Am 25. Juni kommt Craig Gillespie’s SUPERGIRL mit Milly Alcock als Kara Zor-El, Matthias Schoenaerts als Krem und Eve Ridley als Ruthye Marye Knoll in die deutschen Kinos. Das ist ein schöner Moment, um den Comic von Tom King und Bilquis Evely u.a. noch einmal zur Hand zu nehmen.

Nicht als Pflichtlektüre vor dem Film natürlich, sondern eher als Gegenmittel gegen die sehr verbreitete Vorstellung, SUPERGIRL sei einfach Superman mit blondem Haar und einem Rock. Denn mit dieser Ansicht räumt SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW sehr gründlich auf.

Tom King, Bilquis Evely und Matheus Lopes erzählen in 8 Ausgaben keine glänzende Geschichte. Sie schicken Kara auf eine Reise durch fremde Welten, in Kneipen unter roten Sonnen, auf staubige Planeten und zu sprechenden Wesen, erzählen von alten Wunden und sehr jungen Rachefantasien.

Ich habe beim ersten Lesen ursprünglich schnell gemerkt, dass dieser Comic nicht daran interessiert ist, SUPERGIRL netter zu machen. Er will sie wahrer erscheinen lassen. Das ist ein Unterschied! Kara ist hier nicht weniger heldenhaft als ihr Cousin. Sie ist jedoch müder, älter im Herzen und deutlich schneller bereit, jemandem die Laune zu verderben.

Argo City brennt noch immer

SUPERGIRL erschien als Kara Zor-El 1959 in ACTION COMICS #252. Geschrieben wurde ihr Debüt von Otto Binder, gezeichnet von Al Plastino.

Schon damals war sie mehr als eine bloße Ergänzung der Superman-Familie. Sie kam aus Argo City, einem überlebenden Bruchstück Kryptons. Auch ihr Ursprung war also von Anfang an mit Verlust verbunden. Nur wurde dieser Verlust lange meist verharmlosend geglättet. Kara sollte helfen, lächeln, sich fügen und im Zweifel im Schatten ihres berühmteren Cousins bleiben und verkörperte damit natürlich ein Frauenbild ihrer Zeit.

Tom King greift genau diesen Schatten auf. Seine Kara wurde nicht als Baby auf der Erde von liebevollen Eltern aufgenommen. Sie hat Krypton gekannt und bewusst verloren. Sie hat gesehen, wie ihre Heimat, ihre Familie und ihre Zukunft verschwanden.

Das klingt erst einmal nach einer kleinen Änderung im bekannten Mythos, verändert aber Wesentliches. Superman steht für die Chance, neu anzufangen. Dieses SUPERGIRL jedoch steht für das Weiterleben nach dem Ende.

Die achtteilige Miniserie erschien von Juni 2021 bis Februar 2022 bei DC und liegt inzwischen in mehreren Sammelausgaben vor. Die Deluxe Edition umfasst die komplette Geschichte. DC selbst stellt den Band deutlich als prägende Supergirl-Erzählung heraus und das ist keine Übertreibung, sondern ziemlich treffend.

SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW nimmt eine Figur, die oft zwischen Symbol und Nebenrolle eingeklemmt war und gibt ihr eine eigenes, ja – emanzipatorisches Gewicht.

Krypto beißt nicht nur fürs Merchandising

Die Geschichte beginnt nicht auf der Erde, sondern direkt draußen im All. Kara feiert ihren Geburtstag auf einem Planeten mit roter Sonne. Dort sind ihre Kräfte gedämpft – und dort kann sie bis zum Umfallen trinken.

Das ist ein starker Einstieg, weil er die Figur sofort menschlicher macht aber auch verschiebt. Diese SUPERGIRL sitzt zu ihrem Jahrestag nicht auf einem Wolkenkratzer und lächelt in den Sonnenaufgang. Sie hängt in einer Kneipe ‚rum und sieht so aus, als habe sie die Nase voll vom ganzen Kosmos.

Dann taucht Ruthye Marye Knoll auf, ein Mädchen, dessen Vater von Krem of the Yellow Hills ermordet wurde. Ruthye sucht keine Rettung. Sie sucht eine Waffe und sie will Kara anheuern, damit Krem stirbt. Kara lehnt das zunächst ab, denn sie gehört zur Superman-Familie und Töten passt nicht zu diesem Erbe.

Doch Krem greift ein, verletzt Krypto mit einem vergifteten Pfeil und stiehlt Kara’s Raumschiff. Plötzlich ist aus einer Bitte um Rache eine lebenswichtige Verfolgung geworden und aus einer betrunkenen Begegnung ein seltsam kratziges Bündnis zweier, junger Frauen.

Ruthye erzählt die Geschichte in einer Sprache, die bewusst altmodisch klingt. Das wirkt am Anfang sperrig. Ich brauchte ein paar Seiten, bis ich in diesen Ton hineinkam. Danach trägt er sehr viel. Denn Ruthye ist keine neutrale Erzählerin. Sie blickt auf Kara wie auf eine Legende, die vor ihren Augen ständig Dellen bekommt. Genau daraus entsteht jedoch der Reiz dieser Geschichte: Kara ist für Ruthye überlebensgroß, aber nie fehlerlos.

Die Phantomzone liegt im Herzen

Die Reise führt durch fremde Gesellschaften, Gewalt, Armut, Gier und kleine Wunder. King zählt dabei nicht einfach Stationen auf. Er lässt jede Etappe an Ruthye’s Wunsch nach Vergeltung kratzen. Das Mädchen folgt einer klaren Logik: Krem hat getötet, also muss Krem sterben.

Kara weiß, wie verführerisch dieser Satz ist. Sie weiß es nicht aus Lehrbüchern. Sie kennt die Wut, weil in ihr selbst ein ganzer Planet weiterbrennt.

Der Comic gewinnt viel Kraft daraus, dass Kara nicht als reine, moralische Instanz auftritt. Sie ist nicht die Erwachsene, die einem Kind geduldig erklärt, was richtig ist und was falsch. Sie ist selbst gefährdet, ihre Härte hat Gründe und doch bleibt sie Härte.

SUPERGIRL hilft Ruthye und führt sie zugleich in die Nähe des Abgrunds. Das macht die Beziehung der beiden spannend. Ruthye lernt von Kara, Kara lernt aber ebenso von Ruthye, weil das Mädchen sie zwingt, die eigenen Gewissheiten zu hinterfragen.

Das Finale führt die Rachefrage schließlich nicht billig zu einem Ende. Krem wird gestellt, doch die entscheidende Bewegung liegt nicht im Zuschlagen, sondern im Innehalten.

Dass der Comic später noch einmal in die ferne Zukunft springt, wirkt zuerst wie ein Märchenkniff. Für mich passt der Twist aber trotzdem ins Szenario. Diese Geschichte braucht den langen Atem. Schuld, Zorn und Vergebung verschwinden nicht nach einem Endkampf. Diese Geschichte brauchen Zeit, in diesem Fall sehr viel Zeit.

Im Orbit von Superman

SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW ist für mich besonders interessant, weil der Band den Superman-Mythos nicht ablehnt, aber sich an ihm reibt. Kara trägt dasselbe Zeichen, aber sie kann es nicht auf dieselbe Weise führen wie Clark. Er wurde auf der Erde angenommen, Kara wurde entwurzelt. Diese Differenz ist der Motor einer komplett anderen  Geschichte.

Damit passt der Comic gut in Tom King’s stärkere Superheldenarbeiten. King interessiert sich oft für Figuren, die nach außen klar lesbar sind, in denen innerlich jedoch längst Risse stecken.

Bei MISTER MIRACLE, THE VISION oder HUMAN TARGET geht es ebenfalls darum, was Heldentum kostet, wenn Alltag, Trauma und die eigene Rolle nicht mehr sauber zu trennen sind. Bei Kara funktioniert dieser Ansatz besonders gut, weil sie als Figur lange nach einer eigenen, großen Erzählung gesucht hat.

Zum Film – den ich noch schauen muss – lässt sich ohne Spekulation nur wenig sagen. Gillespie’s SUPERGIRL übernimmt die zentralen Namen und die grobe Grundrichtung des Comic. Kara, Ruthye, Krem, Krypto und die interstellare Reise gehören sichtbar zur Verwandtschaft von Comic und Leinwand.

Zugleich steht fest, dass der Film andere Akzente setzt. Lobo – gespielt von Jason Momoa – gehört zur Besetzung, spielt im Comic aber keine Rolle. Auch Superman wird im offiziellen Cast geführt. Das deutet auf eine stärkere Verankerung in James Gunn’s neuem Kino-DC hin, während der Comic gerade durch seine Ferne zur Erde so gut funktioniert.

Kandor im Sternenstaub

Bilquis Evely ist das eigentliche Wunder dieses Bandes. Ihre Seiten sind detailreich, aber nie zugestopft. Sie zeichnet Räume, in denen ich gern länger geblieben wäre. Märkte, Landschaften, Raumschiffe und Ruinen bekommen eine eigene Attraktivität. Evely liebt Linien, Ornamente und Stofflichkeit. Gleichzeitig bleibt die Handlung immer lesbar. Ich verliere nie Kara’s Blick, Ruthye’s Trotz oder Kremen’s kalte Selbstsicherheit aus den Augen.

Die Frage, die sich mir bereits auf den ersten Seiten stellt, ist die nach einer grafischen „Verwandtschaft“ zu Moebius und ARZACH. Ja, in manchen Momenten erinnert Evely’s Arbeit sehr an diese Lust am fremden Raum, an weite Science-Fiction-Landschaften und an Figuren, die in seltsamen Architekturen fast klein wirken.

Aber Evely ist keine Nachahmerin. Ihr Strich ist wärmer, erzählerischer, stärker an Mimik und Körperhaltung gebunden. Moebius lässt Welten oft schweben, Evely lässt sie atmen.

Besonders schön ist ihr Umgang mit Kara selbst. Dieses SUPERGIRL fliegt natürlich, kämpft natürlich und ist – natürlich – mächtig. Doch Evely zeichnet sie am stärksten, wenn sie sitzt, wenn sie schweigt und wenn sie die Schultern hängen lässt oder Ruthye nur von der Seite ansieht. Darin zeigt sich ihr ganzes Können, denn in einem Gesichtsausdruck steckt hier mehr Geschichte als in so mancher Prügelsequenz.

Auch der Seitenrhythmus ist klug angelegt. Große Bilder öffnen den Kosmos, engere Abfolgen holen die Figuren jedoch wieder auf Augenhöhe. Der Comic pendelt so zwischen Sternenoper und Kammerspiel.

Gelbe Sonne, rote Wunden

Schwarz-Weiß würde das Werk vielleicht funktionieren. Matheus Lopes‘ Farben geben dem Band aber seine Seele. Diese Farben erzählen mit, wenn ein Ort verheißungsvoll ist und wann er kippt.

Rote Sonnen nehmen Kara ihre Macht und ihre Sicherheit, blaue und violette Räume lassen das All schön und kalt wirken. Warme Ocker- und Goldtöne geben manchen Planeten eine Western-Trockenheit, dass ich den Staub auf der Zunge schmecken kann.

Lopes koloriert nicht einfach spektakulär. Er hält die Zeichnung zusammen. Gerade weil Evely so viel zeichnet, braucht der Band eine Farbdramaturgie, die führt und sortiert. Lopes schafft das. Seine Farben machen den Kosmos groß, ohne die Figuren zu verschlucken.

Krypto wirkt nicht niedlich aufgeklebt, sondern körperlich im Bild. Ruthye bleibt verletzlich, auch wenn sie in knalligen, fremden Umgebungen steht. Kara wiederum bekommt keine einfache Licht-Aura. Sie leuchtet, ja, aber oft leuchtet sie gegen Dunkelheit an.

Mit dem Röntgenblick auf die Kreativen

Tom King, geboren 1978, ist ein US-amerikanischer Autor und ehemaliger CIA-Mitarbeiter. Im Comicbereich wurde er vor allem durch THE VISION für Marvel sowie durch BATMAN, MISTER MIRACLE, STRANGE ADVENTURES, HUMAN TARGET und WONDER WOMAN für DC bekannt (keine Links zu seinen Werken, sucht diesmal selbst).

