Ganz wichtig ist auch sein Platz in der Comic-Szene selbst. Marczinczik ist eng mit dem Internationalen Comic-Seminar Erlangen verbunden, der Künstlerinnen und Künstlern Raum für gegenseitigen Austausch und Weiterbildung bietet. Er hat dort seit 2019 eine zentrale, organisatorische Rolle. Somit kennt er also nicht nur das Zeichnen selbst, sondern auch das Ringen um gute Geschichten, liebenswerte Figuren und Spannungsbögen. Genau dies, die Vielschichtigkeit seiner Erfahrungen, merke ich seinem Buch an.

DIGGER wirkt auf mich nicht wie eine hübsche Idee, die schnell mal auf Album-Länge aufgeplustert wurde. Es erscheint wie ein Fundstück, das lange im Hinterkopf aufbewahrt und dann herausgeholt wurde. Dann wurde gegraben, gesiebt, verdichtet. Am Ende blieb eine Gefängnisgeschichte, die auch vom Eingesperrtsein handelt. Auch, denn eigentlich geht es darum, was Isolation mit Dir macht und was es braucht, um wahre Veränderungen unter den widrigsten Umständen anzugehen.

Besuchszeit in Erlangen

Ich wollte diesen Comic schon länger lesen. Die erste Auflage war jedoch sehr schnell weg und bei Comics löst so etwas bei mir eine kindische, aber ehrliche Reaktion aus. Plötzlich steht das Buch innerlich ganz vorne im Regal, obwohl es dort eben noch nicht steht. Gibt es so etwas wie einen negativen Pile-of-Shame? Auf dem Internationalen Comic-Salon Erlangen habe ich meine Ausgabe dann direkt vom Ralf bekommen, inklusive einer kleinen, feinen Illustration. Das war ein schöner, persönlicher Moment. Nicht wichtig für die Bewertung, aber wichtig für die erste Berührung mit dem Buch.

Geschehnisse hinter dicken Wänden

DIGGER begrüßt mich nicht mit einem Spektakel. Kein Knast-Drama mit Eisen stemmenden Muskelprotzen, keine harte Milieu-Parade, kein Ausbruchsthriller, der schon auf Seite drei den Löffel an der Wand wetzt. Marczinczik setzt seinen schweren, runden, melancholischen Helden in ein Gefängnis an der Küste und lässt ihn tatsächlich erst einmal – „sitzen“.

Das klingt erst einmal schlicht, ist andererseits aber ziemlich raffiniert. Denn DIGGER sitzt nicht nur seine Strafe ab. Er hat sich in ihr eingerichtet, glaubt, dorthin zu gehören in dieses Gefängnis. Und genau da beginnt der Schmerz dieses Comics. Nicht bei den Gittern, sondern bei der Zustimmung des Gefangenen zu diesen Gittern.

Einschluss am Meer

DIGGER kommt in ein Gefängnis, das zugleich konkret und märchenhaft wirkt, THE GREEN MILE trifft hier auf das Château d’If aus Alexandre Dumas‘ DER GRAF VON MONTE CHRISTO: ein Riese, eine Insel am Meer, der ferne Himmel, Zellen und ihre Routinen. Alles hat seinen Platz. DIGGER auch.

Er ist groß, massig, kräftig und auffällig. Trotzdem sucht er keine Aufmerksamkeit. Er rebelliert nicht, er beteuert nie seine Unschuld und er macht, was von ihm verlangt wird. DIGGER fügt sich in seinen Alltag, der mit der Struktur aus Arbeit, Zelle, Essen und Schlaf beinahe beruhigend gleichförmig ist. Dazwischen ein paar Blicke nach draußen. Aber diese Ruhe ist keine echte Ruhe, sondern vielmehr ein Deckel auf dem Topf.

Marczinczik erzählt diesen Anfang mit erstaunlicher Geduld. Ich lerne DIGGER – dessen bürgerlichen Namen wir nie erfahren – nicht über seine Tat kennen, sondern über sein Verhalten. Seine unbekannte Vergangenheit baumelt mir nicht als Köder vor meiner Nase herum. Aber sie bleibt ein Gewicht, das DIGGER mit sich herumträgt. Der Comic muss mir nicht erklären, was genau geschehen ist, damit ich seine Schuld spüre. Zugleich verweigert dieser Kniff mir aber den bequemen Weg, die Figur einfach in eine Schublade zu schieben. Gut so! Denn DIGGER ist kein unschuldiges Herzchen im falschen System, aber auch kein Monster. Er ist ein Mensch, der sich selbst auf ein Urteil reduziert hat.

Ein Kumpel hinter der Wand

In dieser engen Ordnung bekommt DIGGER Kontakt zu Manolo, genannt Manny. Diese Freundschaft ist einer der schönsten Züge des Buches. Sie entsteht nicht als große Bühne. Sie wächst eher wie etwas, das zwischen zwei Steinen einen Spalt findet. Manny ist lebendiger, wacher, vielleicht auch lockerer. Er bringt etwas in DIGGER’s Welt, das dort nicht mehr vorgesehen ist: Austausch, Wärme, Neugier und ein Gegenüber.

Dann wird DIGGER in der Dusche angegriffen – ja, ein Knast-Cliché! – und landet verletzt in der Krankenstation. Danach fehlt ihm etwas, das für ihn kostbarer ist als jeder Besitz. Sein Geheimnis ist verschwunden. An dieser Stelle könnte die Geschichte dann doch leicht in eine simple Rache-Geschichte kippen. Tut sie aber nicht.

Marczinczik interessiert sich stärker für die Wunde unter der Wunde. DIGGER verliert nicht nur einen Gegenstand und damit ein verborgenes Stück seiner Innenwelt. Er verliert neben dem Selbstwertgefühl auch die kleine Ordnung, die ihn hier noch zusammengehalten hat.

Manny wird nun wichtiger. Nicht als Retter, sondern als jemand, der eine Entscheidung trifft. Eine Freundschaft beweist sich hier nicht durch große Worte. Sie zeigt sich in einem Risiko, das eingegangen wird. Damit setzt das Buch seine eigentliche Energie frei. Die Handlung wird letztendlich zwar zur Fluchtgeschichte, doch der spannendste Ausbruch ist nicht der aus dem Gefängnis, sondern der aus DIGGER’s eigener Erstarrung. Alles braucht Zeit und hier hat alles und jeder Zeit, ganz besonders hier.

Tunnelplan für die Seele

Die Stärke von DIGGER liegt darin, dass Marczinczik seine Bilder sehr ernst nimmt, ohne das der Comic schwerfällig wird. Der Titel spielt mit mehreren Ebenen. DIGGER gräbt, DIGGER sucht, DIGGER wird vielleicht selbst zu dem, was ihn aus seiner Lage befreit.

Ein Lockdown als Prämisse passt zu diesem Stoff, weil Marczinczik die Erfahrung von Enge nicht platt überträgt. Er schreibt keinen Corona-Comic! Aber er nimmt dieses Gefühl ernst. Jenes Gefühl, dass ich beim Lesen sofort wiedererkenne. Die Tage werden … waren gleich. Der Blick ging zum Fenster und die Zeit bekam ein seltsames Gewicht. Im Gefängnis wird daraus eine Fabel über Einsamkeit, Schuld und die Frage, ob ein Mensch sich selbst wieder erlauben darf, nach draußen zu wollen.

Manche Zeichen sind sehr deutlich platziert. Die wenigen Farbtupfer sind blau wie der freie Himmel. Marczinczik vertraut hier manchmal mehr auf einfache, aber klare Symbolik als auf Zwischentöne. Das kann einen Moment lang sehr geradeaus wirken, doch ich nehme es diesem Comic nicht übel. Seine Welt ist bewusst schlicht gebaut. Sie braucht keine Tarnkappe aus Raffinesse. Sie will das Herz nicht überlisten, sie klopft an und wartet dann.

Gitterstäbe aus Tusche

Visuell ist das Buch viel sicherer, als sein leiser Ton zunächst erwarten lässt. DIGGER ist eine wunderbare Comicfigur. Sein Körper ist beinahe eine eigene Landschaft. Groß, rund, schwer, mit einer Silhouette, die ihre Umgebung sofort einnimmt.

Marczinczik nutzt diese Form aber nicht nur für Niedlichkeit. DIGGER kann bedrohlich wirken, gleichzeitig hilflos, stur, verletzt, manchmal sogar ein wenig komisch. Seine Masse erzählt jedoch immer mit. In engen Räumen wirkt er zu groß für diese Welt, während er stillen Momenten wirkt, als würde er unter sich selbst verschwinden.

Die Mimik ist sparsam, aber präzise. Oft reicht ein Blick. Ein gesenkter Kopf sagt mehr als eine Seite voll narrativer Selbstanklage. Auch Manny lebt durch kleine Haltungen. Marczinczik zeichnet keine ausufernden Charakter-Posen. Er setzt stattdessen auf klare, einfache Körpersprache. Das hilft der Lesbarkeit enorm. Die Seiten sind übersichtlich, der Rhythmus ist ruhig, oft fast in kleinen Portionen erzählt. Der Ursprung als Webcomic ist spürbar. Viele Sequenzen haben etwas Episodisches. Auch im Buchformat funktioniert das überraschend gut, weil es zum Gefängnisalltag passt. Jeder Abschnitt ist wie ein weiterer Strich an der Wand.

Besonders stark wird Marczinczik, wenn er Enge und Weite gegeneinander setzt. Innenräume sind knapp, funktional und gedrückt. Der Blick nach draußen hat dagegen Leichtigkeit. Fenster, Himmel, Meer und Vögel sind keine reine Dekoration. Sie sind die Stellen, an denen das Buch wahrnehmbar durchatmet. Ich habe beim Lesen oft gemerkt, wie sehr die Seitengestaltung mein Tempo lenkt. Nicht durch Tricks, vielmehr durch diese öffnenden Pausen.

