Peter Mennigen und Ingo Römling liefern in dieser Erzählung keinen Blutrausch um des Effekts willen. Ich erhalte stattdessen eine viktorianischen Abenteuernarration, die sich mit sichtbarer Lust an Schauer, Krimi, Steampunk, Weltuntergangsflirt und sehr trockenen Humor durch ihre 64-seitige Geschichte hindurch laviert. Hierbei handelt es sich um den inzwischen sechsten Band der laufenden, sehr erfolgreichen Serie. Und – er endet mit einem fetten Cliffhanger. Der Folgeband AM ENDE DER ZEIT ist beim Splitter Verlag nun – endlich! – für September 2026 angekündigt.

Was ich an dieser Serie so mag, zeigt sich auch in diesem Werk wieder. Malcolm Max ist kein grummeliger Dämonenschlächter, der mit finsterem Gesicht durch die Seiten stapft. Er ist elegant, spöttisch, kontrolliert und oft genau dann am besten, wenn sich alles außerhalb seiner Kontrolle abspielt.

Seine Partnerin, Charisma Myskina, ist für mich dabei längst das emotionale Zentrum der Reihe. Halbvampirin hin oder her, ihre Mischung aus Direktheit, Stolz, Fremdheit und verletzlicher Neugier trägt diese Geschichten mindestens genauso stark wie Malcolm’s Gehabe als Gentleman mit Nerven aus Stahl.

Das Ganze spielt im London der späten viktorianischen Epoche. Also in einer Welt, die nach außen zwar voller Normen und Regeln aussieht, innerlich jedoch bereits vor sich hin fault. Genau an diesem Ort und zu dieser Zeit fühlt sich diese Serie seit Jahren am wohlsten.

London aus Nebel, Armut und Zukunftseuphorie

Bevor ich zur Handlung komme, lohnt sich ein kurzer Blick auf den Hintergrund, vor dem diese Serie läuft. Zunächst einmal: Malcolm Max begann nicht als Comic, sondern als Hörspiel. Peter Mennigen entwickelte die Figur 2008 im Umfeld einer geplanten Wiederbelebung von GESPENSTER GESCHICHTEN. Erst später wurde daraus diese Comicreihe beim Splitter Verlag.

Für die Chronologie ist das wichtig, denn die frühen Hörspiele erzählen die Vorgeschichten, während der erste Comic zeitlich danach einsetzt. Das erklärt auch, warum die Welt dieser Serie oft so wirkt, als läge schon ein ganzes Leben hinter ihren Figuren.

Noch spannender ist für mich aber der Schauplatz. Der Band führt tief ins East End und damit in jenen Teil Londons, der im späten 19. Jahrhundert wie ein Gegenbild zur imperialen Selbstverherrlichung wirkte. Charles Booth’s Londoner Armutskarte markierte Spitalfields und Whitechapel 1889 bis 1891 großflächig in Schwarz und Blau. Also als Gegenden mit besonders hoher Armut.

Gleichzeitig hängt dort noch der Schatten von JACK THE RIPPER in der Luft. Die Morde in Whitechapel von 1888 wurden zum Dauertrauma der Stadt und fraßen sich tief in die Popkultur hinein. Genau diese Mischung aus Elend, Angst und öffentlicher Obsession zapfen das Hörbuch und später auch der Comic sehr gezielt an.

Dazu kommt ein dritter Punkt, der für MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON fast ideal ist. London war damals eben nicht nur düster, sondern auch im wörtlichen Sinn elektrisiert. In den 1860er Jahren wuchs das Interesse an Séancen und modernem Spiritualismus. 1879 bekam der Lesesaal des British Museum elektrische Lampen und 1882 ging am Holborn Viaduct eine frühe öffentliche Stromversorgung in Betrieb.

Diese Stadt glaubte also gleichzeitig an „Geisterklopfen“ und an technische Erlösung. Ich finde, kaum ein deutscher Genre-Comic nutzt diese Spannung zwischen Okkultismus und Fortschrittsrausch so stimmig aus wie diese Reihe.

Zwei Ermittler wie ein altes Ehepaar

Im Zentrum dieses Bandes stehen – natürlich – wieder Malcolm Max und Charisma Myskina. Er ist der stilbewusste Spezialist für paranormale Fälle, sie die Halbvampirin an seiner Seite, gefährlich, scharfzüngig und deutlich weniger bereit, höflich um die Dinge herumzureden.

Dazu kommen die Schwestern Emmeline und Miranda Finch, die in dieser Welt längst mehr sind als putzige Nebenfiguren. Sie bringen Witz, Tempo und ein sehr eigenes detektivisches Gespür ein, das ihnen bereits einen eigenen Spin-Off-Band beschert hat.

Gerade diese Mischung aus erwachsener Schauerabenteuer-Serie und fast frecher Jungdetektiv-Energie gibt MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON seinen besonderen Ton.

Ein vollgepacktes Album

Der Band steigt mit einem Hinterhalt ein. Malcolm und Charisma geraten in ein verlassenes Hospital und dort in eine Falle, die sehr schnell klarmacht, dass hier mehr am Werk ist als ein örtlicher Serienmörder. Dämonische Kopfgeldjäger, seltsame Steckbriefe, rätselhafte Gegner, dazu später die Spur eines Kannibalen, der Frauen aus dem Milieu zerfetzt zurücklässt, nehmen hier ihren Anfang.

Peter Mennigen eröffnet den Band gleich mit diversen Fäden. Das ist auf 64 Seiten riskant, funktioniert hier aber erstaunlich gut, weil er nie vergisst, die Figuren zusammenzuhalten. Selbst wenn die Handlung kurz in Richtung dimensionsoffener Irrsinn abkippt, bleibt die Frage wichtig, wie Malcolm und Charisma aufeinander reagieren, wie sie sich necken, reizen, retten und doch ständig einen halben Schritt zu weit voneinander weg bleiben. Schließlich gibt es da ja noch die Drohung von Charisma’s Vater, Malcolm den Garaus zu machen, sollte er seiner Tochter zu nahe kommen. Aber das ist ein anderes Thema.

Gerade dieses Duo ist für mich der eigentliche Grund, warum ich immer wieder zu der Serie zurückkehre. Zwischen diesen Beiden knistert es gewaltig und nicht in einem kitschigen Sinne. Eher so, als würden zwei Menschen seit Ewigkeiten denselben Satz umkreisen und ihn nie aussprechen.

Der Humor kommt genau aus dieser Bewegung. Ein schräger Blick hier, eine kühle Bemerkung dort, ein Satz, der halb Rettungsleine und halb Spitze ist. Das ist genau mein Ding. Ich habe beim Lesen oft den Eindruck, dass Mennigen den Rhythmus der Beziehung besser versteht als viele Autoren, die ihre Figuren nur auf eine Romanze zuschreiben. Hier bleibt das Spiel offen. Und genau deshalb bleibt es lebendig.

Das East End wird zum Schaufenster des Grauens

Der titelgebende Kannibale ist natürlich kein bloßer Vorwand. Der Fall bringt diese Geschichte mitten ins East End, also hinein in jene Straßen, in denen Frauenkörper schnell zur Ware und noch schneller zu Wegwerfmaterial wurden.

Der Band macht daraus keine plumpe Sozialgeschichte. Ich fand aber stark, wie deutlich die soziale Schieflage spürbar bleibt. Die Opfer sind nicht zufällig Frauen aus dem Milieu. Dieser Fall erzählt eben auch davon, wer in dieser Stadt am leichtesten verschwindet und wer erst dann zählt, wenn sich das Grauen nicht mehr vertuschen lässt. Besonders gut hat mir gefallen, wie Charisma von Menningen in diese Umgebung gestellt wird. Dass sie sich als Prostituierte verdingen soll, ist nicht bloß ein sensationeller Aufhänger, sondern ein kluger Perspektivwechsel innerhalb der Serie.

