen Klugheit erdet er Calvin. Die Dialoge sind funkelnde Wechselspiele, in denen sich philosophisch grundierte Nachdenklichkeit mit anarchischem Klamauk paaren.

Während Calvin bei seinen Ausflügen ständig moralische und existenzielle Grenzen testet, mahnt Hobbes immer wieder zur Reflexion und Menschlichkeit – wenn er nicht selbst zur Attacke übergeht oder sich das nächstbeste Sandwich stibitzt.

Die Dynamik erinnert frappierend an wiederkehrende Paarkonstellationen der Comicgeschichte, doch selten wurden Ego und Über-Ich, Impuls und Vernunft so subversiv miteinander verbunden.

Auch in den Nebenfiguren spiegelt sich eine stimmig gezeichnete, analoge Vorstadtwelt. Ob Eltern, Rektor, bullige Mitschüler oder die smarte Nachbarin Susie: sie alle tauchen in Calvins Vorstellungswelt transformiert auf. Sie sind mal Monster, mal Helden oder bloßes Inventar für seine Fantastereien.

Jeder Charakter gewinnt Kontur durch Calvin’s überbordende Fantasie und zeigt zugleich etwas Grundsätzliches über menschliche Beziehungen, Macht und Ohnmacht.

Ein Mann, ein Tiger, ein Comic-Weltwunder

CALVIN & HOBBES ist das Werk von Bill Watterson (im deutschen Sprachraum teils auch als William Watterson II geführt). Der 1958 geborene US-Amerikaner prägte mit seiner Serie eine ganze Generation von Leserinnen und Lesern. Ursprünglich als kleiner Strip in der Lokalzeitung gestartet, wurde die Serie bald zu einem internationalen Phänomen. Auf dem Höhepunkt ihrer Popularität erschien sie weltweit in Hunderten Zeitungen, doch lehnte Watterson – gegen allen wirtschaftlichen Menschenverstand – jegliche Vermarktung seiner Figuren als Trickfilm, Serie oder Merchandise kategorisch ab.

Bill Watterson ist bekannt für seine kompromisslose, romantisch verklärte – und äußerst humorvolle – Haltung gegenüber Kunstfreiheit. In der Comic-Szene gilt er daher als widerspenstiger Erneuerer.

Er lotete die engen Rahmen des Zeitungsstrips künstlerisch wie erzählerisch immer weiter aus und hielt dabei einen einzigartigen Stil zwischen klassischer Linie und visueller, experimenteller Freude. Neben CALVIN & HOBBES hinterließ er vor allem Spuren in der Debatte um die Comic-Kunst an sich, Veröffentlichungsrechte und anti-kommerzielle Haltung. Zahlreiche Comicautoren wie z.B. Art Spiegelman oder die PEANUTS-Erben sehen ihn als kreativen Wegbereiter.

Bilder, die träumen wollen

Was CALVIN & HOBBES in der visuellen Abteilung vollbringt, begeistert mich immer wieder auf’s Neue und ist einfach bahnbrechend. Die Panels leben von einer unglaublichen Dynamik. Ob rollende Wälder für rasante Schlittenfahrten, verwaschene Regenstürme als melancholisches Intermezzo oder minimalistische Portraits punktgenauer Ironie: Watterson zieht souverän alle Register der Zeichenkunst. Die Vielseitigkeit reicht von locker-flirrenden Federstrichen bis hin zu detailverliebten Splash-Panels, wie sie für Sonntagsseiten typisch sind.

Besonders bemerkenswert ist die expressive Mimik von Calvin. Mit wenigen Strichen springt Watterson von Ekstase zu tiefster Verstörung oder rührender Nachdenklichkeit. Die Dramaturgie funktioniert auf mehreren Ebenen. Während die wortlosen Gags auch für Kinder verständlich bleiben, baumeln viele Anspielungen und Meta-Kommentare wie versteckte Bonbons im Bild für uns Erwachsene.

Die Gestaltung der Traumsequenzen, etwa wenn Calvin als „Spaceman Spiff“ durchs All jagt, ist ein Fest für die Augen. Auch in Schwarz-Weiß bleibt die visuelle Wucht ungebrochen.

Revolution aus der Rappelkiste

CALVIN & HOBBES erschien in einer Zeit, als die Comic-Strips in den Zeitungen zunehmend standardisiert und stromlinienförmig wurden. Watterson stemmte sich sowohl mit erzählerischer, als auch stilistischer und politischer Finesse dagegen.

Durch seine Weigerung, die Figuren ins Konsum-Karussell zu schicken, setzte er ein zudem wichtiges Zeichen gegen Kommerzialisierung und für künstlerische Autonomie.

Thematisch greift CALVIN & HOBBES Debatten auf, die den jeweiligen Zeitgeist widerspiegeln, manchmal subtil, manchmal aber auch mit der Brechstange. Kritik an der Konsumgesellschaft, Betrachtungen über Umwelt, Bildung, mediale Überforderung und das moderne Familienleben durchziehen die Strips, ohne moralisch zu belehren.

Die Beziehung zu anderen Comic-Klassikern ist offensichtlich. Doch während die PEANUTS ihre Welt zumeist melancholisch und resigniert erleben, zelebrieren CALVIN & HOBBES den anarchischen Spaß und den Widerstand gegen die Erwachsenenlogik mit einer Leichtigkeit, die ihresgleichen sucht.

Eigen-Sinn und Tiger-Biss

Watterson sprengt in CALVIN & HOBBES nicht nur die Grenzen der Formatvorgaben für Zeitungscomics. Er inszeniert Panel, die von philosophischer Tiefe bis zum hintergründigen Klamauk reichen.

Besonders prägnant bleibt der Verzicht auf eine fortlaufende Handlung. Jedes Abenteuer, jede Krise, jeder Gag steht wie eine Miniatur für das große Ganze. So erreicht der Comic eine emotionale und intellektuelle Bandbreite zwischen absurdem Alltagswitz und existenzieller Reflexion, die in der Comiclandschaft herausragt.

Ungewohnt bleibt auch, dass der Strip jede Vermarktung verweigert. Keine Animationsfilme, keine Actionfiguren, kein T-Shirt-Universum. Der Wunsch, CALVIN & HOBBES ausschließlich als gezeichnete Figuren weiterleben zu lassen, bewahrt ihnen einen Zauber, den kaum eine andere Serie so lange halten konnte. Alles, was – außer Büchern – mit CALVIN & HOBBES Motiven erhältlich ist, kann getrost als nicht autorisiert betrachtet werden.

Einzigartig wie Tigerstreifen

CALVIN & HOBBES bleibt ein zeitloses Meisterstück, das Grenzen überschreitet und Leserinnen und Leser aller Generationen inspiriert. Der Comic glänzt als Abenteuerreise für den Geist und als liebevolle Hommage an das kreative Potenzial des kindlichen Blicks. Wer sich auf CALVIN & HOBBES einlässt, reist zwischen urkomischen Alltagskatastrophen, existenziellen Gedankenspielen und poetischen Momentaufnahmen hin und her. Die raffinierten Zeichnungen, pointierten Dialoge und das anarchische Herz der Figuren laden zum Staunen, Lachen, Nachdenken und – nicht zuletzt – zum Kind-sein ein. Immer wieder aufs Neue!

Dieser Comic gehört für mich in jedes Was-Nimmst-Du-Mit-Auf-Die-Einsame-Insel-Paket und in jedes Comic-Regal.

Egal ob Sammler oder Neueinsteiger: Diese Comic-Strips sind ein wichtiger, unverzichtbarer Teil unserer Popkultur und ein Geschenk für alle, die Humor mit Haltung, Zeichnung mit Gehalt und Fantasie mit bissigem Witz lieben.

Wer Calvin und seinen Tiger noch nicht kennt, sollte ihnen unbedingt begegnen – auf der nächsten Zeitungsseite, im Comicladen oder direkt als Gesamtausgabe. Man bleibt dabei garantiert nicht derselbe. Um es mit den letzten Worten von Calvin heute vor 30 Jahren zu sagen: „Let’s go exploring!“

P.S:

CALVIN & HOBBES erhielt 1990 den Max-und-Moritz-Preis als bester internationaler Comicstrip und 2007 den Sondermann-Preis 2007 als bester Comic International 2007. Zuuuuuu recht! 

CALVIN UND HOBBES

© CARLSEN VERLAG | Hardcover | 1456 Seiten | Schwarz-Weiß und Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★★★★★(★)

Meine persönliche Bewertung: ★★★★★(★)

ISBN: 978-3-551-78907-5 (Gesamtausgabe)

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Je länger man liest, desto deutlicher zeigt sich jedoch eine andere Wahrheit. Adam de Souza hat mit DIE KLUFT ein Buch vorgelegt, das diese Erwartungen nur teilweise einlöst. Die Geschichte tastet sich an die großen Themen heran, an Sinnsuche, an Kapitalismuskritik, koloniale Geschichte Kanadas und Online Mobbing. Vieles bleibt jedoch Andeutung, wenig gewinnt über die Schlusspointe hinaus Kontur.

Die Ausgangsidee besitzt erst einmal Kraft. Oli(via) steht 2007 kurz vor dem Highschool Abschluss in Vancouver. Von Eltern, Schule und Gesellschaft hört sie immer nur Varianten derselben imperativen Forderung: Wähle dein Studienfach, mach‘ einen Plan, funktioniere!.

