Rodolphe erzählt uns von einem Küstendorf, das sich mit Absicht am Unglück anderer bereichert. Laurent Gnoni setzt dies in Bilder um, die nach Salz riechen und nach verregnetem, kaltem Stein aussehen. Das Ergebnis ist ein historischer Thriller, der sich zügig liest und trotzdem lange nachhallt. Nicht, weil er besonders kompliziert wäre, sondern weil er eine zentrale Frage gnadenlos stellt: Was bleibt von der Moral, wenn ein ganzes Dorf sie gemeinsam nicht mehr für wichtig erachtet?

Die Schule der Kälte

Das Örtchen Greenway liegt an der englischen Küste. Es ist der 14. Oktober 1704. Die Menschen dort leben ein hartes Leben. Sie schauen auf’s Meer wie andere auf’s Feld. Nur wächst hier nichts, außer Angst und die Hoffnung auf ein wenig Reichtum. Ein Reichtum jedoch, der immer zu Lasten Anderer geht.

Jim ist vierzehn. Sein Vater führt ihn in das Geheimnis des Dorfes ein, das kein Kind kennen sollte. Aber Jim ist nun alt genug dafür. Nachts zünden die Erwachsenen auf dem Strand Feuer an. Sie wollen damit Schiffe in die Irre führen, sie wollen Wracks, wollen deren Ladung. Diese Praxis bildet den unmoralischen Kern der Geschichte, gezeigt als Dorfalltag, nicht als Ausnahme. Genau das macht den Einstieg direkt unangenehm.

Jim steht dabei im Mittelpunkt. Er ist alt genug, um benutzt zu werden und jung genug, um noch ein wenig Widerstand zu spüren. Die Erwachsenen behandeln ihn wie Material. Sie reden von Elend, von Notwendigkeit. Das alles stimmt. Und doch kippen die Szenen nicht ins Entschuldigende.

Der Autor lässt mich fühlen, wie schnell aus Armut ein opportunistisches System werden kann. Dabei bleibt der Text schnörkellos und die Handlung treibt voran, ohne sich in Nebenwegen zu verlieren. Man hat hier keine Zeit für Nebensächlichkeiten.

Ein Schiff wird kommen

Das kommende Schiff heißt Meredith. Es hat die Feuer entdeckt und nähert sich in höchster Not. Für Greenway ist es ein Schiff zu viel, denn an Bord befindet sich ein geheimnisvoller Passagier. Ein Lord erwartet ihn und dieser Passagier trägt einen wertvollen Schatz bei sich. Damit steigt für alle Beteiligten der Einsatz. Aus dem düsteren Dorfverbrechen wird ein Fall, der plötzlich ungewollte Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Rodolphe nutzt diesen Kniff klug. Er verknüpft den sozialen Horror am Strand mit einem klassischen Abenteuer. Aus einer Beute wird plötzlich eine Gefahr für die Ausbeuter.

Nach der Havarie verschwinden der Chevalier de Saint Martin und seine Leute. Soldaten beginnen zu suchen und das Dorf muss nun eine ganz andere Rolle spielen. Es muss unschuldig wirken, während es alle Beweise versteckt.

Diese doppelte Bühne ist einer der stärksten Teile des Albums. Ich siehe, wie eine Gemeinschaft funktioniert, wenn Schuld sie zusammenhält. Jeder Blick wird kontrolliert, jede Antwort wird abgewogen. Jim erlebt dies als Dauerstress und seine innere Zerrissenheit hält die Spannung der Erzählung hoch.

Ein blutiger Pakt

Je näher die Soldaten kommen, desto enger rückt das kleine Dorf zusammen. Rodolphe lässt Greenway wie eine Falle wirken. Niemand darf aus der Reihe tanzen. Genau hier setzt die stärkste Idee der Geschichte an. Der Pakt der Strandräuber verlangt Opfer. Und das Dorf ist bereit, einen der eigenen Leute zu opfern, um das Geheimnis zu bewahren.

Dieser Punkt macht aus dem Abenteuer auch eine Parabel über Mitläufertum. Der Schrecken liegt nicht in einzelnen Monstern, er liegt in der gemeinsamen Abmachung, dass der Zweck eben jedes Mittel heiligt.