Plötzlich sieht London anders aus, nicht aus Malcolm’s ironischer Distanz, sondern aus einer gefährdeten, körperlich exponierten – wenn auch wehrhaften – Position einer Frau. Gleichzeitig nimmt sich der Band beim Humor nicht zurück. Diese Szenen haben Biss (Sorry, Wortspiel), aber eben auch Witz.

Charisma spielt keine wehrlose Rolle. Sie spielt mit ihrer Rolle. Und Malcolm muss dabei einsehen, wie wenig Kontrolle er wirklich hat. Genau daraus zieht der Comic einen guten Teil seiner Spannung.

Parallel dazu läuft die Geschichte um einen hochbegabten Physiker, der für seine todkranke Tochter an eine Grenze geht, hinter der Wissenschaft nicht mehr sauber von Hybris zu trennen ist. Auch das ist typisch für diese Serie. Sie liebt Laborfantasien, dampfende Apparaturen, große Versprechen und den Moment, in dem Fortschritt vielleicht in Größenwahn kippt.

Ich mag, dass Mennigen diese Ebene nicht trocken erklärt, sondern als emotionalen Motor nutzt. Es geht nie nur um diese Erfindung. Es geht um Verzweiflung, Liebe, Verlustangst und den alten Wunsch, den Tod irgendwie doch zu überlisten. Dadurch bleibt das Science-Fiction-Element im Band nicht bloß Dekor, sondern bekommt ein Herz.

Wenn Witz und Weltuntergang gleichzeitig anklopfen

Was dieser Band besonders gut kann, ist einen ganz bestimmten Ton zu treffen. Ich lese hier einen Geschichte, die Dinge zeigt, die eigentlich unerquicklich sind. Verstümmelte Opfer, dämonische Angriffe, apokalyptische Möglichkeiten. Und trotzdem kippt das Ganze nie in selbstgefällige Düsternis. Dafür sorgt der Humor, vor allem der, der aus den Figuren kommt und nicht aus aufgesetzten Gags. Ein schönes Beispiel ist das Gerücht über eine mögliche Verlobung von Malcolm und Charisma. So ein Einfall könnte albern werden. Hier lockert er die Geschichte auf und zeigt gleichzeitig, wie viel zwischen diesen beiden unausgesprochen herumsteht.

Gleichzeitig merkt ich dem Band an, dass er ein Kapitel in einer fortlaufenden Serie und kein völlig abgeschlossener Einzelband ist. Das ist Stärke und kleine Schwäche zugleich. Stärke, weil die Welt dicht ist, weil Nebenfiguren Gewicht haben, weil jedes neue Abenteuer auf etwas Größeres hinarbeitet. Kleine Schwäche, weil der Band sein Material sehr energisch zusammenhält und deshalb an einigen Stellen fast zu viel in zu kurzer Zeit erzählen muss. Die Übergänge zwischen Serienmörderfall, okkultem Angriff, Wissenschaftsdrama und kosmischer Bedrohung sind spannend, aber nicht immer ganz … „luftig“. Ich war beim Lesen nie verloren, habe aber gespürt, wie dicht Mennigen seine 64 Seiten packen musste.

Trotzdem sitzt der Cliffhanger. Und zwar nicht nur als lautes „To-be-continued“-Schild, sondern als echter Schub nach vorn. Ich habe das Album mit genau dem Gefühl geschlossen, das eine gute Fortsetzungsserie auslösen soll: nicht Sättigung, sondern Vorfreude und ungeduldige Erwartung des nächsten Bandes. Genau darin liegt für mich eine große Qualität von MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON. Der Band will nicht nur gefallen, sondern die Reihe unter Spannung halten. Das gelingt ihm.

Mehr Serienfolge als Einsteigeralbum

Wie schon erwähnt, ist für die Einordnung wichtig, dass die Comics chronologisch nach der Hörspielvorgeschichte spielen und längst ein größeres Netz aus Beziehungen, Mythen und Running Gags aufgebaut haben. Wer hier zum ersten Mal einsteigt, bekommt genug, um dem Fall zu folgen. Ich würde Band 6 trotzdem nicht als idealen Erstkontakt empfehlen.

Zu viel von seinem Charme entsteht aus Vertrautheit mit seinen Figuren und dem Wissen, wie Malcolm und Charisma seit Jahren umeinander kreisen. Oder aus dem Vergnügen, wenn die Finch-Schwestern auftauchen. Und aus dem Gefühl, dass diese Welt schon lange vor der ersten Seite atmet.

Innerhalb der Reihe wirkt der Band für mich wie eine Zuspitzung. Der Fall ist größer, die Bedrohung drastischer, der Blick stärker auf die Serie als Ganzes gerichtet. Darum wird er auch in zwei Alben erzählt. Dazu passt, dass der angekündigte Folgeband AM ENDE DER ZEIT die Linie von Raum, Zeit und Apokalypse ausdrücklich weiterführt.

Ich mag an dieser Entwicklung, dass sie die Serie nicht verrät. MALCOLM MAX bleibt auch dann Malcolm Max, wenn die Bühne wächst. Er bleibt der geschniegelte, grantige Geisterermittler, der lieber einen trockenen Satz setzt, als heroisch zu posieren. Und Charisma bleibt die Figur, die ihm mit Freude jede Attitüde aus dem Gesicht klatscht, sobald sie zu geschniegelt sitzt.

Kurz etwas zu den Machern

Peter Mennigen, Jahrgang 1952, studierte in Köln Kunst und Design und schrieb seit den späten 1970er Jahren für eine erstaunliche Zahl deutscher Comicreihen. Besonders prägend war seine Arbeit für Bastei Titel wie GESPENSTER GESCHICHTEN, SPUK GESCHICHTEN, PHANTOM, CONNY oder FELIX.

Später schrieb er auch für die Verlage Egmont, Panini und Ravensburger und verfasste internationale Stoffe zu Serien wie LUCKY LUKE, DIE SCHLÜMPFE, BESSY und ISNOGUD. Hinzu kommen Hörspiele, Bücher sowie Drehbücher für Fernsehproduktionen wie KÄPT’N BLAUBÄR, TIM THALER und RTL SAMSTAG NACHT. Bei MALCOLM MAX bündelt er viel von dem, was er über Pulp, Serienerzählung, Schauerstoffe und pointierte Dialoge gelernt hat.

Ingo Römling wurde 1969 in Frankfurt am Main geboren und kam aus Illustration, Grafik und Musik zum Comic. Früh arbeitete er für Verlage, Werbeagenturen und später sehr erfolgreich für die Musikbranche als Cover-Illustrator und Layouter. Mit DIE TOTEN machte er sich im deutschen Comic deutlich bemerkbar. Seine Comics METROPOLIA: BERLIN 2099 und DIE CHRONIKEN DES UNIVERSUMS habe ich an dieser Stelle bereits besprochen.

Seit 2013 prägt er gemeinsam mit Peter Mennigen die Welt von MALCOLM MAX. Parallel dazu wurde er mit STAR WARS REBELS zu einem der ersten offiziellen Disney Comiczeichner aus Deutschland. Auch international ist Römling längst unterwegs, etwa über den französischen Verlag Dargaud und Europe Comics. Sein Stil verbindet klassische Lesbarkeit mit digital gestützter Bildfülle und einem sicheren Gespür für Atmosphäre. Genau deshalb passt er so gut zu einer Serie, die zwischen Gasse, Labor und Dämonenportal ständig den Ton wechseln muss.

Fazit

MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON ist für mich ein fast perfekter Band. Fast – denn dafür ist er stellenweise etwas zu dicht und zu verliebt in die Menge seines Materials. Aber genau darin steckt auch seine Kraft.