King schreibt gern über Heldinnen und Helden, die nach außen fest gebaut wirken und innerlich mit Schuld, Angst oder Kriegserfahrung ringen. Seine besten Arbeiten verbinden klare Genreformen mit einem spürbaren Interesse an verletzten Menschen. Bei DC Studios gehört King außerdem zum kreativen Umfeld des neuen DC Universe.

Bilquis Evely ist eine brasilianische Comiczeichnerin aus Barueri im Großraum São Paulo. Sie arbeitete unter anderem an WONDER WOMAN, THE SANDMAN UNIVERSE und THE DREAMING, bevor sie mit Tom King und Matheus Lopes diese SUPERGIRL-Miniserie gestaltete.

Später arbeitete das Team erneut bei HELEN OF WYNDHORN zusammen. Dieses Werk wurde 2025 mit vielen Nominierungen bei den Eisner Awards berücksichtigt. Evely gewann Best Penciler / Inker. Evely’s Stärke liegt in fein geführten Linien, ausdrucksvollen Gesichtern und einer seltenen Mischung aus Pracht und Klarheit. Ihre Bilder können märchenhaft wirken, bleiben aber fast immer erzählerisch präzise.

Matheus Lopes, auch als Mat Lopes geführt, ist ein brasilianischer Kolorist. Er arbeitet seit 2012 regelmäßig im US-Comicmarkt und war für Verlage wie DC, Marvel, Image, Skybound, IDW, Dark Horse und Dynamite tätig. Zu seinen Arbeiten zählen neben SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW auch STEP BY BLOODY STEP und HELEN OF WYNDHORN. Lopes gehört zu den Koloristen, deren Arbeit nicht bloß Stimmung ergänzt. Er baut Leseführung, Tiefe und Tempo mit Farbe. In diesem Band ist das entscheidend.

Fazit

Mein Fazit fällt ziemlich klar aus. SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW ist einer der seltenen Superheldencomics, die eine bekannte Figur nicht neu in „in alten Schläuchen“ präsentieren, sondern ganz neu definieren.

Der Band ist manchmal etwas verliebt in Ruthye’s altertümliche Erzählerstimme – egal! Einige Passagen könnten einen Hauch knapper sein – na gut. Doch diese kleinen Einwände ändern wenig am Gesamteindruck.

Tom King findet eine starke Frage: Was wird aus Heldentum, wenn der Schmerz nicht verschwindet? Bilquis Evely und Matheus Lopes finden dafür die Bilder, die lange nachglühen.

Der Comic selbst ist kosmisch, ruppig, schön, traurig und stellenweise erstaunlich zart. Ich habe ihn nicht gelesen, um für den Film vorbereitet zu sein, auch wenn DER Anstoß war, ihn erneut in die Hand zu nehmen.

Am Ende hatte ich das Gefühl, Kara Zor-El als eigene Figur vor mir zu haben. Nicht als Ableitung, nicht als Variante derer aus dem Hause Superman, sondern als eigenständige „Woman of Tomorrow“. Eine klare Leseempfehlung.

• SUPERGIRL – DIE FRAU VON MORGEN
• Tom King, Bilquis Evely und Matheus Lopes
• Softcover | 228 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3741629976
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Panini Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Ich liebe diese Mischung aus strenger Ordnung, gedämpften Farben, hölzernen Häusern, heißen Badehäusern, höfischer Etikette und plötzlicher Gewalt. Da reicht bei mir schon ein verschneiter Weg zwischen Papierwänden und Laternenlicht und ich sitze etwas gerader vor dem Bildschirm. Bei BLUE EYE SAMURAI kam noch etwas dazu. Diese Serie sieht nicht einfach nur schön aus, sie starrt geradezu zurück.

Schon die ersten Minuten haben mich gepackt, weil hier nichts harmlos eingeführt wird. Mizu, die Hauptfigur, tritt nicht als Heldin auf, die um Zuneigung bittet. Sie kommt aus der Kälte und trägt ihre Wut wie eine zweite Haut mit sich herum. Und sie hat diese blauen Augen, die in ihrer Welt nicht als Besonderheit gelesen werden, sondern als Makel. Als Beweis, dass sie nicht hineinpasst, nicht hineinpassen darf.

Die erste Staffel erschien 2023 auf Netflix, umfasst acht Folgen und stammt von Amber Noizumi und Michael Green. Netflix führt die Serie als erwachsene Action-Animation, angesiedelt im Japan der Edo-Zeit. Die zweite Staffel befindet sich derzeit offiziell in Produktion.

Die Stroyline klingt nach Rachegeschichte und das ist es auch. Aber es ist die gute, gefährliche Sorte Rachegeschichte. Eine, bei der ich zwar auf den nächsten Kampf warte, aber zugleich immer stärker spüre, was die bisherigen Kämpfe aus der Figur gemacht haben. Mizu schneidet sich durch Gegner, Mauern und Lügen. Doch der tiefste Schnitt geht nach innen.

Ein verschlossenes Land, ein unerlaubtes Gesicht

Der historische Rahmen ist hier kein Postkarten-Japan. BLUE EYE SAMURAI spielt im 17. Jahrhundert, in einer Zeit, in der Japan den Kontakt zur Außenwelt streng begrenzte. Netflix’s eigenes Hintergrundmaterial zur Serie verweist auf diese Abschottung und auf die starke Kontrolle westlicher Einflüsse. Genau daraus zieht die Serie ihre Härte. Mizu’s blaue Augen sind nicht bloß ein auffälliges Detail. Sie machen ihren Körper zum Vorwurf. Jeder Blick auf sie kann zur Anklage werden.

Das ist erzählerisch stark, weil die Serie aus einem historischen Zustand eine ganz persönliche Bedrohung formt. Ich muss kein Fachbuch über die Edo-Zeit gelesen haben, um zu verstehen, warum Mizu sich versteckt. Die Welt erklärt es mir durch zuschlagende Türen, durch Blicke, durch Tusche, Stoffe, Waffen und gelebte soziale Regeln. Sie erklärt es mir auch durch das Schweigen. Diese Gesellschaft ist eng gebaut. Wer nicht passt, wird nicht vorsichtig beiseitegeschoben. Wer nicht passt, wird markiert.

Zur Entstehung gehört außerdem ein spürbarer Anspruch der Macher an Genauigkeit. Für Kleidung, Orte, Esskultur, Schrift und soziale Details wurden Fachleute einbezogen. Das merkt ich weniger an einzelnen Dingen als am Gesamtgefühl. Die Serie wirkt nicht wie ein dekorierter Actionspielplatz. Sie hat Schwere, Räume fühlen sich bewohnt an, Küchen, Werkstätten und Bordelle, Burgen und Straßen erzählen etwas über Rang, Begehren und Angst.

Auch die Produktionsform ist interessant. Das französische Studio Blue Spirit beschreibt die Serie als CGI-Animation mit 2D-Hintergründen. Die Figuren bewegen sich körperlich und wuchtig, während die Hintergründe oft eine malerische Ruhe haben. Diese Spannung zwischen Bewegung und Bildfläche gibt dieser Serie ihren eigenen Ton.

Mizu oder wie aus Scham eine Klinge wird

Mizu sucht vier weiße Männer, die zur Zeit ihrer Geburt illegal in Japan waren. Einer von ihnen ist ihr Vater. Für sie ist das jedoch kein Stammbaum, sondern ein Fluch. Sie sieht ihr eigenes Gesicht als Beweis einer Schuld, die sie nie begangen hat. Daraus entsteht ihr Ziel. Sie will diese Männer finden. Sie will sie töten und damit den Ursprung ihres Lebens auslöschen, weil dieses Leben ihr von Anfang an als Schande vorgeworfen wurde.

Die Serie erzählt diesen Wunsch nicht als sauberen Motor. Mizu wirkt nicht frei, weil sie kämpft. Sie wirkt gebunden, tarnt ihre Augen, lebt als Mann und sie versteckt ihren Körper, ihre Herkunft und jede weiche Stelle. Ich habe schnell verstanden, warum sie das tut. Trotzdem tut es weh, ihr dabei zuzusehen. Sie hat sich eine mentale Rüstung gebaut, die sie schützt und zugleich einsperrt.

Besonders stark ist, dass Mizu nicht sympathisch sein muss, um mich zu interessieren. Sie ist hart, abweisend, manchmal sogar grausam. Sie stößt Menschen weg, die ihr helfen wollen und benutzt andere, wenn sie ihrem Ziel dienen. Doch die Serie lässt mich nie vergessen, dass diese Härte erlernt ist. Mizu wurde nicht als Legende geboren. Sie wurde klein gemacht, gejagt, verhöhnt und ausgeschlossen. Aus diesem Abfall der Gesellschaft schmiedet sie sich selbst.

Ringo bringt Wärme in die Kälte

Dann ist da Ringo. Er könnte leicht zum Comic-Relief verkommen. Ein junger Mann ohne Hände, mit großem Herzen, großem Hunger und dem Wunsch, ein großer Koch zu werden. Er hängt sich an Mizu, weil er in ihr eine Meisterin sieht. Vielleicht sieht er sogar mehr als das. Vielleicht sieht er die Möglichkeit, dass Größe nicht so aussehen muss, wie andere sie erwarten.

Ringo ist wichtig, weil er die Serie zwischendurch aufatmen lässt. Durch ihn kommt eine gewisse Wärme hinein, ohne dass die Geschichte weichgespült dadurch wirkt. Seine Begeisterung hat etwas Kindliches, aber nicht Dummes. Er glaubt an Ehre, Lernen und Freundschaft, obwohl die Welt ihm ebenfalls wenig Grund dazu gibt. Neben Mizu wirkt er wie eine Laterne in einem Schneesturm. Nicht hell genug, um alles zu erleuchten. Aber hell genug, damit ich sehe, wie dunkel es wirklich ist.

Auch Taigen gehört in dieses Geflecht. Er war einst Teil von Mizus Demütigung und wird später selbst gedemütigt. Sein Stolz ist fast komisch groß, bis die Serie zeigt, wie verletzlich er unter seiner Fassade ist. Taigen will Ruhm, Anerkennung, Rang – und Akemi. Er will der Mann sein, für den andere ihn halten sollen. Im Kontakt mit Mizu bricht dieses Bild immer wieder auf. Gerade dadurch wird er spannender als der übliche Rivale mit Schwert und schlechter Laune.

Akemi kämpft mit Seide statt Stahl

Akemi lebt in einer anderen Welt als Mizu. Sie ist reich, schön, begehrt – und eingesperrt. Ihr Käfig ist kein schmutziger Hinterhof, sondern ein vornehmes Haus. Die Stäbe bestehen aus Erwartungen, Heiratsplänen und höflicher Gewalt. Ihr Vater will sie politisch verheiraten. Sie selbst will Taigen. Vor allem aber will sie entscheiden dürfen, was aus ihr wird.

Ich mochte Akemi von Folge zu Folge mehr. Zuerst scheint sie wie eine Nebenfigur aus einem höfischen Handlungsstrang, der als Kontrast zu Misu’s Welt erzählt wird. Dann wächst sie. Nicht, weil sie plötzlich mit dem Schwert alles niedermäht. Die Serie macht etwas Besseres. Sie zeigt, wie Akemi Macht dort sucht, wo sie für eine junge Frau erreichbar ist: in Gesprächen, in Blicken, in ihrer Wirkung auf andere und in Momenten, in denen sie selbst unterschätzt wird.

Dadurch entsteht ein schöner Gegenpol zu Mizu. Beide Frauen sind Gefangene ihrer Rollen. Mizu muss sich als Mann ausgeben, um überhaupt handlungsfähig zu sein. Akemi soll als Frau vor allem wertvoll aussehen. Beide begreifen, dass Gehorsam ihnen keinen Schutz bringt. Ihre Wege unterscheiden sich folglich radikal. Trotzdem erzählen sie von demselben Hunger nach „Ich will selbst bestimmen, wer ich bin!“.

Im Laufe der Staffel verschränken sich diese Wege mit Fowler’s Plänen, mit Taigens verletztem Ehrgefühl und mit Mizu’s unerbittlicher Jagd. Dabei kippt die Serie nie in eine reine Abfolge von Kämpfen. Jede Station verändert eine Figur. Jeder Kampf hinterlässt mehr als Leichen. Am Ende steht Mizu vor Fowler, Edo brennt und die Rache, die so klar schien, wird schmutziger. Sie tötet ihn nicht, sie braucht ihn. Der Weg führt weiter, hinaus aus einem abgesperrten Japan, Richtung London. Das ist ein starkes Ende, weil es nicht erlöst. Vielmehr wird die Mizu auch dort nicht dazugehören, denn sie wird wieder zu einer Fremden, nur diesmal zusätzlich in einer fremden Umgebung.