Zwischen Utopie und Müdigkeit

Gleichzeitig träumt sie seit Kindertagen von „The Evergreen“, einer Inselkommune, deren Flyer einmal den Weg in ihrem Kinderzimmer gefunden hatte. Dieser Zettel wird zu ihrem persönlichen Rettungsanker. Die Welt da draußen wirkt laut und falsch. Die Insel verspricht Einfachheit und eine Gemeinschaft aus Gleichgesinnten. Sie ist ein Sehnsuchtsort.

De Souza setzt dies in einer reduzierten, zweifarbigen Bildsprache um. Blaue Flächen, sandige Töne, lockere Strichführung. Die Figuren erinnern an klassische Zeitungsstrips, die Wälder und Buchten der kanadischen Westküste an nostalgische Landschaftscomics.

Wenn die Jugendlichen am Fährdeck stehen oder im hohen Gras verschwinden, dann ahnt man, wovon der Autor erzählen will: von Zwischenräumen, von der Kluft (!) zwischen Sehnsucht und Realität, zwischen Teenager-Fantasie und Erwachsenenwelt. Daher kommt wohl auch der Name des Werkes. Meiner Meinung nach liegt das Problem weniger im Ansatz als in der Umsetzung.

Drei Jugendliche, ein dünner Plan

Schon im ersten Drittel von DIE KLUFT tritt die lange, vielleicht zu lange Erzählung spürbar auf der Stelle. Die gleichen Konflikte drehen sich in leicht variierter Form im Kreis. Die Bildideen wiederholen sich. Statt einen Sog zu entfalten, entsteht ein Gefühl von Leerlauf. Man spürt, dass hier jemand die Atmosphäre sehr gut beherrscht, aber dann doch mit dem langen Atem einer 240 Seiten Erzählung kämpft.

Die Handlung setzt früh ein. Oli lebt mit ihrer alleinerziehenden Mutter, schwankt zwischen Resignation und Wut und hängt in einer Freundesgruppe, in der vieles unausgesprochen bleibt.

Milo, Film-Nerd mit Kamera, und Alvin, stiller Mitläufer, kreisen um sie. Liam, ihr ehemaliger bester Freund und halbherziger Love Interest, hat ein intimes Geheimnis weiter erzählt, das er besser für sich behalten hätte. Aus dieser Verletzung entsteht die Eskalation, die Oli endgültig aus der Bahn wirft.

De Souza zeigt diese Eskalation in mehreren Stufen. Erst das heimliche Teilen eines intimen Moments, dann das Kichern auf den Gängen, der digitale Spott, die Anonymität des Mobbing. Schließlich ein körperlicher Übergriff eines Mitschülers, auf den Oli zurückschlägt. Sie verliert dabei aber mehr als nur ihren Ruf und steht plötzlich vor einer Mischung aus schulischer Strafe und familiärer Überforderung. An diesem Punkt entscheidet sie sich endgültig zur Flucht nach „The Evergreen“.

Sie überredet Milo, sie zu begleiten. Milo wiederum zieht Alvin mit hinein. Er verkauft die Reise als kleines Abenteuer, als Gelegenheit für ein Filmprojekt über alternative Lebensformen. Dass er selbst heimlich in Alvin verliebt ist, erzählt er niemandem. Dieses Dreieck aus Wut, romantischer Unsicherheit und ideologischer Überhöhung bildet den Motor der Geschichte. Zumindest theoretisch.

Roadtrip mit angezogener Handbremse

Der Roadtrip, der folgt, besitzt einige starke Momente. Eine unangenehme Autofahrt mit einem zu aufdringlichen Fahrer gehört ebenso dazu wie schlaflose Nächte auf unbequemen Sofas oder der Blick auf die Weite des Meeres von der Fähre aus. Immer wieder gelingen de Souza kurze, treffende Beobachtungen. Die Welt fühlt sich real, ja bewohnt an.

Doch gerade hier zeigen sich für mich die strukturellen Schwächen. Szenen, die die Figuren hätten schärfen können, bleiben merkwürdig vage. Die Außenwelt ist wichtiger als das Innenleben der Protagonisten. Konflikte brechen auf, lösen sich im nächsten Panel im Halbsatz wieder. Die Reise wirkt weniger wie eine zugespitzte Erzählung und mehr wie ein aneinander gereihtes Notizbuch voller Augenblicke.

Im Vergleich zu anderen Roadtrip- und Jugend-Comics wie EIN SOMMER AM SEE oder BLANKETS fehlt der klare Rhythmus aus Anspannung und Entspannung. DIE KLUFT hangelt sich von Episode zu Episode, ohne echten dramaturgischen Bogen.

Utopie auf Sparflamme

Die zweite Hälfte von DIE KLUFT gehört der Insel. Endlich erreicht das Trio „The Evergreen“, jenen Ort, den Oli jahrelang idealisiert hat. Die Kommune lebte von Gemüsebeeten, Gemeinschaftsküche und der Idee eines gerechteren Miteinanders. Zumindest behaupten dies die, die noch übrig sind.

Auf dem Papier wäre das eine Steilvorlage: Eine Utopie, die an ihren eigenen Strukturen scheitert und Jugendliche, die hierdurch merken, dass Ideale auch Arbeit bedeuten. Ein System, das kolonial besetztes Land nutzt, während es von Harmonie mit der Natur spricht. All das schwingt lediglich in Andeutungen mit. Man spürt, dass der Alltag einer Kommune wenig mit romantischen Flyern zu tun hat.

Konflikte ohne Biss

Der Comic bleibt auch hier konsequent an der Oberfläche. Es gibt Streit um Aufgaben, unausgesprochene Machtverhältnisse, finanzielle Abhängigkeiten, die Frage nach indigener Landnutzung. Nichts davon erhält die erzählerische Schärfe, die es bräuchte, um wirklich weh zu tun. Stattdessen verlaufen die Konflikte in einem melodramatischen Mix aus Eifersucht und gekränktem Idealismus.

Auch formal wirkt die Inselsequenz erstaunlich zahm. Die Panelarchitektur bleibt überwiegend konventionell. Viele Seiten zeigen drei oder vier horizontale Streifen mit ähnlich aufgebauten Einstellungen. Nur selten wagt sich de Souza an radikalere Bildlösungen. Eine echte räumliche Landkarte der Kommune entsteht dadurch kaum. Wer nach der Lektüre versucht, „The Evergreen“ im Kopf zu rekonstruieren, landet bei einem diffusen Sammelbild aus Küche, Schlafraum und ein paar Wegen im Wald.

Das Finale verstärkt diesen Eindruck. Die Utopie bröckelt, Beziehungen brechen, einige Figuren werden nach Hause fahren, andere bleiben. Die Erzählung setzt auf eine bewusst offene Schlussnote. Die Freiheit, die der Comic den Figuren zugesteht, geht dabei zulasten der narrativen Präzision. Eine Heldenreise ist dieser Road-Trip wahrlich nicht.

Statt eines klaren Eindrucks bleibt bei mir ein leichtes Achselzucken. DIE KLUFT endet, als hätte man mitten in einem Tagebuch einfach aufgehört zu schreiben. Und ich Frage mich: War’s das jetzt etwa? Braucht es dafür tatsächlich 240 Seiten?

Figuren, die sich fast trauen

Die stärkste und zugleich frustrierende Qualität von DIE KLUFT liegt im Figurenensemble. Oli, Milo, Alvin und Liam besitzen erkennbare Profile. Oli ist impulsiv, idealistisch, wütend und gleichzeitig verängstigt. Milo flüchtet sich in die Kamera und in ironische Kommentare. Alvin beobachtet viel und sagt wenig. Liam steht irgendwo zwischen Arschloch und verunsichertem Teenager, der zu spät merkt, was er mit seiner Indiskretion angerichtet hat.

In einzelnen Szenen blitzen diese Profile hell auf z.B. wenn Oli im Gang des Schulgebäudes explodiert. Oder wenn Milo heimlich auf Alvin schielt und seine Gefühle hinter nerdigen Sprüchen versteckt. In solchen Momenten schiebt sich der Comic nah an die radikal ehrliche Teenagerzeichnung eines GHOST WORLD oder von ROAMING heran.

Fast gute Figuren, fast große Gefühle

Doch de Souza zieht selten einmal richtig durch. Statt Konflikte konsequent auszuspielen, wechselt die Erzählung oft schnell die Perspektive. Ein Streit bleibt unaufgelöst im Raum stehen oder eine mögliche Aussprache endet in einem flapsigen Witz. War das früher – in meiner Jugend – wirklich so? Oder ist bei der heutigen Jugend alles tatsächlich anders?

Die Figuren wirken, als würde man sie im entscheidenden Augenblick ausblenden. Vielleicht soll das die Verlegenheit und Sprachlosigkeit jugendlicher Kommunikation spiegeln. Ich weiß es nicht, im Lesefluss fühlt es sich für mich wie ein Zurückschrecken an.

Auch die Nebenfiguren leiden unter dieser Zurückhaltung. Oli’s Mutter taucht auf, wirkt glaubhaft überfordert und verschwindet wieder in der Kulisse. Die Erwachsenen in der Kommune erscheinen als klischeehafte Figuren, als abgehalfterter Öko-Guru oder als schweigsamer Handwerker. Hier steckt erheblich mehr Potenzial für Reibung und Ambivalenz, doch der Comic gönnt ihnen kaum mehr als ein paar Szenen.