Ich bekomme einen deutschen Genre-Comic, der seine viktorianische Bühne ernst nimmt, seine Figuren liebt, seinen Humor trocken serviert und sein Grauen nie bloß vordergründig benutzt. Vor allem bekomme ich aber wieder Malcolm und Charisma. Und ehrlich gesagt reicht mir das schon, um glücklich zu sein.

Ich bleibe also dran, obwohl mich – wie bereits erwähnt – Horror selten begeistert. Diese Reihe aber tut das schon. Und auf Band 7 im September 2026 freue ich mich sehr…

• MALCOLM MAX 6 – DER KANNIBALE VON LONDON
• Peter Mennigen und Ingo Römling
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-98721-297-0
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Meyer wiederum ist einer dieser Zeichner, die Figuren nicht nur in Bewegung setzt, sondern ganze Welten atmen lässt. Sein Strich ist präzise, schwer, voller Gravur wie ins Papier gemeißelt. Seit seinem Durchbruch mit IAN (zusammen mit Fabien Vehlmann) zeichnet er sich durch eine seltene Mischung aus Dynamik und archaischer Wucht aus.

Wer sich ASGARD vornimmt, ahnt gleich, dass hier zwei Kreative zusammengefunden haben, die dasselbe Vokabular teilen. Dorison liebt es, mit nordischer Mythologie zu spielen, ohne in Fantasy-Klischees abzudriften. Meyer liebt es, kräftige Körper und harsche Umgebungen zu zeichnen. Ein Treffen zwischen Autor und Zeichner, bei dem die Temperatur irgendwo zwischen eisiger Fjordluft und glühender Schmiedekohle liegt. Ganz ähnlich wie schon bei einem anderen nordisch-mythischen Comic, dem bereits besprochenen Hel’Blar.

Wenn Strich und Wort dieselbe Sprache sprechen

Meyer übernimmt diesmal auch die Kolorierung, was dem Ganzen zusätzlich einen geschlossenen Charakter gibt. Farblich bewegt er sich in zurückhaltenden Paletten von grauem Eis, tiefem Blau, Ocker und Blutrot. Keine Effekthascherei, eher eine Schichtung, die Textur gibt und Raum öffnet. Meyer’s Farben erzählen mindestens so viel wie die Dialoge selbst. ASGARD wirkt wie ein Film im Breitwandformat, nur dass man hier in jedem einzelnen Bild länger verweilen möchte.

Dorison wiederum hält sich sprachlich zurück, setzt kurze Texte, knappe Dialoge, die den Figuren Charakter verleihen statt sie zu zudecken. Gerade weil er schweigsam bleiben lässt, entsteht Sog. Es gibt keinen überflüssigen Ballast. In einem Medium, das manchmal zu geschwätzig sein kann, ist das eine Wohltat.

Fjorde, Kälte, Jagd

Worum geht es in ASGARD? Kurz gesagt: Um eine Reise in eine feindselige Welt. Wir folgen einem Exilanten, einem Jäger, einem Mann, der von den eigenen Leuten verstoßen wurde, weil er ein Skraeling – ein Krüppel – ist und gegen das Schönheitsideal der Gemeinschaft verstößt. Doch anders, als es die Wikinger-Gesetze es vorschreiben, tötet ihn sein Vater nicht nach der Geburt. Sein Name: ASGARD.

Passenderweise trägt er denselben Namen wie die mythologische Welt der Götter. Das macht ihn, kaum dass wir ihn kennen lernen, zu einer wandelnden Versinnbildlichung. Doch Dorison wäre kein ernst zu nehmender Erzähler, wenn er daraus eine platte Allegorie machen würde. ASGARD bleibt Mensch, mit Hunger, mit Schwächen und mit Stolz.

Die Handlung setzt ein, als eine riesige Kreatur aus der Tiefe der Nordmeere auftaucht. Sie wird zur Bedrohung für ganze Dörfer, für den Handel und besonders für die Seefahrer. Es gibt also etwas, das jagbar ist, das zugleich größer ist als der Mensch und damit eine Projektionsfläche für Heldenmut oder Feigheit.

Und je länger die Jagd dauert, umso mehr verstärkt sich der Eindruck, dass es sich hierbei um Jörmungandr, die Midgardschlange, handeln könnte, die dem Weltuntergang Ragnarök vorausgeht.

Die einsame Jagd des Verstoßenen

ASGARD, der Verstoßene, nimmt den Auftrag an, dieses Wesen zu töten. Nicht weil er die Welt retten, sondern weil er sich gegen sein Schicksal stemmen will und weil er diese und ähnliche Jagden zu seiner Aufgabe gemacht hat.

Was Dorison hier aufspannt, ist aber mehr als eine klassische Jagdgeschichte. Es ist eine Reise tief in die Ikonografie nordischer Mythen. Wir sehen Dörfer, Schlachtfeste, lange Schiffe und archaische Waffen. Doch der Ton der Geschichte ist nicht der eines Märchens, eher ein archaisches, reales Drama. Der Comic verzichtet weitgehend auf Götterfiguren und kaut keine Mythen wieder. Er interessiert sich für die Menschen, die zu überleben versuchen, für den Einzelnen gegenüber der Natur, für die Gewalt, die in jeder Begegnung steckt.

Meyer übersetzt dies alles in Bildfolgen, die kalt wirken und gleichzeitig voller Spannung sind. Man spürt die Kälte auf der Haut, man riecht förmlich den Atem der Rinderherden, man hört das Knirschen des Schnees. Gerade in Stillen entfaltet der Comic seine Wucht. Ich finde mich in einem nordischen Noir wieder, bei dem die Natur kein Ornament, sondern Gegner ist.

Moby Dick trifft Nordmeer

Diese Geschichte ist ein MOBY DICK im Nordmeer. Keine Jagd nach einem weißem Wal, sondern nach einer Art Seeungeheuer. Doch anders als bei Melville steht hier nicht die Obsession des Kapitäns im Vordergrund, sondern die Konfrontation eines Ausgestoßenen mit einer Aufgabe, die größer ist als er selbst, viel größer. Diese Balance macht den Kern der Erzählung aus.

Ich bleibe dabei, weil mich nicht allein die Frage „Wird er das Monster besiegen?“ am Ball bleiben lässt, sondern weil jede Seite enthüllt, wie viel Menschlichkeit in einer brutalen Welt übrig bleibt.

Ein Kiel, drei Konflikte

Betrachten wir, wie die Geschichte gebaut ist. Dorison wählt keinen linearen Heldenbogen im klassischen Sinne. Stattdessen folgt er einer episodischen Struktur, die zugleich stringent bleibt. Die Mission, das Seeungeheuer zu jagen, liefert eine klare Richtung. Doch unterwegs gibt es Brüche, Umwege und Begegnungen, die scheinbar nebensächlich sind, aber Tiefe einflechten.

Man könnte sagen: ASGARD funktioniert wie ein Wikinger-Langschiff. Der Kiel gibt Richtung, die Planken sind Einzelmomente. Am Ende halten sie ein Schiff zusammen, das nur fährt, weil alles zusammenspielt. Die Dramaturgie balanciert Stille und Action, innere Kämpfe und äußere Duelle.

Struktur wie eine Schiffsplanke

Dorison’s Stärke liegt darin, dass er Konflikte auf verschiedenen Ebenen verschachtelt. Da ist ein äußerer Kampf gegen die Kreatur, ein sozialer Konflikt mit den Dorfbewohnern und ein innerer Konflikt ASGARD’s mit sich selbst. Diese drei Stränge laufen parallel und verstärken sich gegenseitig.

Interessant ist zudem, dass Dorison die Storyline oft abrupt bricht. Kein Übergang von einem Bild zum nächsten, sondern harte Schnitte. Damit wirkt die Erzählung filmisch, fast wie im modernen Kino. Dabei entsteht jedoch keine Ziellosigkeit, sondern Spannung. Gerade diese Rhythmuswechsel heben ASGARD ab von konventionellen Fantasy-Comics, die häufig eine gleichmäßige Erzählmelodie anstimmen.