Ist das nun Anime?

Die Frage, ob BLUE EYE SAMURAI ein Anime ist, wirkt zunächst wie ein Streit für Menschen, die ihre Regale sehr genau sortieren. Trotzdem lohnt sie sich, denn sie führt mitten hinein in das, was diese Serie ausmacht.

Im engeren Sinn meint Anime Animation aus Japan. Nach dieser Herkunftsdefinition ist die Serie kein klassischer Vertreter dieses Genres. Sie wurde von Amber Noizumi und Michael Green geschaffen, für Netflix produziert und mit maßgeblicher Arbeit des französischen Studios Blue Spirit umgesetzt. Ich würde sie als Actionserie, Abenteuerserie und Animation für Erwachsene beschreiben.

Gleichzeitig wäre eine knappe Ablehnung dann doch zu einfach. Denn die Serie steht sichtbar im Austausch mit japanischer Erzähltradition, Samurai-Filmen, Manga-Bildgefühl und erwachsener Animationskunst. Sie übernimmt aber nicht nur Oberflächen, keine großen Kulleraugen, keine schnellen Stilzitate, kein Kostümfest mit Katana. Stattdessen sucht sie – wie Mizu – ihren eigenen Weg. Ihre Bilder erinnern mal an Holzschnitt und Tusche, mal an großes Kino, mal an gemalte Bühnenräume. Ihre Gewalt ist choreografiert wie ein Actionfilm, aber rhythmisiert wie Animation. Ihr Blick auf Mizu hat etwas sehr Körperliches, beinahe Live-Action-Nahes.

Ich sage deshalb, dass die Serie kein Anime im strengen Produktionssinn ist. Im weiteren kulturellen Sinn kann ich sie aber verstehen, wenn jemand sie in die Anime-Nachbarschaft stellt. Sie wohnt nur nicht brav in einem einzigen Haus. Sie geht zwischen den Formen umher. Genau dort liegt ihr Reiz. Sie ist westliche Erwachsenenanimation mit japanischem Schauplatz, starkem Samurai-Erbe und einer Bildsprache, die sich nicht entschuldigt, weil sie sich aus mehreren Quellen speißt. Für mich ist das keine Schwäche sondern der Grund, warum sie so frisch wirkt.

Wenn jede Einstellung nach Entscheidung aussieht

Formal ist diese Serie ein Fest. Nicht im Sinne von schönem Hintergrundrauschen. Eher im Sinne von Bildern, die wissen, warum sie existieren. Schnee macht Szenen stiller, Feuer macht Körper verletzlicher, Glas trennt die Menschen und Türen rahmen Macht. Schatten verstecken nicht nur, sie erzählen. Ich hatte oft das Gefühl, dass die Kamera, obwohl es keine echte Kamera gibt, genau weiß, wo sie stehen muss.

Die Action ist hart und präzise. Mizu kämpft nicht wie eine schwerelose Superheldin. Sie stemmt, rutscht, fällt, stößt, nutzt Wände, Kanten, Dreck und Schmerz. Ein Schlag hat Gewicht, ein Schnitt hat Folgen. Live-Action-Stuntarbeit diente als Grundlage für Choreografie und Storyboards. Das erklärt diesen körperlichen Zug, der viele Szenen so greifbar macht.

Action trifft auf Ruhe

Besonders schön finde ich, dass BLUE EYE SAMURAI trotz all seiner Härte Sinn für Ruhe hat. Eine Schwertschmiede kann hier wichtiger wirken als ein Massaker. Eine Mahlzeit kann mehr erzählen als ein Duell und die Episode um Mizu’s mögliche Ehe mit Mikio gehört für mich zu den stärksten Momenten der Staffel. Da wird die Rache für kurze Zeit leiser. Plötzlich scheint ein anderes Leben denkbar. Genau deshalb schmerzt es, als diese Möglichkeit zerbricht.

Die Serie arbeitet dabei sehr bewusst mit Themen, die leicht platt wirken könnten: Identität, Körper, Herkunft, Geschlecht, Scham und Macht. Hier hängen Themen an konkreten Figuren und Situationen. Mizu muss nicht erklären, dass sie zerrissen ist. Ich sehe es an ihren Augen, an ihrer Haltung, an dem kurzen Zögern, bevor sie wieder brutal wird. Akemi muss keine Rede über Freiheit halten. Ich sehe ihren Wunsch nach Freiheit daran, wie sie lernt, Räume zu lesen, in denen andere sie nur als Ware betrachten.

Natürlich ist nicht alles perfekt. Das Finale packt sehr viel auf einmal zusammen. Feuer, Intrige, Rache, politische Umwälzung und die Vorbereitung der nächsten Reise drängen dicht an dicht. Für ein paar Minuten fühle ich mich fast überfüttert. Doch selbst dort bleibt die Serie emotional bei ihren Figuren. Sie verliert Mizu nicht aus dem Blick. Das rettet die große Geste vor dem bloßen Spektakel.

Fazit

BLUE EYE SAMURAI ist für mich eine der eindrucksvollsten Serien der letzten Jahre, weil sie Schönheit und Schmerz zusammenbringt, ohne eines davon zu verraten. Diese Serie ist brutal, wie das Leben im feudalen Japan dieser Zeit. Sie ist stilvoll, aber nicht eitel. Die Macher lieben das Samurai-Genre, doch sie erzählen nicht nur von Schwertern. Sie erzählen von einem Menschen, der so lange als Fehler behandelt wurde, bis aus diesem Fehler eine Waffe entstand.

Ich habe Mizu nicht immer gemocht. Ich habe sie aber fast immer verstanden. Das ist mehr wert, denn diese Serie nimmt ihre Hauptfigur ernst genug. Sie zeigt, wie Wut antreibt, was es sie kostet und warum sie trotzdem so verführerisch bleibt.

Am Ende sitzt Mizu auf einem Schiff nach London. Die Rache ist nicht vorbei. Vielleicht beginnt sie dort erst richtig. Ich bin weiterhin dabei. Nicht nur wegen der Kämpfe, nicht nur wegen der Bilder, nicht nur wegen dieser eisigen Schönheit. Ich bin dabei, weil diese Serie eine Figur erschaffen hat, deren Blick ich nicht vergesse… Also sage ich さようなら (Sayōnara!)

• BLUE EYE SAMURAI
• Amber Noizumi und Michael Green
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © NETFLIX
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Auf den ersten Blick wirkt alles wie eine fröhlich freche Superheldenparodie. Ein blauer Superschurke mit riesigem Schädel, ein geschniegelt strahlender Held, eine schlagfertige Reporterin und eine Stadt, die täglich gerettet werden will. Alles wie gehabt. Nach wenigen Minuten kippt der Film aber in etwas Überraschendes. Ich sehe keinen bloßen Klamauk, sondern eine Geschichte über Rollen, Gewohnheiten und die seltsame Leere nach dem großen Sieg.

Regisseur Tom McGrath und die Autoren Alan Schoolcraft und Brent Simons stellen die Welt des Superheldenfilms lustvoll auf den Kopf und holen aus dem Witz eine erstaunlich warme Figur heraus.

Blaue Birne, goldenes Idol und eine genervte Reporterin

Im Zentrum stehen vier Figuren, die sofort sitzen. MEGAMIND ist der ewige Verlierer mit übergroßem Ego und noch größerem Bedürfnis, überhaupt gesehen zu werden.

Metro Man ist der perfekte Held, blütenweiß, gefeiert, fast schon als Popstar inszeniert. Dazu später mehr.

Roxanne Ritchi, eine Reporterin, ist wahrlich keine Deko neben der Action, sondern der wache Blick des Films. Sie ist schnell, genervt, mutig und hat für die immer gleichen Entführungen längst keine ehrfürchtige Geduld mehr.

Dazu kommt Minion, dieser herrlich absurde Fisch im Roboterkörper, der trotz seiner Rolle als Sidekick oft die klarste Sicht auf die Lage hat.

Und schon der Prolog macht deutlich, warum diese Konstellation trägt. Zwei Babys verlassen ihre sterbenden Welten (Superman lässt grüßen!), landen auf der Erde und wachsen unter völlig verschiedenen Bedingungen auf. Der eine wird gefeiert, der andere aussortiert.

Aus diesem schiefen Start entwickelt der Film dann seine alte, immer noch wirksame Frage: Wer wird zum Helden gemacht und wer zum Bösewicht erklärt? Ich mag es, wie flott das erzählt wird. Nichts wirkt schwer. Selbst die Herkunftsgeschichte hat Tempo, Witz und eine leicht traurige Kante.

Gefangen in der Rolle

Noch schöner finde ich, wie selbstverständlich der Film dann in seinen Alltag springt. MEGAMIND entführt Roxanne. Metro Man rettet sie. Die Stadt jubelt. MEGAMIND verliert. MEGAMIND baut eine Maschine. Metro Man zerstört sie. MEGAMIND verliert. Wieder und wieder.

Diese Schleife ist die Weltordnung von Metro City. Genau darin steckt schon der beste Einfall des Films. Nicht der Kampf zwischen Gut und Böse ist interessant, sondern seine Routine.Fühle ich mich dabei an Road Runner und Wile E. Coyote erinnert? Natürlich. Ich spüre beim Schauen schnell, dass beide Figuren in einem Theaterstück festsitzen, das sie seit Jahren aufführen. Der Film macht daraus einen Running Gag, aber auch eine tragende Idee.

Als MEGAMIND seinen „Erzfeind“ Metro Man endlich ausschaltet, müsste sein Triumph vollkommen sein. Stattdessen hängt plötzlich alles in der Luft. Der Superschurke bekommt, was er immer wollte und merkt sofort, dass er ohne Gegenspieler gar nicht weiß, wer er noch sein soll.

Diese Wendung funktioniert für mich bis heute. Sie ist witzig, traurig und erstaunlich erwachsen, ohne je die Leichtigkeit zu verlieren.

Der Sieg schmeckt überraschend schal

Von hier an wird der Film erst richtig gut. MEGAMIND erzählt nun keinen simplen Macht- sondern einen Identitätswechsel.

Der große Sieger sitzt in seinem Versteck – und langweilt sich! Er verwüstet die Stadt, spielt mit seinen Gadgets, zelebriert sich selbst, aber nichts füllt die innere Leere. Ich mag an diesen Szenen besonders, dass der Film seinen (Anti-)Helden wider Willen nicht weichzeichnet. MEGAMIND bleibt eitel, pathetisch und theatralisch. Gerade deshalb fühlt sich seine Orientierungslosigkeit ehrlich an.

Aus dieser Leere heraus entsteht dann die nächste, wunderbar dumme und zugleich aber folgerichtige Idee. Wenn kein Held mehr da ist, dann baut man sich eben einen neuen. Heureka!

An diesem Punkt bringt der Film Hal Stewart ins Spiel, Roxanne’s schmierigen Kameramann mit Minderwertigkeitskomplex, Fantasien eigener Größe und ohne jeglichen moralischen Kompass. Aus dem geplanten Titan wird durch ein kleines Sprachmissverständnis Tighten und in dieser falschen Schreibweise steckt schon die ganze Figur.

Statt sich einzuengen, zu straffen, anzuziehen (was dem englischen „to tighten“ entsprechen würde) will er sich aufblasen und entwickelt dabei eine unangenehme Mischung aus Bedürftigkeit und Selbstüberschätzung. Ich finde das stark, weil der Film hier schlagartig die Temperatur ändert.

Aus dem neckischen Witz über Superhelden wird plötzlich eine Geschichte über gekränkte Männlichkeit, über Machtfantasien und darüber, wie schnell ein Loser gefährlich wird, sobald er echte Macht in die Hand bekommt. Das bleibt familienfreundlich erzählt, aber die Schärfe ist da. Nur – an was bzw. wen erinnert mich das gerade? Ja, richtig TACO-Man!

Zwischen Verkleidung, Verliebtheit und Absturz

Parallel dazu lässt der Film MEGAMIND unter einer Tarnidentität in Roxanne’s Nähe schlüpfen. Auch das könnte leicht schiefgehen. Tut es aber nicht, weil Roxanne nicht zur Trophäe verkommt und weil MEGAMIND’s Täuschung nie als romantisch sauber verkauft wird.