Das Dorf folgt dieser Logik wie in einem Uhrwerk. Nuancen könnten noch mehr schmerzen. Ein paar Nebenfiguren stehen eher für Funktionen als für Menschen. Trotzdem funktioniert die narrative Konstruktion. Sie erzeugt Druck und Tempo.

Vor allem gibt sie Jim eine klare innere Linie. Eigentlich will er nicht dazugehören und doch ist er ein Teil des Dorfes und wird er hineingezogen. Und genau dieses Hineinziehen beschreibt Rodolphe sehr präzise.

Piraten aus Weymouth

Dann kommt eine weitere Bedrohung ins Spiel. Piraten aus Weymouth erfahren vom erbeuteten Schatz und sie betreten das Dorf nicht als Bittsteller. Sie kommen als Raubtiere.

Damit legt das Album zwei Formen von Gewalt nebeneinander. Die Dorfbewohner reden sich ihre Taten schön, die Piraten brauchen für ihre keine Ausrede. Sie nehmen, was sie wollen und töten, wenn es sein muss. Diese Zuspitzung wirkt dramaturgisch erwartbar, passt aber gut zum Thema. Wer einmal mit Plündern beginnt, lädt irgendwann die größere Räuber ein.

Für Jim wird diese Entwicklung zum Wendepunkt. Er zieht sich – begleitet von einem Hund – in den Wald zurück. Dazu kommt ein Affe, der das Unglück überlebt hat und eine prächtige Uniform trägt. Jim findet ihn und kümmert sich.

Außerdem sucht Jenny seine Nähe. Sie ist die blinde Tochter des Dorfchefs. Diese kleine Gruppe ist der zarte Gegenentwurf zum Kollektiv der Täter. Rodolphe trifft hier eine gute Entscheidung. Er erzählt Hoffnung, ohne die bereits gezeigte Grausamkeit fortzuwischen. Am Ende bleibt jedoch ein bitterer Nachgeschmack. Der Schatz landet nicht dort, wo die Gewalt ihn haben will.

Zeichnungen wie nasser Stein

STRANDRÄUBER lebt stark von seiner Inszenierung. Laurent Gnoni zeichnet semirealistisch. Er sucht keine glatte Schönheit, sondern zeigt Gesichter, die von Wind und Wellen gezeichnet sind. Er zeigt Körper, die müde sind. Aber besonders überzeugt mich sein Umgang mit dem Wetter.

Regen ist hier nicht nur ein Hintergrundrauschen. Regen ist Rhythmus. Die schrägen Linien treiben die Seiten voran, machen die kalten, nassen Nächte körperlich erfahrbar. Dazu kommt das Licht. Feuer brennt am Strand und steht in den Fenstern. Diese Feuer wärmen nicht, sie markieren, sie verraten. Das ist visuelles Erzählen auf den Punkt.

Ein wenig kritisch sehe ich die Darstellung im Handeln der Figuren. Einige mimische Momente könnten präziser sein. Manchmal wirkt Zorn wie eine Standardpose. In einem so moralisch aufgeladenen Stoff würde ich mir gelegentlich feinere Übergänge wünschen.

Gleichzeitig muss ich anerkennen, wie stimmig hier Zeichnung und Farbe zusammenlaufen. Gnoni koloriert selbst. Das spüre ich. Alles sitzt in einer Palette aus Blau, Grau und schmutzigem Gelb. Diese Entscheidung hält die dargestellte Welt geschlossen und sie lässt Jim’s Jugend stärker herausstechen. Er wirkt inmitten der allgemeinen Dunkelheit wie ein letzter Rest des Tageslichts.

Rodolphe und Gnoni im Spiegel ihrer prägenden Arbeiten

Rodolphe Daniel Jacquette (Rodolphe) gehört zu den Szenaristen, die über viele Jahre ein enormes Genre Spektrum abdecken. Seine Bibliografie umfasst weit viele, viele Alben. Dabei tauchen immer wieder Reihen auf, die in Europa viele Leser geprägt haben.

Zu den wichtigsten zählen KENYA und NAMIBIA, außerdem SCOTLAND, SPRAGUE, MORGEN oder DER MANN DER DIE WELT ERFAND. Diese Titel zeigen, wie Rodolphe häufig arbeitet. Er baut ein Milieu, setzt eine klare Bedrohung hinein. Dann testet er Figuren an Moral, Loyalität und Angst. In STRANDRÄUBER schrumpft das große Serienformat auf einen Band. Das tut ihm gut.