Blau unter der Pritsche

Die Farbe ist in DIGGER kein hübsches Extra, sondern Teil der Erzählung. Anfangs herrscht ein strenges Schwarz-Grau-Weiß. Dieses Grau liegt über den Seiten wie Staub. Das Gefängnis wirkt dadurch nicht schmutzig im realistischen Sinn, aber abgenutzt, verbraucht. Die Welt ist nicht finster, sie ist leer und ausgewaschen, allen Ablenkungen entblößt. Das passt zu DIGGER. Er hat sein Leben auf wenige erlaubte Regungen reduziert. Schönheit gestattet er sich nicht (mehr).

Dann kommt das Blau. Erst klein, dann deutlicher. Es ist kein Zufall, dass diese Farbe mit Blicken, Sehnsucht und einem Stück Fürsorge verbunden ist. Blau macht diese Welt freier. Nicht sofort, aber es zeigt, dass in dieser Welt noch etwas anderes existiert als Strafe und Gewohnheit.

Später öffnet sich die Farbigkeit weiter. Das ist nicht subtil bis zur Unsichtbarkeit, aber wirksam. Ich mochte gerade diese langsame Veränderung. Der Comic wird nicht bunt, weil die Geschichte plötzlich leichter wäre. Er wird farbiger, weil DIGGER wieder mehr wahrnehmen kann.

Fazit

DIGGER ist ein kleiner Comic mit großem Atem. Er erzählt von Schuld, von Freundschaft und Freiheit. DIGGER hat Humor, aber versprüht keinen Klamauk. Er hat Gefühl, er hat eine Symbolik, die manchmal sehr klar vor mir liegt und eine Wärme, die das Bleiben an diesem Ort erträglich macht.

Für mich ist dies ein Buch, das vor allem in seinen stillen Passagen gewinnt. Es schreit nicht nach Bedeutung. Es sitzt erst einmal neben mir auf der Pritsche, dann zeigt es auf das Fenster. Und irgendwann merke ich, dass ich in Gedanken längst mitgegrabe.

Der Interessenverband Comic e.V. (ICOM) hat Ralf Marczinczik / DIGGER den Independent Comic Preis 2024 in der Kategorie Bester Independent Comic (Selbstveröffentlichung) für seine meisterhafte Verbindung von Kunst und Menschlichkeit verliehen. Häufig lassen mich Jury-Entscheidungen etwas ratlos zurück. In diesem Fall jedoch haben die Juroren alle richtig gemacht. Ja, es hat sich für mich gelohnt, auf diesen Comic zu warten…

• DIGGER
• Ralf Marczinczik
• Hardcover | 190 Seiten | Schwarz-Weiss (und Blau)
• ISBN 978-3-96430-320-2
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★☆☆☆
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Kult Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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An seinem ersten Erscheinungstag wurde der Strip in 35 Zeitungen veröffentlicht, zuletzt waren es rund 2.400. In den 10 Jahren dazwischen wurden 3.160 tägliche (!) Comic-Strips publiziert. Dreitausend-einhundert-sechzig, eine unvorstellbare Zahl. Ja, es waren Strips bei denen es durchaus qualitative Höhen und Tiefen gab. Aber Bill Watterson hat die Latte für alle, die nach ihm kamen, sehr, sehr hoch gelegt. Jetzt ist aber Schluss mit all den Zahlen!

In diesem Artikel geht es nicht nur um eine Kinderfreundschaft, sondern um ein lebenskluges, witziges Plädoyer für eben diese Freundschaft, gepaart mit ausufernder Fantasie und der Kunst, die Tür zum Abenteuer im Alltag immer einen Spalt offen zu halten.

Mit den Abenteuern des sechsjährigen Calvin und seines Stofftigers Hobbes hat Autor Bill Watterson einen Zeitungscomic geschaffen, dessen magische Qualitäten bis heute unerreicht sind. […] Calvin ist Chaos! Ob Eltern, Babysitterin oder Nachbarstochter: Der Bengel treibt seine Umwelt mit Spitzfindigkeiten und den absurdesten Streichen an den Rand des Wahnsinns. Wenn er nicht gerade als „Raumfahrer Spiff“ oder mächtiger Dinosaurier im Reich seiner überbordenden Fantasie unterwegs ist.

Einzig seinem besten Freund, dem liebenswerten Stofftiger Hobbes, gelingt es, den hyperaktiven Calvin auf den Boden der Tatsachen zu holen. Wenn auch nie für lange, denn eine zünftige Partie Calvin-Ball, eine Vereinssitzung des E.M.S.V. (Eklige Mädchen Sollen Verduften) oder ein tiefschürfendes Gespräch über Zuckerbomben mit Schokoguss sind schließlich auch nicht zu verachten. Hobbes ist ja kein Spielverderber! [Verlagstext]

Drei Strips zum Einstieg

In manchen Strips zeigt uns Bill Watterson einen Gag, in anderen verbindet er seine narrative Kunstfertigkeit zu einer Fortsetzungsgeschichte, die sich über mehrere Strips entwickelt. Aber immer endet die aktuelle Bildfolge mit einer wohlgesetzten Pointe. Dies ist ein wichtiges Merkmal der Zeitungsstrips der damaligen Zeit.

Fantasie zwischen Keksdose und Urknall

CALVIN & HOBBES erzählt die Geschichte des ewig sechsjährigen Calvin, dessen wildes, widerspenstiges Herz einzig von seinem getigerten Weggefährten Hobbes verstanden wird. Auf dem Papier ist Hobbes ein Plüschtier. Doch kaum sind Erwachsene außer Reichweite, verwandelt er sich für uns blitzschnell in einen sprechenden, bestens aufgelegten Tiger.

Mit ihm an seiner Seite geht Calvin auf atemberaubende Fantasiereisen. Da wird das Wohnzimmer zur außerirdischen Dschungellandschaft, das Badezimmer zum See voller Monster, der Schulhof zum Planeten einer Alieninvasion. Jede noch so graue Kleinigkeit des Alltags wird im Kopf des Jungen zur Rakete für große, oft absurde Abenteuer.

Die Erzählstruktur der Comicstrips ist schlau angelegt. Oft reicht ein einziger Blick, ein Satz oder die absurde Klage über das vermeintliche Leiden am Erwachsensein, um einen Bogen vom Alltäglichen zum Kosmischen zu schlagen.

So sieht Calvin im strengen Schuldirektor prompt einen außerirdischen Spion, der mit teuflischen Hausaufgaben die Welt unterjochen will. In anderen Strips plant Calvin genüsslich destruktive Attacken auf seine Nachbarin Susie oder philosophiert (mal kindlich-naiv, mal entwaffnend klarsichtig) über die großen Fragen von Zeit, Existenz und Moral.

Trotz aller Sprunghaftigkeit pendelt CALVIN & HOBBES immer zwischen den Extremen und euphorischer Übermut trifft auf melancholische Nachdenklichkeit. Denn so uneingeschränkt Calvin mit seinem Tiger durch Traumlandschaften jagt, so regelmäßig kracht er zurück auf den Boden der unnachgiebigen Wirklichkeit.

Die Pointen blühen auf der Diskrepanz zwischen dem Wunsch, die Welt zu formen, und der Frustration, ihr ausgeliefert zu sein. Was anfangs als ulkige Alltagsflucht erscheint, entwickelt sich zunehmend zur Meditation über Kindheit, Freundschaft, Identität – und die Fähigkeit, mit kindlichem Staunen die Welt täglich neu zu begreifen.

Zwei, die die Welt neu erfinden

Im Zentrum des Strips strahlt die kontrastreiche Freundschaft zwischen Calvin und Hobbes. Calvin platzt vor Energie, Fantasie und Renitenz. Er rebelliert gegen Hausaufgaben, Zähneputzen und jede Form von Kontrolle.

Sein Vater ist die verkörperte Ironie, seine Mutter die stoische Geduld, die Lehrerin das Sinnbild pädagogischer Frustration, doch wirklich ernst nehmen kann Calvin nur Hobbes. Dieser besitzt alles, was Calvin fehlt: Gelassenheit, ein ausgeprägtes Verständnis für Ironie, das rechte Maß an Nachsicht und gelegentlicher Raubtierlust.

Hobbes oszilliert zwischen Spiegelbild, Korrektiv und subversivem Draufgänger. Mit seiner sanften, oft spöttischen Klugheit erdet er Calvin. Die Dialoge sind funkelnde Wechselspiele, in denen sich philosophisch grundierte Nachdenklichkeit mit anarchischem Klamauk paaren.

Während Calvin bei seinen Ausflügen ständig moralische und existenzielle Grenzen testet, mahnt Hobbes immer wieder zur Reflexion und Menschlichkeit – wenn er nicht selbst zur Attacke übergeht oder sich das nächstbeste Sandwich stibitzt.

Die Dynamik erinnert frappierend an wiederkehrende Paarkonstellationen der Comicgeschichte, doch selten wurden Ego und Über-Ich, Impuls und Vernunft so subversiv miteinander verbunden.

Auch in den Nebenfiguren spiegelt sich eine stimmig gezeichnete, analoge Vorstadtwelt. Ob Eltern, Rektor, bullige Mitschüler oder die smarte Nachbarin Susie: sie alle tauchen in Calvins Vorstellungswelt transformiert auf. Sie sind mal Monster, mal Helden oder bloßes Inventar für seine Fantastereien.

Jeder Charakter gewinnt Kontur durch Calvin’s überbordende Fantasie und zeigt zugleich etwas Grundsätzliches über menschliche Beziehungen, Macht und Ohnmacht.

Ein Mann, ein Tiger, ein Comic-Weltwunder

CALVIN & HOBBES ist das Werk von Bill Watterson (im deutschen Sprachraum teils auch als William Watterson II geführt). Der 1958 geborene US-Amerikaner prägte mit seiner Serie eine ganze Generation von Leserinnen und Lesern. Ursprünglich als kleiner Strip in der Lokalzeitung gestartet, wurde die Serie bald zu einem internationalen Phänomen. Auf dem Höhepunkt ihrer Popularität erschien sie weltweit in Hunderten Zeitungen, doch lehnte Watterson – gegen allen wirtschaftlichen Menschenverstand – jegliche Vermarktung seiner Figuren als Trickfilm, Serie oder Merchandise kategorisch ab.

