Ich liebe diese Mischung aus strenger Ordnung, gedämpften Farben, hölzernen Häusern, heißen Badehäusern, höfischer Etikette und plötzlicher Gewalt. Da reicht bei mir schon ein verschneiter Weg zwischen Papierwänden und Laternenlicht und ich sitze etwas gerader vor dem Bildschirm. Bei BLUE EYE SAMURAI kam noch etwas dazu. Diese Serie sieht nicht einfach nur schön aus, sie starrt geradezu zurück.

Schon die ersten Minuten haben mich gepackt, weil hier nichts harmlos eingeführt wird. Mizu, die Hauptfigur, tritt nicht als Heldin auf, die um Zuneigung bittet. Sie kommt aus der Kälte und trägt ihre Wut wie eine zweite Haut mit sich herum. Und sie hat diese blauen Augen, die in ihrer Welt nicht als Besonderheit gelesen werden, sondern als Makel. Als Beweis, dass sie nicht hineinpasst, nicht hineinpassen darf.

Die erste Staffel erschien 2023 auf Netflix, umfasst acht Folgen und stammt von Amber Noizumi und Michael Green. Netflix führt die Serie als erwachsene Action-Animation, angesiedelt im Japan der Edo-Zeit. Die zweite Staffel befindet sich derzeit offiziell in Produktion.

Die Stroyline klingt nach Rachegeschichte und das ist es auch. Aber es ist die gute, gefährliche Sorte Rachegeschichte. Eine, bei der ich zwar auf den nächsten Kampf warte, aber zugleich immer stärker spüre, was die bisherigen Kämpfe aus der Figur gemacht haben. Mizu schneidet sich durch Gegner, Mauern und Lügen. Doch der tiefste Schnitt geht nach innen.

Ein verschlossenes Land, ein unerlaubtes Gesicht

Der historische Rahmen ist hier kein Postkarten-Japan. BLUE EYE SAMURAI spielt im 17. Jahrhundert, in einer Zeit, in der Japan den Kontakt zur Außenwelt streng begrenzte. Netflix’s eigenes Hintergrundmaterial zur Serie verweist auf diese Abschottung und auf die starke Kontrolle westlicher Einflüsse. Genau daraus zieht die Serie ihre Härte. Mizu’s blaue Augen sind nicht bloß ein auffälliges Detail. Sie machen ihren Körper zum Vorwurf. Jeder Blick auf sie kann zur Anklage werden.

Das ist erzählerisch stark, weil die Serie aus einem historischen Zustand eine ganz persönliche Bedrohung formt. Ich muss kein Fachbuch über die Edo-Zeit gelesen haben, um zu verstehen, warum Mizu sich versteckt. Die Welt erklärt es mir durch zuschlagende Türen, durch Blicke, durch Tusche, Stoffe, Waffen und gelebte soziale Regeln. Sie erklärt es mir auch durch das Schweigen. Diese Gesellschaft ist eng gebaut. Wer nicht passt, wird nicht vorsichtig beiseitegeschoben. Wer nicht passt, wird markiert.

Zur Entstehung gehört außerdem ein spürbarer Anspruch der Macher an Genauigkeit. Für Kleidung, Orte, Esskultur, Schrift und soziale Details wurden Fachleute einbezogen. Das merkt ich weniger an einzelnen Dingen als am Gesamtgefühl. Die Serie wirkt nicht wie ein dekorierter Actionspielplatz. Sie hat Schwere, Räume fühlen sich bewohnt an, Küchen, Werkstätten und Bordelle, Burgen und Straßen erzählen etwas über Rang, Begehren und Angst.

Auch die Produktionsform ist interessant. Das französische Studio Blue Spirit beschreibt die Serie als CGI-Animation mit 2D-Hintergründen. Die Figuren bewegen sich körperlich und wuchtig, während die Hintergründe oft eine malerische Ruhe haben. Diese Spannung zwischen Bewegung und Bildfläche gibt dieser Serie ihren eigenen Ton.

Mizu oder wie aus Scham eine Klinge wird

Mizu sucht vier weiße Männer, die zur Zeit ihrer Geburt illegal in Japan waren. Einer von ihnen ist ihr Vater. Für sie ist das jedoch kein Stammbaum, sondern ein Fluch. Sie sieht ihr eigenes Gesicht als Beweis einer Schuld, die sie nie begangen hat. Daraus entsteht ihr Ziel. Sie will diese Männer finden. Sie will sie töten und damit den Ursprung ihres Lebens auslöschen, weil dieses Leben ihr von Anfang an als Schande vorgeworfen wurde.

Die Serie erzählt diesen Wunsch nicht als sauberen Motor. Mizu wirkt nicht frei, weil sie kämpft. Sie wirkt gebunden, tarnt ihre Augen, lebt als Mann und sie versteckt ihren Körper, ihre Herkunft und jede weiche Stelle. Ich habe schnell verstanden, warum sie das tut. Trotzdem tut es weh, ihr dabei zuzusehen. Sie hat sich eine mentale Rüstung gebaut, die sie schützt und zugleich einsperrt.