Laurent Gnoni ist als Zeichner und Kolorist ebenfalls vielseitig. Seine Bibliografie führt Projekte wie RADCLIFF und PUMP. Entscheidend ist weniger das Genre als sein engagierter Blick für Atmosphäre. Er kann Historie, Thriller und düstere Räume. STRANDRÄUBER nutzt genau diese Stärke. Es ist ein Album, das nicht von Dialog-Feuerwerken lebt, sondern von Blicken, sturmbedrohten Himmeln und tödlicher Brandung. Gnoni liefert mit seinen Zeichnungen dafür die passende Bühne.

Wrecking: der Mythos und das harte Recht der Küste

Die Idee der Strandräuber ist historisch aufgeladen. Küstenbewohner haben über Jahrhunderte Wrackgut geborgen und auch geplündert. Das ist keine reine Legende. Die berühmte Erzählung von falschen Lichtern, die Schiffe absichtlich auf Felsen locken, ist dagegen historisch viel unsicherer.

Eine wissenschaftliche Zusammenfassung zu Cornish wrecking betont, dass es für das gezielte Locken mit falschen Lichtern keine Belege gibt. Der Mythos hat sich mit realen Wrackpraktiken vermischt.

Spannend ist außerdem der rechtliche Druck im 18. Jahrhundert. Eine Studie bei Oxford Academic beschreibt, dass 1714 Gesetze drohten, die das Betreten von Wracks ohne Erlaubnis und das Behindern von Rettung mit Strafen belegten. Später verschärfte sich das nochmals deutlich.

Das erklärt die permanente Angst in Geschichten wie dieser. Wer am Strand plündert, riskiert nicht nur Streit. Er riskiert das Einschreiten des Staates. Rodolphe macht daraus keinen Vortrag. Er baut es aber als Atmosphäre ein. Soldaten sind nicht nur Gegner. Sie sind die Erinnerung daran, dass ein Dorf nicht ewig im Schatten handeln kann.

Fazit

STRANDRÄUBER ist ein starkes Album, weil es die Perspektive verschiebt. Es zeigt das „Abenteuer“ der Piraterie von der vermeintlich sicheren Küste aus. Es zeigt Beute als soziale Krankheit und einen Jugendlichen, der nicht zum Helden stilisiert wird, sondern zum moralischen Seismografen. Gnoni liefert die Bilder, die das Wetter erzählen lassen, während Rodolphe eine Handlung schreibt, die straff und konsequent bleibt.

Der Gesamteindruck ist ansprechend positiv. Das Album trifft Ton und Tempo. Es ist düster, klassisch, aber nicht bequem. Und es beweist, dass STRANDRÄUBER mehr kann als Küsten-Folklore. Es ist eine Geschichte darüber, wie leicht Menschen sich gemeinsam die Hände schmutzig machen.

• STRANDRÄUBER
• Rodolphe und Laurent Gnoni
• Hardcover | 72 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-949987-36-6
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★☆☆☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Zack Edition
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Schon diese Prämissen setzt den Ton. Sie vermitteln Spaß, Reibung, wollen, dass eine moderne Haltung auf eine Welt prallt, die für die Protagonistin so nicht vorgesehen war. Eine Welt, in der genau diese Mischung aus Zeitreise, Sexismus Erfahrung und Atombomben Bedrohung im Vordergrund steht.

Was ich an diesem Setup mag, ist sein Kultur-Clash und sein Tempo. Die Geschichte bleibt nicht beim kuriosen Körpertausch. Sie schiebt Tabatha sofort in eine Branche, die Macht und Oberflächen wie selbstverständlich verbindet. Damit bekommt das Ganze sofort eine MAD MEN-Energie, ohne direkt nostalgisch zu werden.

Neben dem Alltag der späten 50iger Jahre tauchen CIA-Leute auf, ein sowjetischer Journalist und eine Spur Richtung russischem KGB. Auch Alt-Nazis und eine Atombombe spielen eine Rolle, die im Jahr zuvor „verloren“ gegangen ist. (Seit dem Film „Operation: Broken Arrow“ wissen wir, dass dies so häufig vorkommt, dass es dafür sogar ja einen Begriff gibt.) In diesem Comic greifen also Gesellschaftskomödie, Spionage Thriller und Fantastik mit ansprechender Retro-Eleganz ineinander. Sehr schön!