Ich habe diese Passagen immer als heiklen Teil des Films empfunden. Tom McGrath und das Drehbuch balancieren sie jedoch ordentlich aus. Die Annäherung hat Charme, weil MEGAMIND dort zum ersten Mal ohne Pose agiert. Er hört zu, improvisiert und stolpert aus seiner Rolle. Gleichzeitig bleibt klar, dass auf dieser Beziehung ein Betrug liegt, der nicht einfach weg zu lächeln ist.

Dramaturgisch zieht der Film hier sauber an. Tighten wird zur echten Bedrohung, MEGAMIND verliert seine bequeme Ironie und Roxanne erkennt, dass hinter seinen Spielereien mehr als bisher vermutet steckt – aber auch reichlich Selbsttäuschung. Aus dieser Bewegung wächst das eigentliche Thema des Films: Nicht die Herkunft entscheidet, sondern die Wahl, die jemand trifft, wenn eine alte Rolle nicht mehr passt.

Ich finde es sehr angenehm, dass der Film diese Idee nicht mit pädagogischem Zeigefinger verkauft. Er kleidet sie in Action, Slapstick, peinliche Flirts und großes Superheldenkino. Genau deshalb kommt sie bei mir an. Der Humor trägt die Geschichte, statt sie klein zu halten. Wenn Minion trocken kommentiert, wenn MEGAMIND wieder einen Auftritt zu groß plant oder wenn Tighten seine neue Macht mit pubertärer Wucht missbraucht, dann lacht der Film – aber nie über seine Figuren.

Popshow mit Herz

Gerade darin liegt die Stärke von MEGAMIND. Der Film versteht Superhelden nicht als heilige Ikonen, sondern als öffentliche Rollen mit Kostüm, Gestus und Show-Wert. McGrath hat diese Gegensätze selbst sehr plastisch beschrieben, indem er den Bösewicht und den Helden eher wie Bühnenfiguren dachte, grob in Richtung Alice Cooper auf der einen und Elvis Presley auf der anderen Seite. Das spürt ich in beinah jeder Szene. Metro Man ist glänzende Performance mit „Hüftschwung“, MEGAMIND ist dunkle Pose in Latex-Leder mit Spitze und Nebelmaschine im Kopf. Diese überzeichnete „Showhaftigkeit“ macht den Film präzise. Sie passt zu einer Welt, in der Gut und Böse längst Teil eines öffentlichen Spektakels geworden sind.

Dazu kommt ein hübscher Blick hinter die Entstehung. Schoolcraft und Simons hatten den Stoff ursprünglich als Live Action Projekt mit dem Arbeitstitel MASTERMIND entwickelt, bevor daraus Jahre später der Animationsfilm wurde. Vielleicht erklärt genau das, warum die Figuren hier trotz ihrer cartoonesken Art oft als echte Comedy-Rollen funktionieren.

Tempo, Licht und wüste Einfälle

Visuell hat der Film ebenfalls mehr zu bieten, als ich ihm beim ersten Sehen des Trailers zugetraut hätte. Die Designs arbeiten mit klaren Gegensätzen. MEGAMIND’s Welt lebt von kaltem Blau, metallischen Oberflächen und einem Hang zur großen Show. Metro Man bringt Gold, Glanz und saubere Flächen mit. Wenn Tighten später die Ordnung von Metro City zerreißt, kippt auch die Farbdramaturgie spürbar ins Unruhige. Besonders die Nachtszenen haben Gewicht.

Für die Sequenz, in der Roxanne in der nächtlichen Stadt in Gefahr gerät, legte das Dreamworks Team großen Wert auf glaubwürdige Stadtbeleuchtung, weiche Straßenlichter und ein spürbar echtes Nachtgefühl. Metro City wirkt dort nicht wie eine generische digitale Kulisse, sondern wie ein Raum mit Tiefe, Lichtinseln und echtem Risiko.

Der Schnitt hält dazu ein gutes Tempo. Der Film rennt selten bloß von Gag zu Gag. Er nimmt sich die nötigen Sekunden, damit Blick, Pause und peinliche Stille überhaupt komisch werden können.

Kleine Schwächen gibt es trotzdem. Im letzten Drittel wird der Film konventioneller, als ich es mir wünsche. Er biegt dann doch stärker in vertraute Bahnen des Familien Blockbusters à la DIE UNGLAUBLICHEN ein. Ganz los wird MEGAMIND seine Studiomechanik also doch nicht.

Fazit

Am Ende bleibt für mich ein Animationsfilm, der sehr genau weiß, wie albern sein Konzept ist und mich gerade deshalb emotional trifft. Ich bekomme Witz, Tempo, starke Designs und eine Hauptfigur, die als Witzfigur beginnt und dann langsam zum Menschen wird, auch wenn sie blau ist und einen riesigen Schädel hat.

Das ist keine Revolution des Genres. Dafür ist der Schluss etwas zu ordentlich. Aber ich nehme aus dem Film etwas mit, das bei vielen lauteren Superheldenspektakeln fehlt: Zuneigung!

MEGAMIND macht sich nie klein, aber er macht seine Charaktere auch nicht zu Witzfiguren ohne Innenleben. Genau deshalb schaue ich ihn gern immer wieder. Und deshalb hat dieser Film in der großen Reihe animierter Superheldenspielereien bis heute einen ziemlich besonderen Platz.

Meine Empfehlung: Anschauen!

P.S. Die Anregung für diesen Post habe ich bei Tillmann Courth gefunden. Ich hatte den Film lange nicht mehr auf dem Schirm. Danke dafür!

• MEGAMIND
• Regisseur Tom McGrath
• Autoren Alan Schoolcraft und Brent Simons
• Storyline:  ★★★★☆
• Humor: ★★★★☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Dreamworks
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Würde ich aus einem Film zentrale Frames herausschneiden, sie wieder zusammenkleben und Sprechblasen hinzufügen, so könnte ich daraus einen Comic gestalten. Also macht es durchaus Sinn, sich die Künste der Filmschaffenden einmal genauer anzusehen. Einer dieser Macher ist Gustavo Mercado.

Bevor er über Bildgestaltung schrieb, drehte er eigene Filme. Sie zeigen, wie ernst er Komposition, Blickrichtung und Bildrhythmus nimmt. Wer THE FILMMAKER’S EYE liest, merkt schnell, dass hier ein Praktiker schreibt. Seine Filmografie ist überschaubar und konzentriert. Gerade dadurch lässt sich gut erkennen, wie konsequent er visuelles Erzählen denkt.

Kino im Kleinen

Früh macht der Kurzfilm SENSITIVE auf ihn aufmerksam. Das Werk gewinnt den Hauptpreis der Showtime Latino Filmmaker Showcase des Showtime Network Inc. Der Sender stellt Mercado im Anschluss das Budget für einen weiteren Film zur Verfügung. SENSITIVE ist ein Familiendrama, das aus einer Latino-Perspektive erzählt wird. Schon die Prämisse legt nahe, dass Mercado sich für intime Konflikte und emotionale Nähe interessiert, nicht für Effekthascherei.

Mit VESPERTINE realisiert er dann einen längeren Fernsehfilm für denselben Sender. Aus dieser Produktion entsteht ein dunkles psychologisches Drama ebenfalls aus Latino-Sichtweise. Hier verdichten sich viele Themen, die später auch in seinem Buch wiederkehren. Enge Innenräume, Nacht, Figuren in innerer Schieflage. Es geht um die Frage, wie ein Bildzustand seelisches Ungleichgewicht spürbar macht.

SEMBLANCE ist wiederum ein Langfilm, der eine Schauspielerin begleitet, die auf den Durchbruch hofft. Wieder steht eine Figur im Zentrum, deren Wahrnehmung kippt. Der Titel selbst spielt mit Schein und Wirklichkeit. SATURNALIA schließlich basiert auf einem wahren Fall. Eine obdachlose Frau lebt heimlich in einem Haus, ohne entdeckt zu werden. Der Film – ein Thriller mit starkem psychologischen Einschlag – entsteht mit einem studentischen Team, läuft auf Festivals, gewinnt Preise.

Dazu kommen weitere Kurzfilme wie z.B. LOVE-77. In Summe ergibt sich kein breites Mainstream-Spektrum. Aber wir sehen eine Handvoll konzentrierter Arbeiten, die sich um Identität, Wahrnehmung und innere Krisen drehen. Genau diese Stoffe verlangen präzise Bildentscheidungen. Sie bilden den Boden, auf dem THE FILMMAKER’S EYE gewachsen ist.

Vom Set in den Seminarraum

Gustavo Mercado arbeitet heute vor allem als Dozent und Autor. Über viele Jahre hat er als Drehbuchautor, Regisseur und Kameramann an narrativen Filmen gewerkelt. Parallel baute er sich eine akademische Laufbahn auf. Mercado unterrichtet an der Film und Media Studies Abteilung des Hunter College in New York City. Dort lehrt er Kameraführung, Schnitt, Drehbuchschreiben und Filmproduktion.

Studierende erleben ihn in seinen Seminaren nicht nur als Theoretiker. Er bringt eigenes Wissen von Film-Sets mit und verknüpft seine Lehre direkt mit der Praxis. Das zeigt sich auch in Interviews. Wenn er über Kamerabewegung spricht, warnt er vor Bewegungen ohne erzählerischen Grund. Er betont Vorbereitung, technische Sicherheit und körperliche Belastbarkeit am Set.

THE FILMMAKER’S EYE war zunächst ein einzelnes Buchprojekt. Es erschien 2010 bei Focal Press und umfasst knapp zweihundert Seiten. Schon bald wird jedoch klar, dass Mercado damit einen Nerv traf. Das Buch wurde in zahlreiche Sprachen übersetzt, darunter Französisch, Spanisch, Chinesisch, Türkisch … – nur nicht Deutsch!. Viele Filmhochschulen und medienwissenschaftliche Studiengänge setzen es als Standardlektüre ein.

Zusammen mit seinem Nachfolger bildet das Buch ein kleines Kompendium der visuellen Filmgrammatik. Wer aus der Comic Welt kommt, merkt schnell, wie nah diese Sprache der Logik von Panels steht.

Was das Buch so besonders macht

THE FILMMAKER’S EYE will kein trockenes Regelwerk sein. Das Buch ist eher ein visuelles Handbuch. Es arbeitet mit Dutzenden von farbigen Filmbildern. Jede Doppelseite zeigt einen konkreten Shot aus einem Spielfilm. Dazu kommen klare Erläuterungen und kleine grafische Markierungen, die Blickführung, Achsen und Bildgewichte sichtbar machen. Mercado verbindet auf diese Weise Analyse mit Werkzeugkasten. Dies macht das Buch sofort praktisch nutzbar.

Der Aufbau folgt einer einfachen Dramaturgie. Nach einer Einführung in Bildausschnitt, Bildformat und Grundprinzipien der Komposition geht es direkt in die Praxis. Mercado sortiert sein Material nach Bildgrößen und Konventionen. Von extremen Nahaufnahmen über Halbtotalen bis zu extremen Totaleinstellungen. Dazu kommen Schulterperspektiven, Establishing Shots, subjektive Perspektiven, Zwei-Personen- und Gruppenbilder, schiefe Horizonte, emblemartige und abstrakte Einstellungen. Es folgen Kapitel zu Makroaufnahmen und Kamerabewegungen wie Schwenk, Zoom, Dolly, Steadicam, Kran oder lange Plansequenzen.

Im Maschinenraum der Bilder

Jedes Beispiel bearbeitet er nach demselben Schema. Zuerst erklärt er die klassische Funktion eines bestimmten Shot-Typs. Dann beschreibt er Schritt für Schritt, wie die Bildfläche organisiert ist. Linien, Formen, Raumtiefe, Blickachsen, Licht und Schatten. Es folgt ein kurzer technischer Teil, der etwa Brennweiten, Kamerahöhen oder Bewegungsgeräte erwähnt – ja, auch eine gedachte Bewegung kann bei der Comic-Erstellung spannend sein!

Zum Schluss zeigt Mercado uns, wie Regisseurinnen und Regisseure genau diese Konventionen gebrochen haben. So entsteht ein Spannungsfeld zwischen Regel und bewusster Abweichung.