Besonders stark ist, dass Mizu nicht sympathisch sein muss, um mich zu interessieren. Sie ist hart, abweisend, manchmal sogar grausam. Sie stößt Menschen weg, die ihr helfen wollen und benutzt andere, wenn sie ihrem Ziel dienen. Doch die Serie lässt mich nie vergessen, dass diese Härte erlernt ist. Mizu wurde nicht als Legende geboren. Sie wurde klein gemacht, gejagt, verhöhnt und ausgeschlossen. Aus diesem Abfall der Gesellschaft schmiedet sie sich selbst.

Ringo bringt Wärme in die Kälte

Dann ist da Ringo. Er könnte leicht zum Comic-Relief verkommen. Ein junger Mann ohne Hände, mit großem Herzen, großem Hunger und dem Wunsch, ein großer Koch zu werden. Er hängt sich an Mizu, weil er in ihr eine Meisterin sieht. Vielleicht sieht er sogar mehr als das. Vielleicht sieht er die Möglichkeit, dass Größe nicht so aussehen muss, wie andere sie erwarten.

Ringo ist wichtig, weil er die Serie zwischendurch aufatmen lässt. Durch ihn kommt eine gewisse Wärme hinein, ohne dass die Geschichte weichgespült dadurch wirkt. Seine Begeisterung hat etwas Kindliches, aber nicht Dummes. Er glaubt an Ehre, Lernen und Freundschaft, obwohl die Welt ihm ebenfalls wenig Grund dazu gibt. Neben Mizu wirkt er wie eine Laterne in einem Schneesturm. Nicht hell genug, um alles zu erleuchten. Aber hell genug, damit ich sehe, wie dunkel es wirklich ist.

Auch Taigen gehört in dieses Geflecht. Er war einst Teil von Mizus Demütigung und wird später selbst gedemütigt. Sein Stolz ist fast komisch groß, bis die Serie zeigt, wie verletzlich er unter seiner Fassade ist. Taigen will Ruhm, Anerkennung, Rang – und Akemi. Er will der Mann sein, für den andere ihn halten sollen. Im Kontakt mit Mizu bricht dieses Bild immer wieder auf. Gerade dadurch wird er spannender als der übliche Rivale mit Schwert und schlechter Laune.

Akemi kämpft mit Seide statt Stahl

Akemi lebt in einer anderen Welt als Mizu. Sie ist reich, schön, begehrt – und eingesperrt. Ihr Käfig ist kein schmutziger Hinterhof, sondern ein vornehmes Haus. Die Stäbe bestehen aus Erwartungen, Heiratsplänen und höflicher Gewalt. Ihr Vater will sie politisch verheiraten. Sie selbst will Taigen. Vor allem aber will sie entscheiden dürfen, was aus ihr wird.

Ich mochte Akemi von Folge zu Folge mehr. Zuerst scheint sie wie eine Nebenfigur aus einem höfischen Handlungsstrang, der als Kontrast zu Misu’s Welt erzählt wird. Dann wächst sie. Nicht, weil sie plötzlich mit dem Schwert alles niedermäht. Die Serie macht etwas Besseres. Sie zeigt, wie Akemi Macht dort sucht, wo sie für eine junge Frau erreichbar ist: in Gesprächen, in Blicken, in ihrer Wirkung auf andere und in Momenten, in denen sie selbst unterschätzt wird.

Dadurch entsteht ein schöner Gegenpol zu Mizu. Beide Frauen sind Gefangene ihrer Rollen. Mizu muss sich als Mann ausgeben, um überhaupt handlungsfähig zu sein. Akemi soll als Frau vor allem wertvoll aussehen. Beide begreifen, dass Gehorsam ihnen keinen Schutz bringt. Ihre Wege unterscheiden sich folglich radikal. Trotzdem erzählen sie von demselben Hunger nach „Ich will selbst bestimmen, wer ich bin!“.

Im Laufe der Staffel verschränken sich diese Wege mit Fowler’s Plänen, mit Taigens verletztem Ehrgefühl und mit Mizu’s unerbittlicher Jagd. Dabei kippt die Serie nie in eine reine Abfolge von Kämpfen. Jede Station verändert eine Figur. Jeder Kampf hinterlässt mehr als Leichen. Am Ende steht Mizu vor Fowler, Edo brennt und die Rache, die so klar schien, wird schmutziger. Sie tötet ihn nicht, sie braucht ihn. Der Weg führt weiter, hinaus aus einem abgesperrten Japan, Richtung London. Das ist ein starkes Ende, weil es nicht erlöst. Vielmehr wird die Mizu auch dort nicht dazugehören, denn sie wird wieder zu einer Fremden, nur diesmal zusätzlich in einer fremden Umgebung.

Ist das nun Anime?

Die Frage, ob BLUE EYE SAMURAI ein Anime ist, wirkt zunächst wie ein Streit für Menschen, die ihre Regale sehr genau sortieren. Trotzdem lohnt sie sich, denn sie führt mitten hinein in das, was diese Serie ausmacht.

Im engeren Sinn meint Anime Animation aus Japan. Nach dieser Herkunftsdefinition ist die Serie kein klassischer Vertreter dieses Genres. Sie wurde von Amber Noizumi und Michael Green geschaffen, für Netflix produziert und mit maßgeblicher Arbeit des französischen Studios Blue Spirit umgesetzt. Ich würde sie als Actionserie, Abenteuerserie und Animation für Erwachsene beschreiben.