Von DONJON zu Greenwich Village

Lewis Trondheim ist als Autor Herr seines eigenen Kosmos. Er steht für eine Laufbahn, die zwischen Indie-Geist und großen Serien pendelt. Bekannt wurde er unter anderem mit LAPINOT (dt. „Herrn Hase“). Zusammen mit Joann Sfar schuf er das legendäre DONJON, ein Fantasy-Universum, das sich inzwischen über dutzende Bände verzweigt und eine große Fan-Gemeinde besitzt.

Neben diesen Dauerläufern arbeitet er immer wieder an experimentellen Geschichten oder an autobiografischen Miniaturen. Gerade diese Lust am System und an selbst gesetzten Regeln passt ideal zu GREEN WITCH VILLAGE. Denn hier ist die Form nicht nur Dekor, sondern auch Motor der Geschichte. Wer Trondheim schon von DIE FLIEGE oder AURORA UND DER ORK kennt, erkennt den Drang wieder, erzählerische Grenzen auszutesten.

Zwei Karrieren, ein gemeinsamer Takt

Franck Biancarelli – ebenfalls gebürtiger Franzose und gelernter Mathematik-Lehrer – kommt aus einer anderen Tradition. Er ist ein Zeichner, der sein Handwerk spürbar aus dem amerikanischen Realismus der Zwischenkriegszeit und der Nachkriegs Jahrzehnte zieht. Damit passt er sehr gut zu diesem Album.

In seiner Bibliografie tauchen früh Fantasy-Stoffe auf. Später folgen lange Erzählformen und Adaptionen mit realistischen Anstrich. Beispiele hierfür sind GALFAREK sowie Arbeiten nach Romanvorlagen wie LE CIRCUIT MANDELBERG. Die Zusammenarbeit mit Trondheim kenne ich bereits aus KARMELA KRIMM. Dort ging es noch um einen kriminalistischen Blick auf Marseille.

GREEN WITCH VILLAGE verschiebt den Fokus nun auf das amerikanische New York. Die Figuren tragen mehr Glamour und die Politik drängt stärker ins Geschehen. In einem Interview beschreibt Biancarelli außerdem seine Liebe zu amerikanischen Daily Strips. Genau diese Ästhetik wollte er mit diesem Plot verbinden.

Aufwachen in einem fremden Körper

Um was geht es? Tabatha Sands schläft in einem New York der Gegenwart ein und wacht im Jahr 1959 wieder auf. Der Ort bleibt vertraut, die Zeit jedoch ist eine andere. Sie weiß zunächst nicht, wer sie eigentlich ist. Ihren „alten“ Namen hat sie verloren, nur das Jahr aus dem sie kommt, bleibt im Kopf. An den „neuen“ muss sie sich erst noch gewöhnen.

Die neue Realität kommt nicht als schimmerndes Retro-Bild, vielmehr als Alltag. Tabatha steht in einer Wohnung, in der auch ihre Mitbewohnerinnen leben, Erika und Gwen. Sie reagieren mit Sorge, nicht mit Schrecken. Für sie hat Tabatha eine Ohnmacht, vielleicht einen Aussetzer, vielleicht eine Gedächtnislücke. Genau diese pragmatische Reaktion macht das Narrativ schnell glaubwürdig. Niemand ruft sofort die Polizei oder sucht eine lange Erklärung. Welcher Polizist würde Ende der 1950er kommen, nur weil eine junge Frau „unpässlich“ ist? Das Leben verlangt, dass es weitergeht.

Tabatha muss sich also neu orientieren. Telefone hängen noch an Kabeln, Informationen sind nicht in der Hosen- … Pardon, Rock- oder Handtasche zu finden. Sicherheitsgurte sind noch unbekannt und die Männer in den Bars und Büros hören ihr nicht zu, weil sie es gewohnt sind, dass Frauen sich klein machen.

Der Comic nutzt diese Kontraste, um sein Thema zu setzen. Diese Frau aus der Zukunft will nicht zurück in ein Zeitalter, in der sie auf ein Lächeln und ihr Aussehen reduziert wird. Gleichzeitig steht sie jedoch erst einmal unter dem Zwang, zu überleben.