Die queere Dimension der Geschichte bleibt ebenfalls erstaunlich zurückhaltend. Milo’s Verliebtheit in Alvin wirkt glaubwürdig, läuft aber parallel zur Haupthandlung. Sie erhält weder einen erzählerischen Kulminationspunkt noch eine echte Konsequenz, vertanes Konfliktpotential. Im Jahr 2025 dürfen Jugendcomics mehr wagen.

Zwischen Zine Charme und Preisregal

Wer Adam de Souza nur über DIE KLUFT kennenlernt, merkt schnell, dass hier kein Zufallsdebüt vorliegt. Der kanadische Zeichner aus Vancouver hat sich mit seinem Webcomic BLIND ALLEY bereits eine feste Fanbase erarbeitet und dafür den Cartoonist Studio Prize gewonnen. Der Strip erhielt außerdem eine Auszeichnung bei den Doug Wright Awards.

DIE KLUFT erschien 2024 bei Tundra Books und brachte ihm Nominierungen für die Eisner Awards bei den „Best Publication for Teens“ ein. Die deutsche Ausgabe bei Reprodukt markiert sein Debüt im deutschsprachigen Raum.

Zwischen Webcomic und Roman-Ambition

De Souza kommt aus der Welt der Zines – also den kleinen, selbst verlegten Publikationen – und Online Strips. Er arbeitet in Vancouver auf dem Gebiet mehrerer indigener First Nations und beschäftigt sich in seinen Arbeiten immer wieder mit Naturmotiven, Jugend und dem Gefühl, zwischen Welten zu stehen.

Seine Zeichnungen setzen auf weiche Linien, leichte Überzeichnung und eine Mischung aus Alltagsbeobachtung und surrealen Einfällen. In BLIND ALLEY und BRAMBLES funktionieren diese Qualitäten hervorragend. Kurze Episoden, eigenwillige Figuren, leise Weirdness.

Auf der Suche nach der langen Form

In DIE KLUFT prallt dieses Zinehafte auf die Anforderungen einer langen Erzählung. Man spürt an vielen Stellen den Wunsch, Zeit zu lassen, Pausen zu setzen oder die Natur sprechen zu lassen. Eine Art Entschleunigung in hektischen Zeiten?

Die Wälder, Fähren und Küsten sind mit sichtbarer Zuneigung gezeichnet. Einige Panels besitzen eine Ruhe, die man in schneller produzierten Mainstream Titeln vergeblich sucht. Andererseits nimmt die Geschichte dadurch nur Verhalten Fahrt auf und wird nicht vorangetrieben.

Die visuelle Sprache bleibt erstaunlich gleich. Die Figuren unterscheiden in Körpersprache und Mimik wenig. Der skizzenhafte Stil wirkt zwar sympathisch, gewinnt aber selten die Schärfe, die eine 240 Seiten Geschichte braucht.

Spannende, grafische Entscheidungen wie ungewöhnliche Panelraster oder stark abstrahierte Doppelseiten tauchen nur vereinzelt auf. Vieles erinnert an einen Webcomic den ich durch scrollen soll, weniger an eine durchkomponierte Graphic Novel, bei der ich mir alle Zeit der Welt nehmen kann, die Seiten zu betrachten.

Gerade weil man weiß, wie hoch die Erwartungen inzwischen an de Souza’s Arbeit sind, wirkt DIE KLUFT wie ein Zwischenschritt. Das Werk ist kein Fehlschlag, aber auch kein Meisterwerk. Eher ein Buch, in dem ein sehr begabter Künstler ausprobiert, wie weit sein bisheriger Ansatz trägt – und dabei sichtbar an seine aktuellen Grenzen stößt.

Fazit

Bleibt die Frage, ob man DIE KLUFT empfehlen kann. Die ehrliche Antwort lautet „ja, aber“ mit deutlicher Einschränkung. Wer eine bissige Gesellschaftsanalyse erwartet, wird enttäuscht. Wer eine radikal psychologische Studie jugendlicher Wut sucht, greift besser zu anderen Titeln.

Trotzdem besitzt der Comic Qualitäten, die sich nicht ignorieren lassen: die Landschaftsbilder, die Fähren, die Höfe, das Licht über den Grasflächen. Die Art, wie de Souza das Gefühl einfängt, als junger Mensch am Rand einer Entscheidung zu stehen und trotzdem noch nicht einmal die richtigen Fragen zu kennen. Die Unsicherheit, ob man zur Welt passen will oder sie lieber von außen beobachtet.

Für jugendliche Leserinnen und Leser (laut Verlagsangaben: ab 14 Jahren), die sich mit dem Druck von Berufsentscheidungen, Social Media und unausgesprochenen Gefühlen herumschlagen, kann DIE KLUFT ein Spiegel sein. Vielleicht sogar gerade deshalb, weil der Comic sich manchmal verzettelt. Die Unentschiedenheit der Erzählung spiegelt die Unentschiedenheit der Figuren. Das macht die Geschichte nicht besser konstruiert, aber in manchen Momenten ehrlich. Ich bin für dieses Werk eindeutig zu alt.

Wer sich ohnehin für die Karriere von Adam de Souza interessiert oder BLIND ALLEY bereits schätzt, sollte einen Blick riskieren. Allein um zu beobachten, wie ein Künstler, der in Strips und Kurzcomics brilliert, sich im Langformat abmüht…

DIE KLUFT

© Reprodukt Verlag | Hardcover | 240 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★☆☆☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★★☆☆☆

Lettering: ★★☆☆☆

Humor: ★☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★☆☆☆

ISBN: 978-3-95640-485-6

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August 2013, Uttar Pradesh, Nordindien. Im mehrheitlich muslimischen Kawal erstechen zwei junge Hindus einen gleichaltrigen Muslim auf offener Straße. Die Täter werden daraufhin von einer aufgebrachten Menge ermordet. Nach Massenprotesten eskalieren die Ereignisse und es kommt zu wiederholten Überfällen der Angehörigen beider Religionsgemeinschaften aufeinander, die mehrere Dutzend Tote fordern und die Flucht Zehntausender Muslime zur Folge haben. [Verlagstext]

Im Zentrum dieses Reportage-Comics stehen die Muzaffarnagar Unruhen und ein Ort, den Sacco mit journalistischem Blick aufsucht: der fragliche Ort liegt im Norden Indiens und ist geprägt von Landflucht, Identitätsfragen und Machtverschiebungen. Der Autor und Zeichner führt uns zu staubigen Straßen, religiösen Dorfbewohnern und gegenseitiger Ausgrenzung, von einem überschaubaren Auslöser hin zu einer Kette von Reaktionen. Alle kommen zu Wort: die Opfer, die Zeugen, die Gemeindeältesten und die Politfunktionäre. Sie bekommen Raum und erzählen ihre Sicht der Dinge, ihre Verletzung, ihre Sicht auf Schuld und Verantwortung. Und wie nicht anders zu erwarten war, ist die Wahrheit wieder eine Frage des Standpunktes.

Sacco schildert dabei streng dokumentarisch. Wir begleiten ihn und seinen Dolmetscher bei seiner Recherche, wie eine Alltagssituation, ein zwischen Hindus und Muslimen eskalierender Konflikt, in eine Verabredung von Gewalt münden konnte. Wie sich die Stimmung verdichtet und explodiert ist. Zwischen den Seiten gibt es keine Helden, aber eine Vielzahl von Protagonistinnen und Protagonisten, deren Leben sich verändern.

Zwischen Alltag und Aufruhr

Der Comic bleibt bewusst chronologisch, doch immer wieder setzt Sacco Rückblenden ein, beschreibt vergangene Traumata von Familienschicksalen und verweist auf kollektive Erinnerung. Der Titel INDIEN – ÖL INS FEUER spiegelt das Bild gut. Öl hier steht metaphorisch für den explosiven Mix aus Ressentiments, gesellschaftlichen Brüchen und politisch gezielten Triggern. Das Feuer entzündet die Spirale der Gewalt, die mit einem Mal eskaliert.

Sacco führt uns von den geschichtlichen Hintergründen einer indischen Staatsgründung zu ersten Warnzeichen aus Gerüchten und Gruppen, die sich formieren, hin zur Mobilisierung von Macht und Gegenmacht. Die Folgen der Tat sind brennende Häuser, geteilte Familien, verschobene Leben. Er verzichtet auf einen Showdown im klassischen Sinne. Dies ist eine Dokumentation, kein Drei-Akter-Drama.

Das Ende des Comics ist eine Art Pause, ein Moment der Stille, ohne dramatischen Schluss, aber mit einer offener Frage: Wie wird es weitergehen? Wann sind die nächsten Öl-Fässer so voll, das der kleinste Funke sie wieder in Brand setzen kann?

Diese Entscheidung ist klug. Sie macht deutlich, dass der Konflikt nicht endgültig ruht, sondern latent ist und weiter  gefährlich bleibt.

Wenn Funken auf Brennbares fallen

Innerhalb der knapp 140-Seiten versteht Sacco es, komplexe Prozesse wie die Untergrabung von Macht, Glaubensspaltungen oder medial aufbereitete Narrative glaubhaft zu skizzieren. Er bietet keine einfache Schwarz-Weiß-Erzählung, auch wenn der Comic in Schwarz-Weiß gehalten ist. Weder sind Muslime nur die Opfer noch Hindus nur die Täter. Machthaber erscheinen nicht nur böse und die Ohnmächtigen nicht nur machtlos.