Bill Watterson ist bekannt für seine kompromisslose, romantisch verklärte – und äußerst humorvolle – Haltung gegenüber Kunstfreiheit. In der Comic-Szene gilt er daher als widerspenstiger Erneuerer.

Er lotete die engen Rahmen des Zeitungsstrips künstlerisch wie erzählerisch immer weiter aus und hielt dabei einen einzigartigen Stil zwischen klassischer Linie und visueller, experimenteller Freude. Neben CALVIN & HOBBES hinterließ er vor allem Spuren in der Debatte um die Comic-Kunst an sich, Veröffentlichungsrechte und anti-kommerzielle Haltung. Zahlreiche Comicautoren wie z.B. Art Spiegelman oder die PEANUTS-Erben sehen ihn als kreativen Wegbereiter.

Bilder, die träumen wollen

Was CALVIN & HOBBES in der visuellen Abteilung vollbringt, begeistert mich immer wieder auf’s Neue und ist einfach bahnbrechend. Die Panels leben von einer unglaublichen Dynamik. Ob rollende Wälder für rasante Schlittenfahrten, verwaschene Regenstürme als melancholisches Intermezzo oder minimalistische Portraits punktgenauer Ironie: Watterson zieht souverän alle Register der Zeichenkunst. Die Vielseitigkeit reicht von locker-flirrenden Federstrichen bis hin zu detailverliebten Splash-Panels, wie sie für Sonntagsseiten typisch sind.

Besonders bemerkenswert ist die expressive Mimik von Calvin. Mit wenigen Strichen springt Watterson von Ekstase zu tiefster Verstörung oder rührender Nachdenklichkeit. Die Dramaturgie funktioniert auf mehreren Ebenen. Während die wortlosen Gags auch für Kinder verständlich bleiben, baumeln viele Anspielungen und Meta-Kommentare wie versteckte Bonbons im Bild für uns Erwachsene.

Die Gestaltung der Traumsequenzen, etwa wenn Calvin als „Spaceman Spiff“ durchs All jagt, ist ein Fest für die Augen. Auch in Schwarz-Weiß bleibt die visuelle Wucht ungebrochen.

Revolution aus der Rappelkiste

CALVIN & HOBBES erschien in einer Zeit, als die Comic-Strips in den Zeitungen zunehmend standardisiert und stromlinienförmig wurden. Watterson stemmte sich sowohl mit erzählerischer, als auch stilistischer und politischer Finesse dagegen.

Durch seine Weigerung, die Figuren ins Konsum-Karussell zu schicken, setzte er ein zudem wichtiges Zeichen gegen Kommerzialisierung und für künstlerische Autonomie.

Thematisch greift CALVIN & HOBBES Debatten auf, die den jeweiligen Zeitgeist widerspiegeln, manchmal subtil, manchmal aber auch mit der Brechstange. Kritik an der Konsumgesellschaft, Betrachtungen über Umwelt, Bildung, mediale Überforderung und das moderne Familienleben durchziehen die Strips, ohne moralisch zu belehren.

Die Beziehung zu anderen Comic-Klassikern ist offensichtlich. Doch während die PEANUTS ihre Welt zumeist melancholisch und resigniert erleben, zelebrieren CALVIN & HOBBES den anarchischen Spaß und den Widerstand gegen die Erwachsenenlogik mit einer Leichtigkeit, die ihresgleichen sucht.

Eigen-Sinn und Tiger-Biss

Watterson sprengt in CALVIN & HOBBES nicht nur die Grenzen der Formatvorgaben für Zeitungscomics. Er inszeniert Panel, die von philosophischer Tiefe bis zum hintergründigen Klamauk reichen.

Besonders prägnant bleibt der Verzicht auf eine fortlaufende Handlung. Jedes Abenteuer, jede Krise, jeder Gag steht wie eine Miniatur für das große Ganze. So erreicht der Comic eine emotionale und intellektuelle Bandbreite zwischen absurdem Alltagswitz und existenzieller Reflexion, die in der Comiclandschaft herausragt.

Ungewohnt bleibt auch, dass der Strip jede Vermarktung verweigert. Keine Animationsfilme, keine Actionfiguren, kein T-Shirt-Universum. Der Wunsch, CALVIN & HOBBES ausschließlich als gezeichnete Figuren weiterleben zu lassen, bewahrt ihnen einen Zauber, den kaum eine andere Serie so lange halten konnte. Alles, was – außer Büchern – mit CALVIN & HOBBES Motiven erhältlich ist, kann getrost als nicht autorisiert betrachtet werden.

Einzigartig wie Tigerstreifen

CALVIN & HOBBES bleibt ein zeitloses Meisterstück, das Grenzen überschreitet und Leserinnen und Leser aller Generationen inspiriert. Der Comic glänzt als Abenteuerreise für den Geist und als liebevolle Hommage an das kreative Potenzial des kindlichen Blicks. Wer sich auf CALVIN & HOBBES einlässt, reist zwischen urkomischen Alltagskatastrophen, existenziellen Gedankenspielen und poetischen Momentaufnahmen hin und her. Die raffinierten Zeichnungen, pointierten Dialoge und das anarchische Herz der Figuren laden zum Staunen, Lachen, Nachdenken und – nicht zuletzt – zum Kind-sein ein. Immer wieder aufs Neue!

Dieser Comic gehört für mich in jedes Was-Nimmst-Du-Mit-Auf-Die-Einsame-Insel-Paket und in jedes Comic-Regal.

Egal ob Sammler oder Neueinsteiger: Diese Comic-Strips sind ein wichtiger, unverzichtbarer Teil unserer Popkultur und ein Geschenk für alle, die Humor mit Haltung, Zeichnung mit Gehalt und Fantasie mit bissigem Witz lieben.

Wer Calvin und seinen Tiger noch nicht kennt, sollte ihnen unbedingt begegnen – auf der nächsten Zeitungsseite, im Comicladen oder direkt als Gesamtausgabe. Man bleibt dabei garantiert nicht derselbe. Um es mit den letzten Worten von Calvin heute vor 30 Jahren zu sagen: „Let’s go exploring!“

P.S:

CALVIN & HOBBES erhielt 1990 den Max-und-Moritz-Preis als bester internationaler Comicstrip und 2007 den Sondermann-Preis 2007 als bester Comic International 2007. Zuuuuuu recht! 

CALVIN UND HOBBES

© CARLSEN VERLAG | Hardcover | 1456 Seiten | Schwarz-Weiß und Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★★★★★(★)

Meine persönliche Bewertung: ★★★★★(★)

ISBN: 978-3-551-78907-5 (Gesamtausgabe)

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August 2013, Uttar Pradesh, Nordindien. Im mehrheitlich muslimischen Kawal erstechen zwei junge Hindus einen gleichaltrigen Muslim auf offener Straße. Die Täter werden daraufhin von einer aufgebrachten Menge ermordet. Nach Massenprotesten eskalieren die Ereignisse und es kommt zu wiederholten Überfällen der Angehörigen beider Religionsgemeinschaften aufeinander, die mehrere Dutzend Tote fordern und die Flucht Zehntausender Muslime zur Folge haben. [Verlagstext]

Im Zentrum dieses Reportage-Comics stehen die Muzaffarnagar Unruhen und ein Ort, den Sacco mit journalistischem Blick aufsucht: der fragliche Ort liegt im Norden Indiens und ist geprägt von Landflucht, Identitätsfragen und Machtverschiebungen. Der Autor und Zeichner führt uns zu staubigen Straßen, religiösen Dorfbewohnern und gegenseitiger Ausgrenzung, von einem überschaubaren Auslöser hin zu einer Kette von Reaktionen. Alle kommen zu Wort: die Opfer, die Zeugen, die Gemeindeältesten und die Politfunktionäre. Sie bekommen Raum und erzählen ihre Sicht der Dinge, ihre Verletzung, ihre Sicht auf Schuld und Verantwortung. Und wie nicht anders zu erwarten war, ist die Wahrheit wieder eine Frage des Standpunktes.

Sacco schildert dabei streng dokumentarisch. Wir begleiten ihn und seinen Dolmetscher bei seiner Recherche, wie eine Alltagssituation, ein zwischen Hindus und Muslimen eskalierender Konflikt, in eine Verabredung von Gewalt münden konnte. Wie sich die Stimmung verdichtet und explodiert ist. Zwischen den Seiten gibt es keine Helden, aber eine Vielzahl von Protagonistinnen und Protagonisten, deren Leben sich verändern.

Zwischen Alltag und Aufruhr

Der Comic bleibt bewusst chronologisch, doch immer wieder setzt Sacco Rückblenden ein, beschreibt vergangene Traumata von Familienschicksalen und verweist auf kollektive Erinnerung. Der Titel INDIEN – ÖL INS FEUER spiegelt das Bild gut. Öl hier steht metaphorisch für den explosiven Mix aus Ressentiments, gesellschaftlichen Brüchen und politisch gezielten Triggern. Das Feuer entzündet die Spirale der Gewalt, die mit einem Mal eskaliert.

Sacco führt uns von den geschichtlichen Hintergründen einer indischen Staatsgründung zu ersten Warnzeichen aus Gerüchten und Gruppen, die sich formieren, hin zur Mobilisierung von Macht und Gegenmacht. Die Folgen der Tat sind brennende Häuser, geteilte Familien, verschobene Leben. Er verzichtet auf einen Showdown im klassischen Sinne. Dies ist eine Dokumentation, kein Drei-Akter-Drama.

Das Ende des Comics ist eine Art Pause, ein Moment der Stille, ohne dramatischen Schluss, aber mit einer offener Frage: Wie wird es weitergehen? Wann sind die nächsten Öl-Fässer so voll, das der kleinste Funke sie wieder in Brand setzen kann?