Gleichzeitig wäre eine knappe Ablehnung dann doch zu einfach. Denn die Serie steht sichtbar im Austausch mit japanischer Erzähltradition, Samurai-Filmen, Manga-Bildgefühl und erwachsener Animationskunst. Sie übernimmt aber nicht nur Oberflächen, keine großen Kulleraugen, keine schnellen Stilzitate, kein Kostümfest mit Katana. Stattdessen sucht sie – wie Mizu – ihren eigenen Weg. Ihre Bilder erinnern mal an Holzschnitt und Tusche, mal an großes Kino, mal an gemalte Bühnenräume. Ihre Gewalt ist choreografiert wie ein Actionfilm, aber rhythmisiert wie Animation. Ihr Blick auf Mizu hat etwas sehr Körperliches, beinahe Live-Action-Nahes.

Ich sage deshalb, dass die Serie kein Anime im strengen Produktionssinn ist. Im weiteren kulturellen Sinn kann ich sie aber verstehen, wenn jemand sie in die Anime-Nachbarschaft stellt. Sie wohnt nur nicht brav in einem einzigen Haus. Sie geht zwischen den Formen umher. Genau dort liegt ihr Reiz. Sie ist westliche Erwachsenenanimation mit japanischem Schauplatz, starkem Samurai-Erbe und einer Bildsprache, die sich nicht entschuldigt, weil sie sich aus mehreren Quellen speißt. Für mich ist das keine Schwäche sondern der Grund, warum sie so frisch wirkt.

Wenn jede Einstellung nach Entscheidung aussieht

Formal ist diese Serie ein Fest. Nicht im Sinne von schönem Hintergrundrauschen. Eher im Sinne von Bildern, die wissen, warum sie existieren. Schnee macht Szenen stiller, Feuer macht Körper verletzlicher, Glas trennt die Menschen und Türen rahmen Macht. Schatten verstecken nicht nur, sie erzählen. Ich hatte oft das Gefühl, dass die Kamera, obwohl es keine echte Kamera gibt, genau weiß, wo sie stehen muss.

Die Action ist hart und präzise. Mizu kämpft nicht wie eine schwerelose Superheldin. Sie stemmt, rutscht, fällt, stößt, nutzt Wände, Kanten, Dreck und Schmerz. Ein Schlag hat Gewicht, ein Schnitt hat Folgen. Live-Action-Stuntarbeit diente als Grundlage für Choreografie und Storyboards. Das erklärt diesen körperlichen Zug, der viele Szenen so greifbar macht.

Action trifft auf Ruhe

Besonders schön finde ich, dass BLUE EYE SAMURAI trotz all seiner Härte Sinn für Ruhe hat. Eine Schwertschmiede kann hier wichtiger wirken als ein Massaker. Eine Mahlzeit kann mehr erzählen als ein Duell und die Episode um Mizu’s mögliche Ehe mit Mikio gehört für mich zu den stärksten Momenten der Staffel. Da wird die Rache für kurze Zeit leiser. Plötzlich scheint ein anderes Leben denkbar. Genau deshalb schmerzt es, als diese Möglichkeit zerbricht.

Die Serie arbeitet dabei sehr bewusst mit Themen, die leicht platt wirken könnten: Identität, Körper, Herkunft, Geschlecht, Scham und Macht. Hier hängen Themen an konkreten Figuren und Situationen. Mizu muss nicht erklären, dass sie zerrissen ist. Ich sehe es an ihren Augen, an ihrer Haltung, an dem kurzen Zögern, bevor sie wieder brutal wird. Akemi muss keine Rede über Freiheit halten. Ich sehe ihren Wunsch nach Freiheit daran, wie sie lernt, Räume zu lesen, in denen andere sie nur als Ware betrachten.

Natürlich ist nicht alles perfekt. Das Finale packt sehr viel auf einmal zusammen. Feuer, Intrige, Rache, politische Umwälzung und die Vorbereitung der nächsten Reise drängen dicht an dicht. Für ein paar Minuten fühle ich mich fast überfüttert. Doch selbst dort bleibt die Serie emotional bei ihren Figuren. Sie verliert Mizu nicht aus dem Blick. Das rettet die große Geste vor dem bloßen Spektakel.

Fazit

BLUE EYE SAMURAI ist für mich eine der eindrucksvollsten Serien der letzten Jahre, weil sie Schönheit und Schmerz zusammenbringt, ohne eines davon zu verraten. Diese Serie ist brutal, wie das Leben im feudalen Japan dieser Zeit. Sie ist stilvoll, aber nicht eitel. Die Macher lieben das Samurai-Genre, doch sie erzählen nicht nur von Schwertern. Sie erzählen von einem Menschen, der so lange als Fehler behandelt wurde, bis aus diesem Fehler eine Waffe entstand.

Ich habe Mizu nicht immer gemocht. Ich habe sie aber fast immer verstanden. Das ist mehr wert, denn diese Serie nimmt ihre Hauptfigur ernst genug. Sie zeigt, wie Wut antreibt, was es sie kostet und warum sie trotzdem so verführerisch bleibt.

Am Ende sitzt Mizu auf einem Schiff nach London. Die Rache ist nicht vorbei. Vielleicht beginnt sie dort erst richtig. Ich bin weiterhin dabei. Nicht nur wegen der Kämpfe, nicht nur wegen der Bilder, nicht nur wegen dieser eisigen Schönheit. Ich bin dabei, weil diese Serie eine Figur erschaffen hat, deren Blick ich nicht vergesse… Also sage ich さようなら (Sayōnara!)