Vielmehr wird sichtbar, wie alle Beteiligten Teil eines Systems sind, in dem Ressentiments, Angst, ökonomische Not und politische Instrumentalisierung wie Zahnräder ineinander greifen. Sacco verweilt bei den Menschen, entschleunigt, zeigt ihr Umfeld, ihre kleinen Momente. Dieser Fokus gibt der Geschichte Tiefe und verhindert eine plakative Inszenierung.

Dabei variiert er das Tempo. Phasen mit dichter Atmosphäre wechseln mit ruhigen Beobachtungen, welche die Gewalt nicht glorifizieren, aber ihre Vor- und Nachwirkungen eindrücklich zeigen. So entsteht eine dichte, bedrückende Stimmung. Der Einstieg gelingt leicht, weil Sacco auf erklärende Bildtexte verzichtet und solides Hintergrundwissen einfließen lässt. Zugleich bewahrt er den dokumentarischen Anspruch. Er lässt unterschiedliche Stimmen zu Wort kommen und räumt Widersprüche ein und unterstreicht. Wie bereits gesagt: Wahrheit ist eine Frage des Standpunktes.

Der Chronist der Konflikte

Joe Sacco ist kein klassischer Comic-Szenarist. Er ist Zeitzeuge, Reporter und Zeichner zugleich. Geboren 1960 auf Malta und aufgewachsen in Australien und den USA, studierte er Journalismus und entwickelte früh ein Faible für Comics mit Aussagekraft. Sein Name steht synonym für guten Comics-Journalismus.

In seinen bisherigen Werke PALÄSTINA, GAZA oder WIR GEHÖREN DEM LAND erzählt er von Konflikten, Ungerechtigkeit und globale Machtmechanismen. In INDIEN – ÖL INS FEUER knüpft Sacco genau an diese Tradition an. Er begibt sich selbst vor Ort, spricht mit Betroffenen und zeigt uns seinen eigenen Weg durch die Recherche. Diese Selbstpositionierung als Journalist und Zeichner ist sein Markenzeichen. Er bleibt er nicht bei einer Opfer-Täter-Erzählung, sondern bettet persönliche Schicksale in größere Zusammenhänge ein.

Der Reporter mit dem Zeichenstift

Sacco arbeitet handwerklich sehr traditionell. Er setzt auf analoge Techniken, reduziert Kolorierung und gibt den Skizzen noch Raum. Die Zeichnungen haben dokumentarischen Anspruch, aber keine glamourösen Action-Sequenzen. Dadurch entsteht Authentizität. Zugleich zeigt sein Ansatz, dass Comics mehr sein können als Unterhaltung. Sie sind auch Medium für Debatten. Er zeigt uns nicht alles spektakulär und das ist gut so. Seine erzählerische Stärke liegt im Verweilen, im Beobachten, im Strukturieren von Stimmen und Daten, nicht im marvelesken Effektfeuerwerk.

Handfest und doch feinfühlig

Die grafische Umsetzung von INDIEN – ÖL INS FEUER folgt seinem etablierten Stil des Zeichnens: schwarz-weiß bzw. reduziert koloriert, mit klaren Linien, vielen Texturen, Schaffuren und einem dokumentarischen Look. Er visualisiert keine übertriebenen Bewegungen, keine Pop-Effekte, sondern hat den Alltag im Fokus. Dabei wirken die Panels teils wie eingefrorene Fotografien, teils wie belebte Skizzen.

Besonders auffällig ist die Panelstruktur. Sacco arbeitet häufig mit großformatigen Bildern, überschreitet Panelgrenzen, wechselt dann geschickt zu kleineren Ausschnitten um etwa ein Gespräch oder individuelle Emotionen zu zeigen. Dies erzeugt Rhythmus. Wir bleiben beim Umfeld, dann zoomen wir in ein Gesicht oder auf eine Hand, wechseln von der Intimität wieder zurück zum Überblick. Diese visuelle Dynamik trägt entscheidend zur Wirkung seiner Erzählung bei.

Grafik mit Beobachtung

Technisch zeigt Sacco große Reife und Erfahrung. Seine Zeichnungen sind detailliert, ohne überfrachtet zu wirken. Figuren wiederholen sich nicht monoton, Hintergründe geben Kontext. Der Leser kann abschweifen, schauen, spüren. Wer sich auf diesen Stil einlässt, erhält eine visuelle Reise, die atmosphärisch und fordernd zugleich ist.

Ein Hintergrund mit Breitenwirkung

Der Konflikt, den INDIEN – ÖL INS FEUER behandelt, steht nicht isoliert. Im Umfeld von Wunsch nach Land, Macht und Zugehörigkeit trifft Indiens koloniale Vergangenheit auf moderne Schwächen des politischen Systems Demokratie. Sacco erklärt den aktuellen Ausschlag in historischen Narrativen: mit der Teilung der ehemaligen britischen Kronkolonie, mit Flucht und Migration, Landreformen und der politischen Mobilisierung entlang religiöser Linien. Hinzu kommen Mechanismen der Medien- und Machtpolitik. Welcher Gruppe gehört man an? Wer erzählt die Geschichte? Wer definiert Opfer und Täter? Diese Fragen zieht sich wie rote Fäden durch den Comic.

Sacco schildert die Gewalt als Moment in einer langen Reihe historischer Ereignisse und Wunden, zeigt die sich daraus ergebenden Probleme, aber entschuldigt damit nicht das hier und jetzt. Damit wird INDIEN – ÖL INS FEUER auch für Leser außerhalb Indiens relevant, denn die Mechanismen von Spaltung, Manipulation der Erinnerung und Mobilisierung großer Menschenmengen lassen sich schwer nur auf den indischen Subkontinent begrenzen.

Warum dieses Comic herausragt

Was macht INDIEN – ÖL INS FEUER nun besonders? Zunächst einmal ist es selten, dass ein Comic so kompromisslos Reportage ist. Sacco bringt die Dokumentation in Zeichenform. Diese Verbindung aus Vor-Ort-Recherche, journalistischem Anspruch und visueller Erzählung macht aus dem Comic mehr als eine bloße Unterhaltung. Gleichzeitig bleibt das Thema zugänglich. Der Einstieg gelingt ohne Vorwissen über Indien oder Konfliktforschung.

Joe Sacco fokussiert sich auf Fragen statt auf sofortige Antworten. Er zeigt uns die Mechanismen, wir werfen die Fragen selbst auf. Wie entsteht Erinnerung? Wer profitiert von Gewalt? Wie manipulieren Medien und Politik Narrative? Durch diese Haltung bleiben wir aktiv und nicht nur Konsument.

Auch stilistisch ist der Band relevant: Der dokumentarische Comic – wie z.B. DIE FRAU ALS MENSCH von Ulli Lust oder GAMES von Patrick Oberholzer – hat sich inzwischen etabliert, aber selten wird er im Kontext südasiatischer Konflikte so stringent ausgeführt. Das macht das Werk für Comic-Begeisterte spannend und für Gelegenheitsleser als Einstieg in das Thema interessant.

Das einzige, was mir anfangs persönlich nicht so gut gefallen hat ist, dass manche Kapitel etwas komprimiert wirken, fast zu dicht. Wer jede Figur nach verfolgen will, braucht Konzentration. Aber das ist kein Fehler, sondern Folge der Sparsamkeit im Mittel. Aber als Leser soll ich mich ja auch intensiv mit dem Thema beschäftigen und nicht hindurch fliegen.

Fazit

In der Gesamtschau funktioniert INDIEN – ÖL INS FEUER als vielschichtiger Reportage-Comic sehr gut. Er erzählt nicht nur was passiert ist, sondern auch wie. Wer also eine klassische Heldenerzählung erwartet, wird enttäuscht, zumindest aber überrascht. Und wer bereit ist, sich auf Irritation und Nachdenken einzulassen, erhält Zugang zur menschlichen Seite politischer Gewalt.

Wer Sacco kennt, weiß, worauf er sich einlässt. Wer neu in seinem Werk ist, bekommt einen guten Einstieg in anspruchsvolles Comic-Storytelling und wird sich seinen anderen Werken ebenfalls zuwenden. In INDIEN – ÖL INS FEUER zeigt Sacco, dass die Konflikte zwar lokal erscheinen, aber universelle Muster bedienen. Genau hieraus ergibt sich anschließend ein starker Bezug für eine internationale Leserschaft.

Ja, INDIEN – ÖL INS FEUER ist kein leichter Snack. Er verlangt Aufmerksamkeit, aber er belohnt mit Tiefe, Klarheit und einem Stil, der sowohl informiert als auch bewegt. Joe Sacco gelingt es, lokale Gewalt als Spiegel für globale Phänomene zu zeigen, ohne zu simplifizieren.

Wer sich fragt, warum Politik, Medien und Geschichte so oft miteinander verbunden sind, der sollte INDIEN – ÖL INS FEUER lesen.

INDIEN – ÖL INS FEUER

© Reprodukt Verlag | Hardcover | 144 Seiten | Schwarz-Weiß

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★☆☆☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-95640-493-1

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Sein Gegenpart Volker ist Musiker, ein notorischer Langfinger und hat mit seiner abseitsstehenden Eigenwilligkeit die Rolle des Provokateurs inne.

Gemeinsam machen sich die Beiden auf den Weg, um ihren alten Schulfreund Acki zu besuchen, eine scheinbar banale, etwas sentimentale Unternehmung. Doch wie so oft ist die Realität weniger zugänglich als erwartet.