Diese Entscheidung ist klug. Sie macht deutlich, dass der Konflikt nicht endgültig ruht, sondern latent ist und weiter  gefährlich bleibt.

Wenn Funken auf Brennbares fallen

Innerhalb der knapp 140-Seiten versteht Sacco es, komplexe Prozesse wie die Untergrabung von Macht, Glaubensspaltungen oder medial aufbereitete Narrative glaubhaft zu skizzieren. Er bietet keine einfache Schwarz-Weiß-Erzählung, auch wenn der Comic in Schwarz-Weiß gehalten ist. Weder sind Muslime nur die Opfer noch Hindus nur die Täter. Machthaber erscheinen nicht nur böse und die Ohnmächtigen nicht nur machtlos.

Vielmehr wird sichtbar, wie alle Beteiligten Teil eines Systems sind, in dem Ressentiments, Angst, ökonomische Not und politische Instrumentalisierung wie Zahnräder ineinander greifen. Sacco verweilt bei den Menschen, entschleunigt, zeigt ihr Umfeld, ihre kleinen Momente. Dieser Fokus gibt der Geschichte Tiefe und verhindert eine plakative Inszenierung.

Dabei variiert er das Tempo. Phasen mit dichter Atmosphäre wechseln mit ruhigen Beobachtungen, welche die Gewalt nicht glorifizieren, aber ihre Vor- und Nachwirkungen eindrücklich zeigen. So entsteht eine dichte, bedrückende Stimmung. Der Einstieg gelingt leicht, weil Sacco auf erklärende Bildtexte verzichtet und solides Hintergrundwissen einfließen lässt. Zugleich bewahrt er den dokumentarischen Anspruch. Er lässt unterschiedliche Stimmen zu Wort kommen und räumt Widersprüche ein und unterstreicht. Wie bereits gesagt: Wahrheit ist eine Frage des Standpunktes.

Der Chronist der Konflikte

Joe Sacco ist kein klassischer Comic-Szenarist. Er ist Zeitzeuge, Reporter und Zeichner zugleich. Geboren 1960 auf Malta und aufgewachsen in Australien und den USA, studierte er Journalismus und entwickelte früh ein Faible für Comics mit Aussagekraft. Sein Name steht synonym für guten Comics-Journalismus.

In seinen bisherigen Werke PALÄSTINA, GAZA oder WIR GEHÖREN DEM LAND erzählt er von Konflikten, Ungerechtigkeit und globale Machtmechanismen. In INDIEN – ÖL INS FEUER knüpft Sacco genau an diese Tradition an. Er begibt sich selbst vor Ort, spricht mit Betroffenen und zeigt uns seinen eigenen Weg durch die Recherche. Diese Selbstpositionierung als Journalist und Zeichner ist sein Markenzeichen. Er bleibt er nicht bei einer Opfer-Täter-Erzählung, sondern bettet persönliche Schicksale in größere Zusammenhänge ein.

Der Reporter mit dem Zeichenstift

Sacco arbeitet handwerklich sehr traditionell. Er setzt auf analoge Techniken, reduziert Kolorierung und gibt den Skizzen noch Raum. Die Zeichnungen haben dokumentarischen Anspruch, aber keine glamourösen Action-Sequenzen. Dadurch entsteht Authentizität. Zugleich zeigt sein Ansatz, dass Comics mehr sein können als Unterhaltung. Sie sind auch Medium für Debatten. Er zeigt uns nicht alles spektakulär und das ist gut so. Seine erzählerische Stärke liegt im Verweilen, im Beobachten, im Strukturieren von Stimmen und Daten, nicht im marvelesken Effektfeuerwerk.

Handfest und doch feinfühlig

Die grafische Umsetzung von INDIEN – ÖL INS FEUER folgt seinem etablierten Stil des Zeichnens: schwarz-weiß bzw. reduziert koloriert, mit klaren Linien, vielen Texturen, Schaffuren und einem dokumentarischen Look. Er visualisiert keine übertriebenen Bewegungen, keine Pop-Effekte, sondern hat den Alltag im Fokus. Dabei wirken die Panels teils wie eingefrorene Fotografien, teils wie belebte Skizzen.

Besonders auffällig ist die Panelstruktur. Sacco arbeitet häufig mit großformatigen Bildern, überschreitet Panelgrenzen, wechselt dann geschickt zu kleineren Ausschnitten um etwa ein Gespräch oder individuelle Emotionen zu zeigen. Dies erzeugt Rhythmus. Wir bleiben beim Umfeld, dann zoomen wir in ein Gesicht oder auf eine Hand, wechseln von der Intimität wieder zurück zum Überblick. Diese visuelle Dynamik trägt entscheidend zur Wirkung seiner Erzählung bei.

Grafik mit Beobachtung

Technisch zeigt Sacco große Reife und Erfahrung. Seine Zeichnungen sind detailliert, ohne überfrachtet zu wirken. Figuren wiederholen sich nicht monoton, Hintergründe geben Kontext. Der Leser kann abschweifen, schauen, spüren. Wer sich auf diesen Stil einlässt, erhält eine visuelle Reise, die atmosphärisch und fordernd zugleich ist.

Ein Hintergrund mit Breitenwirkung

Der Konflikt, den INDIEN – ÖL INS FEUER behandelt, steht nicht isoliert. Im Umfeld von Wunsch nach Land, Macht und Zugehörigkeit trifft Indiens koloniale Vergangenheit auf moderne Schwächen des politischen Systems Demokratie. Sacco erklärt den aktuellen Ausschlag in historischen Narrativen: mit der Teilung der ehemaligen britischen Kronkolonie, mit Flucht und Migration, Landreformen und der politischen Mobilisierung entlang religiöser Linien. Hinzu kommen Mechanismen der Medien- und Machtpolitik. Welcher Gruppe gehört man an? Wer erzählt die Geschichte? Wer definiert Opfer und Täter? Diese Fragen zieht sich wie rote Fäden durch den Comic.

Sacco schildert die Gewalt als Moment in einer langen Reihe historischer Ereignisse und Wunden, zeigt die sich daraus ergebenden Probleme, aber entschuldigt damit nicht das hier und jetzt. Damit wird INDIEN – ÖL INS FEUER auch für Leser außerhalb Indiens relevant, denn die Mechanismen von Spaltung, Manipulation der Erinnerung und Mobilisierung großer Menschenmengen lassen sich schwer nur auf den indischen Subkontinent begrenzen.

Warum dieses Comic herausragt

Was macht INDIEN – ÖL INS FEUER nun besonders? Zunächst einmal ist es selten, dass ein Comic so kompromisslos Reportage ist. Sacco bringt die Dokumentation in Zeichenform. Diese Verbindung aus Vor-Ort-Recherche, journalistischem Anspruch und visueller Erzählung macht aus dem Comic mehr als eine bloße Unterhaltung. Gleichzeitig bleibt das Thema zugänglich. Der Einstieg gelingt ohne Vorwissen über Indien oder Konfliktforschung.

Joe Sacco fokussiert sich auf Fragen statt auf sofortige Antworten. Er zeigt uns die Mechanismen, wir werfen die Fragen selbst auf. Wie entsteht Erinnerung? Wer profitiert von Gewalt? Wie manipulieren Medien und Politik Narrative? Durch diese Haltung bleiben wir aktiv und nicht nur Konsument.

Auch stilistisch ist der Band relevant: Der dokumentarische Comic – wie z.B. DIE FRAU ALS MENSCH von Ulli Lust oder GAMES von Patrick Oberholzer – hat sich inzwischen etabliert, aber selten wird er im Kontext südasiatischer Konflikte so stringent ausgeführt. Das macht das Werk für Comic-Begeisterte spannend und für Gelegenheitsleser als Einstieg in das Thema interessant.

Das einzige, was mir anfangs persönlich nicht so gut gefallen hat ist, dass manche Kapitel etwas komprimiert wirken, fast zu dicht. Wer jede Figur nach verfolgen will, braucht Konzentration. Aber das ist kein Fehler, sondern Folge der Sparsamkeit im Mittel. Aber als Leser soll ich mich ja auch intensiv mit dem Thema beschäftigen und nicht hindurch fliegen.

Fazit

In der Gesamtschau funktioniert INDIEN – ÖL INS FEUER als vielschichtiger Reportage-Comic sehr gut. Er erzählt nicht nur was passiert ist, sondern auch wie. Wer also eine klassische Heldenerzählung erwartet, wird enttäuscht, zumindest aber überrascht. Und wer bereit ist, sich auf Irritation und Nachdenken einzulassen, erhält Zugang zur menschlichen Seite politischer Gewalt.

Wer Sacco kennt, weiß, worauf er sich einlässt. Wer neu in seinem Werk ist, bekommt einen guten Einstieg in anspruchsvolles Comic-Storytelling und wird sich seinen anderen Werken ebenfalls zuwenden. In INDIEN – ÖL INS FEUER zeigt Sacco, dass die Konflikte zwar lokal erscheinen, aber universelle Muster bedienen. Genau hieraus ergibt sich anschließend ein starker Bezug für eine internationale Leserschaft.

Ja, INDIEN – ÖL INS FEUER ist kein leichter Snack. Er verlangt Aufmerksamkeit, aber er belohnt mit Tiefe, Klarheit und einem Stil, der sowohl informiert als auch bewegt. Joe Sacco gelingt es, lokale Gewalt als Spiegel für globale Phänomene zu zeigen, ohne zu simplifizieren.

Wer sich fragt, warum Politik, Medien und Geschichte so oft miteinander verbunden sind, der sollte INDIEN – ÖL INS FEUER lesen.

INDIEN – ÖL INS FEUER

© Reprodukt Verlag | Hardcover | 144 Seiten | Schwarz-Weiß

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★☆☆☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-95640-493-1

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Das Werk ist eine dieser raren Entdeckungen, bei denen ich Seite um Seite langsamer lese, um das Ende hinauszuzögern. Einfach weil ich merke, dass hier etwas passiert, das ich in dieser Form selten erlebe: ein Comic, der warmherzig ist und gleichzeitig messerscharf, der poetisch ist, aber auch brutal ehrlich. Ein Comic, der sich visuell wie inhaltlich traut, unbequem zu sein.