• BLUE EYE SAMURAI
• Amber Noizumi und Michael Green
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © NETFLIX
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

The post BLUE EYE SAMURAI – Schnee, der leise auf Klingen fällt first appeared on P A N E L W A L K E R.

Was mich an diesem Auftakt der abgeschlossenen Reihe reizt, ist der narrative Tonfall. Die Autoren, José Manuel Robledo und Marcial Toledano gehen mit mir nicht auf eine exotische Postkartenreise. Sie setzen Japan mit seinen Traditionen zwar als exotische Bühne, aber sie erzählen von sehr menschlichen Dingen. Jemand will neu anfangen und jemand anderes nutzt genau das aus. Dazwischen steht ein Ladengeschäft, das nach Tinte riecht und nach Regeln funktioniert, die älter sind als jede Ausrede dafür, etwas nicht zu tun.

Motorenlärm und Wut im Bauch

Die Ausgangslage ist zunächst klassisch. Ein junger Rebell bekommt eine letzte Chance. Natürlich kippt das Ganze. Plötzlich hat jede Linie auf einem Stück Haut eine Bedeutung. Und plötzlich ist ein Tattoo nicht mehr nur Körperschmuck, sondern Beweisstück, Drohung und Mythos zugleich. Yoshi ist zu Beginn der Geschichte kein Held. Er ist ein Teenager, der sich an eine Bande klammert, weil dort Zugehörigkeit und so etwas wie Familiengefühl billig zu haben ist. Er fährt Motorrad, sucht Streit und sammelt schlechte Entscheidungen.

Sein persönliches Umfeld kennt ihn längst als einen Problemfall. Seine Familie sieht, dass es so nicht weitergeht. Also landet Yoshi nicht vor Gericht, sondern bei Seijun. Seijun ist ein hochangesehener Tätowierer und führt ein Studio, das auf Disziplin setzt, auf Routine und damit alles besitzt, um einen jungen Mann „auf den Pfad der Tugend“ zurückzuversetzen.

Der Wechsel wirkt auf Yoshi brutal. Aus Lärm wird Stille, aus Übermut wird Wiederholung. Er lernt, was Hände können, wenn sie nicht zuschlagen, sondern arbeiten. Er entdeckt ein Talent in sich, das ihn selbst überrascht. Genau hier baut der Band eine seiner besten Spannungen auf. Yoshi will wieder dazugehören, diesmal jedoch wirklich. Das Handwerk bietet ihm einerseits einen eigenen Weg, andererseits bleibt in ihm etwas Unruhiges.

Seijun’s Laden hat zudem eine zweite Ebene, im wörtlichen Sinn. Unten läuft das, was man sich unter einem Tattoo Studio vorstellt. Oben passiert jedoch das, was niemand sehen soll. Der Comic streut diese Ahnung früh ein. Ich mag das, weil es nicht mit einem Holzhammer kommt. Ich spüre die Geheimnisse, lange bevor ich sie benennen kann.

Der zweite Stock und ein Rücken voller Unheil

Dann macht die Geschichte einen Sprung. Zehn Jahre sind vergangen, ohne dass der Band daraus ein großes Drama macht. Yoshi ist inzwischen in seinem Handwerk bewandert. Er beherrscht sogar die traditionelle Tebori-Technik. Genau in diesem Moment zieht Seijun die letzte Abdeckung fort, denn seine wahren Kunden sind japanische Mafiosi: Yakuza. Und jede Tätowierung beinhaltet eine konkrete Bedeutung. Sie hängt mit den Taten ihrer Träger zusammen, Taten, die niemand laut ausspricht.

Der Band führt Takeshi Mitsumune als Kunden ein. Sein Rücken zeigt eine seltsame Kreatur. Dieses Motiv hängt wie ein dunkler Schatten über allem und jedem. Das Tattoo fühlt sich an wie ein Vorzeichen. Gleichzeitig bleibt es greifbar, weil es an Menschen gebunden ist, nicht nur an abstrakte Bedrohungen. Yoshi steht vor einem Dilemma, das ihm keiner abnimmt. Er kann den Auftrag verweigern und damit sein neues Leben riskieren. Oder er kann ihn annehmen und in eine Welt hinübergleiten, die nur nach außen durchgestylt wirkt, innerlich jedoch brutal ist.

Der Auftakt der Reihe endet nicht mit einem abgeschlossenen Fall, sondern mit einem Cliffhanger. Fragen bleiben offen, Beziehungen sind nur angedeutet. Der Band will nicht schon alles ausspielen. Er legt Fäden, die später straffgezogen werden. Wer beim Lesen gern das Gefühl hat, dass ein größerer Plan existiert, bekommt ihn hier bereits angedeutet.

Figuren aus Fleisch, nicht aus Mythos

Am stärksten wirkt TEBORI BAND 1, wenn er seine Figuren nicht erklärt, sondern sie handeln lässt. Show don’t tell. Yoshi sucht Anerkennung. Er findet sie zuerst bei den Falschen. Danach sucht er sie bei Seijun und lernt, dass Anerkennung verdient sein will. Dieses Motiv macht ihn zugänglich. Es macht ihn auch gefährdet, denn wer sich seine Zugehörigkeit verdienen will, lässt sich leichter binden.