Der Mann, der kein Held sein darf

ASGARD ist zunächst kein Held zum Liebhaben. Er ist entstellt, misanthropisch und schweigsam. Er trägt Verbitterung, aber auch Stolz in sich. Dorison gönnt ihm keine sofortige Entwicklung zum guten Menschen, sondern zeichnet ihn rau und abweisend. Und das macht ihn für mich glaubwürdig. Wir begleiten keinen glatten Übermenschen, sondern jemanden, der mehr mit Wunden kämpft als mit Schwertern.

Diese Entwicklung ist das Herzstück des Comics. Denn während die Jagd auf See den äußeren Rahmen gibt, entsteht die wahre Spannung im Inneren dieser Figur.

ASGARD ist ein Mann, der permanent beweisen muss, dass er mehr ist als seine Narbe, mehr als sein Makel. Seine Beziehung zu anderen Figuren bleibt schwierig, oft konfliktreich, manchmal von Misstrauen überschattet. Genau das zieht uns hinein, weil der Comic keine typische Heldenreise erzählt, sondern eine Geschichte der Selbstbehauptung.

Kampf aus Trotz, nicht aus Ruhm

Nebenfiguren erfüllen wichtige Funktionen. Sie sind Projektionsflächen für Vertrauen, Feindseligkeit oder Spiegelungen seines Inneren. Sie tauchen auf, verankern Szenen, verschwinden wieder. Anders als in typischen Fantasygruppen treten sie nicht als eingespielte Truppe auf, sondern eher als Wegmarken, die uns die Dimension von Isolation und Gemeinschaft noch stärker fühlen lassen.

Man könnte fast sagen, dass Dorison hier nicht nur einen Antihelden, sondern einen „Nicht-Helden“ entwirft. Er kämpft, ja. Aber er kämpft nicht für Ruhm, nicht für Götter, nicht für eine Gemeinschaft. Er kämpft, weil er atmet, und weil ein weiterer Tag Leben eben Kampf bedeutet. Diese kompromisslose Nüchternheit macht die Figur stärker als jedes Heldenpathos.

Geschichte als Hintergrundrauschen

Spannend ist auch, wie ASGARD historische Signale setzt. Natürlich bewegen wir uns in einer fiktionalisierten Wikingerwelt, irgendwo zwischen Legende und dokumentarischer Härte. Das Seeungeheuer, das erlegt werden soll, hat Parallelen zu skandinavischen Mythen über Meeresdrachen. Zugleich kann man es lesen als Symbol für die Ängste einer Küstengesellschaft, die vom Meer lebt und es fürchtet.

Dorison und Meyer greifen dabei nicht auf exakt belegte historische Tatsachen zurück. Sie weben vielmehr ein Ambiente, das sich anfühlt, als könnte es so einmal gewesen sein. Skelette von Schiffen stehen am Strand, Runen zieren Holz, Masken und Helme wirken handwerklich authentisch. Einige Details erinnern an archäologische Funde, andere wiederum sind frei interpretiert.

Runen, Drachen, Realität

Dieser Umgang mit Geschichte ist wohltuend. Es entsteht keine peinliche Rekonstruktion, die pedantisch wirken könnte, aber auch kein beliebiges Fantasy-Setting. Stattdessen ist ASGARD geerdet, roh und glaubwürdig. Wer sich ein wenig in der altnordischen Literatur auskennt, entdeckt Nachklänge an Sagas, an das Gefühl existenzieller Bedrohung in einer Welt ohne Sicherheit. Aber die Geschichte bleibt trotzdem ein Comic, kein Lehrbuch.

Ein Herzschlag im Eis

Wer sich ASGARD aufschlägt, hält einen Band in den Händen, der nicht bloß von Monstern und Kriegern erzählt. Vielmehr entfaltet sich ein Drama über Außenseiter, über den Kampf gegen Naturgewalt, über die Frage, was ein Mensch wert ist, wenn er aus der Gemeinschaft fällt.

Man könnte meinen, Dorison und Meyer hätten eine kalte Saga geschrieben. Doch diese Saga brennt. Sie brennt, weil die Bilder von Meyer heiß pochen, weil die Dialoge von Dorison scharf wie Äxte schneiden, weil jeder Schnitt im Storyboard bewusst gesetzt ist.

Nein, dieser Comic ist nichts für jemanden, der gemütliche Abenteuergeschichten sucht. Er ist nichts für den Markt, der Fantasy gern als Eskapismus konsumiert. Es ist ein Comic für Leserinnen und Leser, die spüren wollen, wie sehr das Medium Comic die Kraft von Kino, Theater und Mythos in sich vereinen kann.

Fazit

Ein klarer Tipp: ASGARD lesen. Hinsetzen, die Seiten atmen lassen, sich einlassen auf Dunkelheit, Härte, Blut und Schönheit. Und wenn man das Buch schließt, bleibt am Ende nicht einfach der Eindruck einer erledigten Lektüre, sondern das Gefühl, ein Stück kalten Nordens tief in die eigene Brust gesetzt bekommen zu haben. Das ist mehr, als man von einem einzelnen Comic erwarten kann…

• ASGARD (Splitter Double)
• Ralph Meyer und Xavier Dorison
• Hardcover | 112 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-86869-678-3
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Lady Jennifer Winterfield entstammt der britischen Oberschicht. In ihr spürt sie das Gefängnis gesellschaftlicher Konventionen und ihre Empathie stößt an die engen Grenzen aus Standesdünkel und patriarchaler Härte.

Die andere ist Kitamakura, „Kita“, eine junge Japanerin und ein – nun, ja – Ausstellungsstück auf dieser Weltausstellung. Sie erträgt einen unermesslichen Schmerz: ihr Kind ist tot und die Londoner Oberschicht will nichts davon wissen. Für Kita ist es eine doppelte Katastrophe. Ihrem Kind bleibt ein ordentliches Begräbnis verwehrt und ihr Verlust wird unsichtbar gemacht. Aus den Augen, aus dem Sinn. Das allmächtige Empire lässt grüßen.

Frauen, Wut und Widerstand

Diese beiden unterschiedlichen Frauen finden sich nun nachts an einem Beet auf dem Ausstellungsgelände wieder und graben Kita’s totes Baby aus. Ein Akt tiefster Verzweiflung und zugleich eine Geste des Widerstands gegen eine Gesellschaft, die Menschen wegwirft, wenn sie unbequem werden. Zwei Frauen, ein Ziel, ein Thema: die Würde der Opfer sichtbar zu machen und gegen das Wegsehen aufbegehren. Eine Herkulesaufgabe.

Doch die beiden werden entdeckt und die Tragödie nimmt ihren Lauf. Ein gesellschaftlicher Skandal droht, Jennifer und Kita werden gejagt, verfolgt von den Agenten der Moral und den schmutzigen Händen der Mächtigen. Gleichzeitig entwickelt sich der Coup zu einer, die Zeitebenen übergreifenden Geschichte.

Der Comic beginnt mit einem Prolog, einem Prolog in der Gegenwart: Ein reicher Waffenfabrikant, Sir Lionel Barrington, feiert seine juristische Immunität, bis im eigenen Garten ein schrecklicher Anschlag mit von ihm hergestellten Landminen seine Familie aus dem Leben reißt.

Die scheinbar lose verbundene Tat ist die Fortsetzung des oben beschriebenen, viktorianischen, weiblichen Aufbegehrens. Die organisierte Rache ist über Jahrhunderte hinweg gewachsen, in ein geheimes Netzwerk von Frauen hinein gewachsen, die vom Zorn über die tief verwurzelte Ungerechtigkeit getrieben sind. Das Symbol 死 – SHI, das japanische Schriftzeichen für „Tod“ – wird zum Markenzeichen dieses Bundes, zur elegant-tödlichen Drohung gegen das alles beherrschende Patriarchat.