Die Geschichte beginnt vor einem Kiosk in Kairo oder besser: es beginnen drei Geschichten. Drei, die sich nicht wie Zahnräder ineinander fügen, sondern eher wie drei Himmelskörper denselben Fixstern umkreisen. Es gibt Flaschen, darin Magie, aber keinen Dschinn, der nach der Befreiung Karawanen voller Geschmeide oder Kleidung ausspuckt.

Stattdessen sind Wünsche in dieser Welt reguliert, behördlich klassifiziert und – natürlich – teuer. Und gefährlich, wie man direkt zu Beginn sieht, als ein Werbespot vor den Fallstricken drittklassiger Wünsche warnt. „Hüte Dich vor Deinen Wünschen“, scheint der Spot auf seine ganz eigene, mit schwarzem Humor gespickte Art zu rufen. „Hüte Dich!“ Denn wenn Du es dem Wunsch überlässt, wie er Deine Sehnsüchte umsetzt, ist das Ergebnis im besten Fall nur unerwartet.

Drei Wünsche und ein Kiosk

Nach dieser ersten Einführung: Wer sind denn nun unsere handelnden Personen?

Da ist Shokry, der Ladenbesitzer, mit seinem wachen Blick und seiner inneren Zerrissenheit. Eine Figur, die nicht heldenhaft sein will, die aber Würde hat.

Und da ist Aziza, eine junge Frau, die sich jahrelang einen erstklassigen Wunsch zusammen spart, nur um beim Kauf daran erinnert zu werden, wie sehr das System gegen Menschen wie sie aufgebaut ist. Es schmerzt, das zu lesen.

Und dann ist da noch Nour. Ihm stellt sich die Frage, was der „richtige“ Wunsch ist. Justiere ich mein Glück per Knopfdruck? Oder besteht das Leben darin, eben nicht alles kontrollieren zu können? Nour hat keine einfache Antwort. Und ich als Leser auch nicht.

Was SHUBEIK LUBEIK für mich einzigartig macht ist, dass dieses Kairo kein Postkarten-Kairo ist. Es ist kein orientalisierter Hintergrund für westliches Storytelling. Es ist lebendig, es ist widersprüchlich, verrückt, kaputt und vor allem in seiner gezeigten Magie realistisch und in seiner Realität ein wenig magisch.

Geschichten, die sich weigern, einfach zu sein

Was ich an der erzählerischen Struktur von SHUBEIK LUBEIK schätze, ist, dass mich die Geschichte ernst nimmt. Kein überhasteter Spannungsaufbau, keine Marvel-Formel, kein Pseudo-Klimax. Deena Mohamed nimmt sich Zeit für ihren Geschichten, gibt ihnen Luft, gibt ihnen Grauzonen.

Das fühlt sich manchmal fast ein wenig trotzig an und kreiert ein Comic, der sich dem Page-Turner-Diktat entzieht, ohne dabei träge zu sein. Meine europäischen Lesegewohnheiten muss ich hier sowieso umstellen, weil der Comic – wie ein Manga – ganz arabisch von hinten nach vorne gelesen werden will. Auch dies trägt aktiv zu Entschleunigung bei. Ich trage also meine Pantoffel statt meiner Straßenschuhe und bewege mich gemächlich durch die Geschichte(n). Aber ich schweife ab.

Wo war ich? Ach, ja! Drei Figuren, drei Perspektiven auf das Wünschen. Sie berühren sich, kreuzen sich ein wenig, aber nie so, dass man auf einen gemeinsamen Showdown hofft. Denn das wäre das Falsche. Diese Geschichten wollen nicht zusammengeführt, sondern verstanden werden. Jede für sich, jede mit ihrer eigenen Wucht. Wie in den märchenhaften Geschichten aus 1000-und-einer-Nacht.

Keine Magie ohne Antrag

Mich hat beeindruckt, wie Deena Mohamed die Machtstrukturen, die der Wunschhandel mit sich bringt, so beiläufig einflicht, dass ich sie fast überlese und mich dann plötzlich dabei erwische, wie ich mich frage: Wer darf hier eigentlich etwas wünschen? Wer kann sich das leisten? Und warum?

Formal nutzt Mohamed eine Art Dokumentarstil, eine gewisse Werbeästhetik und sogar manchmal staatlich wirkende Bilder. Ein Wunsch ist nicht einfach eine Entscheidung des Herzens. Er ist eine öffentliche Angelegenheit, verwaltet, reguliert, bürokratisiert und hier und da auch boykottiert. Schließlich haben Wünsche Konsequenzen. Nicht nur für die Person, die sich etwas wünscht. All das macht Deena Mohamed mir ohne erzählerischen Zeigefinger sichtbar.

Auf ganz leise Weise stellt SHUBEIK LUBEIK die große Frage: Was passiert, wenn das größte Versprechen überhaupt – nämlich dass Du alles sein kannst – tatsächlich real würde? Die Antwort darauf ist so bitter, klug und humorvoll wie das Leben eben ist.

Keine Helden, nur Menschen mit Wünschen

Aziza hat mich gepackt. Ihre Geschichte ist ein leiser Schlag in die Magengrube. Sie besitzt Stolz, Verletzlichkeit, einfache Träume und den fiebrigen Glauben an Gerechtigkeit. Und wie sie von einem System behandelt wird, das nette Formulare hat, aber kalte Augen. Sie ist keine tragische Figur, sondern eine starke Frau, deren Geschichte stellvertretend für viele andere steht.

Shokry ist dem gegenüber nicht der Archetyp des moralischen Helden, sondern ein Zweifler vor dem Herrn. Ein Typ, der viel denkt und wenig spricht. Der seinen Frieden will, ihn aber nicht erhält, ohne zu handeln. Ich kenne Menschen wie ihn und ich finde es großartig, wie der Comic ihn zeigt.

Und zu Nour muss sich sowieso jeder selbst seine eigenen Gedanken machen.

Jeder Wunsch hat sein Gesicht

Auch die Nebenfiguren bekommen ihren Raum. Selbst Menschen, die in nur drei Panels zu sehen sind, scheinen zu leben und wirken wie echte Existenzen. Und wieder schwingen unausgesprochene Fragen mit: Warum lebt diese Frau allein? Woran glaubt dieser Verkäufer? Wozu braucht dieses Kind einen drittklassigen Wunsch?

Deena Mohamed nimmt dem Schwarz-Weiß die Macht. Alle sind schattiert, grau, voller Sehnsüchte, voller Zweifel und manchmal auch voller Komik.

Die Frau, die Wünsche zeichnete

Ich bin ehrlich: Ich habe Deena Mohamed gegoogelt, noch bevor ich die letzte Seite von SHUBEIK LUBEIK umgeblättert hatte. Wer ist diese Frau, die es schafft, systemische Kritik so charmant, komplex aber greifbar in Szene zu setzen?

Deena Mohamed ist keine Newcomerin im eigentlichen Sinne. Bereits mit dem Web-Comic QAHERA hat sie sich in der Comic-Welt einen Namen gemacht, mit einer Hijabi-Superheldin gegen Sexismus und Islamophobie. Doch mit SHUBEIK LUBEIK hebt sie sich noch einmal auf eine andere Ebene. Es ist nicht mehr Protest mit Cape, sondern poetischer Realismus mit Prüfsiegel.

Die arbeitsreichen Jahre sieht man dem Comic an. Nichts scheint unter Zeitdruck entstanden zu sein, wirkt gehetzt. Alles scheint durchdacht und ausgearbeitet zu sein. Und genau das macht den Band besonders. Mohamed erzählt mit Neugier, nicht mit dem Zeigefinger. Sie interessiert sich wirklich für „ihre“ Menschen, nicht nur für deren Positionen und das Sujet.

Eine Stimme aus Kairo mit globalem Echo

Mohamed besitzt die Fähigkeit, westliche und arabische Sehgewohnheiten zu mischen, ohne sich anzubiedern. Sie bleibt bei sich, bei ihrem Kairo und ihrer Sprache. Ich hoffe, dass wir noch viel von ihr sehen werden.

Denn wenn Comics klug sind, universell und ehrliche Fragen stellen, dann ist da noch viel Luft nach oben.

Bilder, die zwischen den Zeilen sprechen

Ich kann mich nicht erinnern, wann mich ein Comic zuletzt beim Blättern so häufig innehalten ließ. Anfangs wegen der mangaesken bzw. orientalischen Leserichtung von hinten nach vorne und rechts nach links. Nicht wegen der Effekte. Sondern weil ich einfach das jeweilige Bild anschauen wollte. Eine Straßenszene, ein schweigender Blick, eine überzeichnete Werbetafel für Billigwünsche.

Deena Mohamed zeichnet teils schlicht, dann aber wiederum genau und gekonnt. Sie erzählt. Und das ist ein Unterschied. Ihr Stil ist ruhig, fast dokumentarisch, dabei voller Details. Wenig Action, viel Atmosphäre. Und genau das passt zur dieser Welt, die sie uns zeigt. Kairo lebt aus jedem Panel. Zwischen Südwind und Dreck, zwischen Tee und Alpträumen liegt hier eine ganze Gesellschaft auf dem Papier.

Sehnsucht in Schwarz-Weiß

Besonders kraftvoll und experimentell wird es, wenn die Realität bricht, in Nour’s inneren Monologen, bei Wunschübungen oder in symbolischen Sequenzen. Dann kaschiert Mohamed Farben, schichtet Panels übereinander, durchbricht die Seite. Dabei ist sie nie aufdringlich. Ich hatte jedes Mal das Gefühl, dass alles genau so passiert. Nicht hübsch, aber richtig.