Seijun selbst bleibt bewusst ambivalent. Er ist Mentor und Gatekeeper. Er schützt Yoshi und benutzt ihn zugleich. Der Comic zeigt das in seinen Gesten. Ein Lob kommt selten, ein Auftrag plötzlich. Ein Blick nach oben auf die zweite Ebene sagt mehr als eine Drohung. Das ist gutes Erzählen, weil es die Machtverhältnisse im Raum hält.

Auch die Yakuza Figuren wirken nicht wie Karikaturen. Takeshi ist kein reiner Bösewicht. Er wirkt wie jemand, der selbst in seinem eigenen Körper eine Geschichte trägt. Genau deshalb bekommt das Tattoo-Motiv eine solche Präsenz. Das Bild auf seinem Rücken ist nicht nur schön, sondern auch eine Last.

Robledo nutzt zudem den Kontrast zwischen Außenwelt und Innenwelt. Außen steht eine moderne Großstadt, innen herrscht das Ritual. Dieser Widerspruch treibt die Spannung, weil er Yoshi’s neue Identität ständig testet.

Wenn Handwerk zur Falle wird

Das stärkste Element von TEBORI BAND 1 ist für mich die Verbindung aus Arbeitsschritten und Gefahr. Der Comic zeigt das Tätowieren nicht als cooles Accessoire, sondern als Prozess aus  Konzentration, Schmerz, Nähe und Vertrauen. Und genau diese Nähe macht die Geschichte so unangenehm spannend. Wer dir seine Haut öffnet, bekommt etwas von dir. Wer dir die Haut öffnet, kann dich auch besitzen.

Robledo nutzt dieses Setting, um zwei Erzählrichtungen gegeneinander zu schneiden. Auf der einen Seite steht Yoshi, der sich aus Gewalt lösen will. Auf der anderen Seite steht eine Unterwelt, die Gewalt als Geschäft und Mittel zum Zweck versteht. Das Studio wird zur Schnittstelle zwischen den Welten. Dort treffen Tradition und Moderne aufeinander, dort prallen Ehre, Geld und Angst zusammen.

Clever finde ich auch, wie der Band mit zeitlichen Aspekten arbeitet. Der Sprung über zehn Jahre wirkt nicht wie eine Abkürzung. Er wirkt wie ein Kommentar. Ich sehe, dass Lernen Zeit braucht. Ich sehe auch, dass Vergangenheit zäh bleiben kann. Und ich merke, dass ein neues Können nicht automatisch ein neues Leben bedeutet.

Dazu kommt ein Ton, der gelegentlich in Richtung des Unheimlichen kippt. Das Motiv der Kreatur auf Takeshi’s Rücken öffnet eine Tür zu Mythos und Vorzeichen. Der Comic bleibt dabei in einer Schwebe. Er verspricht nicht sofort Magie als Erklärung, stattdessen nutzt er das Fantastische als die wabernde Gefahr im Hintergrund. Das passt, weil Tattoos selbst auch immer Erzählungen sind, die man glauben oder anzweifeln kann.

Farben wie Neon auf nasser Straße

Marcial Toledano’s Zeichnungen wirken auf den ersten Blick glatt. Klare Linien, saubere Flächen, leicht mangaesk. Dann sehe ich, wie viel Arbeit in den Details steckt. Gesichter tragen Nuancen, Körperhaltungen erzählen Stimmungen. Besonders bei Tattoos zeigt Toledano viel Geduld. Die Motive sitzen nicht einfach auf der Haut. Sie wirken eingebettet, als hätten sie selbst Gewicht.

Die Farbgebung spielt dabei eine eigene Hauptrolle. Der Band setzt auf starke Kontraste und auf eine Palette, welche die Szenen emotional codiert. Gelb und Blau tauchen als dominante Pole auf. Das ergibt einen Look, der modern wirkt und trotzdem nicht steril bleibt. Ich hatte mehrfach das Gefühl, dass die Farben den Puls der Seite steuern. Sie beruhigen, sie treiben, sie warnen.

Spannend ist auch die Mischform der Erzählweise. Der Band liest sich dynamisch, teilweise mit einer Rhythmik, die an Manga erinnert. Gleichzeitig bleibt die Gestaltung klar im frankobelgischen Album verankert: mangaeskes Coming-of-Age trifft frankobelgische Ästhetik. Genau diese Kombination macht das Buch zugänglich für unterschiedliche Lesegewohnheiten.

Dass Cross Cult der deutschen Ausgabe Zusatzseiten mitgibt, passt ins Konzept. Der Band will nicht nur unterhalten. Er will auch zeigen, wie stark Recherche und Design zusammenarbeiten.

Das Duo hinter dem Thriller

José Manuel Robledo und Marcial Toledano arbeiten seit Jahren als Team. Beide haben an der Universidad Complutense in Madrid Bildende Kunst studiert und sich dort Anfang der 2000er kennengelernt. Von Anfang an scheint sie das gleiche Interesse zu verbinden, wie Spannung, klare Figuren oder ein Sinn für popkulturelle Dynamik. Dies wird ihr Markenzeichen: Sie bauen Spannung über Figuren und über Geheimnisse.

Ihr bekanntestes gemeinsames Projekt vor TEBORI BAND 1 ist KEN GAMES. Die Serie startete bei Dargaud und machte sie im frankobelgischen Raum bekannt. Für KEN GAMES erhielten sie zudem eine Nominierung beim Barcelona International Comics Festival. Interessant ist, dass beide später auch an CITYZEN beteiligt waren, einem Projekt, das andere Autorinnen und Autoren mit einbindet. Das zeigt eine Offenheit für kollaboratives Erzählen.