Die Suche nach Acki

Acki empfängt seine Schulkameraden nicht wie (vermeintlich?) vereinbart und seine neue Adresse bleibt ein Rätsel. Was tatsächlich besprochen wurde und was nur in der persönlichen Gewissheit von Dietz existiert, bleibt sowohl uns – als auch den Beiden – unklar.

Jedenfalls sind Dietz und Volker nach der Ankunft erst einmal auf sich alleine gestellt. So hangeln sich die beiden ersatzweise durch Leipziger Kneipen, Museen und Erinnerungen, um die Zeit totzuschlagen, bis sich ihr Kumpel meldet.

Baitinger inszeniert diese Suche als ein Spiel aus Absurditäten und kleinen Eskapaden, darunter der Diebstahl eines antiken Schwertes durch Volker. Die Stimmung schwankt immer wieder zwischen eigenwilligem Humor und Tragik. Die narrativen Schwerpunkte wechseln subtil zwischen nostalgischen Rückblicken, unaufgeregtem Alltag und einem Gefühl der Entfremdung – nicht nur von Acki, sondern auch voneinander und vom eigenen Selbst. Von Anfang an spüren wir eine deutliche Melancholie, die durch lakonischen Witz unterbrochen wird.

Drei Männer, drei Welten

Im Zentrum von HALLIMASCH stehen die zentralen Figuren Dietz und Volker. Ihre Dynamik ist geprägt von unausgesprochenen Vorwürfen, alten Ritualen voller Leerlauf und Dietz‘ mühsamer Suche nach neuen Verbindungslinien. Dietz versucht die Stimmung mit routinierten Sprüchen und bemühtem Optimismus zu retten, während Volker in seinem kränkelnden, trotzig-lauernden Dasein die Schattenseiten der Vergangenheit und Gegenwart verkörpert.

Acki glänzt durch Abwesenheit, ein Spielball der Erinnerung und der Wünsche – nach Nähe, nach Bestätigung, nach einer Brücke zu früheren Zeiten.

Figuren zwischen Sehnsucht und Ernüchterung

Erst spät kommt Nachricht von Acki und selbst danach bleibt er ein größtenteils schemenhafter Charakter. Die Hoffnung, dass mit ihm alles besser oder zumindest gut wird, schwindet.

Die eigentliche Handlung strebt jedoch weniger nach äußerer Bewegung als nach innerer Erkenntnis: Wie viel „Freundschaft“ hält das echte Leben noch aus, wenn Routine, Entfremdung und verpasste Chancen die Oberhand gewinnen? Die narrative Struktur von HALLIMASCH ist entsprechend zurückhaltend und arbeitet mit Ellipsen, Leerstellen und bewusst unspektakulären Szenen.

Abstufungen von Blässe

Und mir fehlt in diesem Werk damit jegliche Dynamik, die Comics zu meinen präferierten Medien machen. Selbst der Diebstahl des Schwertes durch Volker, bringt keine Spannung. Volker entwendet das gute Stück einfach so, weil er es kann und niemandem scheint es aufzufallen. Konsequenzen für die Geschichte? Keine. 

Dietz ist die einzige, wirklich herausgearbeitete Figur. Sie trägt die Erzählung. Volker kränkelt herum, schweigt, ist dabei. Mehr nicht. Währenddessen glänzt Acki durch körperliche Abwesenheit, erscheint anfangs nur in Dietz‘ Erinnerungen und soll doch die zentrale Figur sein, um die es bei dieser Buddy-Tour geht.

Die gesamt Erzählung wirkt darum wie ein „Warten auf Godot“ für Anfänger. Ihr fehlt Action, echte Konflikte und Identifizierungspotential mit den Charakteren. Das Schlimmste, was passieren kann, ist, dass Dietz und Volker nach dem Wochenende unverrichteter Dinge wieder den Heimweg antreten. Eine Heldenreise sieht anders aus.

Was Baitinger ausmacht

Max Baitinger ist in der deutschsprachigen und internationalen Comic-Szene kein Unbekannter. Als Zeichner und Szenarist gilt er machen als Meister der Zwischentöne. Seine Werke sind geprägt von lakonischem Humor, subtilen Absurditäten und visueller Entschleunigung.

Neben HALLIMASCH sind insbesondere seine Graphic Novels HEIMDALL und RÖHNER bekannt geworden. HEIMDALL setzt sich mit nordischen Sagenfiguren und ihren Brüchen auseinander, während RÖHNER das Alltagsleben und zwischenmenschliche Beziehungen seziert.

Baitinger’s Bildsprache ist reduziert, wirkt wie aus dem Handgelenk auf das Papier geworfen, die Striche mit wenigen Aquarellfarben flüssig gesetzt. Allerdings muss ich sagen: Diese Art der Darstellung spricht mich nicht wirklich an. 

Insbesondere die Aufarbeitung der Bewegungen, mit mehreren Armen und Beinen am gleichen Körper, in der Ausprägung nicht differenziert, sodass sich eine echte Bewegung lediglich erahnen lässt, haben mich in diversen Abschnitten eher verwirrt als begeistert. Falls, wie in einigen Kritiken nachzulesen, seine Stärke die Kunst des Weglassens ist, wird sie an diesen Stellen nicht gelebt.

Zeichentechnik und visuelle Ebenen

Baitinger arbeitet mit markant geometrischen Figuren, deren Reduktion mich zu kühler Distanz verleitet und nie wirklich mein Interesse an den Charakteren geweckt hat. Auch die einfach und einfarbig gehaltenen Bildebenen haben nicht dazu geführt, dass ich mich länger in einzelnen Darstellungen aufhalten wollte. Die 200 Seiten des Buches waren in einem Rutsch und innerhalb kürzester Zeit durchpflügt. 

Fazit

HALLIMASCH ist kein Comic, der mich auffordert, inne zuhalten, weder in der Handlung noch in der Wahrnehmung. Vieles bleibt an der Oberfläche, eine bewusste Verweigerung von Katharsis und erzählerischer Zuspitzung. Die Konzentration auf die kleinen Momente und subtilen Absurditäten des Alltags ist gleichzeitig Stärke und Schwäche des Werks: Einerseits schafft Baitinger eine oberflächliche Atmosphäre und damit eine Authentizität, die gut zum Thema passt. Andererseits riskiert er die Gefahr der Belanglosigkeit, wenn die Handlung auf kaum mehr als das Verstreichen eines Wochenendes hinausläuft.

Auch das Motiv der Freundschaft wird weitgehend als Idee verhandelt, weniger als gelebte Realität. Die Figuren bleiben rätselhaft, mögliche Antworten fragmentarisch.

Die visuelle Umsetzung wirkt durch ihre flache Geradlinigkeit, kann dadurch aber auch distanziert oder gar unterkühlt wirken. Für Strips-Leser und klassische Graphic-Novel-Fans bietet der Comic wenig spektakuläre Wendungen, aber viel Raum für stille Reflexion, falls wir das behandelte Thema interessant finden sollten.

P.S.

Der namensgebende HALLIMASCH – oder auch Honigpilz – gehört zu den Speisepilzen und ist ungekocht unbekömmlich. Auch können gelegentlich, trotz korrekter Zubereitung, Unverträglichkeitsreaktionen auftreten. – Ja, stimmt …

HALLIMASCH

© Reprodukt Verlag | Softcover | 200 Seiten | Zweifarbig

Storyline:  ★☆☆☆☆

Zeichnungen: ★★☆☆☆

Farben: ★★☆☆☆

Lettering: ★★☆☆☆

Humor: ★☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★☆☆☆

ISBN: 978-3-95640-448-1

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Das Werk ist eine dieser raren Entdeckungen, bei denen ich Seite um Seite langsamer lese, um das Ende hinauszuzögern. Einfach weil ich merke, dass hier etwas passiert, das ich in dieser Form selten erlebe: ein Comic, der warmherzig ist und gleichzeitig messerscharf, der poetisch ist, aber auch brutal ehrlich. Ein Comic, der sich visuell wie inhaltlich traut, unbequem zu sein.

Die Geschichte beginnt vor einem Kiosk in Kairo oder besser: es beginnen drei Geschichten. Drei, die sich nicht wie Zahnräder ineinander fügen, sondern eher wie drei Himmelskörper denselben Fixstern umkreisen. Es gibt Flaschen, darin Magie, aber keinen Dschinn, der nach der Befreiung Karawanen voller Geschmeide oder Kleidung ausspuckt.

Stattdessen sind Wünsche in dieser Welt reguliert, behördlich klassifiziert und – natürlich – teuer. Und gefährlich, wie man direkt zu Beginn sieht, als ein Werbespot vor den Fallstricken drittklassiger Wünsche warnt. „Hüte Dich vor Deinen Wünschen“, scheint der Spot auf seine ganz eigene, mit schwarzem Humor gespickte Art zu rufen. „Hüte Dich!“ Denn wenn Du es dem Wunsch überlässt, wie er Deine Sehnsüchte umsetzt, ist das Ergebnis im besten Fall nur unerwartet.

Drei Wünsche und ein Kiosk

Nach dieser ersten Einführung: Wer sind denn nun unsere handelnden Personen?

Da ist Shokry, der Ladenbesitzer, mit seinem wachen Blick und seiner inneren Zerrissenheit. Eine Figur, die nicht heldenhaft sein will, die aber Würde hat.