In der zweiten Auflage aktualisierte er viele Beispiele. Er greift etwa auf moderne Actionfilme zurück, deren prägnante Farb- und Lichtkonzepte sich gut für die Analyse eignen. Die Struktur bleibt gleich. Damit eignet sich das Buch sowohl zum Durchlesen als auch als Nachschlagewerk für konkrete Bildprobleme. Für Filmschaffende, aber auch für Comiczeichnerinnen und Comiczeichner ist es eine Art Atlas der möglichen Blickrichtungen. Es zeigt, wie sich Emotion, Tempo und Bedeutung im Bild platzieren lassen.

Panels denken wie Film-Shots

Film und Comic erzählen mit Einzelbildern, die in eine Reihenfolge gebracht werden. Das Kino nennt diese Einheit Shot, der Comic spricht vom Panel. THE FILMMAKER’S EYE liefert eine sehr konkrete Landkarte dieser Einheit. Wer Comics zeichnet, kann die Kategorien des Buches direkt übertragen. Eine extreme Nahaufnahme entspricht einem Panel, das fast nur Augen oder Hände zeigt. Eine Totale baut eine ganze Landschaft oder eine Stadt im Panel auf. Die Kapitel zu subjektiven Einstellungen helfen, wenn man Leserinnen direkt in die Wahrnehmung einer Figur ziehen will.

Besonders hilfreich ist Mercado’s Blick auf Bildsysteme. Er beschreibt, wie sich ein Film über wiederkehrende Farben, Formen oder Blickrichtungen organisiert. Diese Idee lässt sich eins zu eins auf Comics übertragen.

Ein wiederkehrendes Motiv, etwa einer bestimmte Fensterform oder einer Farbe, kann sich über ein ganzes Album ziehen und emotionale Unterströmungen erzeugen. In der Sprache des Buches entsteht ein Bildnetz, das weit über einzelne Panels hinausreicht.

Was Comiczeichner von Mercado lernen können

Auch die Kapitel zu Kamerabewegungen können für Zeichner interessant sein. Ein Schwenk im Film entspricht häufig einer Reihe aus Panels, in der das Motiv Schritt für Schritt im Raum wandert. Ein Tracking-Shot lässt sich als Sequenz von Panels anlegen, in denen der Hintergrund sich verändert, die Figur aber stabil bleibt.

Mercado zeigt sehr klar, welche erzählerische Funktion eine Bewegung hat. Sie soll Informationen enthüllen oder verbergen, Spannung aufbauen oder einen emotionalen Bruch markieren. Das ist exakt dieselbe Aufgabe, die eine gut gesetzte Panel-Folge erfüllt.

Schließlich ist das Kapitel über das Brechen von Regeln auch für Comics besonders wertvoll. Mercado ermutigt dazu, Kompositionsregeln erst zu verstehen und dann bewusst zu verletzen.

Ein schiefer Horizont kann zum Stilmittel werden, wenn er nicht dauernd, sondern an entscheidenden Stellen auftaucht. Ein überfülltes Bild kann Erschöpfung oder Reizüberflutung markieren, wenn der Rest der Geschichte klar und aufgeräumt erzählt ist.

Genau diese Art von kontrolliertem Regelbruch macht auch anspruchsvolle Comicseiten lebendig.

Fazit

THE FILMMAKER’S EYE wird damit zu einem Brückentext. Es richtet sich an Filmstudierende und Praktiker. Aber gleichzeitig liefert dieses Buch Comic-Fans und -Schaffenden eine extrem anschauliche Einführung in die Sprache der Bilder. Wer also – wie ich – mehr darüber erfahren möchte, wann man welche Perspektive in seine Panels einbaut, findet hier einen wunderbaren Einstieg ins Thema.

• THE FILMMAKER’S EYE
• Gustavo Mercado
• Softcover | 243 Seiten | Farbe / English
• ISBN 978-1-13878-031-6
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Taylor & Francis – Focal Press
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Kann eine Maschine zum Menschen werden – und was bedeutet es überhaupt, menschlich zu sein?

Unter der Regie von Chris Columbus und mit dem unvergleichlichen Robin Williams als Andrew, dem Androiden mit Hang zu tiefsinnigen Fragen, erleben wir eine Zukunft, die uns näher ist, als so manches Silicon-Valley-Update.

Basierend auf Isaac Asimov’s Kurzgeschichte DER ZWEIHUNDERTJÄHRIGE entfaltet Columbus’ Film einen epischen Bogen über eben diese zwei Jahrhunderte, in denen Andrew alles durchlebt, was ein Mensch eigentlich nie zu hoffen wagt: Unsterblichkeit, die Qual der Endlichkeit und das bittersüße Privileg der Selbstbestimmung.

Ein Android entdeckt seine Selbstständigkeit

Die Reise beginnt im Haushalt der Familie von Richard Martin (Sam Neill). Der Androide NDR-114 –  von der jüngsten Tochter Amanda oder „Little Miss“ liebevoll Andrew getauft – wird zunächst skeptisch beäugt. Zumal er nach einem Sturz aus einem Fenster veränderte und für einen Roboter geradezu irritierende Verhaltensweisen an den Tag legt.

Schnell gibt Andrew sich nicht mehr mit den üblichen Routinen zufrieden. Er strebt nach mehr, nach eigenen, kreativen Projekten und sozialer Teilhabe. So wird er schließlich Teil der Familie, entwickelt sich, bekommt Bücher zu lesen, beginnt kunstvolle Uhren zu erschaffen und zeigt uns, wie ein Android schrittweise Persönlichkeit entfaltet.

Doch spätestens der Wunsch nach Freiheit markiert einen Wendepunkt. Andrew bittet seinen Besitzer, ihn freizugeben – ein bittersüßer Moment, der den Beginn einer großen Odyssee markiert.

Der Anfang einer großen Reise

Andrew lernt die Ambivalenz der Freiheit kennen. Während Menschen altern und geliebte Familienmitglieder versterben, bleibt er ewig jung. Der Drang, andere seiner Art zu finden, begleitet ihn bei seiner Wanderung durch die Welt und viele Jahre vergehen, bis er Rupert Burns (Oliver Platt) begegnet, dem Enkel des ursprünglichen Androidenerfinders.

Rupert ist ein Bastler mit Hang zur Grenzüberschreitung, der mit Galatea (Kiersten Warren) die einzige noch funktionstüchtige Androidin aus Andrew’s Baureihe besitzt. Mit seiner Hilfe bekommt Andrew ein menschliches Gesicht und das, was für Maschinen bislang eine unüberwindbare Grenze schien: echte Gefühle!

Das alles schlägt sich in einer bemerkenswerten Zeitreise nieder. Columbus inszeniert das so liebevoll und detailverliebt, dass der Genre-Fan ebenso angesprochen wird wie der emotionale Cineast.

Zurück in die Familie Martin, verliebt sich Andrew in Portia (Embeth Davitz in einer Doppelrolle), die Enkelin von „Little Miss“, und kämpft fortan um Anerkennung als menschliches Wesen.

Seine Fähigkeiten und sein Streben nach Individualität werden belohnt. Er und Portia heiraten, doch die Gesellschaft will weder ihn als Mensch noch ihre „Beziehung“ akzeptieren. Die Geschichte steuert somit auf das unvermeidliche Ziel und die Frage zu, ob ein künstliches Wesen letztlich Mensch sein kann und was muss passieren, damit die Menschheit dies anerkennt.

Charaktere, Tiefe und Wandel

Robin Williams verleiht Andrew eine seltene Mischung aus Komik, Verletzlichkeit und philosophischem Tiefgang. Selbst unter der Metallmontur spürt man die legendäre Ausdruckskraft des leider viel zu früh verstorbenen Schauspielers.

Williams spielt nicht nur den Roboter. Er spielt einen Suchenden, einen ewigen Außenseiter, dessen Streben nach Individualität stets nachvollziehbar bleibt. Seine Performance wird von vielen Kritikern als eines seiner besten Werke betrachtet, weit entfernt von den reinen Komödienrollen in MRS. DOUBTFIRE oder JUMANJI, selbst im Vergleich zu seinen schauspielerischen Leistungen in DER CLUB DER TOTEN DICHTER oder PATCH ADAMS.

Und ja, in diesem Film zeigt er, welche wahren Möglichkeiten dieser Mann hatte. Hier ist jeder Lacher eine Einladung zum Nachdenken, jeder Witz ein Funken Menschlichkeit, jeder Tragik auf den Punkt.

Von Schaltkreisen und Seele

Besonders gelungen ist Andrew’s Charakterentwicklung. Er startet als mechanische Hilfskraft, mutiert zum gefühlvollen Freund und entwickelt sich schrittweise zum (fast?) vollständigen Menschen.

Aber nicht nur Williams überzeugt, auch die Nebenrollen sind glänzend besetzt. Sam Neill als „Sir“ Martin, bringt eine väterliche Würde in den Film. Embeth Davidtz spielt gleich zwei Generationen, zuerst die jugendliche, vertrauensvolle „Little Miss“, die ihren Gefühlen für Andrew nicht nachgibt, dann deren Enkelin Portia, die Andrew auf seinem Weg zur Menschwerdung begleitet. Diese Doppelrolle ist clever besetzt, sorgt sie doch für Vielfalt und Tiefe.

Mensch werden, Mensch sein

Der Wandel von Andrew zieht sich nicht nur durch die Geschichte, sondern auch durch seine äußere Erscheinung (das Make-Up wurde nicht umsonst für einen Oscar nominiert). Gerade die Entwicklung von einer emotionslosen Dienstmaschine zum liebenden, verletzlichen Mensch-Maschinen-Hybrid läuft glaubhaft ab.

Die Figuren in DER 200 JAHRE MANN sind Spiegel der Gesellschaft, sie schwanken zwischen Akzeptanz, Ablehnung und Neugier. Sie erleben Trennung, Trauer und neue Liebe.

Die Dialoge sind oft charmant und pointiert – ein Markenzeichen der Regie von Columbus – aber nie Selbstzweck. Die Interaktionen zwischen Mensch und Maschine erinnern an große Vorbilder wie COMMANDER DATA aus STAR TREK oder die einsamen Androiden in BLADE RUNNER. Nur ist Andrew weit weniger tragisch – unter Columbus‘ Regie viel lebensbejahender – gezeichnet.

Freundschaft, Liebe, Zugehörigkeit und Identität stehen bei diesem Film im Fokus. Besonders die Momente der Komik, wie etwa Andrew’s misslingende Versuche, menschliche Eigenarten nachzuahmen, wirken nie lächerlich, sondern machen den robotischen Helden umso nahbarer.

In diesem Zusammenhang lässt sich DER 200 JAHRE MANN durchaus mit dem Comic ROSTIGE HERZEN vergleichen, in denen uns die Autoren Beka und Zeichner Munuera auf eine Entdeckungsreise zu künstlichen Intelligenzen, Seele und Liebe mitnehmen.

Glänzende Bolzen und leise Botschaften

DER 200 JAHRE MANN ist kein reines Science-Fiction-Spektakel mit Explosionen und optischer Effekthascherei. Ganz im Gegenteil.

Die Besonderheiten des Films liegen in feinen Details. Die Geschichte vereint philosophische Themen – Identität, Sterblichkeit, Gefühle – mit einer erstaunlichen Leichtigkeit. James Horner’s Filmmusik trägt ebenso zum Flair bei wie die klugen Location- und Zeitraumsprünge.

Die nahe Zukunft des Jahres 2005 (damals eine „nicht zu ferne Zukunft“) erscheint aus Sicht des Jahres 1999 angemessen futuristisch. 2025 befinden wir uns nun in einer Zeit, in der NDR-114 und seine Brüder und Schwestern am Horizont unserer Realität erscheinen. San Francisco sieht in dieser Zukunft aus wie eine Mischung aus DAS FÜNFTE ELEMENT und klassischen amerikanischen Zukunftsvisionen. Währenddessen ist das Weltparlament die perfekte Bühne für die Frage, ob Menschlichkeit aus der Biologie oder dem Geist erwächst.

Philosophische Tiefe statt Bling-Bling

Im Vergleich zu Genre-Kollegen wie I, ROBOT oder BLADE RUNNER setzt DER 200 JAHRE MANN auf sanfte Töne, Familiennähe und sogar politische Korrektheit. Da gibt es keine fliegenden Autos, keine schießenden Cyborgs, sondern Bewegtheit, Humor und das bittersüße Streben nach Anerkennung.