Tebori und Tattoo Tabu

Der Begriff Tebori meint traditionelles Tätowieren per Hand, ohne Maschine. Tätowierer arbeiten dabei mit einem Werkzeug, das Nadeln bündelt und die Farbe rhythmisch in die Haut sticht. Das klingt technisch, ist jedoch auch kulturell aufgeladen, weil in Japan Tätowierungen lange zwischen Kunst, Stigma und Verbot pendelten. Auch heute sind sie außerhalb gewisser Kreise nicht gerne gesehen.

Historisch gilt, dass die japanische Regierung im Zuge der Meiji Modernisierung dekoratives Tätowieren 1872 verbot. Das Verbot drängte die Praxis in den Untergrund. Erst 1948 wurde es unter dem Einfluss der amerikanischen Besatzung wieder aufgehoben.

Trotz Legalisierung blieb ein Stigma. Viele öffentliche Bäder und Onsen verweigern bis heute Menschen mit Tattoos den Zutritt. Der Grund ist weniger Gesetz als soziale Codierung. Tattoos wurden im 20. Jahrhundert stark mit organisierter Kriminalität verbunden, besonders mit der japanischen Mafia, den Yakuza.

Genau in dieses Spannungsfeld stößt der Comic hinein. Er nutzt die Welt der Tattoos nicht nur als Kulisse. Er macht sie zum Konfliktkern. In einer Welt, in der ein Tattoo zugleich Meisterschaft und Makel sein kann, bekommt jede Nadelbewegung eine zweite Bedeutung. Das macht den Reiz von TEBORI BAND 1 aus. Der Comic erzählt oberflächlich über Körper, aber er meint auch die Gesellschaft darunter.

Fazit

TEBORI BAND 1 ist ein Auftakt, der bewusst nicht alles auspackt. Er setzt lieber auf Atmosphäre, auf Figurenentwicklung und auf eine Bedrohung, die erst langsam ihre Konturen zeigt. Wer einen abgeschlossenen Krimi erwartet, wird das offene Ende spüren. Wer dagegen Lust auf einen Thriller hat, der sein Milieu ernst nimmt und dabei visuell intensiv bleibt, bekommt hier einen sehr stimmigen Einstieg.

Ich mag besonders, wie organisch das Tattoo-Handwerk in die Spannung hineinwächst. Nichts wirkt wie Dekoration, alles wirkt wie Konsequenz. Und wenn am Ende offene Fragen bleiben, dann nicht, weil der Band schlampig wäre. Sondern weil er dich genau dort haben will, wo Yoshi steht. Einen Schritt vor der Tür, die man besser nicht öffnet.

Ein Kritikpunkt für mich ist, dass die Folgebände mit jeweils nur 48 Seiten erheblich dünner sind, als der Auftakt-Band.

P.S. Leider war kein deutschsprachiges Bildmaterial (mehr) zu bekommen.

• TEBORI Band 1
• José Manuel Robledo und Marcial Toledano
• Hardcover | 72 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96658-354-1
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Cross Cult Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

The post TEBORI – Unter der Haut beginnt die Geschichte first appeared on P A N E L W A L K E R.

Lady Jennifer Winterfield entstammt der britischen Oberschicht. In ihr spürt sie das Gefängnis gesellschaftlicher Konventionen und ihre Empathie stößt an die engen Grenzen aus Standesdünkel und patriarchaler Härte.

Die andere ist Kitamakura, „Kita“, eine junge Japanerin und ein – nun, ja – Ausstellungsstück auf dieser Weltausstellung. Sie erträgt einen unermesslichen Schmerz: ihr Kind ist tot und die Londoner Oberschicht will nichts davon wissen. Für Kita ist es eine doppelte Katastrophe. Ihrem Kind bleibt ein ordentliches Begräbnis verwehrt und ihr Verlust wird unsichtbar gemacht. Aus den Augen, aus dem Sinn. Das allmächtige Empire lässt grüßen.

Frauen, Wut und Widerstand

Diese beiden unterschiedlichen Frauen finden sich nun nachts an einem Beet auf dem Ausstellungsgelände wieder und graben Kita’s totes Baby aus. Ein Akt tiefster Verzweiflung und zugleich eine Geste des Widerstands gegen eine Gesellschaft, die Menschen wegwirft, wenn sie unbequem werden. Zwei Frauen, ein Ziel, ein Thema: die Würde der Opfer sichtbar zu machen und gegen das Wegsehen aufbegehren. Eine Herkulesaufgabe.

Doch die beiden werden entdeckt und die Tragödie nimmt ihren Lauf. Ein gesellschaftlicher Skandal droht, Jennifer und Kita werden gejagt, verfolgt von den Agenten der Moral und den schmutzigen Händen der Mächtigen. Gleichzeitig entwickelt sich der Coup zu einer, die Zeitebenen übergreifenden Geschichte.

Der Comic beginnt mit einem Prolog, einem Prolog in der Gegenwart: Ein reicher Waffenfabrikant, Sir Lionel Barrington, feiert seine juristische Immunität, bis im eigenen Garten ein schrecklicher Anschlag mit von ihm hergestellten Landminen seine Familie aus dem Leben reißt.