Manche von uns mögen sich mehr Dynamik wünschen. Ich persönlich fand die Zurückhaltung eine Wohltat. SHUBEIK LUBEIK fordert, aber es drängt nicht. Es kümmert sich mehr um das Gefühl als um den Effekt.

Eine Welt, die verdächtig echt wirkt

Was mich nicht loslässt ist, wie realistisch diese fantastische Welt ist. Ja klar, es gibt Wünsche in Flaschen. Aber darauf ist kein Feenstaub, darin kein orientalistischer Schnick-Schnack. Stattdessen Verwaltung, Regeln, dubiose Schwarzmarktgeschäfte, Werbung, Misstrauen. Diese Gesellschaft glaubt nicht mehr an das Wunder, sie hat es in Paragraphen gezwängt.

Ich habe oft an unsere Realität gedacht. An Leistungsgesellschaft und Selbstoptimierung, an das Ideal, alles haben zu können, wenn man nur will. SHUBEIK LUBEIK seziert diesen neo-liberalen Trugschluss mit ägyptischem Anstrich, aber es funktioniert global. In Berlin genauso wie in Beirut. Denn wer von uns hat nie gedacht „Wenn ich nur einmal WIRKLICH könnte…“?

Mohamed liefert die Wunschmaschine, aber sie zeigt auch die Zwischentöne, die Gier und die Angst, die Sprachlosigkeit, die Religion, das Kapital und den Kolonialismus: alles steckt in diesen Flaschen. 

Fazit

Ich lege das Buch zur Seite, schwer im Gewicht, schwer aber auch im Inhalt. Und ich denke: Wenn das die Zukunft des Comics ist, dann bin ich dabei.

SHUBEIK LUBEIK – DEIN WUNSCH IST MIR BEFEHL ist eines dieser Werke, das bleiben wird. Nicht nur wegen der Idee der Wunschflaschen. Sondern weil es sich traut, Fragen zu stellen, bei denen andere nur Antworten liefern wollen.

Es ist auch ein Statement, dass Comics mehr können als Action oder Autobiografie. Sie können Worldbuilding, Philosophie, Empathie und das alles in einem Format, das sich fantastisch anfühlt.

Fast hätte ich dieses Kleinod übersehen. Irgendwer scheint aber den Wunsch gehabt zu haben, dass ich es lese. Wer eine Alltagsflucht mit Tiefgang sucht, landet bei diesem Comic einen Glückstreffer. 

Für mich war das keine Lektüre, sondern ein Besuch. In einer Stadt, die ich noch nicht gesehen habe, unter Menschen, die ich nicht kannte, die mir aber plötzlich vertraut erschienen. Und in einer Geschichte, die mich selbst herausgefordert hat. Was würde ich mir eigentlich wünschen, wenn es möglich wäre?

„SHUBEIK LUBEIK – Was ist Dein Begehr?“ „Ich wünschte mir einen zweiten Band…“

SHUBEIK LUBEIK – DEIN WUNSCH IST MIR BEFEHL

© Schreiber und Leser Verlag | Hardcover | 528 Seiten | S/W und Farbe

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★☆☆☆☆

Lettering: ★★★☆☆

Humor: ★★★☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆

ISBN: 978-3-96582-199-6

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Buenos Aires, 1963: Juan Salvo sitzt mit seiner Familie und Freunden beim Kartenspiel, als es zu schneien beginnt. Der Schnee, der auf die Stadt fällt, ist tödlich, sein Gift dringt durch jede Ritze, wer mit ihm in Berührung kommt, stirbt sofort. Außerirdische haben Buenos Aires erobert, mit Hilfe des Schnees, Rieseninsekten und versklavten Wesen eines anderen Planeten töten SIE die Bewohner der Stadt oder verwandeln sie in Robotermenschen. Juan Salvo und seine Freunde gehören zu den wenigen Überlebenden. Sie entschließen sich, gehen den übermächtigen Feind in den Kampf zu ziehen. Ein Kampf, bei dem Salvo nicht nur sein eigenes Leben aufs Spiel setzt – sondern auch das seiner Familie…*

„El Eternauta“ von Héctor Germán Oesterheld und Francisco Solano López ist nicht nur ein Klassiker der argentinischen Comicgeschichte. Es ist auch ein Werk von universeller Strahlkraft. Der Comic erschien zwischen 1957 und 1959 in 106 Folgen in der Zeitschrift „Hora Cero“ und hat sich als Allegorie auf politische Unterdrückung, als Plädoyer für Solidarität und als künstlerische Innovation tief in das kollektive Gedächtnis Lateinamerikas eingebrannt. Gleichzeitig ist die Geschichte des Comics untrennbar mit dem Schicksal seines Autors, seiner Familie und der Tragödie der argentinischen Junta-Diktatur verbunden.

Die Geschichte

Im Zentrum von ETERNAUTA steht Juan Salvo, ein Familienvater, der gemeinsam mit Freunden in Buenos Aires beim Kartenspiel von einer tödlichen Invasion überrascht wird. Der Angriff beginnt mit einem giftigen Schneefall, der alles Leben auslöscht, das ihm ungeschützt begegnet. Salvo, seine Familie und eine kleine Gruppe Überlebender haben Glück. Durch gemeinsame Anstrengungen gelingt es ihnen, sich schützende Anzüge zu erstellen und sich lebensnotwendige Dinge zu beschaffen. Erst später stellt sich heraus, dass der giftige Schneefall in Wahrheit der Angriff einer außerirdischen Spezies ist, die aggressiv gegen den letzten menschlichen Widerstand vorgeht.

Um Salvo herum entsteht eine Widerstandsgruppe aus den wenigen, die den Angriff zufällig überlebt haben. Diese Gruppe zieht nun los, um zu überleben und den – aussichtslosen – Kampf gegen die Invasoren aufzunehmen. Ähnlich wie in modernen, filmischen Endzeitserien wechseln die Mitglieder der Gruppe häufiger, weil es Tote oder neu hinzugekommene Verbündete gibt.

Zum Schluss ist Salvo der einzige aus seiner ursprünglichen Gruppe, der noch übrig ist. Er ist zum ewig Reisenden geworden, zum „El Eternauta“, der letztendlich wieder in seiner Heimatstadt landen wird.

Eine neue Erzählstruktur

Oesterheld betritt mit seiner Geschichte Neuland. Er nutzt eine Rahmenhandlung, in der ein Comicautor (!) Besuch vom „Eternauten“ (Salvo) erhält und der ihm seine Geschichte erzählt. Wobei der Begriff „Besuch erhalten“ viel zu vereinfacht ist. Der „Eternaut“ erscheint dem Autor aus dem Nichts, was der Geschichte eine zusätzliche Metaebene hinzufügt.

Zur damaligen Zeit war die Verwendung von Metaebenen ungewöhnlich und wurde erst viel später von international bekannten Autoren wie Grant Morrison (All-Star Superman, Heavy Metal Magazin) oder Cary Bates (The Flash, Superman) aufgegriffen.

Der Story-Arc entwickelt sich als fortlaufende Serie von Cliffhangern, in der auf jede überstandene Gefahr eine weitere, noch größere Bedrohung folgt. Und doch ist die Geschichte weit mehr als nur ein Science-Fiction-Abenteuer.

Sie ist eine Parabel auf den Widerstand einer Zivilgesellschaft gegen übermächtige, anonyme Mächte. Sie ist ein Plädoyer für Gemeinschaft und Menschlichkeit in Zeiten einer Katastrophe.

Der Comic ist dabei keine einfache Heldenerzählung. Juan Salvo ist kein Superheld, sondern gewinnt seine Stärke aus der Solidarität mit anderen. Auch sind die Überlebenden keine Einzelgänger, sondern eine Schicksalsgemeinschaft, deren Zusammenhalt immer wieder auf die Probe gestellt wird und die nur durch das geschaffene Netzwerk überhaupt lebens- bzw. überlebensfähig sind..

Die Charaktere

Die Figur des Juan Salvo ist das emotionale Zentrum des Comics. Als Familienvater und einfacher Bürger steht er für das „kollektive Heldentum“, welches Oesterheld als Gegenentwurf zum erstarkenden Superhelden-Mythos der US-Comics entwickelt hat. Dort die wahrlich einsamen Helden wie Superman, Batman oder die Green Lantern, hier die Mitglieder der sozialen Gemeinschaft, die zusammenstehen und sich gegenseitig stützen.

Salvo ist verletzlich, zweifelnd, aber auch entschlossen. Seine Charakter-Entwicklung ist von Verlust geprägt, von wiederkehrender Hoffnung und der ständigen Suche nach seiner Familie. Und doch ist seine Suche von Einsamkeit geprägt. Er wird zum „ewigen Reisenden“ zwischen den Dimensionen, zum „El Eternauta“. In gewisser Weise gleicht er hierin dem Batman, der ja als Einziger des DC-Universums keine Superkräfte besitzt und sich nur auf seine Intelligenz und erlernte Fähigkeiten verlassen kann.

Auch die Nebenfiguren sind keine bloßen Statisten. Die Freunde, Nachbarn und Mitstreiter spiegeln unterschiedliche Facetten der argentinischen Gesellschaft wider. Wir finden Mut, Angst, Verrat und Opferbereitschaft in ihren Reihen. Die Dynamik der Gruppe, das Aushandeln von Führung, Vertrauen und Misstrauen, wird mit großer psychologischer Präzision erzählt. Oesterheld gelingt es, in wenigen Strichen glaubwürdige Charaktere zu zeichnen, die für die Zerbrechlichkeit sozialer Bindungen in Extremsituationen stehen. Und er nimmt sich Zeit, die jeweilige Figurenentwicklung zu begleiten.

Klassische Präzision und experimentelle Abstraktion

Demgegenüber prägt Francisco Solano López die Urfassung von ETERNAUTA mit einem Stil, der sich an den internationalen Standards der 1950er Jahre orientierte, aber bereits eine spezifisch argentinische Handschrift erkennen lässt. Wir sehen strenge, oft fast abstrakte Schwarz-Weiß-Panels, die viel Raum für Leere und Andeutung lassen. Die Stadtansichten von Buenos Aires sind skizzenhaft, beinahe gespenstisch und verstärken das Gefühl von Isolation und Bedrohung.