Die Alltagsprobleme zwischen Mensch und Maschine werden oft augenzwinkernd dargestellt. Sie sind gezeichnet durch Synchronisationsfehler, seltsam empathische Fehlleistungen und die Schwierigkeit, mit dem technischen Fortschritt mitzuhalten. Mir gefällt sehr, wie Andrew durch kleine, feine Innovationen wie das erste Lachen, die erste Träne, tatsächlich Menschlichkeit ausdrückt. Aber auch Portia muss sich die Frage stellen, ob sie ihr Herz einer Maschinen schenken will.

Zwischen Robotik und Rührung

Auch wenn es sicherlich Redundanzen und eine gewisse Überlänge im Story-Verlauf gibt und das letzte Drittel bei zu nüchterner Betrachtung ein wenig ausgedehnt erscheint, bleibt die Botschaft klar und durchweg motivierend:

Jeder kann über sich hinauswachsen!

DER 200 JAHRE MANN schafft es, ein komplexes Thema zugänglich und bewegend zu inszenieren. Die Oscar-Nominierung für das Make-Up war verdient. Die filigranen Maskenleistungen unterstreichen die feinsinnige Analogien im Film – Transformation ist eben nicht nur äußerlich, sondern geschieht ganz und gar im Innern.

Fazit

Man sagt, jeder (Film-)Kritiker hat einen Lieblingsfilm, bei dem er alle Objektivität fallen lässt. DER 200 JAHRE MANN ist meiner und bekommt volle Punktzahl.

Wer Science-Fiction liebt und sich fragt, was Menschlichkeit wirklich bedeutet, wer auf intelligente, warmherzige Komik steht, sollte diesem Film unbedingt eine Chance geben. Die Geschichte ist ein Fest aus leisen Momenten, bewegender Musik und einer Handlung, die auch nach der letzten Szene nachhallt.

Nicht umsonst rangiert DER 200 JAHRE MANN bei vielen Kritikern als unterschätztes Meisterwerk. Vielleicht hat der Film nicht das große Publikum erreicht. Wer aber einmal unvoreingenommen eintaucht, erlebt Science-Fiction von der filigranen, menschenfreundlichen Seite, wie sie nur wenige Werke bieten.

DER 200 JAHRE MANN lädt uns dazu ein, selbst zu reflektieren. Sind wir Menschen, weil wir geboren wurden oder werden wir zu Menschen durch unser Streben, unsere Entscheidungen und unsere Fähigkeit, Schmerz zu ertragen? Diese Fragen machen DER 200 JAHRE MANN zu etwas Besonderem. Und genau das ist mein Aufruf: Lass dich darauf ein, denn die Komik, die Tragik, das Unendliche im Endlichen, all das findet sich hier in Hülle und Fülle.

Kleiner Fun-Fact zum Schluss: In der STAR TREK NG – Epsiode 9 der zweiten Staffel „Wem gehört Data?“ (im Original „The Measure of a Man“) wurde das Thema bereits 1992 schon einmal ähnlich kenntnisreich aufgegriffen. Nur das der plappernde Andrew halt keinen Ausschaltknopf hat…

Bilder © 1999 Columbia Pictures

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Wir befinden uns in einer 60er-Jahre inspirierten, retro-futuristischen Parallelwelt, einer Erde-828, die mit ihrer Ästhetik direkt aus der Space-Age-Optimismus-Ecke kommt und doch nie in bloßer Nostalgie versinkt. Vom ersten Bild an spielt der Regisseur Matt Shakman, den wir bereits von WandaVision kennen, mit unseren Erwartungen und unserem Wissen. Hier erwacht ein Klassiker zu neuem Leben, ohne sich der Popkultur von gestern zu opfern.

Die Handlung steigt rasant ein, wie schon bei SUPERMAN keine ermüdende Origin-Story, kein erneutes Auswalzen der Anfänge. Innerhalb der ersten wenigen Minuten im Retro-Look macht der Film klar: Diese vier Heldinnen und Helden sind bereits Superstars, Medienlieblinge, Popikonen!

Reed Richards a.k.a. Mr. Fantastic (Pedro Pascal), Sue Storm, die Unsichtbare (Vanessa Kirby), Johnny Storm, die menschliche Fackel (Joseph Quinn) und Ben Grimm, das Ding (Ebon Moss-Bachrach), haben schon diverse Widersacher besiegt und sind eine Art leuchtendes Vorbild für die Welt. Gleichzeitig ist da auch diese angenehm skurrile Alltagsnähe. Man will fast mit ihnen durch das stylische New York der Sechzigerjahre schlendern oder sich auf einen Plausch im Schwebewagen einladen lassen.

Kosmischer Auftakt mit Flugtaxi und Familienzuwachs

Doch das friedliche Superheldenleben beginnt zu bröckeln, als eine mysteriöse silberne Gestalt (der SILVER SURFER in der weiblichen Gestalt von Julia Garner) über den Himmel New Yorks gleitet. Sie bringt eine Botschaft, die selbst gestandenen Helden das Blut gefrieren lässt. Der Weltenverschlinger GALACTUS ist unterwegs zur Erde.

Plötzlich geraten nicht nur Machtverhältnisse ins Wanken, sondern die Frage stellt sich: Sind diese Helden bereit, für das große Ganze zu kämpfen und notfalls alles zu opfern? Während sie von Talkshows und der Weltöffentlichkeit gefeiert werden, stellt der drohende Weltuntergang auch ihr Privatleben und ihre Beziehungen auf die Probe.

Reed und Sue erwarten – endlich – gemeinsam Nachwuchs, das Team muss zwischen Familienglück und Weltenrettung abwägen und droht, genau daran zu zerbrechen.

Die Gefährdung durch GALACTUS wird mit passenden Effekten inszeniert, bleibt aber trotz visueller und akustischer Explosionen immer im Schatten der eigentlichen Hauptthemen von Loyalität, Angst, Hoffnung, Witz und Zusammenhalt. Entscheidungsmomente drohen den Alltag zu zerbrechen, während ulkige Robot-Diener, fliegende Fahrzeuge und Alien-Krisen das Versprechen einer aufregenden Zukunft vermitteln.

Der Film wechselt dabei geschickt zwischen Farce und Tragödie, Slapstick und moralischer Nachdenklichkeit, wie sie in den besten Heften der FANTASTIC FOUR immer wieder zu finden war.

Zwischen Classic Comic Strip und Familienkrise

Die Story-Arc von THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS bricht mit bekannten Superheldenkonventionen, auch wenn sie das Genre am Ende erkennbar nicht verlassen will. Im Kern bleibt das Abenteuer übersichtlich: Kosmische Bedrohung taucht auf, Familie muss zusammenstehen, moralische und emotionale Dilemmata werden durchgespielt. Doch das Wie überrascht.

Statt großer Multiversumsszenarien setzt Shakman auf eine klare Linie, auf eine Geschichte mit überschaubarem Ensemble. Das Drehbuch gönnt sich Momente für Charakterszenen und Alltagsflair, in denen Reed Richards schon mal nervös die Aloe-Vera für Sues Schwangerschaftsbauch sucht. Es verbleibt ein natürlicher Flow zwischen Science-Fiction-Spektakel und Beziehungsalltag, was der Franchise nach den letzten, oft überladenen Marvel-Mammutprojekten wirklich gut tut.

Drahtseilakt zwischen Familienbande und Weltende

Die Humor-Dramaturgie ist außerdem auf den Punkt. Während die Welt auf der Kippe steht, ergänzen sich vor allem Johnny und Ben zwischen trockenem Wortwitz und sympathischen Kabbeleien. Gleichzeitig schafft es der Film, die Spannung (fast) permanent aufrechtzuerhalten, ohne sich in Effektgewitter zu verlieren. Lediglich an manchen Stellen droht das Ganze in zu bekannte Muster abzurutschen. Wenn der Plot ins Cartooneske abgleitet und Bedrohungsszenarien auf absurde Retro-Gadgets treffen, ist das zwar schön bunt, wirkt aber manchmal zu gewollt vereinfacht.

Eine (kleine) Schwäche des Films liegt dabei auf seiner ausschließlichen Konzentration auf die Helden. Trotz intergalaktischer Bedrohung, die die Auslöschung des gesamten Planeten zur Folge haben soll, scheint es kein Militär zu geben, dass den FANTASTIC FOUR bei der Bekämpfung von GALACTUS zur Hand gehen kann oder gehen will. Ein Raketenstart aus der Mitte New York’s heraus ist möglich, eine Panzerhaubitze am selben Ort offensichtlich nicht. Geschenkt, Superheldenfilm.

Anders als in früheren Adaptionen erhalten Randfiguren wie SILVER SURFER mehr Tiefe, auch wenn ihr Potential nicht ausgeschöpft wird. Die Story balanciert auf einem schmalen Grat zwischen Erwachsenenmärchen und Frühstückskino, mal gelingt das, mal wirken die Töne leicht verstimmt. Die eigentliche Überraschung bleibt der Mut zu offenen Fragen und uneindeutigen Antworten beim moralischen Dilemma, auch wenn Reed Richards’ Kontrollbedürfnis symbolisch immer wieder jede Ecke polstert und so größeren Tabubrüchen vorbeugt.

Figurenporträts mit Ecken und Kanten

Eine der großen Stärken von THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS ist das Ensemble. Selten wirkte das legendäre Quartett so greifbar und unterschiedlich, ohne in Klischees zu erstarren.

Pedro Pascal gibt dem brillanten, aber sozial verunsicherten Reed Richards bemerkenswerte Tiefe. Seine Sorge um die Familie und sein Perfektionismus stehen nie im Widerspruch, sondern treiben ihn glaubhaft an. Er ist ein Getriebener, der alle, wirklich alle Eventualitäten durchdenken und bewerten muss. Aber im Gegensatz zu seinem Körper ist seine Moral nie wirklich dehnbar.

Vanessa Kirby setzt als Sue Storm viele großartige, schauspielerische Akzente. Ihre Rolle bleibt nicht nur auf die besorgte Ehefrau beschränkt, sondern wächst zur integrativen Kraft der Truppe. Sie ist die Kernfigur dieses Films. Meine Meinung nach gehört ihr Auftritt in THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS zu den herausragendsten Figurendarstellungen der vergangenen Marvel-Filme.

Protagonisten und Antagonisten

Ebon Moss-Bachrach (als Ben Grimm) und Joseph Quinn (als Johnny Storm) bringen eine erfrischende Chemie ins Team. Ihre Kabbeleien haben Biss, werden aber nie zur reinen Comedy. Besonders in Krisenmomenten, wenn Vertrauen über Muskelkraft steht, überraschen beide mit emotionaler Tiefe.

Julia Garner legt mit ihrer Interpretation des SILVER SURFER einen Auftritt hin, der Sehnsucht und Tragik gleichermaßen transportiert. Leider kratzt das Drehbuch nur an der Oberfläche ihrer inneren Konflikte, was angesichts des Potenzials der Figur – wieder einmal – sehr schade ist.

Antagonist GALACTUS bleibt für mich die große Enttäuschung des Films. Trotz bombastischer Inszenierung und imposanter Präsenz bleibt er ein eher eindimensionales Ungeheuer, bei dem die eigentliche Bedrohung stets abstrakt bleibt. Für mich persönlich schließt der Antagonist zu keinem Zeitpunkt auf das Niveau eines THANOS oder LOKI auf. Ja, GALACTUS ist gut an den ursprünglichen Comics orientiert, aber – er berührt mich nicht.

Das Herzstück dieses Films sind eindeutig seine Heldinnen und Helden selbst, nicht der Kampf gegen das apokalyptische Böse. Das macht die persönliche Entwicklung der Figuren umso spannender. Sie lernen insbesondere, was Zusammenhalt unter widrigen Umständen bedeutet.

Zwischen Raumschiff-Flair, Space-Age-Utopie und gesellschaftlichem Wandel

FIRST STEPS ist durch und durch ein Kind der 1960er. Der Film bleibt dem Setting der klassischen FANTASTIC FOUR-Heftjahre treu. Wer die frühen Abenteuer von Lee und Kirby noch vor Augen hat, erkennt sofort die Einflüsse.