Die scheinbar lose verbundene Tat ist die Fortsetzung des oben beschriebenen, viktorianischen, weiblichen Aufbegehrens. Die organisierte Rache ist über Jahrhunderte hinweg gewachsen, in ein geheimes Netzwerk von Frauen hinein gewachsen, die vom Zorn über die tief verwurzelte Ungerechtigkeit getrieben sind. Das Symbol 死 – SHI, das japanische Schriftzeichen für „Tod“ – wird zum Markenzeichen dieses Bundes, zur elegant-tödlichen Drohung gegen das alles beherrschende Patriarchat.

Die düsteren Wurzeln von SHI

Zurück im England von 1851 erhöht die zweite Erzählebene den Druck, langsam aber unaufhaltsam.

Lady Jennifer verbündet sich mit Pickles, einem gewitzten Straßenmädchen. Gemeinsam schmieden sie einen Plan, um Kitamakura aus einer Anstalt für „Hysterische“ zu befreien. Denn Kita, mit tätowierten Symbolen und einer unerklärlichen Macht, übt nicht nur auf Jennifer, sondern auch auf die Insassen der Anstalt eine faszinierende Anziehung aus.

Die Geschichte eskaliert in Gewalt, Verlust und Hoffnungslosigkeit. Und doch begegnen unsere Protagonistinnen den Machenschaften einer verschworenen Männerkaste und der Willkür der Aristokratie mit List und Mut, aber auch mit der unbändigen Wut unterdrückter Frauen.

Gesellschaftskrimi und Rachethriller

Zidrou erzählt mit SHI – AM ANFANG WAR DIE WUT nicht nur einen packenden Thriller, sondern konstruiert ein vielschichtiges Panorama gesellschaftlicher Verlogenheit. Die zentralen Fragen nach Moral und Gerechtigkeit, nach weiblicher Selbstermächtigung und dem Preis der Rache, treiben die Handlung immer wieder voran.

Der Comic setzt dabei gezielte Cliffhanger, gibt aber im hier vorliegenden Auftaktband noch nicht alle Antworten preis. Mit jeder weiteren Enthüllung wächst der Kreis der Gefahr und die Ahnung, dass dieses Erbe des Zorns noch lange nicht beendet ist.

SHI jongliert stilistisch mit unterschiedlichsten Genres. Die Handlung setzt auf einen dramatischen Aufbau mit doppeltem Boden. Die Zeitsprünge zwischen Gegenwart und viktorianischem England sind nicht bloß erzählerisches Füllmaterial. Sie zeigen, wie historischer Schmerz bis in die Gegenwart wirkt, wie lange das System bereits besteht. Die Geschichte lebt von und mit ihren Rätseln. Erst Stück für Stück entblättern sich Wahrheit und Identität der Figuren.

Der Plot ist eine klassische, beinahe archetypische Rachegeschichte und von Anfang an durchzogen mit bitterem Ernst, der nicht durch Humor aufgelockert wird. Der Spannungsbogen setzt dabei weniger auf klassische Action oder plötzliche Wendungen, sondern vielmehr auf eine intensive Grundstimmung.

Rätsel, Rhythmus und roter Faden

Die Atmosphäre schwankt zwischen tiefer Verzweiflung und unterdrückter Hoffnung. Dabei mutet uns die Erzählung einiges zu, schreckt vor düsteren Szenen nicht zurück und lässt Gewalt und Erniedrigung für sich sprechen, über Schuld und über Verantwortung.

Zidrou’s stilisiert seine Figuren nicht zu bloßen Rächern. Vielmehr stehen am Anfang die Trauer und das Unrecht, das erlitten wird. Erst aus der Hilflosigkeit und dem Fehlen alternativer Möglichkeiten erwächst die radikale Handlung.

Der klare, episodische Aufbau des Comics macht ihn trotz komplexer Erzählstrukturen zugänglich. Klare Wechsel der Zeitebenen, sorgfältig gestreute Hinweise und mehrfach angedeutete Geheimnisse sorgen für einen stetigen Sog, der das Lesevergnügen trotz der Schwere des Themas hoch hält.

Wut, Würde, Wandel

Im Zentrum von SHI stehen starke, wenn auch anfangs zerbrechliche Frauenfiguren. Lady Jennifer Winterfield wächst aus dem Schatten ihres privilegierten, aber kalten Elternhauses heraus. Ihre Entwicklung von der naiven Aristokratin zur entschlossenen Widerstandskämpferin vollzieht sich in Schritten, nicht in einem schicksalhaften Augenblick..

Kitamakura, die geheimnisvolle Japanerin, bleibt lange Zeit von einer verlustbehafteten Aura aus Schmerz umgeben. Ihre Herkunft und die sie umgebende Mystik verleihen der Erzählung eine einzigartige Note. Gerade in ihrer Sprachlosigkeit, im tiefen Trauma ihres Verlustes, liegt ihre größte Stärke. Kita ist kein Klischee, sondern ein stiller Vulkan, dessen Zorn die Handlung beizeiten kraftvoll vorantreiben wird.

Auch die Nebenfiguren sind präzise gezeichnet. Die kleine Pickles, das Straßenmädchen mit Köpfchen und Herz, bringt eine gewisse Leichtigkeit in die düstere Szenerie. Jennifer’s Onkel wirkt als Grenzgänger zwischen den Welten von Wissenschaft und Wahnsinn gezeichnet.