Und da ist Aziza, eine junge Frau, die sich jahrelang einen erstklassigen Wunsch zusammen spart, nur um beim Kauf daran erinnert zu werden, wie sehr das System gegen Menschen wie sie aufgebaut ist. Es schmerzt, das zu lesen.

Und dann ist da noch Nour. Ihm stellt sich die Frage, was der „richtige“ Wunsch ist. Justiere ich mein Glück per Knopfdruck? Oder besteht das Leben darin, eben nicht alles kontrollieren zu können? Nour hat keine einfache Antwort. Und ich als Leser auch nicht.

Was SHUBEIK LUBEIK für mich einzigartig macht ist, dass dieses Kairo kein Postkarten-Kairo ist. Es ist kein orientalisierter Hintergrund für westliches Storytelling. Es ist lebendig, es ist widersprüchlich, verrückt, kaputt und vor allem in seiner gezeigten Magie realistisch und in seiner Realität ein wenig magisch.

Geschichten, die sich weigern, einfach zu sein

Was ich an der erzählerischen Struktur von SHUBEIK LUBEIK schätze, ist, dass mich die Geschichte ernst nimmt. Kein überhasteter Spannungsaufbau, keine Marvel-Formel, kein Pseudo-Klimax. Deena Mohamed nimmt sich Zeit für ihren Geschichten, gibt ihnen Luft, gibt ihnen Grauzonen.

Das fühlt sich manchmal fast ein wenig trotzig an und kreiert ein Comic, der sich dem Page-Turner-Diktat entzieht, ohne dabei träge zu sein. Meine europäischen Lesegewohnheiten muss ich hier sowieso umstellen, weil der Comic – wie ein Manga – ganz arabisch von hinten nach vorne gelesen werden will. Auch dies trägt aktiv zu Entschleunigung bei. Ich trage also meine Pantoffel statt meiner Straßenschuhe und bewege mich gemächlich durch die Geschichte(n). Aber ich schweife ab.

Wo war ich? Ach, ja! Drei Figuren, drei Perspektiven auf das Wünschen. Sie berühren sich, kreuzen sich ein wenig, aber nie so, dass man auf einen gemeinsamen Showdown hofft. Denn das wäre das Falsche. Diese Geschichten wollen nicht zusammengeführt, sondern verstanden werden. Jede für sich, jede mit ihrer eigenen Wucht. Wie in den märchenhaften Geschichten aus 1000-und-einer-Nacht.

Keine Magie ohne Antrag

Mich hat beeindruckt, wie Deena Mohamed die Machtstrukturen, die der Wunschhandel mit sich bringt, so beiläufig einflicht, dass ich sie fast überlese und mich dann plötzlich dabei erwische, wie ich mich frage: Wer darf hier eigentlich etwas wünschen? Wer kann sich das leisten? Und warum?

Formal nutzt Mohamed eine Art Dokumentarstil, eine gewisse Werbeästhetik und sogar manchmal staatlich wirkende Bilder. Ein Wunsch ist nicht einfach eine Entscheidung des Herzens. Er ist eine öffentliche Angelegenheit, verwaltet, reguliert, bürokratisiert und hier und da auch boykottiert. Schließlich haben Wünsche Konsequenzen. Nicht nur für die Person, die sich etwas wünscht. All das macht Deena Mohamed mir ohne erzählerischen Zeigefinger sichtbar.

Auf ganz leise Weise stellt SHUBEIK LUBEIK die große Frage: Was passiert, wenn das größte Versprechen überhaupt – nämlich dass Du alles sein kannst – tatsächlich real würde? Die Antwort darauf ist so bitter, klug und humorvoll wie das Leben eben ist.

Keine Helden, nur Menschen mit Wünschen

Aziza hat mich gepackt. Ihre Geschichte ist ein leiser Schlag in die Magengrube. Sie besitzt Stolz, Verletzlichkeit, einfache Träume und den fiebrigen Glauben an Gerechtigkeit. Und wie sie von einem System behandelt wird, das nette Formulare hat, aber kalte Augen. Sie ist keine tragische Figur, sondern eine starke Frau, deren Geschichte stellvertretend für viele andere steht.

Shokry ist dem gegenüber nicht der Archetyp des moralischen Helden, sondern ein Zweifler vor dem Herrn. Ein Typ, der viel denkt und wenig spricht. Der seinen Frieden will, ihn aber nicht erhält, ohne zu handeln. Ich kenne Menschen wie ihn und ich finde es großartig, wie der Comic ihn zeigt.

Und zu Nour muss sich sowieso jeder selbst seine eigenen Gedanken machen.

Jeder Wunsch hat sein Gesicht

Auch die Nebenfiguren bekommen ihren Raum. Selbst Menschen, die in nur drei Panels zu sehen sind, scheinen zu leben und wirken wie echte Existenzen. Und wieder schwingen unausgesprochene Fragen mit: Warum lebt diese Frau allein? Woran glaubt dieser Verkäufer? Wozu braucht dieses Kind einen drittklassigen Wunsch?

Deena Mohamed nimmt dem Schwarz-Weiß die Macht. Alle sind schattiert, grau, voller Sehnsüchte, voller Zweifel und manchmal auch voller Komik.

Die Frau, die Wünsche zeichnete

Ich bin ehrlich: Ich habe Deena Mohamed gegoogelt, noch bevor ich die letzte Seite von SHUBEIK LUBEIK umgeblättert hatte. Wer ist diese Frau, die es schafft, systemische Kritik so charmant, komplex aber greifbar in Szene zu setzen?

Deena Mohamed ist keine Newcomerin im eigentlichen Sinne. Bereits mit dem Web-Comic QAHERA hat sie sich in der Comic-Welt einen Namen gemacht, mit einer Hijabi-Superheldin gegen Sexismus und Islamophobie. Doch mit SHUBEIK LUBEIK hebt sie sich noch einmal auf eine andere Ebene. Es ist nicht mehr Protest mit Cape, sondern poetischer Realismus mit Prüfsiegel.

Die arbeitsreichen Jahre sieht man dem Comic an. Nichts scheint unter Zeitdruck entstanden zu sein, wirkt gehetzt. Alles scheint durchdacht und ausgearbeitet zu sein. Und genau das macht den Band besonders. Mohamed erzählt mit Neugier, nicht mit dem Zeigefinger. Sie interessiert sich wirklich für „ihre“ Menschen, nicht nur für deren Positionen und das Sujet.

Eine Stimme aus Kairo mit globalem Echo

Mohamed besitzt die Fähigkeit, westliche und arabische Sehgewohnheiten zu mischen, ohne sich anzubiedern. Sie bleibt bei sich, bei ihrem Kairo und ihrer Sprache. Ich hoffe, dass wir noch viel von ihr sehen werden.

Denn wenn Comics klug sind, universell und ehrliche Fragen stellen, dann ist da noch viel Luft nach oben.

Bilder, die zwischen den Zeilen sprechen

Ich kann mich nicht erinnern, wann mich ein Comic zuletzt beim Blättern so häufig innehalten ließ. Anfangs wegen der mangaesken bzw. orientalischen Leserichtung von hinten nach vorne und rechts nach links. Nicht wegen der Effekte. Sondern weil ich einfach das jeweilige Bild anschauen wollte. Eine Straßenszene, ein schweigender Blick, eine überzeichnete Werbetafel für Billigwünsche.

Deena Mohamed zeichnet teils schlicht, dann aber wiederum genau und gekonnt. Sie erzählt. Und das ist ein Unterschied. Ihr Stil ist ruhig, fast dokumentarisch, dabei voller Details. Wenig Action, viel Atmosphäre. Und genau das passt zur dieser Welt, die sie uns zeigt. Kairo lebt aus jedem Panel. Zwischen Südwind und Dreck, zwischen Tee und Alpträumen liegt hier eine ganze Gesellschaft auf dem Papier.

Sehnsucht in Schwarz-Weiß

Besonders kraftvoll und experimentell wird es, wenn die Realität bricht, in Nour’s inneren Monologen, bei Wunschübungen oder in symbolischen Sequenzen. Dann kaschiert Mohamed Farben, schichtet Panels übereinander, durchbricht die Seite. Dabei ist sie nie aufdringlich. Ich hatte jedes Mal das Gefühl, dass alles genau so passiert. Nicht hübsch, aber richtig.

Manche von uns mögen sich mehr Dynamik wünschen. Ich persönlich fand die Zurückhaltung eine Wohltat. SHUBEIK LUBEIK fordert, aber es drängt nicht. Es kümmert sich mehr um das Gefühl als um den Effekt.

Eine Welt, die verdächtig echt wirkt

Was mich nicht loslässt ist, wie realistisch diese fantastische Welt ist. Ja klar, es gibt Wünsche in Flaschen. Aber darauf ist kein Feenstaub, darin kein orientalistischer Schnick-Schnack. Stattdessen Verwaltung, Regeln, dubiose Schwarzmarktgeschäfte, Werbung, Misstrauen. Diese Gesellschaft glaubt nicht mehr an das Wunder, sie hat es in Paragraphen gezwängt.

Ich habe oft an unsere Realität gedacht. An Leistungsgesellschaft und Selbstoptimierung, an das Ideal, alles haben zu können, wenn man nur will. SHUBEIK LUBEIK seziert diesen neo-liberalen Trugschluss mit ägyptischem Anstrich, aber es funktioniert global. In Berlin genauso wie in Beirut. Denn wer von uns hat nie gedacht „Wenn ich nur einmal WIRKLICH könnte…“?