Die düsteren Wurzeln von SHI

Zurück im England von 1851 erhöht die zweite Erzählebene den Druck, langsam aber unaufhaltsam.

Lady Jennifer verbündet sich mit Pickles, einem gewitzten Straßenmädchen. Gemeinsam schmieden sie einen Plan, um Kitamakura aus einer Anstalt für „Hysterische“ zu befreien. Denn Kita, mit tätowierten Symbolen und einer unerklärlichen Macht, übt nicht nur auf Jennifer, sondern auch auf die Insassen der Anstalt eine faszinierende Anziehung aus.

Die Geschichte eskaliert in Gewalt, Verlust und Hoffnungslosigkeit. Und doch begegnen unsere Protagonistinnen den Machenschaften einer verschworenen Männerkaste und der Willkür der Aristokratie mit List und Mut, aber auch mit der unbändigen Wut unterdrückter Frauen.

Gesellschaftskrimi und Rachethriller

Zidrou erzählt mit SHI – AM ANFANG WAR DIE WUT nicht nur einen packenden Thriller, sondern konstruiert ein vielschichtiges Panorama gesellschaftlicher Verlogenheit. Die zentralen Fragen nach Moral und Gerechtigkeit, nach weiblicher Selbstermächtigung und dem Preis der Rache, treiben die Handlung immer wieder voran.

Der Comic setzt dabei gezielte Cliffhanger, gibt aber im hier vorliegenden Auftaktband noch nicht alle Antworten preis. Mit jeder weiteren Enthüllung wächst der Kreis der Gefahr und die Ahnung, dass dieses Erbe des Zorns noch lange nicht beendet ist.

SHI jongliert stilistisch mit unterschiedlichsten Genres. Die Handlung setzt auf einen dramatischen Aufbau mit doppeltem Boden. Die Zeitsprünge zwischen Gegenwart und viktorianischem England sind nicht bloß erzählerisches Füllmaterial. Sie zeigen, wie historischer Schmerz bis in die Gegenwart wirkt, wie lange das System bereits besteht. Die Geschichte lebt von und mit ihren Rätseln. Erst Stück für Stück entblättern sich Wahrheit und Identität der Figuren.

Der Plot ist eine klassische, beinahe archetypische Rachegeschichte und von Anfang an durchzogen mit bitterem Ernst, der nicht durch Humor aufgelockert wird. Der Spannungsbogen setzt dabei weniger auf klassische Action oder plötzliche Wendungen, sondern vielmehr auf eine intensive Grundstimmung.

Rätsel, Rhythmus und roter Faden

Die Atmosphäre schwankt zwischen tiefer Verzweiflung und unterdrückter Hoffnung. Dabei mutet uns die Erzählung einiges zu, schreckt vor düsteren Szenen nicht zurück und lässt Gewalt und Erniedrigung für sich sprechen, über Schuld und über Verantwortung.

Zidrou’s stilisiert seine Figuren nicht zu bloßen Rächern. Vielmehr stehen am Anfang die Trauer und das Unrecht, das erlitten wird. Erst aus der Hilflosigkeit und dem Fehlen alternativer Möglichkeiten erwächst die radikale Handlung.

Der klare, episodische Aufbau des Comics macht ihn trotz komplexer Erzählstrukturen zugänglich. Klare Wechsel der Zeitebenen, sorgfältig gestreute Hinweise und mehrfach angedeutete Geheimnisse sorgen für einen stetigen Sog, der das Lesevergnügen trotz der Schwere des Themas hoch hält.

Wut, Würde, Wandel

Im Zentrum von SHI stehen starke, wenn auch anfangs zerbrechliche Frauenfiguren. Lady Jennifer Winterfield wächst aus dem Schatten ihres privilegierten, aber kalten Elternhauses heraus. Ihre Entwicklung von der naiven Aristokratin zur entschlossenen Widerstandskämpferin vollzieht sich in Schritten, nicht in einem schicksalhaften Augenblick..

Kitamakura, die geheimnisvolle Japanerin, bleibt lange Zeit von einer verlustbehafteten Aura aus Schmerz umgeben. Ihre Herkunft und die sie umgebende Mystik verleihen der Erzählung eine einzigartige Note. Gerade in ihrer Sprachlosigkeit, im tiefen Trauma ihres Verlustes, liegt ihre größte Stärke. Kita ist kein Klischee, sondern ein stiller Vulkan, dessen Zorn die Handlung beizeiten kraftvoll vorantreiben wird.

Auch die Nebenfiguren sind präzise gezeichnet. Die kleine Pickles, das Straßenmädchen mit Köpfchen und Herz, bringt eine gewisse Leichtigkeit in die düstere Szenerie. Jennifer’s Onkel wirkt als Grenzgänger zwischen den Welten von Wissenschaft und Wahnsinn gezeichnet.

Die Antagonisten, allen voran der kaltschnäuzige Colonel und die opportunistischen Adelsvertreter, sind überzeichnet, aber doch so, dass sie die menschliche Fratze der Macht verkörpern, die den Zeitgeist widerspiegelt.

Zwischen Trauma und Rebellion

Die jeweilige Figurenentwicklung ist bewusst als Prozess angelegt. Viele Fragen werden offen gelassen, das Unausgesprochene hält die Spannung bis zum nächsten Band hoch. Und hiervon gibt es inzwischen sechs. Die Frauen werden nicht zu „Superheldinnen“, auch wenn ähnliche Erfahrungen in US-Comics eben solche hervorgebracht haben. Stattdessen bleiben sie ambivalente, widersprüchliche Persönlichkeiten, deren Authentizität sich trotz ihrer Grenzerfahrungen zeigt und nicht deswegen.

Das Dreamteam hinter SHI

Zidrou, bürgerlich Benoît Drousie, zählt zu den vielseitigsten Szenaristen Europas. Seine Karriere begann er als Lehrer in Belgien, 1991 dann als Comiczeichner mit Illustrationen für das Magazin „Spirou“ bevor er mit Werken wie DIE ADOPTION, LYDIE oder WUNDERVOLLE SOMMER den Sprung auf die große Bühne schaffte. Inzwischen hat er als Szenarist unzählige Comics veröffentlicht.

Charakteristisch für Zidrou ist die hohe Kunst, gesellschaftliche Themen in berührende, komplexe Handlungsbögen zu kleiden. So gelingt es ihm auch in SHI, schmerzliche Inhalte an düstersten Stellen mit Spannung und Empathie zu kombinieren.

Zwischen Feder und Pinsel

An seiner Seite steht dieses Mal José Homs, gebürtiger Spanier und Meister der grafischen Opulenz. Grafisch ist SHI ein echtes Ereignis. Bekannt wurde er nicht zuletzt durch seine Arbeit an der Comic-Adaption der Millennium-Trilogie nach Stieg Larsson.

Homs‘ Zeichnungen sind mehr als Begleitung zur Story, sie sind visuelle Erzählungen mit ureigener Energie. Sein Stil liegt zwischen feinem Realismus und stilistischer Überhöhung.

Seine Liebe zum Detail reicht vom Mienenspiel über die Architektur hin bis zur Kleidung. Die Zeichnungen sind voller Leben und oft von einer atemberaubenden Härte. Dabei verwendet Homs detaillierte, plastische Panels und unterschiedliche Farbpaletten, um Stimmungen und Zeitebenen zu markieren.

Mit SHI setzt er neue Maßstäbe, was Ausdruck und künstlerische Qualität betrifft. Seine Bilder fangen Emotionen, Gewalt und Zartheit gleichermaßen gekonnt ein.