Die Antagonisten, allen voran der kaltschnäuzige Colonel und die opportunistischen Adelsvertreter, sind überzeichnet, aber doch so, dass sie die menschliche Fratze der Macht verkörpern, die den Zeitgeist widerspiegelt.

Zwischen Trauma und Rebellion

Die jeweilige Figurenentwicklung ist bewusst als Prozess angelegt. Viele Fragen werden offen gelassen, das Unausgesprochene hält die Spannung bis zum nächsten Band hoch. Und hiervon gibt es inzwischen sechs. Die Frauen werden nicht zu „Superheldinnen“, auch wenn ähnliche Erfahrungen in US-Comics eben solche hervorgebracht haben. Stattdessen bleiben sie ambivalente, widersprüchliche Persönlichkeiten, deren Authentizität sich trotz ihrer Grenzerfahrungen zeigt und nicht deswegen.

Das Dreamteam hinter SHI

Zidrou, bürgerlich Benoît Drousie, zählt zu den vielseitigsten Szenaristen Europas. Seine Karriere begann er als Lehrer in Belgien, 1991 dann als Comiczeichner mit Illustrationen für das Magazin „Spirou“ bevor er mit Werken wie DIE ADOPTION, LYDIE oder WUNDERVOLLE SOMMER den Sprung auf die große Bühne schaffte. Inzwischen hat er als Szenarist unzählige Comics veröffentlicht.

Charakteristisch für Zidrou ist die hohe Kunst, gesellschaftliche Themen in berührende, komplexe Handlungsbögen zu kleiden. So gelingt es ihm auch in SHI, schmerzliche Inhalte an düstersten Stellen mit Spannung und Empathie zu kombinieren.

Zwischen Feder und Pinsel

An seiner Seite steht dieses Mal José Homs, gebürtiger Spanier und Meister der grafischen Opulenz. Grafisch ist SHI ein echtes Ereignis. Bekannt wurde er nicht zuletzt durch seine Arbeit an der Comic-Adaption der Millennium-Trilogie nach Stieg Larsson.

Homs‘ Zeichnungen sind mehr als Begleitung zur Story, sie sind visuelle Erzählungen mit ureigener Energie. Sein Stil liegt zwischen feinem Realismus und stilistischer Überhöhung.

Seine Liebe zum Detail reicht vom Mienenspiel über die Architektur hin bis zur Kleidung. Die Zeichnungen sind voller Leben und oft von einer atemberaubenden Härte. Dabei verwendet Homs detaillierte, plastische Panels und unterschiedliche Farbpaletten, um Stimmungen und Zeitebenen zu markieren.

Mit SHI setzt er neue Maßstäbe, was Ausdruck und künstlerische Qualität betrifft. Seine Bilder fangen Emotionen, Gewalt und Zartheit gleichermaßen gekonnt ein.

Zidrou und Homs schaffen so eine Symbiose, in der Text und Bild einander verstärken statt miteinander zu konkurrieren.

Patriarchat, Protest und fernöstliche Mystik

SHI ist mehr als ein viktorianisches Drama. Der Comic arbeitet mit historischen Fakten, ohne belehrend zu erscheinen. Die erste Weltausstellung, der Fortschrittsglaube des 19. Jahrhunderts und die gesellschaftlichen Umbrüche bilden den perfekten Nährboden für die menschliche Tragödie: die Befreiung der Frau, das Aufbegehren gegen den gesellschaftlich akzeptierten Machtmissbrauch und die bleibenden Narben entsprechender Traumata.

Der Comic behandelt somit Themen, die aktuell wieder brisant sind: Themen wie Sexismus, Rassismus und soziale Ungerechtigkeit. Diese werden kunstvoll in eine spannende Geschichte eingewoben und präsentiert.

Fazit

SHI – AM ANFANG WAR DIE WUT ist ein modernes Comic-Opus, das gekonnt Gesellschaftsanalyse, Thriller und Zeitkolorit vereint. Spannende Hauptfiguren und eine dichte, atmosphärisch erzählte Story zeichnen den Band aus. Bild und Text gehen eine sehenswerte Symbiose ein, die selten so reibungslos und eindrucksvoll gelingt.

Wer gerne packende und zugleich kluge Comics liest, wird an SHI nicht vorbeikommen. Die Rache, der Schmerz und der Kampf um die eigene Würde, all das wird hier narativ und visuell auf höchstem Niveau umgesetzt.

Aber Achtung: SHI ist wahrlich kein leichter Stoff. Aber einer, der in Erinnerung bleibt und ein Auftakt, der sofort Lust auf den nächsten Band macht. Wer sich auf diese Geschichte einlässt, erlebt einen Comic, der mitreißt, erschüttert und gelegentlich verstört, aber auch Hoffnung und Widerstandskraft feiert.

SHI – AM ANFANG WAR DIE WUT (Band 1 von 6)

© Splitter Verlag | Hardcover | 88 Seiten | Farbe

Storyline:   ★★★★☆

Zeichnungen:  ★★★★★

Farben: ★★★★☆

Lettering:  ★★★☆☆

Humor:  ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung:  ★★★★☆

ISBN: 978-3-95839-525-1

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

Die weiteren Bände der Reihe

The post SHI – AM ANFANG WAR DIE WUT first appeared on P A N E L W A L K E R.