Fliegende Autos, Robot-Diener mit Magnetbänder-Augen, poppig bunte Architektur und die Hoffnung der Menschen, dass Wissenschaft alles besser macht: Hier werden Träume aus der Zeit nach der Mondlandung konsequent nacherzählt.

Bubble Cars, Roboter und große Träume

Heraus sticht die reflektierte Auseinandersetzung mit der damaligen Fortschrittsgläubigkeit. Reed Richards wirkt wie ein Steve Jobs mit Leibniz-Aura, dessen Erfindungen die gesamte Stadtformen prägen. Dass dabei nicht alles glatt läuft, zeigt sich im großen Thema Verantwortung. Die Sorge um das eigene Kind und die politische Debatte, wie viel Wissenschaft wagen darf, sind Reminiszenzen an damalige Gesellschaftsfragen, die heute wieder an Aktualität gewinnen.

Der Score von Michael Giacchino, bekannt aus den Spider-Man-Filmen und anderen Sci-Fi-Spektakeln, treibt das Space-Age-Feeling zudem auf die Spitze. Die Musik ist nicht nur Stimmungsuntermalung, sondern transportiert auch einen Hauch von Star Trek und 2001, ohne je altbacken zu erscheinen.

Ein erster Schritt in eine neue MCU-Ära

Obwohl FIRST STEPS als Neubeginn präsentiert wird, gelingt es Matt Shakman, ebenso zahlreiche Anspielungen auf das Marvel Cinematic Universe (MCU) einzubauen, wie liebevolle Verbeugungen vor den oft gescholtenen Vorgängerwerken zu integrieren.

Anders als das multiverselle Chaos der letzten Jahre gibt es endlich (!) wieder eine klare Linie und überschaubare Figuren. Mastermind Kevin Feige hat aus der Überfrachtung mit Sideplots und Serienballast gelernt. Wer hier ins Kino geht, muss kein MCU-Studium ablegen und keine 50 Vorfilme nachholen.

Stattdessen wird das Team als popkulturelle Realität etabliert, die sich von den harmlosen Outfits vergangener Verfilmungen (man erinnere sich an FANTASTIC FOUR: RISE OF THE SILVER SURFER) souverän absetzt. Sogar die poppigen Sci-Fi-Verirrungen der 2000er werden ironisch aufgegriffen und überwunden.

Auch wenn kein echtes Risiko eingegangen wird, so bleibt der Weg in Richtung selbstständiger MCU-Zukunft nachvollziehbar. Die Balance zwischen Selbstironie und Wegweiser für das Franchise funktioniert.

MARVEL’s neue Alltagshelden

Innovation findet sich vor allem in den Unterschieden zum aktuellen Superhelden-Blockbuster-Einerlei. Reduziertes CGI, echtes Worldbuilding, kluger Einsatz von Humor und eine Musikauswahl, die den Zeitgeist nicht nur nachahmt, sondern weiterführt.

FIRST STEPS lässt Raum für Alltäglichkeit, gesteht seinen Figuren Menschlichkeit zu und erlaubt nerdige, liebevolle Details, die Fans wie Neueinsteiger begeistern dürften. Besonders gelungen ist die Darstellung der Fantasie, wie MARVEL wirklich bunt und voller Möglichkeiten sein kann, ohne auf Explosionsorgien zu setzen.

Im Retro-Flair lösen sich die Genre-Grenzen manchmal auf, wenn Philosophie, Cartoon, Satire und Abenteuerfilm eine unerwartet angenehme Mischung eingehen. Auch die klare familienfreundliche Ausstrahlung – trotz einer Prise Drama und Zweifel – macht den Film originell und innerhalb der Marke MARVEL sehenswert.

Fazit – Fantastische Familienbande

THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS ist kein revolutionärer Geniestreich und doch vielleicht genau die Art Superheldenfilm, die wir im Jahr 2025 brauchen. Weniger Krawall, mehr Charakter. Weniger Multiversum, mehr Menschlichkeit.

Nicht jeder Witz sitzt, nicht jedes Gefühl ist hundert Prozent glaubwürdig und der große Widersacher bleibt blass. Dafür aber gibt es Teamgeist, Leichtigkeit und eine Prise Science-Fiction-Vision, die sich klug auf das Gute im Menschen verlässt.

Comic-Fans werden viele Anspielungen und smarte Umsetzungen ihrer Lieblingsmotive entdecken. Neueinsteiger erleben, warum diese Figuren seit Jahrzehnten so viel Spaß machen. Mit THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS beweist MARVEL, dass weniger manchmal mehr ist – jedenfalls solange großartige Darsteller und eine klare Idee am Start sind.

Jetzt bleibt nur eins: Kinoticket holen, Freunden davon erzählen oder gleich beim nächsten Comic-Shop die alten Lee-Klassiker nachlesen. Es sind die kleinen, fantastischen Schritte, die begeistern.

P.S. Kleiner Nerd-Faktor am Rand: Die ERDE-828 geht zurück auf den Geburtstag von Jack „King“ Kirby am 28. August 1917 (im Amerikanischen geschrieben 08-28-1917).

Meine persönliche Bewertung:  ★★★★★

Bildrechte: Die verwendeten Bilder stammen aus den Veröffentlichungen von MARVEL zu dem genannten Film auf der Website https://www.marvel.com. Alle Rechte an diesen Veröffentlichungen liegen und verbleiben dort. Die Abbildungen wurden ausschließlich zu Anschauungszwecken dem Online-Angebot des genannten Verlages, einem gekauften oder als Rezensionsexemplar überlassenen Exemplar entnommen.

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Um es kurz zu machen: Meiner persönlichen Meinung nach hat es DC (wieder einmal) gründlich vermasselt!

Viel Lärm um SUPERMAN

SUPERMAN, der Neustart von DC Studios unter der kreativen Führung von James Gunn, will vieles auf einmal. Er will die Ikone neu beleben, das Franchise frisch aufstellen und gleichzeitig eine Brücke zwischen Comic-Tradition und modernem Blockbuster schlagen. Also das endlich nachholen, was Marvel schon längst erfolgreich geschafft hat.

Die Handlung setzt einige Jahre nach SUPERMAN’s erstem öffentlichen Auftreten ein. Clark Kent arbeitet als Reporter beim Daily Planet, ringt aber immer wieder mit seiner doppelten Identität. Während er versucht, als SUPERMAN Hoffnung zu stiften, sieht er sich mit einem neuen, skrupellosen Gegner konfrontiert. Lex Luthor hasst „das Alien“ und agiert als eiskalter Strippenzieher mit scheinbar unendlichen Ressourcen aus dem Hintergrund.

Die Story verzichtet auf eine erneute Origin-Story und wirft uns direkt ins Geschehen. SUPERMAN landet krachend vor unseren Füssen und wird in einen Konflikt verwickelt, der weit über die Grenzen von Metropolis hinausreicht. Neben Luthor tauchen weitere Helden und Schurken auf, die das neue DC-Universum einführen. Die Beziehung zu Lois Lane steht im Zentrum, während SUPERMAN lernen muss, was Menschlichkeit in einer Welt voller Superkräfte bedeutet.

Die Action ist schnell, die Schauplätze wechseln rasant. Doch trotz der vielen Nebenfiguren bleibt der Fokus auf Clark und seinen inneren Konflikt. Hierdurch und die permanente Konzentration auf bombastische Action entsteht ein Spannungsverhältnis, das es mir schwer macht, den Film wirklich zu mögen.

Kritisch betrachtet wirkt die Handlung überladen. Viele Figuren erhalten wenig Raum, einige Handlungsstränge verlaufen im Sand. Die emotionale Tiefe bleibt stellenweise auf der Strecke, weil die Story von einem spektakulären Set zum nächsten hetzt. SUPERMAN will vieles, schafft es aber nicht, die Balance zwischen Bombast und Charakterzeichnung zu halten.

Comic-Tempo ohne Pause

James Gunn setzt bei SUPERMAN in dem 129-minütigen Film auf hohes Tempo. Die Erzählstruktur erinnert an einen Comic-Strip im Zeitraffer oder ein Daumenkino. Kaum hat man eine Szene verarbeitet, folgt schon die nächste.

Die Dramaturgie lebt von ständigen Wechseln zwischen Action, Dialogen und Cameos aus dem neuen DC-Universum. Das sorgt für Kurzweil, lässt aber wenig Raum für echte Figurenentwicklung.

Viele Nebenfiguren tauchen auf, verschwinden wieder und wirken wie Platzhalter für kommende Filme. Manchmal habe ich mir gewünscht, die Verantwortlichen hätten einem 3-stündigen Film zugestimmt, nur um den eingeführten Charaktere mehr Raum zu geben. 

SUPERMANs Story-Arc folgt klassischen Superhelden-Mustern. Der Held wird geprüft, verliert, wächst an der Aufgabe und triumphiert letztendlich.

Gunn verzichtet bewusst auf eine erneute Origin-Story. Stattdessen steht die Frage im Mittelpunkt, wie SUPERMAN seine Menschlichkeit bewahrt – er, der in den Comics die leuchtende Fackel der Hoffnung und der Menschlichkeit darstellt. In diesem Film wird sein innerer Konflikt in den Mittelpunkt gestellt, der durch eine Vielzahl äußerer Konflikte aber nicht genügend Raum erhält. Wie gesagt: Hätten sie doch mehr Zeit gehabt…

Von Höhepunkt zu Höhepunkt

Die Konflikte zwischen Clark, Lois und Luthor werden angerissen, aber selten konsequent zu Ende erzählt. Besonders im Schlussakt häufen sich die Klischees. Die Bedrohung wächst ins Weltuntergangsformat, doch echte Spannung will nicht aufkommen. Das Ergebnis ist zu vorhersehbar. So wird der durch ein schwarzes Loch geöffnete Riss mittels einiger Codezeilen geschlossen. Ging’s bei der Bedrohung nicht auch eine Nummer kleiner, dafür bei der Lösung eine Nummer raffinierter?

Die größte Schwäche der Dramaturgie liegt wohl im Und-Dann-Prinzip. Ereignisse reihen sich aneinander, ohne dass sie immer logisch aufeinander aufbauen. Die Charaktere reagieren oft nur statt zu agieren. Man will zu viel in viel zu kurzer Zeit.

Dadurch fehlt der Story ein echter roter Faden. Gunns Handschrift ist zwar spürbar, aber die Balance zwischen Humor, Action und Tiefe gelingt ihm nicht immer. SUPERMAN ist unterhaltsam, bleibt aber dramaturgisch oft konventionell und zu wenig mutig.

Stilbruch oder Weiterentwicklung

James Gunn ist ein Regisseur, der sich nie auf ein Genre festlegen ließ. Von den Trash-Anfängen bei Troma Entertainment über den Horror-Spaß SLITHER bis zum Marvel-Hit GUARDIANS OF THE GALAXY: Gunn liebt schräge Figuren, schwarzen Humor und emotionale Momente. Mit THE SUICIDE SQUAD und der Serie PEACEMAKER hat er das DC-Universum mit seiner persönlichen Handschrift bereits einmal aufgemischt.

SUPERMAN markiert einen Wendepunkt. Gunn verzichtet auf die überdrehte Ironie seiner Marvel-Zeit und setzt auf mehr Ernsthaftigkeit. Dennoch blitzen immer wieder sein Humor und seine Liebe zu Außenseitern durch. Aber genau das, was ihn hier und bei Marvel so erfolgreich machte, fehlt diesem Film.

SUPERMAN ist kein reines Gunn-Vehikel, sondern ein Versuch, dem DC-Universum eine neue Identität zu geben. Das merkt man ihm an. Gunn bleibt seinem Stil grundsätzlich treu, denn er liebt Ensemble-Casts, diese schnellen Dialoge und emotionalen Brüche. Auch merkt man ihm an, dass er sich dem Gewicht der Vorlage bewusst ist. Aber hat er die Figur SUPERMAN wirklich verstanden?

Im Vergleich zu seinen früheren Werken wirkt SUPERMAN gereift, weniger verspielt und von eigenen Zweifeln geplagt. Gunn will die Figur ernst nehmen, ohne den Spaß zu verlieren. Das gelingt ihm über weite Strecken, auch wenn der Spagat zwischen Comic-Treue und Blockbuster-Format nicht immer aufgeht. SUPERMAN ist Gunns Versuch, Superhelden wieder mit Herz und Haltung zu erzählen. Aber er tut dies mit einem auf dem Rücken festgebunden Arm. 