Zidrou und Homs schaffen so eine Symbiose, in der Text und Bild einander verstärken statt miteinander zu konkurrieren.

Patriarchat, Protest und fernöstliche Mystik

SHI ist mehr als ein viktorianisches Drama. Der Comic arbeitet mit historischen Fakten, ohne belehrend zu erscheinen. Die erste Weltausstellung, der Fortschrittsglaube des 19. Jahrhunderts und die gesellschaftlichen Umbrüche bilden den perfekten Nährboden für die menschliche Tragödie: die Befreiung der Frau, das Aufbegehren gegen den gesellschaftlich akzeptierten Machtmissbrauch und die bleibenden Narben entsprechender Traumata.

Der Comic behandelt somit Themen, die aktuell wieder brisant sind: Themen wie Sexismus, Rassismus und soziale Ungerechtigkeit. Diese werden kunstvoll in eine spannende Geschichte eingewoben und präsentiert.

Fazit

SHI – AM ANFANG WAR DIE WUT ist ein modernes Comic-Opus, das gekonnt Gesellschaftsanalyse, Thriller und Zeitkolorit vereint. Spannende Hauptfiguren und eine dichte, atmosphärisch erzählte Story zeichnen den Band aus. Bild und Text gehen eine sehenswerte Symbiose ein, die selten so reibungslos und eindrucksvoll gelingt.

Wer gerne packende und zugleich kluge Comics liest, wird an SHI nicht vorbeikommen. Die Rache, der Schmerz und der Kampf um die eigene Würde, all das wird hier narativ und visuell auf höchstem Niveau umgesetzt.

Aber Achtung: SHI ist wahrlich kein leichter Stoff. Aber einer, der in Erinnerung bleibt und ein Auftakt, der sofort Lust auf den nächsten Band macht. Wer sich auf diese Geschichte einlässt, erlebt einen Comic, der mitreißt, erschüttert und gelegentlich verstört, aber auch Hoffnung und Widerstandskraft feiert.

SHI – AM ANFANG WAR DIE WUT (Band 1 von 6)

© Splitter Verlag | Hardcover | 88 Seiten | Farbe

Storyline:   ★★★★☆

Zeichnungen:  ★★★★★

Farben: ★★★★☆

Lettering:  ★★★☆☆

Humor:  ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung:  ★★★★☆

ISBN: 978-3-95839-525-1

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

Die weiteren Bände der Reihe

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Im zweiten Teil der Reihe, HABEMUS BASTARD – 2 EIN HERZ UNTER DER SOUTANE, hat sich Lucien nun in seiner neuen Rolle längst eingerichtet. Aus einem der gefährlichsten Männer Frankreichs wird ein Meister der Verwandlung und der Verhandlung. Naturalien und Gefälligkeiten sind ihm sicher. Doch unter der Soutane brodeln immer noch alte Instinkte. Die blutige Vergangenheit bahnt sich langsam, aber sicher ihren Weg in das beschauliche Kleinstadtidyll.

Dorfidylle mit dunkler Seite

Auf den ersten seiten des neuen Bandes erhalten wir einen geschichtlichen Schnellkurs, warum sich die beiden Unterwelt-Bosse von Lyon nicht grün sind. 

Die eigentliche Geschichte setzt dann am Ende des ersten Bandes an, als Lucien endgültig untergetaucht ist. Nun lebt er scheinbar friedlich als Dorfpfarrer, aber die Idylle trügt. Die Dorfbewohner lieben seinen unkonventionellen Stil, doch auch sie spüren, dass hinter Lucien’s ruhiger Fassade mehr als nur der Segen wartet.

Und wie zu erwarten war, tauchen im Verlauf – natürlich – die bösen Buben aus Lyon im beschaulichen Saint-Claude auf, weil Lucien die Leiche nicht sauber genug entsorgt hat. (Was meine ursprüngliche Kritik, dass Lucien sie in den Lyoneser Gassen zurückgelassen haben könnte, aufklärt.)

Von Schwarzmann auf immer neuen Ebenen ausgearbeitet, bleibt der Humor bissig, manchmal etwas derb, aber nie platt. Es sind oft die kleinen Seitenhiebe gegen Kirche, Gesellschaft und Moral, die die Handlung vorantreiben und zugleich den Charakter Lucien vielschichtig machen.

Panel-Pirouetten im Pfarrhaus

Stilistisch bleibt HABEMUS BASTARD alles andere als Standardware. Zeichner Sylvain Vallee fährt ein Panel-Feuerwerk auf. Die Figuren bieten mimisch und gestisch ein umfangreiches Spektrum. Auch die Farbgebung von Elvire de Cock bringt wieder schönes Spiel in Licht und Tiefe.

Lucien steht im Mittelpunkt. Sein Wandel zwischen Killerblick und Pfarrergesicht funktioniert – mal abgebrüht, mal unbeholfen, dann wieder listig oder überraschend sanft. Der Comic nimmt uns mit auf eine wilde Achterbahnfahrt, wobei die Dramaturgie stets zwischen Krimikomödie und Gesellschaftssatire pendelt.

Mimik, Morde und Messwein

Die Dorfgemeinschaft wirkt als belebtes, oft skurriles Ensemble. Kein Nebencharakter bleibt farblos. Schwartzmann und Vallee liefern pointierte Dialoge, schnelles Timing und die nötige Ruhe für emotionale Momente. Die grafische Umsetzung konkurriert in manchen Panel-Battles beinahe mit Klassikern wie ES WAR EINMAL IN FRANKREICH und KATANGA.

Wer sich auf das Spiel zwischen dumpfer Dorfstube, der kirchlichen Milde und dem flackernden Schatten alter Sünden einlässt, wird reich belohnt. Es ist diese Mixtur, die den Comic frisch hält.

Ein Herz unter der Soutane

Die Serie HABEMUS BASTARD lebt vom Mut, Tabuthemen anzugehen und der respektlose Ton bleibt auch im zweiten Teil erhalten. Wer den ersten Band DAS NOTWENDIGE ÜBEL gelesen hat, merkt schnell: Lucien hat sich weiterentwickelt. Die Story bleibt überschaubar fokussiert, ihr Spannungsbogen schwingt zwischen Bedrohung und Vertrautheit.

Lucien’s Vergangenheit wird, anders als im ersten Band, weniger spektakulär abgehandelt, sondern schleichend und intelligent in die Dorfroutine eingewoben. Die Autoren schenken dem Leser aber keine einfache Auflösung, entwirren die verschiedenen, offenen Handlungsstränge aber zu unserer Zufriedenheit.

Der Comic wagt sich immer wieder an moralisch grenzwertige Situationen, jongliert mit den Erwartungen des Lesers und ist genau damit ein echtes Lesevergnügen.

Genüsslich sündigen

Der Humor bleibt stets präsent, wirkt aber niemals verharmlosend. Die Sünden der Hauptfigur werden nie ganz gewaschen, sondern schaffen den Stoff für neue Fragen und Twists. Wer das Vorgängerwerk kennt, erkennt eine konsequente Weiterentwicklung von Stil und Ton.

Die Serie ist ein Statement für Comics, die nicht moralinsauer belehren, sondern mit Charme und Biss unterhalten wollen. HABEMUS BASTARD tut dies.

Lesestoff für Ketzer und Kenner

HABEMUS BASTARD – 2 EIN HERZ UNTER DER SOUTANE ist mehr als eine Krimikomödie im Pfarrgewand. Hier werden Tabus gebrochen, Humor passgenau dosiert und grafisch alles gegeben. Wer es mag, Kirche und Gesellschaft mal kräftig durch den Kakao zu ziehen, der findet hier den idealen Lesestoff.

Die Panels fangen allerlei Nuancen ein, die Story überrascht bis zum Schluss. Ein besonderes Lob gilt dem mutigen Wechselspiel zwischen schwarzem Humor und leisen Zwischentönen. Die Serie HABEMUS BASTARD hat sich zu einem der spannendsten Experimente im aktuellen Comic-Markt entwickelt.