Die Panel-Struktur folgt einer gemächlichen Präzision, die den Fortsetzungscharakter des ursprünglichen, in „Hora Cero“ erschienenen Comics unterstreicht. Die Dramaturgie lebt von virtuosen Cliffhangern, die das Lesetempo bestimmen und die Spannung hochhalten. Besonders auffällig ist die Reduktion auf das Wesentliche. Wo nordamerikanische Comics oft in opulenten Details und knalligen Farben schwelgen, setzt López auf Andeutung und Atmosphäre.

López Panel-Struktur entspricht den Sehgewohnheiten seiner Zeit. Durch die bewusste Reduktion auf das Wesentliche, insbesondere in den Schwarz-Weiß-Panels, entsteht eine bedrückende Atmosphäre der Leere, der Isolation und der Bedrohung, die ein Gefühl kollektiver Ohnmacht – auch in Zeiten politischer Repression – widerspiegelt. Die abstrahierende Darstellung der Stadtlandschaften und Figuren lenkt den Blick weg fort von individuellen Details, hin zu universellen Erfahrungen von Angst, Zusammenhalt und Widerstand.

Das Lettering bleibt schlicht, ist dabei aber effizient. Die erzählerischen Textpassagen sind umfangreich und verhindern, dass sich der Leser hastig durch die Geschichte durchblättert. Auf diese Weise unterstreichen sie das Pacing der bedrückenden Handlung. Nichts geht wirklich schnell – mit Ausnahme des Schneefalls zu Beginn – und alles braucht in diesem Comic seine Zeit.

Neuinterpreatation von Alberto Breccia

Eine spätere Neuinterpretation der Geschichte von 1969, gezeichnet von Alberto Breccia, wird künstlerisch noch eins draufsetzen: Breccia experimentiert mit Tusche, Wischtechnik und Collagen, setzt auf Schlaglichter und Stimmungen statt auf lineare Erzählung. Dieser Stilbruch verstärkt die Ästhetik und deutet – durch zeichnerische Veränderung – die zunehmende Politisierung Oesterhelds und die gesellschaftlichen Umbrüche Argentiniens an.

Oesterheld’s Schicksal

Die Entstehung und Rezeption von ETERNAUTA sind leider untrennbar mit dem Leben Héctor Germán Oesterheld’s und seiner Familie verbunden. Ursprünglich als spannender Science-Fiction-Comic konzipiert, wurde das Werk im Nachhinein vielfach als prophetische Allegorie auf die Schrecken der kommenden argentinischen Militärdiktatur gelesen.

Oesterheld selbst radikalisierte sich im Laufe der 1960er und 70er Jahre politisch, engagierte sich im Widerstand gegen die Diktatur und wurde – ebenso wie seine vier Töchter – von den Militärs verschleppt und 1977 (wahrscheinlich) ermordet. Genaueres ist bis heute nicht bekannt.

Im „ETERNAUTA II“, der nur fragmentarisch gebliebenen Fortsetzung aus den späten 1970er Jahren, verarbeitete Oesterheld explizit die Erfahrungen von Repression und Verlust.

Der Comic ETERNAUTA wurde zum Symbol für den Widerstand gegen die Diktatur, für die „Desaparecidos“ und die endlose Suche nach den verschwundenen Angehörigen. Der Mythos des „Eternauten“ – des ewigen Suchenden und Widerständigen – wurde in Argentinien so zur Chiffre für das kollektive Trauma eines ganzen Landes.

Vergleich mit anderen lateinamerikanischen Comics

ETERNAUTA steht in einer Reihe mit anderen bedeutenden Werken der lateinamerikanischen Comicgeschichte. Speziell hebt er sich durch seine politische und ästhetische Radikalität deutlich ab. Während viele brasilianische und mexikanische Comics der 1950er und 1960er Jahre auf Abenteuer, Humor oder Folklore setzten, entwickelte sich in Argentinien eine Tradition der engagierten, oft düsteren Graphic Novel, die gesellschaftliche Missstände thematisiert. Humor suchen wir hier vergebens.

Ein Vergleich mit „MORT CINDER“ (ebenfalls von Oesterheld, gezeichnet von Breccia) zeigt, wie sehr der argentinische Comic von existenziellen Themen und einer pessimistischen Weltsicht geprägt ist.

Beide Werke teilen die Faszination für das Überleben in einer feindlichen Welt, für die moralische Integrität des Einzelnen und für die Macht der Erinnerung.

Kult-Comic und Symbol

Die Wirkung von ETERNAUTA reicht weit über die Comic-Szene hinaus. In Argentinien wurde der Comic zum Symbol des Widerstands gegen die Diktatur und der Suche nach Gerechtigkeit für die „Verschwundenen“. Die Figur des „El Eternauta“ ist heute Teil der politischen Ikonografie: Bei Demonstrationen für Menschenrechte taucht das Bild des „Tauchers“ immer wieder auf.

Auch international wird ETERNAUTA als eines der bedeutenderen Werke der Comicgeschichte gewürdigt. Er gilt als Beispiel für die Möglichkeiten des Mediums, gesellschaftliche Traumata zu verarbeiten und kollektive Erinnerungen zu bewahren.

Fazit

ETERNAUTA ist mehr als ein Science-Fiction-Comic. Es ist ein universelles Werk über Angst und Hoffnung, Verlust und Solidarität, individuelle und kollektive Verantwortung. Das Schicksal seines Autors verleiht ihm eine zusätzliche Dimension, denn ETERNAUTA ist nicht nur Fiktion. ETERNAUTA ist Teil der realen Geschichte eines ganzen Landes. Das Werk ist ein bleibendes Symbol für Menschlichkeit im Angesicht des Unmenschlichen.

Die Geschichte des „El Eternauta“ endet mit der Niederlage des „Helden“ Juan Salvo. Er ist dazu verdammt, auf ewig seine Familie zu suchen. Etwas, mit dem sich immer noch sehr viele Argentinier identifizieren können.

Für ihre Bearbeitung ähnlicher Einzelschicksale in Form eine Graphic Novel ist Ulli Lust mit ihrem Band „Die Frau als Mensch“ vor Kurzem mit dem Sachbuchpreis des Börsenvereins des Deutschen Buchhandels zurecht ausgezeichnet worden. Sie reiht sich damit – wie schon Hector German Oesterheld – in die Reihe derjenigen ein, die die sequenzielle Erzählung zur mehr nutzen als nur zur Unterhaltung.

Eigentlich war ich im Buchladen, um nach etwas Aktuellem, Neuerschienen Ausschau zu halten. Stattdessen lag dieses Album vor mir, dass mich geradezu anbettelte, es mitzunehmen. Trotz einer, den heutigen Seh- und Lesegewohnheiten stark entgegen stehenden Präsentation der Geschichte zog mich die Handlung unmittelbar in ihren Bann. Also nahm ich das Album mit …

ETERNAUTA ist keine leichte Kost, ganz im Gegenteil. Aber sowohl die zeichnerischen Mittel als auch Osterheld’s Art, die Geschichte zu erzählen, hatten mich fasziniert.

ETERNAUTA

© Avant-Verlag| Hardcover | 392 Seiten | Schwarz-Weiss (Querformat)

Storyline:   ★★★☆☆
Zeichnungen:  ★★★★☆
Lettering:  ★★★☆☆
Humor:  ☆☆☆☆☆
Meine persönliche Bewertung:  ★★★★☆
ISBN: 978-3-945034-35-4

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

Fussnote

* Verlagsbeschreibung

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Die Story ist (…) eine Reise in die USA der späten 1960er-Jahren als es noch ein Sehnsuchtsland war: Autos, die sich anfühlten wie Wohnzimmer, endloser Asphalt,schnörkellose Diner an der Ecke, freakige Plattenläden mit kauzigem Personal, das fraglose Nebeneinander von braven Bürgern und schrägen Vögeln.*

PARKER – nur Parker – ist ein fiktiver Charakter des amerikanischen Schriftstellers Donald E. Westlake, den er unter einem seiner Pseudonyme (Richard Stark) in 24 Romanen zum Leben erweckt hat. 

Als professioneller Dieb und Räuber hat sich Parker auf groß angelegte und lukrative Verbrechen spezialisiert. Er ist professionell, hoch effizient und besitzt nur eine wirklich „lobenswerte“ Eigenschaft: Sein Credo lautet, keinen anderen Gauner zu hintergehen mit dem er zusammenarbeitet. Außer dieser versucht es bei ihm. In diesem Fall muss sich der Schwachkopf darauf einstellen, dass Parker ihn zur Rechenschaft zieht und zwar gefühllos, gewissenhaft und durchaus bereit, einen Mord zu begehen. Und genau darum geht es in dieser Geschichte.

EINE FALLE FÜR PARKER erzählt von einem gut geplanten und ebenso ausgeführten Bankraub in Cedar Falls (Iowa), den Parker und drei seiner Komplizen begehen. Der Bruch funktioniert reibungslos und das Quartett kann sich absetzen.

Auf einer nahe gelegenen Farm, die als Versteck herhalten muss, stellt sich jedoch heraus, dass a) die Beute nicht so groß ausfällt, wie erhofft und b) einer der Gang-Mitglieder eine Ratte ist. Nur Parker gelingt es, dem Mordanschlag des Neuzugangs, George Uhl, lebend zu entkommen. Dieser flüchtet mit der Beute, nachdem er die Farm in Brand gesetzt hat und Parker zurücklässt, der wiederum aufgrund der anrückenden Polizei und Feuerwehr erst einmal festgenagelt bleibt.

Aber so einfach wird Parker den Mistkerl nicht davon kommen lassen. Er geht in bester Crime-Noir-Manier jeder Spur nach, die ihn seiner Rache – und dem Geld! – näher bringt. Und für diejenigen, die Parker jagt, gibt es keine Gnade.