Maskottchen mit Kampfgeist

Der erste große Schritt in die Öffentlichkeit kommt über einen neuen Job. Tabatha landet in einer Modelagentur, die auch Erika und Gwen betreut. Dort fällt sie sofort mit ihrem Audrey-Hepburn-Erscheinungsbild auf.

Es geht um eine Werbekampagne für die Läden im Greenwich Village. Die Kampagne braucht ein Gesicht und ein Kostüm. Tabatha wird zur GREEN WITCH und ja: die Aussprache des Stadtteils gibt den Titel und einen Teil der Idee des Albums vor.

Dieses Motiv ist aber mehr als ein Gag. Diese Hexe ist keine Heilerin mit Esoterik-Postkarten. Sie ist ein Reklame-Wesen, dass freundlich wirken und den Konsum ankurbeln soll. Tabatha wird auf Empfänge geschickt, wird fotografiert und steht in Schaufenstern. Sie steckt damit mitten in einer Branche, die überwiegend mit Blicken arbeitet. Und genau dort prallt ihr modernes Selbstverständnis auf die Regeln dieses Jahrzehnts, in das sie nicht passt, nicht passen will.

Die grüne Hexe wird zur Marke

Die Männer der Werbewelt treten als Machos auf. Tabatha hält dagegen. Sie wird nicht zur stillen Heldin, legt sich mit diesen Männern an. Sie widerspricht und nutzt auch ihre Wirkung, weil sie versteht, dass sie sonst geschluckt wird. In diesen Passagen steckt die soziale Satire des Buches. Das Setting erlaubt Humor, lässt aber auch Wut zu. Die Maske wird zum Schutz und zur Zielscheibe.

Die Geschichte spielt dabei bewusst mit doppelten Identitäten. Tabatha ist Tabatha und sie ist es nicht. Sie trägt ein Kostüm und soll gleichzeitig echt sein. Dies ist die Logik der Werbung. Im Alltag der Figuren bekommt sie etwas Gespenstisches, denn der Geist der Zeitreisenden taucht gelegentlich in Szenen auf und flüstert ihr zukünftige, hilfreiche Fakten zu.

Kalter Krieg im Wohnzimmer

Sobald Tabatha sichtbar wird, wird sie auch interessant, nicht nur für die Fotografen. Ein russischer Journalist kreuzt ihren Weg, den die CIA für einen Spion hält. Wenig später rettet er Tabatha das Leben. Damit zieht der Comic das zweite Genre aus der Kulisse nach vorn. Aus der Sittenkomödie wird auch ein Spionage Thriller.

Tabatha gerät zwischen CIA und KGB. Private Räume fühlen sich plötzlich politisch an. Die Wohnung mit den Mitbewohnerinnen wird zum Ort, an dem man flüstert. Die Straße wird zum Raum, in dem man beobachtet, aber auch beobachtet wird. Eine Werbeaktion kann als Deckung dienen, ein Kuss kann ein Signal sein, man verwendet tote Briefkästen statt Emails.

Daily Strips und Sonntagsseiten

Hier zeigt sich auch die formale Idee des Albums. Viele Seiten funktionieren wie kleine Episoden. Sie haben eine starke Auftakt Szene und eine Pointe am Ende. Diese Struktur hat ihren Ursprung im Blick zurück auf die Daily Strips und Sonntagsseiten, die in gedruckten Zeitungen erschienen. Dort musste jede Seite für sich stehen können. Trondheim und Biancarelli haben diese Regeln bewusst genutzt.

Das erzeugt einerseits Geschwindigkeit, andererseits aber auch Lücken. Manche Übergänge sind abrupt. Genau das macht den Leserhythmus für mich aber auch spannend. Ich stolpere kurz und bin aber schnell in der nächsten Szene.

Pulp Finale mit bitterem Kern

Am Ende zieht GREEN WITCH VILLAGE das Tempo merklich an. Alt-Nazis haben eine Bombe in Stellung gebracht. Sie wollen sie in New York zünden und aus Rache für 1945 einen neuen Krieg entfachen. Das ist eine fette Prise Pulp. Es ist aber auch eine Zuspitzung, die zur erzählerischen Grundidee passt. Das Album liebt die Übertreibung und nutzt sie, um Gegenwart und Vergangenheit in einen gemeinsamen Alarm zu verwandeln.