Fazit

Für Einsteiger wie Profis ist HABEMUS BASTARD eine klare Leseempfehlung, nicht zuletzt wegen der Fähigkeit, verschiedene Genre-Facetten gekonnt zu verbinden. Also, Soutane überwerfen, Leben riskieren und ab auf die Lesecouch: Diesen Comic sollte man nicht verpassen.

HABEMUS BASTARD – EIN HERZ UNTER DER SOUTANE (2 von 2)

© Splitter Verlag | Hardcover | 88 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★★☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★★★☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆

ISBN: 978-3-96792-080-2

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Ihr Ehemann Roland ist nicht nur der Stadtvogt, sondern auch der führende Hexenjäger des Dorfes. Er ist ein Mann, dessen Kreuzzug gegen vermeintliche Ketzer das Dorf in einen Strudel aus Misstrauen und Gewalt reißt. Ingrid selbst ist unglücklich in ihrer Ehe, gefangen zwischen gesellschaftlichen Erwartungen und eigenen Sehnsüchten.

Die Handlung nimmt Fahrt auf, als ein prominentes Mitglied der Dorfgemeinschaft ermordet aufgefunden wird. Roland nutzt den Vorfall, um seine Hexenjagd noch erbarmungsloser voranzutreiben. Niemand ist mehr sicher, auch Ingrid nicht. Während sie versucht, das Geheimnis um den Mord zu lüften, wird sie von einer schattenhaften Gestalt heimgesucht, die sie nachts in ihren Träumen besucht.

Diese Begegnungen sind gleichermaßen bedrohlich wie verführerisch. Ist der nächtliche Besucher ein Dämon, ein Produkt ihrer unterdrückten Wünsche oder gar der Schlüssel zu ihrer Befreiung? Die Grenzen zwischen Traum und Wirklichkeit verschwimmen zunehmend und Ingrid gerät immer tiefer in einen Strudel aus Begierde, Angst und dunkler Magie.

Ganz normaler Horror

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE spielt virtuos mit Elementen des Folk Horror und verbindet historische Realität mit sinnlicher, übernatürlicher Spannung. Die Geschichte bleibt dabei stets vielschichtig und vermeidet einfache Antworten. Ingrid steht für die Sehnsucht nach Selbstbestimmung, aber auch für die Gefahren, die mit dem Ausbruch aus gesellschaftlichen Zwängen einhergehen.

Die Atmosphäre ist dicht, die Bedrohung allgegenwärtig und doch schwingt immer eine verführerische Note mit, die den Comic von klassischen Hexenverfolgungsgeschichten abhebt. Und doch ist SOMNA tief verwurzelt in der Geschichte der europäischen Hexenverfolgung, die wohl zwischen 40.000 und 60.000 Opfer forderte.

Zwei Visionärinnen, ein Comic

Becky Cloonan und Tula Lotay sind keine Unbekannten in der Comic-Welt, im Gegenteil. Beide haben sich längst als Ausnahmetalente etabliert. Cloonan, bekannt für Werke wie BY CHANCE OR PROVIDENCE und ihre Beiträge zu WONDER WOMAN, steht für atmosphärische, kraftvolle Erzählungen mit einem Hang zum Düsteren. Ihr Stil ist geprägt von klaren Konturen und einer Vorliebe für die Abgründe der menschlichen Seele.

Tula Lotay (eigentlich Lisa Wood) ist vor allem für ihre Arbeiten an BARNSTORMERS und zahlreiche Cover-Illustrationen für DC und Image Comics bekannt. Ihr Markenzeichen ist ein weicher, fast träumerischer Stil, der mit Farben und Licht spielt und die Grenzen zwischen Realität und Fantasie verschwimmen lässt. Lotay ist Mitbegründerin des THOUGHT BUBBLE FESTIVALS, einer der wichtigeren Comic-Conventions Europas und hat sich auch als Innovatorin einen Namen im Bereich des grafischen Erzählung gemacht. Lotay liebt das Surreale, das Sinnliche. Genau das macht sie zur perfekten Partnerin für dieses Projekt.

SOMNA ist das erste große Gemeinschaftswerk der beiden Künstlerinnen, die hier nicht nur gemeinsam schreiben, sondern auch jeweils eigene Kapitel illustrieren. Cloonan übernimmt die Tages- und Realweltszenen, Lotay die Nacht- und Traumsequenzen. Diese bewusste Trennung hebt die unterschiedlichen Perspektiven hervor und sorgt für einen spannenden visuellen Kontrast, der die thematische Dualität von SOMNA unterstreicht.

Die Zusammenarbeit der beiden ist das Ergebnis einer langen Freundschaft und kreativen Verbundenheit. Die Idee zu SOMNA soll bereits vor über zehn Jahren entstanden sein, als beide auf einem schwedischen Comic-Event gemeinsam auf einem Wikinger-Grabhügel standen und sich ein Versprechen gaben, irgendwann zusammenzuarbeiten.

Diese kreative Synergie ist auf jeder Seite spürbar. SOMNA lebt vom Wechselspiel der Stile, von der gegenseitigen Inspiration und dem Mut, erzählerische und künstlerische Grenzen auszuloten.

Zwischen Sinnlichkeit und Schrecken

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE hebt sich deutlich von klassischen Horror-Comics ab. Der Band ist ein Paradebeispiel für modernen Folk Horror, inspiriert von Filmen wie MIDSOMMAR oder THE WITCH. Die Geschichte nutzt historische Kulissen nicht nur als Hintergrund, sondern als Spiegel für zeitlose Themen wie z.B. weibliche Selbstbestimmung, Unterdrückung, Angst vor dem Fremden und die Macht der Begierde.

Eine der größten Neuerungen ist der bewusste Wechsel der Zeichenstile. Cloonan’s klare, fast strenge Linien stehen für die harte Realität des Dorflebens, während Lotay’s weiche, verschwommene Bilder für die verführerische, aber auch gefährliche Welt der Träume und Sehnsüchte stehen. Im Verlauf der Handlung verschmelzen beide Stile immer mehr. Ein künstlerischer Kniff, der die zunehmende Auflösung der Grenzen zwischen Traum und Wirklichkeit spiegelt.

Auch inhaltlich geht SOMNA neue Wege. Die explizite, aber nie platte Darstellung von Erotik ist integraler Bestandteil der Geschichte. Die sinnlichen Szenen sind nicht Selbstzweck, sondern Ausdruck von Ingrids innerem Konflikt und ihrer Suche nach Freiheit. Die Künstlerinnen scheuen sich nicht, Tabus zu brechen und mit der Ambivalenz von Lust und Angst zu spielen. Allerdings sind diese Darstellungen auch die Grundlage für die FSK-Einstufung 18+.

Zwischen Tag und Traum

Die Erzählstruktur von SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE ist bewusst zweigeteilt. Tagsüber dominiert die beklemmende Realität des Dorflebens, nachts öffnet sich der Raum für Träume, Sehnsüchte und Übernatürliches. Diese Dualität wird nicht nur thematisch, sondern auch visuell konsequent umgesetzt. Die Wechsel zwischen den Welten sind fließend, die Grenzen verschwimmen. Und genau das macht den Reiz des Werkes aus.

Die Geschichte folgt keinem klassischen Spannungsbogen, sondern setzt auf eine dichte, atmosphärische Entwicklung. Vieles bleibt angedeutet, Fragen werden aufgeworfen, aber selten endgültig beantwortet. Das erzeugt eine permanente Unruhe, ein Gefühl von Unsicherheit und Bedrohung, was perfekt zum Thema passt. Wir werden eingeladen, selbst zu interpretieren, was real ist und was nicht.