Doug Headline (Szenario) orientiert sich mit dem vorgelegten Comic an Richard Stark’s Geschichte „The Sour Lemon Score“ aus dem Jahre 1969 – und für Parker hat diese Episode tatsächlich eine saure Note. Schließlich wird sein professionelles Arbeitsethos von einem Möchtegern-Gauner angekratzt und ihm sein wohlverdienter Lohn vorenthalten.

Die Figur des Parker passt in die Welt eines Sam Spade oder eines Phillip Marlowe. Er ist intelligent, berechnend, aber auch flexibel – sowohl bei seinen Raubzügen als auch moralisch. Im Gegensatz zu den Noir-Detektiven ist er bei der Verfolgung seiner Ziele skrupellos bis hin zur Soziopathie. Ihn interessiert kein menschliches Miteinander, keine soziale Norm und er scheint unfähig zu sein, Schuld für seine Taten zu empfinden. Und damit ist er – auf seine Weise – völlig frei. Ein Anti-Held, dem wir trotz seiner Taten eine gewisse Bewunderung entgegen bringen können.

Auch Headline’s weitere Charaktere haben ihre Ecken und Kanten, aber auch ihre … nun ja … normalen Seiten. Die Bankräuber gehen ihrer Arbeit nach, wie andere ins Büro oder in die Werkshalle gehen. Sie sind so normal, dass sie sich in den bevölkerten Straßen der Städte unauffällig bewegen könnten. So normal, dass wir sie nicht als bedrohlich wahrnehmen, sondern nach dem Bruch mit ihnen grundsätzlich auch ein Bier trinken würden. Umso härter trifft uns der Verrat.

Nach diesen ersten zwanzig Seiten dreht sich der Großteil des Albums nun um Parker’s Suche nach dem Verräter und dem Geld. Nach den dramatischen Anfängen folgen 72 Seiten in denen wir miterleben, wie Parker detektivisch ersten Spuren nachgeht, diese kalt werden und er sich neue Ansätze suchen muss.

Für Einblicke in die Arbeitsweise von Berufsgangster mit ihren Alltagsproblemen – Woher bekomme ich meine Waffen? Wie übernachte ich unter falschem Namen in einem fremden Hotel? Wie komme ich möglichst unbehelligt von A nach B? – mag dieser Teil anschaulich aufbereitet sein. Aber dient es der Geschichte? So stellt sich die Frage, wozu z.B. PARKER zwei gleich-aussehende Waffen kauft, wenn er sie später nicht für etwas Besonderes einsetzt?

Zu Beginn des dritten – in der auf vier Akte angelegten Geschichte – erzählt uns Doug Headline zudem überflüssigerweise die bereits bekannten Geschehnisse noch einmal aus Sicht von George Uhl, nur um uns erneut klarzumachen, dass er ein illoyales Subjekt ist. Etwas, das wir schon wussten und das ihm auch aus dieser Perspektive keine Sympathien einbringt. Also, wofür ist dieser Schwenk gut?

Auch hier ist der Strory-Arc eindeutig zu lang und die Geschichte mit einigen Wendungen zu viel gesegnet. Es stimmt, die Geschichte liest sich flüssig. Das wiederum lag für mich aber an etwas anderem – Kieran’s ansprechenden Zeichnungen und dem angenehmen Lettering der Sprechblasen.

Sebastian „Kieran“ Roche (Against The Night, We are The Night) trifft mit ihnen hervorragend die Stimmung des Plots. Seine Linienführung ist charakteristisch, klar und ohne Schnick-Schnack. Die Seiten sehen aus wie mit klassischer Tusche gezeichnet. Er verwendet illustratorisch einen Retro-Zeichenstil, der an die ebenfalls bei Schreiber & Leser erschienen Sammelbände des Kanadiers Darwyn Cooke zu Parker erinnert.

Bei der Kolorierung arbeitet er mit nur drei Farben. Crime Noir und Schwarz-Weiss passen hervorragend zusammen, während der Gebrauch des Blaugrau als „Schmuckfarbe“ seinen Zeichnungen eine ansprechende, zusätzliche Tiefe verleiht (wobei das Blaugrau zeitsparend flächig eingesetzt wird, ohne das Kieran mit abgestuften Tönen arbeitet). Nur dort, wo er hellere Töne benötigt, nutzt er Papillarleisten von Fingerabdrücken und drückt seiner Arbeit somit in gewisser Weise einen Stempel auf. Genau wie die Gangster, die bei ihrem Raub auch weder Masken noch Handschuhe trugen.

Die Panel-Gestaltung ist überwiegend klassisch, ohne echte Panelränder, nur bestehend aus weißen Guttern. Das passt gut in die damalige Zeit. Umso beeindruckender sind die wenigen voll-formatigen Seiten, mit denen Kieran den Blick weitet oder manche Action eindrucksvoll präsentiert.

Insgesamt ist EINE FALLE FÜR PARKER ein solider Krimi mit einer ansprechenden Grafik. Trotz einiger Längen weiß der Comic zu gefallen. Wer in diesem Zusammenhang Lust auf eine unangepasste, durchsetzungsstarke und intelligente Hauptfigur hat, ist bei diesem humorlosen Album genau richtig. 

Für mich persönlich ist Sebastien „Kieran“ Roche die Neu-Entdeckung des Monats und ich freue mich, mehr von ihm zu sehen.

EINE FALLE FÜR PARKER

© Schreiber & Leser| Hardcover | 112 Seiten | Schwarz-Weiss mit Schmuckfarbe

Storyline:   ★★★☆☆
Zeichnungen:  ★★★★☆
Lettering:  ★★★☆☆
Humor:  ☆☆☆☆☆
Meine persönliche Bewertung:  ★★★☆☆

ISBN: 978-3-96582-197-2

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

Fussnoten: * Verlagsbeschreibung

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Die Comicreihe MORT CINDER, geschrieben von Héctor Germán Oesterheld (* 1919 – † 1978?) und illustriert von Alberto Breccia (* 1919 – † 1993), gilt als eines der Meisterwerke des Comicgenres. Die ursprünglich zwischen 1962 und 1964 veröffentlichte Serie verbindet tiefgründiges Storytelling mit außergewöhnlicher, grafischer Kunst.

Zeitreisen mit Normalmenschen

Im Zentrum der Geschichte steht Mort Cinder, ein geheimnisvoller, unsterblicher Mann, der durch die Jahrhunderte reist und auf seinem Weg auf bedeutende historische Ereignisse und Figuren trifft. Begleitet wird er von dem Antiquitätenhändler Ezra Winston, der als Erzähler fungiert und den Leser in die düstere, nachdenkliche Welt von Mort Cinder einführt.

In der Serie verwebt Oesterheld meisterhaft Abenteuer, Historie und existenzielle Fragestellungen. Die Episoden sind sowohl spannende Geschichten als auch Reflexionen über menschliche Schwächen, Gewalt und Macht. Mort Cinder ist dabei weniger ein Held im klassischen Sinne, sondern eine Figur, die Leid und Weisheit verkörpert und die Ambivalenz menschlicher Taten aufzeigt.

Zeichnerisch eine Wucht

Ein besonderes Highlight von Mort Cinder ist die künstlerische Gestaltung durch Alberto Breccia. Seine detaillierten, expressiven Schwarz-Weiß-Zeichnungen verleihen der Serie eine unheimliche, bedrückende, fast surreale Atmosphäre. Düstere Schattierungen, präzise Mimik und dynamische Bildkompositionen unterstreichen die emotionale Tiefe der Erzählung. Breccias Stil war schon damals innovativ und wegweisend und seine expressive Arbeit in MORT CINDER gilt bis heute – zurecht – als ein Meilenstein in der Comic-Kunst.

Laut Verlagsangaben wurden die Originalseiten für diese Gesamtausgabe neu gescannt, um eine bestmögliche Reproduktion zu gewährleisten. Dies ist den Verantwortlichen gelungen. Auch kommt dem Artwork das Großformat von 22,5 x 29,5 cm sehr entgegen.

Ursprünglich wurde die Serie im Misterix-Magazin veröffentlicht. Das Misterix war ein Comic-Magazin, das zwischen 1948 und 1965 in Argentinien von Editorial Abril und später Editorial Yago mit 859 Ausgaben veröffentlicht wurde. Er war Teil des goldenen Zeitalters der Argentinien-Comics. Im Laufe seiner Geschichte wechselte das Magazin mehrfach sein Format von Hoch- in Querformat und wieder zurück. Diesen Wechsel bilden die Seiten des Bandes ebenfalls ab.

Ein grafischer Meilenstein

MORT CINDER war seiner Zeit weit voraus und hat die Grenzen des Mediums Comic entscheidend erweitert. Besonders bemerkenswert ist, dass die philosophischen und humanistischen Elemente von Oesterhelds Schreibstil in der oft rauen und düsteren Welt von MORT CINDER so klar hervortreten.

Die Tragik von Oesterhelds eigenem Schicksal – er wurde während der argentinischen Militärdiktatur verschleppt und ermordet – verleiht seinem Werk eine zusätzliche Ebene der Bedeutung. Den Männer mit den bleiernen Augen konnte er nicht länger ausweichen …

Fazit

Comics und sequentielle Kunst interessieren mich wegen der grafischen Arbeiten. Mit MORT CINDER habe ich ein Werk gefunden, dass mich vom ersten Augenblick an in sich hinein gezogen und fasziniert hat. Die Serie zeigt, dass Comics nicht nur einfache Unterhaltung sein müssen, sondern als Kunstform in der Lage sind, komplexe, literarische Themen anspruchsvoll zu behandeln.

Leider ist diese Kunstform, gesellschaftliche Themen in regelmäßigen Intervallen in der Presse zu behandeln, aus der Mode gekommen. Sehr schade.

Die Gesamtausgabe MORT CINDER ist 2023 im avant-Verlag erschienen.

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