Viel Potenzial, wenig Entwicklung

Die Figuren in SUPERMAN sind das Herzstück des Films, zumindest auf dem Papier. Clark Kent alias SUPERMAN kämpft mit seiner Rolle als Außenseiter. Seine Menschlichkeit steht im Fokus.

Lois Lane ist mehr als nur die klassische „Damsel in Distress“. Sie agiert als kluge, eigenständige Journalistin, die SUPERMAN auf Augenhöhe begegnet.

Lex Luthor wird als eiskalter Strippenzieher inszeniert, der seine Macht im Hintergrund ausspielt.

Trotz der starken Besetzung bleiben viele Figuren erstaunlich blass. SUPERMAN erhält zwar emotionale Momente, doch die Entwicklung bleibt oft an der Oberfläche. Lois Lane bekommt einige starke Szenen, wirkt aber manchmal wie ein Nebencharakter in ihrer eigenen Geschichte. Lex Luthor ist bedrohlich, aber seine Motivation bleibt vage. Die Nebenfiguren – von Jimmy Olsen bis zu den anderen Helden – dienen mehr dem Worldbuilding und dem Ausblick auf – möglicherweise – Kommendes als der Charakterentwicklung.

Die Chemie zwischen Clark und Lois ist spürbar, aber nicht wirklich überzeugend. Besonders im ersten Akt zündet das Zusammenspiel. Später verliert sich die Dynamik im Actionrausch.

Luthor bleibt als Antagonist präsent, aber selten überraschend.

SUPERMAN bemüht sich, die Figuren vielschichtig zu zeichnen, scheitert aber oft an der eigenen Geschwindigkeit. Die Charakterentwicklung bleibt Stückwerk, weil die Story zu wenig Pausen gönnt.

Corenswet, Brosnahan, Hoult – Licht und Schatten

David Corenswet als SUPERMAN liefert eine überzeugende, charismatische Performance ab. Er bringt die klassische Güte und das Idealistische der Figur glaubhaft auf die Leinwand. Seine Darstellung erinnert an Christopher Reeve, bleibt aber eigenständig. Corenswet gelingt es, SUPERMAN als Hoffnungsträger zu zeigen, ohne ins Kitschige abzurutschen. Besonders in den stillen Momenten überzeugt er. Kritisch betrachtet fehlt seiner Figur manchmal die Tiefe, weil das Drehbuch zu wenig Raum für die inneren Konflikte lässt. Dennoch ist Corenswet ein Gewinn für das Franchise und dürfte für viele Fans zum neuen Gesicht von SUPERMAN werden.

Rachel Brosnahan als LOIS LANE bringt Energie und Intelligenz in die Rolle. Sie spielt die Reporterin als selbstbewusste, schlagfertige Frau. Ihre Szenen mit Corenswet gehören zu den Highlights des Films. Brosnahan gelingt es, der Figur eine eigene Stimme zu geben. Sie bleibt nicht im Schatten des Helden, sondern agiert als gleichwertige Partnerin. Kritisch fällt auf, dass Lois in der zweiten Hälfte des Films etwas in den Hintergrund rückt, auch wenn sie persönliche Risiken eingeht, um SUPERMAN aus dem Taschenuniversum zu retten. Brosnahan holt dennoch das Maximum aus ihrer Rolle heraus und verleiht LOIS LANE eine neue Relevanz. Mir hat sie in der Rolle persönlich sehr gut gefallen.

Nicolas Hoult als LEX LUTHOR setzt auf Understatement. Er spielt den Schurken als kühlen, berechnenden Strippenzieher. Hoult verzichtet auf Überzeichnung und bringt eine gefährliche Ruhe in die Figur. Sein Luthor erinnert an die Comic-Vorlage, an einen Unternehmer, der seine Macht im Verborgenen ausspielt. Allerdings bleibt auch Luthor manchmal zu blass, weil das Drehbuch seine Motivation nur andeutet. Hoult gelingt es dennoch, seinen Charakter als ernst zunehmenden Gegenspieler zu etablieren, ohne in alte Klischees zu verfallen.

Zwischen Glanz und Schatten

Die Nebenrollen – von Mister Terrific über Green Lantern bis Hawkgirl – sorgen für Vielfalt, bleiben aber eigentlich eine Staffage, die kostbare Zeit kostet. Edi Gathegi als Mister Terrific sticht hervor und bringt frischen Wind ins Ensemble.

Demgegenüber schafft es Nathan Fillion in seiner Rolle als Guy Gardener nicht, eine GREEN LANTERN auf die Leinwand zu bringen, von der wir gerne einen eigenen Film sehen würden. 

Zwischen Innovation und Routine

SUPERMAN will vieles anders machen, macht aber zu wenig richtig.

James Gunn verzichtet auf eine Origin-Story und setzt stattdessen auf einen bereits etablierten Helden. Die Inszenierung ist farbenfroh, die Action besonders bei den Flugszenen spektakulär, aber nie Selbstzweck. Gunn integriert neue Figuren aus dem DC-Universum, ohne den Fokus auf SUPERMAN zu verlieren.

Besonders die Chemie zwischen Clark und Lois hebt den Film von vielen Vorgängern ab. Die Musik nutzt in einer modernisierten Version das großartige John Williams Theme, was gerade zu Beginn aber einen falschen Retro-Zungenschlag in die Sache bringt.

Einzelne Szenen wie beispielsweise das Gespräch zwischen Clark und seinem Vater sorgen für emotionale Höhepunkte. Und doch fragen wir uns: Wie treibt diese Szene die Handlung voran? 

Innovativ wirkt auch die Darstellung von LEX LUTHOR. Hoult spielt ihn als modernen Unternehmer, nicht als größenwahnsinnigen Superschurken. Die Action ist handwerklich solide, die Effekte überzeugen, auch wenn die vorgefertigten Kampf-Moves von ULTRAMAN und ihre Bezeichnungen (1A, 13B etc.) zwischenzeitlich skurril wirken. Hätte ein Genie wie Luthor nicht eine KI entwickeln können, die diese Abfolgen in einem Bruchteil der Zeit durchführt?

SUPERMAN bleibt trotz aller Neuerungen ein klassischer Superheldenfilm, der sich auf die Stärken der Vorlage besinnt. Kritisch bleibt, dass der Film manchmal zu viel will und dadurch an Tiefe verliert. Die Fülle an Figuren und Handlungssträngen wirkt wie ein Versprechen für kommende Filme. SUPERMAN ist ein Neustart mit Ambitionen, aber auch mit Kinderkrankheiten.

Altlasten und Aufbruch

SUPERMAN steht am Anfang eines neuen DC-Universums. Gunn will die Fehler der Vergangenheit vermeiden und setzt auf einen klaren Schnitt. Im Vergleich zu den Vorgängern – von den Reeve-Klassikern über MAN OF STEEL bis BATMAN V SUPERMAN – wirkt der neue SUPERMAN weniger düster, dafür hoffnungsvoller.

Gunn orientiert sich an den Comics, verzichtet aber auf die epische Schwere der Snyder-Ära. Dieser Film versteht sich als Auftakt für kommende Abenteuer, integriert aber bereits viele Figuren aus dem erweiterten DC-Kosmos. Dadurch zerfastert er allerdings.

Im Serienkontext wirkt SUPERMAN wie ein gewollter – m.E. aber erfolgloser – Befreiungsschlag. Gunn will zurück zu den Wurzeln (Hoffnung, Menschlichkeit, Optimismus). Das gelingt ihm über weite Strecken. Allerdings bräuchte es dafür eigentlich einen Film mit mehr ruhigen Momenten. Dafür ist diese Version aber viel zu actionlastig. Meiner Meinung nach scheitert der Film daher an den eigenen Ambitionen.

SUPERMAN ist kein radikaler Bruch, sondern eine Rückbesinnung auf das, was die Figur ursprünglich einmal ausgemacht hat. Die Einbindung von Nebenfiguren deutet auf ein vernetztes Universum hin, bleibt dabei aber (noch) dezent. SUPERMAN ist ein Film, der für sich steht, ohne sich in endlosen Referenzen zu verlieren.

Hoffnungsträger mit Startschwierigkeiten

SUPERMAN ist vieles: Der Versuch eines Neuanfangs, ein Statement, ein Versuch, das Superheldengenre im DC Universe neu zu beleben. James Gunn liefert einen sicherlich unterhaltsamen Blockbuster, der die Stärken der Vorlage respektiert und dennoch eigene Akzente setzt. Allerdings wird er den geweckten, hohen Erwartungen in keinster Weise gerecht.

Die Hauptdarsteller überzeugen, die Action stimmt. Kritisch bleibt, dass der Film zu viel auf einmal will und dadurch an Tiefe verliert. Die Story ist überladen, die Charakterentwicklung bleibt auf der Strecke.

Und dann ist da ja noch der Humor. Gunn kann Humor. Als Beispiel ließen sich endlose Beispiele mit Drax oder Groot aus GUARDIANS OF THE GALAXY anführen. Doch in SUPERMAN hat eine andere CGI-Figur ihren Auftritt: Krypto, der Superhund! 

Krypto ist im DC-Universe SUPERMAN’s treuer Freund, der ihm aus so mancher Patsche hilft. Im Film wurde er offensichtlich eher als Comic-Relief eingeplant. Nur leider funktioniert dieser Kniff überhaupt nicht.

Krypto ist vom ersten Augenblick an eine Nervensäge und macht den Eindruck eines verspielten Welpen mit Superkräften, dem selbst ein SUPERMAN nicht Herr werden kann.

Die Freude über sein Erscheinen schlug bei mir jedefalls innerhalb kürzester Zeit in eine genervte Erwartungshaltung um, was der Köter wohl als Nächstes wieder anstellen würde. Echter Fan-Service sieht anders aus!

Fazit – Zwischen Aufbruch und Altlast

Trotz aller Schwächen ist SUPERMAN ein Film, welcher der einen Hälfte der Fans Spaß machen und Hoffnung schenken wird. Er bietet genug Neues für Comic-Fans und bleibt zugänglich für Einsteiger. Wer Superhelden mag, bekommt hier einen modernen, farbenfrohen und emotionalen SUPERMAN, der Lust auf mehr macht. DC Studios hat den Grundstein gelegt.

Die andere Hälfte der Kinogänger wird verwundert den Kopf schütteln, wieso James Gunn ausgerechnet diesen Film machen musste. Hätte man ihm doch bloß zu einem späterem Zeitpunkt einen BIZZARO angetragen. Der wäre ganz sein Ding geworden.

Leider hat es DC seit dem großartigen WONDER WOMAN – Film mit Gal Godot (2017) nicht mehr geschafft, wirklich faszinierend erzählte Geschichten auf die Leinwand zu bringen. Darum ist meine Erwartung auch gering, dass DC mit ihren Filmen zukünftig zu die Erfolgen von Marvel aufschließen können wird.

Ich hätte mir mehr Mut gewünscht. Mut, etwas komplett Neues zu schaffen. Am Beispiel der vor Kurzem erschienen Comics aus dem ABSOLUTE UNIVERSE (ABSOLUTE BATMAN, ABSOLUTE SUPERMAN, …), in dem auch die Origin-Geschichten der bekannten DC-Superhelden neu und frisch erzählt werden, hätten sich die Verantwortlichen ein Beispiel nehmen können. 

James Gunn’s SUPERMAN atmet aus jeder Pore Angstschweiß, Fehler zu machen. Diese Angst wäre unbegründet gewesen, wenn sie eine komplett neue Geschichte um SUPERMAN ins Kino gebracht hätten. Auch in dieser Neuversion hätte das Streben nach Menschlichkeit und Hoffnung ein zentraler Aspekt sein können. Ein weiterer Vorteil wäre dabei gewesen, dass es keine wirkliche Vergleichsmöglichkeit mit der bisherigen Storyline gegeben hätte. Aber dann hätten sie uns ja wohl eine (neue) Origin-Story zeigen müssen…

SUPERMAN

© DC Studios | Movie | 129 Minuten 

Storyline:   ★☆☆☆☆
Pacing:  ★☆☆☆☆
Cast:  ★★☆☆☆
Humor:  ★☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung:  ★☆☆☆☆

Die Bildrechte liegen bei DC Studios

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