Tabatha rutscht auf Wunsch – bzw. eher unter Druck – der CIA in diese Affäre hinein. Was als Werbejob beginnt, endet als Weltrettung, bei dem viele helfende Hände mit den von ihr gelieferten Informationen das Schlimmste verhindern können. Dabei bleibt die Geschichte nah an ihrem Kern. Positiv finde ich, das Tabatha kein Motiv angedichtet wird, damit auch ihre zukünftige Gegenwart retten zu wollen.

Tabatha muss sich in einer Männerwelt behaupten. Jetzt gilt das nicht nur im Scheinwerferlicht des Agenturbüros, sondern auch im Angesicht von Gewalt und Verrat in der Schattenwelt. Ja, das Buch lässt Menschen sterben. Und nein, der Band ist kein harmloser Spaß.

Der paranormale Anteil bleibt dabei allzeit präsent. Der Geist der eigentlichen Zeitreisenden schiebt sich gelegentlich in die Szene und sorgt für neue Richtungen. Das ist ein kluger Kniff, denn er verhindert, dass der Körpertausch nur ein Startgag bleibt. Gleichzeitig hält der Comic die große Auflösung der Frage bis zum Ende offen. Wer ist diese Frau aus der Zukunft wirklich? Warum ist sie hier? Und welche Zeitreise-Spielchen à la Zurück in die Zukunft lassen sich einbauen?

Zwischen Boheme und Atomangst

Der Reiz der Zeitreise liegt nicht nur im Kostümwechsel. 1959 ist ein Jahr, in dem die Welt sich gleichzeitig modern und bedroht (an-)fühlt. Der Kalte Krieg ist Alltag. In genau diesem September besucht Nikita Chruschtschow als erster sowjetischer Regierungschef die USA. Das Ereignis wird zum Medienzirkus und erinnert alle daran, wie nah Diplomatie und Eskalation beieinander liegen.

Schon im Juli 1959 gab es außerdem die berühmte Küchendebatte. Nixon und Chruschtschow stritten in einem amerikanischen Musterhaus in Moskau über Wohlstand und Lebensstil. Ausgerechnet die Küche wurde zur Bühne und das Gespräch kreiste auch um die Frage, was Technik für Frauen „von heute“ bedeutet. Komfort kann Befreiung aber auch ein goldener Käfig sein.

Parallel läuft in den Vereinigten Staaten eine Kultur der Zivilverteidigung auf Hochtouren. Präsident Truman gründet die Federal Civil Defense Administration. Sie überflutet das Land mit Aufklärungsmaterial und Alarm-Kampagnen. In Schulen üben Kinder das sogenannte Duck-And-Cover, dass in den 1950er Jahren auf einen möglichen Atomangriff vorbereiten sollte.

Wenn GREEN WITCH VILLAGE eine Bombe unter die Handlung legt, dann knüpft der Band an eine realistische Grundstimmung dieser Zeit an. Die Angst vor „der Bombe“ war nicht nur Stoff für Zeitungsüberschriften. Sie war Teil von Erziehung und Alltag. Vielleicht ist dieses Album damit gerade aktueller, als ich es mir wünsche.

Boheme-Kulisse mit Sirenen im Hintergrund

Und dann ist da natürlich das Greenwich Village. Der Stadtteil gilt im 20. Jahrhundert als Künstler-Viertel und als wichtiger Ort für die Beat-Szene und die Gegenkultur. Washington Square Park wird zu einem Ort, an dem sich Folk-Musiker regelmäßig versammeln. In den 1950er und 1960er Jahren wird der Park außerdem mit der Beat-Kultur verbunden, mit Autoren und Künstlern, die genau diese Boheme markieren.

Diese Boheme Aura erklärt, warum eine Werbekampagne ausgerechnet hier auf eine Hexe setzt. Das Viertel verkauft sich gern als eigenwillig. Gleichzeitig steckt es mitten in Manhattan und damit mitten in den Apparaten von Medien und großem Geld. Und genau diese Spannung nutzt der Comic. Er lässt Tabatha in einem Viertel auftreten, das Freiheit verspricht, während die Regeln der Zeit sie einengen.