Mohamed liefert die Wunschmaschine, aber sie zeigt auch die Zwischentöne, die Gier und die Angst, die Sprachlosigkeit, die Religion, das Kapital und den Kolonialismus: alles steckt in diesen Flaschen. 

Fazit

Ich lege das Buch zur Seite, schwer im Gewicht, schwer aber auch im Inhalt. Und ich denke: Wenn das die Zukunft des Comics ist, dann bin ich dabei.

SHUBEIK LUBEIK – DEIN WUNSCH IST MIR BEFEHL ist eines dieser Werke, das bleiben wird. Nicht nur wegen der Idee der Wunschflaschen. Sondern weil es sich traut, Fragen zu stellen, bei denen andere nur Antworten liefern wollen.

Es ist auch ein Statement, dass Comics mehr können als Action oder Autobiografie. Sie können Worldbuilding, Philosophie, Empathie und das alles in einem Format, das sich fantastisch anfühlt.

Fast hätte ich dieses Kleinod übersehen. Irgendwer scheint aber den Wunsch gehabt zu haben, dass ich es lese. Wer eine Alltagsflucht mit Tiefgang sucht, landet bei diesem Comic einen Glückstreffer. 

Für mich war das keine Lektüre, sondern ein Besuch. In einer Stadt, die ich noch nicht gesehen habe, unter Menschen, die ich nicht kannte, die mir aber plötzlich vertraut erschienen. Und in einer Geschichte, die mich selbst herausgefordert hat. Was würde ich mir eigentlich wünschen, wenn es möglich wäre?

„SHUBEIK LUBEIK – Was ist Dein Begehr?“ „Ich wünschte mir einen zweiten Band…“

SHUBEIK LUBEIK – DEIN WUNSCH IST MIR BEFEHL

© Schreiber und Leser Verlag | Hardcover | 528 Seiten | S/W und Farbe

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★☆☆☆☆

Lettering: ★★★☆☆

Humor: ★★★☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆

ISBN: 978-3-96582-199-6

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Auch in deutschen Buchhandlungen, Drogerien oder Einkaufsläden finden sich neben den üblichen Waren immer öfter Ständer mit den aktuellsten Bilderbüchlein erfolgreicher, asiatischer Serien. Immer wenn ich vor einer solchen Wand mit Dutzenden Bänden stehe und die Trennschilder mit den unterschiedlichen Kategorien sehe, fühle ich mich von dieser Vielfalt erschlagen. Was ist das alles? Ist das alles etwas für mich? Oder nur bestimmte Ausgaben? Wer soll denn da den Überblick behalten? Manga? Manhwa? Shōnen? Häää?

So ging das nicht weiter. Also habe ich mich als alternder Comic-Begeisterter ohne Zugang zur MANGA-Welt einmal auf den Weg gemacht, um mir die Unterschiede anzuschauen. Man(n) lernt schließlich nie aus. Also:

MANGA bedeutet frei übersetzt etwa „flüchtige Bilder“ und ist heute nicht nur eine Kunstform, sondern ein globales Phänomen. Ob Jugendliche in Europa, junge Erwachsene in den USA oder Leserinnen und Leser in Lateinamerika: Überall finden sich Fans, Costume Player (= Cosplayer) und MANGA-Clubs. Was dabei oft vergessen wird, Japan ist zwar das Ursprungsland, aber längst nicht das einzige Land mit einer lebendigen Comic-Kultur: in Korea gibt es die MANHWA (만화) und in China die MANHUA (漫画), die beide in den letzten zwei Jahrzehnten stark an internationalem Gewicht gewonnen haben.

Bildergeschichten, die um die Welt gingen

Dieser Blogbeitrag nimmt Dich mit auf eine kleine Weltreise durch die Bildgeschichten Asiens. Fangen wir mit der Entstehungsgeschichte an und klären, warum MANGA heute nicht mehr nur Lesestoff, sondern ein Lifestyle geworden sind. Keine Angst: Du musst weder japanische Grammatik meistern noch ein Kalligrafie-Diplom haben. Alles kommt leicht verdaulich serviert und ideal für – uns – Neulinge, die sich wie ich fragen, ob „Shojo“ eine Nudelsorte oder doch eine MANGA-Gattung ist.

Von buddhistischen Rollbildern bis Astro Boy

Die Wurzeln des MANGA führen weit zurück. Streng genommen finden sich erste bildhafte Erzählungen bereits im 12. Jahrhundert. Hierbei handelt es sich um sogenannte „Emakimono“, lange Bildrollen, die Szenen aus dem Alltag oder der Religion darstellen. Besonders berühmt ist das „Choju-giga“, eine Bilderrolle mit tanzenden Fröschen und Kaninchen, die bereits erstaunlich komisch wirkt. Man könnte sagen, dass es sich hierbei um den ersten Cartoon-Slapstick Japans handelt, nur ohne Streaming-Abo.

Im 18. und 19. Jahrhundert kam der Farbholzschnitt Ukiyo-e auf, jene schönen Drucke von Geishas und Landschaften, die heute in Museen hängen. Einer der wichtigsten Vertreter, Katsushika Hokusai, benutzte erstmals den Begriff MANGA, um seine lockeren Skizzen zu betiteln.

Doch erst im 20. Jahrhundert nahm das MANGA-Phänomen richtig Fahrt auf. Nach dem Zweiten Weltkrieg brannte Japan auf Ablenkung und Unterhaltung. Hier trat Osamu Tezuka auf den Plan, der von Fans ehrfürchtig auch der Gott des MANGA genannt. Mit seinem Werk ASTRO BOY (im Original TETSUWAN ATOMU) erschuf er einen Science-Fiction-Helden, der nicht nur kindgerecht war, sondern auch komplexe moralische Fragen stellte. Tezuka revolutionierte die Panelgestaltung, ließ die Bilder filmisch fließen und setzte damit Maßstäbe, die bis heute gelten.

Spätestens ab den 1960er-Jahren wurde MANGA ein Massenphänomen, mit dicken Wochenausgaben, die Millionenauflagen erreichten. Von diesem Fundament aus breitete sich die Kunstform in alle Genres und Zielgruppen aus – und zur Überraschung des Westens bald auch weit über die japanische Insel hinaus!

MANGA erobern die Welt

Während MANGA in Japan längst zum Alltag gehörten, war der Westen zunächst skeptisch. In den 1980er- und 1990er-Jahren schwappte die Welle zuerst durch Anime-Serien im Fernsehennach Europa und Nordamerika. Wer heute zwischen 25 und 40 ist, erinnert sich sicher an Nachmittage mit SAILOR MOON, DRAGON BALL oder POKEMON. Meist kamen diese Geschichten zuerst als Anime (eine Art asiatischer Zeichentrickfilm), bevor man entdeckte „Moment – DAS gibt’s ja auch als MANGA!“

Parallel dazu erwachten auch andere asiatische Länder. In Südkorea entwickelten sich MANHWA, die anfangs noch stark japanisch inspiriert waren, aber sehr schnell eigene Wege gingen. Heute gibt es vor allem die digitalen Webtoons, die man bequem mit vertikalem Scrollen statt klassischem Umblättern auf dem Smartphone liest. Titel wie SOLO LEVELING oder TOWER OF GOD wurden globale Erfolge.

Und dann natürlich China. Obwohl dort die Comic-Kultur durch politische Zensur manches Mal gebremst wurde, entstanden großartige MANHUA, die sich oft historischen Stoffen widmen oder bei Martial-Arts-Themen bedienen. Serien wie THE KING’S AVATAR oder BATTLE THROUGH THE HEAVENS zeigen, dass chinesische Künstler längst ein internationales Publikum ansprechen.

Heute ist die Lage klar: Was früher eine exotische Nische war, ist zum Mainstream geworden. Nicht selten finden sich MANGA in den Bestsellerlisten neben Romanen von Literaturnobelpreisträgern. Und wenn man bedenkt, dass NETFLIX Serien wie ONE PIECE oder YU YU HAKUSHO (ein Geisterdetektiv jagt Dämonen) als Realfilm-Adaptionen produziert, ist klar: Das Bilderlesen aus Asien ist längst zu einem maßgeblichen Teil der globalen Popkultur aufgestiegen.

Shōnen: Die Helden der Jugend

Zeit für die Stil-Richtungen! Beginnen wir mit dem Shōnen (少年, wörtlich Junge). Wie der Name schon verrät, richtet sich dieses Genre primär an Jungs zwischen etwa 12 und 18 Jahren, wobei längst auch Millionen Mädchen und Erwachsene mitlesen.

Was kennzeichnet Shōnen? Ganz klar Action, Abenteuer, Freundschaft und Durchhalteparolen. Der typische Held ist jung, hat große Träume, beginnt als Außenseiter und kämpft sich mit Entschlossenheit nach oben. Oft gibt es Rivalen, härter werdende Gegner und natürlich epische Kämpfe. Der Soundtrack dazu läuft quasi im Kopf automatisch mit.

Beispiele für diese Richtung sind DRAGON BALL von Akira Toriyama (Goku und seine Freunde auf der Suche nach mystischen Kugeln), NARUTO von Masashi Kishimoto (ein Junge, der Dorfoberhaupt werden möchte, meistert dabei Ninja-Fähigkeiten) oder ONE PIECE von Eiichirō Oda (die neben dem FLUCH DER KARIBIK wohl bekannteste Piratenabenteuergeschichte unserer Zeit, die inzwischen seit Ende der 1990er-Jahre andauert).