Ingrid’s Perspektive, ihre Ängste und Wünsche treiben die Story. Die Nebenfiguren, allen voran Ehemann Roland, sind mehr als bloße Stichwortgeber. Sie verkörpern die gesellschaftlichen und persönlichen Konflikte, die Ingrid zu zerreißen drohen. Der Plot ist dabei weniger ein Rätselkrimi als ein psychologisches Kammerspiel, das die Leser mit seiner Vielschichtigkeit fordert und fesselt.

Keine Helden, keine Monster

Im Mittelpunkt von SOMNA steht eine Protagonistin, die sich durch ihre Ambivalenz und Vielschichtigkeit auszeichnet. Ingrid ist weder klassische Heldin noch reines Opfer. Sie ist eine Frau, die zwischen Angst, Begierde und dem Wunsch nach Selbstbestimmung schwankt. Ihre Entwicklung ist subtil, glaubwürdig und nachvollziehbar. Sie wächst an ihren Erfahrungen, wird mutiger, aber auch verletzlicher.

Demgegenüber ist Roland, ihr Ehemann, mehr als nur der Antagonist. Er verkörpert die Zwänge und Ängste einer Gesellschaft, die alles Fremde und Unangepasste bekämpft und dabei selbst zum Monster wird. Die Beziehung zu seiner Frau ist von Macht, Kontrolle und Misstrauen geprägt, aber auch von einer tragischen Unfähigkeit zur Nähe.

Die schattenhafte Gestalt, die Ingrid heimsucht, bleibt bewusst rätselhaft. Ist sie ein Dämon, ein Befreier oder das Spiegelbild von Ingrids unterdrückten Sehnsüchten? Diese Unklarheit macht den Reiz der Figur aus und sorgt dafür, dass SOMNA nie in einfache Schwarz-Weiß-Muster verfällt.

Auch die Nebenfiguren sind sorgfältig gezeichnet. Sie spiegeln die Spannungen und Ängste der Dorfgemeinschaft, ohne zu bloßen Karikaturen zu verkommen. Die Charakterentwicklung ist insgesamt ein großer Pluspunkt des Comics. Selten wurde innere Zerrissenheit so einfühlsam und gleichzeitig so verstörend dargestellt.

Farben, Formen, Fantasien

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE ist großartig bebildert. Die Zeichnungen sind nicht nur Mittel zum Zweck, man könnte sie als eigenständige Erzählerinnen betrachten.

Becky Cloonan und Tula Lotay setzen bewusst auf Kontraste. Cloonan’s Panels sind klar, strukturiert und geerdet. Sie fangen das harte, oft brutale Dorfleben ein. Lotay’s Seiten hingegen sind weich, verschwommen und voller sinnlicher Details. Sie machen das Unbewusste, das Traumhafte sichtbar.

Die Farbgebung von Lee Loughridge (STAND STILL), Dee Cunniffe (SENSATIONAL SHE-HULK, DAREDEVIL) und Tula Lotay selbst verstärkt diesen Effekt. Tagsüber dominieren erdige, gedeckte Töne, nachts explodieren die Farben in leuchtenden, fast psychedelischen Varianten. Besonders beeindruckend ist, wie beide Stile im Verlauf der Geschichte immer mehr ineinander fließen.

Die Panels sind dynamisch gestaltet, mit ungewöhnlichen Perspektiven und fließenden Übergängen. Die erotischen Szenen sind kunstvoll, aber nie voyeuristisch. Vielmehr sind sie Ausdruck von Ingrid’s innerer Zerrissenheit. Auch kleine Details (wie etwa die Anspielungen auf klassische Gemälde wie das von Johann Heinrich Füssli DER NACHTMAHR) zeigen, wie viel Liebe und Sorgfalt in SOMNA steckt.

Hexen, Aberglauben und Historie

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE spielt nicht zufällig zur Zeit der Hexenverfolgungen. Der Comic nutzt das historische Setting, um zeitlose Fragen zu stellen. Was passiert, wenn Angst und Aberglaube über Vernunft und Mitgefühl siegen? Wie schnell werden gesellschaftliche Außenseiter zu Sündenböcken? Die Parallelen zu heutigen Debatten um Ausgrenzung und Kontrolle sind unübersehbar und der Zeitpunkt für eine deutsche Veröffentlichung des Werkes könnte nicht besser sein.

Der Comic bleibt dabei nah an historischen Fakten. Die Atmosphäre im Dorf, die Rituale der Hexenprozesse, die Rolle der Frauen: all das ist sorgfältig recherchiert und glaubwürdig umgesetzt. Gleichzeitig erlaubt sich SOMNA künstlerische Freiheiten, um die psychologischen und gesellschaftlichen Mechanismen hinter der Hexenjagd zu thematisieren.

Die Anleihen an den Folk Horror sind nicht nur ästhetischer Natur, sondern auch inhaltlich fundiert. Wie in MIDSOMMAR oder THE WITCH steht die Konfrontation mit dem Unheimlichen, dem Fremden im Mittelpunkt. SOMNA zeigt, wie dünn der Firnis der Zivilisation sein kann und wie schnell sich Angst in Gewalt verwandelt.

Kein Serienprodukt, aber ein Statement

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE ist kein Teil einer klassischen Serie, sondern ein in sich abgeschlossenes Werk. Allerdings steht der Comic in einer Reihe von Veröffentlichungen, die sich dem modernen Folk Horror und der künstlerischen Grenzüberschreitung verschrieben haben. Für Becky Cloonan und Tula Lotay ist SOMNA das erste große Gemeinschaftsprojekt, aber beide haben bereits zuvor mit ähnlichen Themen und Stilen experimentiert.

Die Einflüsse aus ihren früheren Arbeiten sind deutlich spürbar. Cloonan’s BY CHANCE OR PROVIDENCE und Lotay’s BARNSTORMERS sind ebenfalls geprägt von starken Frauenfiguren, düsterem Setting und einer Vorliebe für das Übernatürliche. SOMNA ist somit eine logische Weiterentwicklung und künstlerisches Statement zugleich.

Für Fans der Künstlerinnen bietet SOMNA jede Menge Wiedererkennungswert und doch ist der Comic eigenständig genug, um auch Comic-Neulinge zu begeistern. Wer nach SOMNA mehr will, findet im Werk der beiden zahlreiche Anknüpfungspunkte.

Ein dunkles Märchen für Erwachsene

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE ist ein Ausnahme-Comic, der sich mutig zwischen die Stühle setzt. Folk Horror trifft Erotik, historische Realität auf surreale Traumwelten. Die Zusammenarbeit von Becky Cloonan und Tula Lotay ist ein Glücksfall für das Medium Comic. Selten wurden Angst, Begierde und Selbstbefreiung so kunstvoll und vielschichtig erzählt.

Der Comic ist allerdings nichts für schwache Nerven oder zarte Gemüter. Die Themen sind düster, die Bilder explizit, die Atmosphäre beklemmend. Aber genau das macht SOMNA so besonders. Wer sich auf diese Reise einlässt, wird mit einer Geschichte belohnt, die nachhallt und die Lust auf mehr macht.

Ob Comic-Profi oder Gelegenheitsleser, SOMNA ist ein Muss für alle, die Comics als Kunstform ernst nehmen und die bereit sind, sich auf neue, ungewohnte Wege einzulassen. Wer sich traut, sollte zugreifen und sich von SOMNA in den Bann ziehen lassen. Auch wenn Frau danach sicher froh ist, dass sie nicht in dieser Zeit gelebt hat …

SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE

© Cross Cult Verlag | Hardcover | 168 Seiten | Farbe

Storyline:   ★★★★☆
Zeichnungen:  ★★★★☆
Lettering:  ★★★☆☆
Humor:  ☆☆☆☆☆
Meine persönliche Bewertung:  ★★★★☆
ISBN: 978-3-98666-714-6

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