Erzählen unter gewissem Zwang

Das interessanteste Statement dieses Bandes ist seine konzeptionelle Einschränkung. Die Autoren wollten einen Comic machen, der wie die großen Zeitung-Comics der 1950er Jahre funktioniert. Biancarelli spricht in Interviews von seiner Begeisterung für Daily Strips und die Eleganz dieser Bildsprache, die sich an enge Regeln zu halten hatte.

Jede Seite startet mit einer großen ersten Szene und endet mit einer klaren Schluss Pointe. Und jede Seite soll so gebaut sein, dass man sie als Ganzes lesen kann, aber auch in drei oder vier Streifen teilen könnte. Wir kennen dies bereits von Calvin und Hobbes.

Die Form als Turbo

Das klingt nach Selbstkasteiung. In der Praxis erzeugt es jedoch ein eigenartig modernes Tempo. Man bekommt jeden Augenblick mit Schwung serviert. Dies wiederum hilft einer Story, die bewusst viel in einen Band packt wie z.B. Werbung, Sexismus, Zeitreise, Spione und Nazis. Ohne diese Form könnte das schnell in Krawall kippen. Die episodische Seite zwingt die Autoren jedoch zur Klarheit. Manche Figuren tauchen auf, wirken groß und sind dann erst einmal wieder weg. Auch diese Sprünge sind Teil des „großen Spiels“.

Mit gefällt das, denn für Einsteiger ist das erstaunlich freundlich. Jede Seite hat ihren eigenen Anker. Ich verliere nicht sofort den Faden, selbst wenn ich einen Übergang verpasse. Für Profis liegt der Reiz darin, wie Trondheim und Biancarelli mit diesen Grenzen arbeiten. Trondheim ist ein Autor, der gern Systeme baut. Hier baut er eines, das gleichzeitig alt, dann aber auch wieder erfrischend neu wirkt.

New York als elegante Falle

Wenn GREEN WITCH VILLAGE funktioniert, dann vor allem darum, weil Biancarelli eine Welt zeigt, die sofort glaubwürdig ist. Die Illustrationen treffen Zeit und Lokalkolorit, sind stimmungsvoll. Er zeichnet Gesichter mit klarer Linie und subtiler Mimik. Er setzt Körperhaltungen als soziale Signale, zeigt wer sich breit macht, wer Platz nimmt und wer ausweicht.

Kritisch sehe ich nur, dass die Eleganz – in der guten alten Zeit – manchmal so dominant wird, dass die Figuren fast zu gut aussehen, um wirklich in Gefahr zu sein. Das ist der Preis dieses Stils. Der Band kompensiert dies mit Tempo und mit einer Prise Härte. Manch einer muss ins Gras beißen. Diese Härte wiederum erdet den Glanz.

Die Farbe von Jérôme Maffre verdient einen eigenen Satz. Die Palette hält das schöne Retro-Gefühl, ohne in Sepia zu versinken. Rot und Grün knallen dort, wo die Werbung schreien soll. Gedämpfte Töne beruhigen die Wohnungsszenen. Im Finale darf die Dramaturgie der Farben auch lauter werden, weil der Plot es verlangt.

Fazit

GREEN WITCH VILLAGE ist ein Comic, der sich traut, viel zu sein: Zeitreise, Thriller, Werbesatire, feministische Reibung, kalter Krieg und ein Abbild der Paranoia. Das könnte auseinanderfliegen, falls jemand anderes das Szenario inszeniert hätte. Trondheim hält es zusammen, weil er zwei Dinge ernst nimmt: die Form und seine Heldin!

Tabatha ist keine Figur, die man nur durch die Jahrzehnte schubst. Sie reagiert, wehrt sich, nutzt ihre Intelligenz. Sie scheitert vermutlich auch, jedenfalls emotional, weil so ein Sprung in eine andere Zeit Wunden hinterlässt. Genau dort entsteht jedoch die Wärme des Buches. Zwischen Gags und Action blitzt immer wieder die Frage auf, was Identität eigentlich bedeutet, wenn der eigene Körper nicht mehr passt.

Bei mir bleibt die Frage, ob das Album an manchen Stellen zu sehr auf Schlagzeilen setzt. Der plötzliche Nazi-Plot hat Wucht, wirkt aber auch wie eine bewusste Übersteigerung, die mich nicht unbedingt abholt.