Die Formel dahinter ist einfach, aber wirkungsvoll: Helden müssen nicht perfekt sein – solange sie nicht aufgeben!

Shōnen hat den MANGA international bekannt gemacht. Es gibt sogar ein eigenes Magazin, das „Shōnen Jump“, das seit Jahrzehnten das epische Sprungbrett für unzählige Serien ist.

Shōjo: Liebe, Glitzer, Freundschaft

Auf der anderen Seite gibt es Shōjo (少女, Mädchen). Dieses Genre richtet sich nominell an Mädchen und junge Frauen im Teenager-Alter. Aber auch hier gilt, dass die Grenzen fließend sind und Jungs die Stoffe längst genauso begeistert lesen.

Shōjo bedeutet bunte Welten, elegante Zeichnungen, große Augen (ja, noch größer!) und Emotionen, die von himmelhoch jauchzend bis zu Tode betrübt reichen. Typische Themen sind Freundschaft, erste Liebe, Selbstfindung, sowie manchmal Magie und Zauber.

Berühmte Beispiele sind SAILOR MOON von Naoko Takeuchi (Magische Mädchen in Schuluniformen, die gegen das Böse kämpfen und dabei gleichzeitig Mathe-Tests bestehen müssen), FRUITS BASKET von Natsuki Takaya (eine romantische Komödie mit einer Familie, die durch einen Fluch in Tiergestalten verwandelt wird) oder OURAN HIGH SCHOOL HOST CLUB von Bisco Hatori (ein ironisches Spiel mit Rollenbildern, Liebe und Verwechslungen in einem Eliteschulclub).

Shōjo-MANGA sind ein großer Exporterfolg, nicht zuletzt, weil sie oft universelle Themen wie Selbstfindung oder erste Liebe behandeln. Zudem überschneiden sie sich immer öfter mit Shōnen-Elementen. Heute gibt es starke Heldinnen, Action-Szenen und komplexe Handlungsstrukturen, die weit über das alte Mädchen-trifft-Junge-Schema hinausgehen.

MANGA für Erwachsene: Seinen …

Doch MANGA sind keineswegs nur für Jugendliche gedacht. Ab einem gewissen Alter will man vielleicht keine Schuluniformen oder Superkräfte mehr sehen, sondern Geschichten, die näher an der Realität sind. Hier kommen zwei weitere Sparten ins Spiel: Seinen (青年, junger Mann) und Josei (女性, Frau).

Seinen richtet sich an Männer ab etwa 18 Jahren, oft mit dunkleren, komplexeren Themen. Gewalt, Politik, Gesellschaftskritik oder tiefe psychologische Analysen sind normal.

Beispiele hierfür sind Serien wie BERSERK von Kentarō Miura (ein düsteres Fantasy-Epos um den Schwertkämpfer Guts, bei dem Schauspieler Kenau Reeves Vorbild ist, brutal, tragisch und künstlerisch monumental), MONSTER von Naoki Urasawa (ein Thriller, der in Deutschland spielt und Fragen nach Moral und Schuld stellt) oder GHOST IN THE SHELL von Masamune Shirow (Cyberpunk, Künstliche Intelligenz und philosophische Identitätsfragen).

… und Josei

Josei dagegen richtet sich an ein erwachsenes weibliches Publikum und zeigt oft Liebesgeschichten mit realistischem Blick auf Beziehung, Beruf und Alltag.

Beispiele sind NANA von Ai Yazawa (über Freundschaft, Liebe und die Höhen und Tiefen der Jugend in Tokio) oder HONEY AND CLOVER von Chika Umino (eine bittersüße Geschichte um Studenten, erste Jobs und das Erwachsenwerden).

Beide Kategorien zeigen, dass MANGA genauso tiefgründig, komplex und literarisch sein können wie klassische Romane oder Filme.

MANHWA: Koreas Webcomic-Wunder

Nun richten wir den Blick nach Korea. MANHWA bedeutet dasselbe wie MANGA, also schlicht „Comic“. Aber die moderne MANHWA-Szene unterscheidet sich deutlich von der japanischen.

Besonders prägend war die digitale Revolution. Während in Japan lange klassische Taschenbücher dominierten, setzte Korea früh auf Online-Plattformen. Webtoons boomten. Man scrollt auf dem Handy einfach endlos weiter, Panels sind für vertikale Darstellung optimiert und Farben sind Standard statt Ausnahme.

Berühmte Beispiele sind TOWER OF GOD von SIU (ein epischer Fantasy-Aufstieg durch einen mysteriösen Turm), SOLO LEVELING von Chugong (ein schwacher Jäger, der plötzlich beispiellose Kräfte erhält) oder THE BREAKER (ein Martial-Art-MANHWA, der Spannung und Humor verbindet).

MANHWA sind international nicht nur als Lesevergnügen beliebt, sondern oft als Grundlage für K-Dramen. Manche Webcomics werden eins zu eins als Realserien umgesetzt, wodurch die Reichweite faktisch explodiert.

Korea hat damit einen eigenen Weg gefunden. Während MANGA historisch gewachsen und verwurzelt sind, wirkt MANHWA wie das Kind des Digitalzeitalters, flexibel, global und mobil-first.

MANHUA: Bilder aus dem Reich der Mitte

China blickt auf eine lange Tradition bildlicher Erzählkunst zurück, von Tuschezeichnungen bis hin zu politischen Karikaturen. Der Begriff MANHUA (漫画) existiert wie der japanische MANGA schon lange und wurde in der Moderne vor allem für Comics verwendet.

Lange Zeit stand die Szene unter strenger staatlicher Aufsicht, weshalb die verarbeiteten Themen oft vorsichtiger gewählt wurden. Doch seit den 2000er-Jahren entwickelt sich auch im Land der Mitte eine lebendige, eigenständige Comic-Szene.

Viele MANHUA basieren auf Online-Novels (Romane, die kapitelweise im Internet veröffentlicht werden) und tragen stark romantische, historische oder fantastischen Züge.

Bekannte Beispiele sind THE KING’S AVATAR von Quan Zhi Gao Shou (über einen E-Sport-Profi, der sich ins Gaming zurückkämpft), BATTLE THROUGH THE HEAVENS von Dou Po Cangqiong (ein opulentes Fantasy-Abenteuer mit Martial Arts) oder FOX SPIRIT MATCHMAKER (romantisch, verspielt und enorm populär in Asien).

Während MANGA und MANHWA noch stärker in Serien- und Printformaten gedacht wurden, vernetzen sich MANHUA schnell mit Animation und Online-Plattformen. Chinesische Werke erreicht man heute weltweit über Streamingdienste oder Übersetzungen im Netz. Damit schließt China in Riesenschritten zu dem einstmals japanisch dominierte Comic-Universum auf.

Und wer Manhwa und Manhua immer noch nicht auseinander halten kann, merkt sich einfach das „W“ der Webtoons der Koreaner in Manh(w)a und … Zack, Eselbrücke fertig! (auf japanisch: Nīmonikku kansei ニーモニック完成！)

MANGA als globales Kulturerbe

Am Ende unserer Reise wird klar: Ob Shōnen-Piraten, Shōjo-Zauberinnen, düstere Seinen-Fantasy oder scrollbare Webtoons: Asien’s Bildergeschichten sind ein eigener Kosmos. Was als „seltsame Zeichnerei“ begann, ist heute Mainstream-Kultur.

MANGA, MANHWA und MANHUA funktionieren wie Spiegel der Gesellschaften, in denen sie entstehen. Während MANGA mit ihrer Vielseitigkeit jahrzehntelang die Blaupause lieferten, zeigen MANHWA, wie ein Land seine digitale Innovation in Popkultur umsetzt. MANHUA wiederum fügen eine Mischung hinzu aus Onlinekultur, Tradition und staatlichem Rahmen, manchmal gebremst, manchmal überraschend frei.

Alle zusammen bilden sie einen kulturellen Export, der weit über buntes Papier hinausgeht. Sie beeinflussen Mode, Musik, NETFLIX-Produktionen und sogar die Sprache Jugendlicher weltweit.

Und egal, ob man mit DRAGON BALL aufgewachsen ist, gerade SOLO LEVELING durchscrollt oder sich für die nächste K-Drama-Anpassung eines MANHUA freut, man ist Teil einer globalen Fangemeinde. Eine, die zeigt: Geschichten brauchen keine Grenzen, solange sie großartige Bilder haben. Und diese Gemeinschaft mit der ihr eigenen Subkultur aus Cosplayern tritt seit Jahren auf Comic- und Manga-Messen, aber auch auf Düsseldorf’s Japan-Tag verstärkt in Erscheinung.

Ich selbst habe nur einen MANGA wirklich gelesen, verschlungen um ehrlich zu sein: HIKARU NO GO (ein Junge wird vom Geist eines GO-Meister besessen und lernt das Spiel, obwohl er hierzu eigentlich keine Lust hat und bringt es zur Meisterschaft). Aber das lag damals wohl an meiner Begeisterung für das Spiel…

Also: Wer sich je fragte, ob MANGA nur „Kinderkram“ ist, darf beruhigt sein. Es ist längst Weltliteratur in Bildern. Nur mit mehr Laserstrahlen, fliegenden Fäusten und romantisch funkelnden Augen. Comics haben da in unserer Welt leider immer noch einen schweren Weg vor sich …

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