Diese Geschichte will unterhalten. Und sie liefert genau das, was die alten Zeitungsformate versprachen. Jeden Tag ein Cliffhanger. Jeden Sonntag eine große Bühne. Am Ende bleibt mit diesem Album ein ausgesprochen rundes Paket.

Wer Trondheim für seinen Einfallsreichtum liebt, bekommt ihn in konzentrierter Form. Wer Biancarelli’s eleganten Realismus schätzt, bekommt ein Schaufenster, das die Zeit gut einfängt. Für Gelegenheitsleser ist das ein erstaunlich zugänglicher Einstieg, weil jede Seite einen Haken schlägt, an dem man sich festhalten kann. Comicfreunde werden vor allem an den Regeln Freude haben, die man beim Lesen spürt, auch wenn man sie nicht kennt. Also: eine klare Leseempfehlung.

• GREEN WITCH VIALLAGE
• Lewis Trondheim und Franck Biancarelli
• Hardcover | 104 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96582-220-7
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Schreiber und Leser Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Krimi-Klassiker mit Augenzwinkern

Auch die Handlung entwickelt sich klassisch: Im Jahr 1918 kehrt im beschaulichen englischen Dorf Sweet Cove der tot geglaubte Graf Crackersmith aus dem Ersten Weltkrieg zurück.

Die Dorfbewohner, ohnehin ein eigentümlicher Haufen, werden von seiner Rückkehr überrascht und die ländliche Idylle gerät schnell ins Wanken. Kurz darauf erschüttert eine Mordserie das Dorf und ein geheimnisvoller Täter hinterlässt nichts als Stiefelabdrücke.

Die Polizei, vertreten durch Inspektor Pym, steht vor einem Rätsel. Hilfe erreicht ihn von unerwarteter Seite: Die pensionierte Lehrerin Miss Crumble, eine Frau mit einem scharfen Verstand, ebensolchem Dekolletee und einer Vorliebe für Kriminalfälle, nimmt die Ermittlungen auf. Selbstverständlich stößt sie dabei auf dunkle Geheimnisse, eigensinnige Charaktere und einen Fall, der mehr ist als ein klassisches Whodunit.

Ein Reigen von Verdächtigungen 

Nach dem ersten Mord beginnt ein Reigen aus Verdächtigungen, Alibis und falschen Fährten. Miss Crumble geht methodisch, aber auch mit trockenem Humor vor. Die Geschichte nimmt sich anfangs viel Zeit für die Einführung der Dorfbewohner und deren Beziehungen. Das sorgt für Atmosphäre, lässt den Plot aber etwas schleppend anlaufen. Aber ja, auch wenn wir die Welt der Miss-Marple-Krimis kennen, ist jedes Dorf auf seine Weise anders.

Im letzten Drittel zieht das Tempo deutlich an und liefert zum guten Schluss ein Auflösung, die überraschend ist, glaubwürdig bleibt und allzu plumpe Twists vermeidet.

Der Comic spielt mit meinen Erwartungen als erfahrener Krimi-Leser, ohne ins Parodistische abzudriften. Die Story ist textlastig, was für einen Comic dieser Länge (64 Seiten) nicht immer optimal ist. Ja, manche Dialoge wirken gestelzt und einige Szenen hätten pointierter erzählt werden können.

Atmosphäre und Setting

Das ländliche England kurz nach dem Ersten Weltkrieg ist hier mehr als bloße Kulisse. Die Zeitstimmung, geprägt von Verlust, Heimkehr und gesellschaftlichem Wandel, fließt subtil in die Handlung ein. Das Dorf Sweet Cove wirkt mal idyllisch, mal bedrohlich – ein Ort, an dem jeder jeden kennt und trotzdem jeder mindestens ein Geheimnis hat.

Für MISS CRUMBLE hat Sylvain Guinebaud das ländliche England mit viel Gespür für Atmosphäre und Zeitkolorit inszeniert. 

Federstrich und Pinsel

Sylvain Guinebaud liefert einen Zeichenstil, der das Genre auf den Punkt trifft. Die Figuren sind leicht überzeichnet, ohne ins Karikaturhafte abzurutschen. Die Mimik ist ausdrucksstark, die Körpersprache prägnant.

Besonders gelungen sind die Hintergründe: das Dorf, die Gärten, die Teehäuser und Landhäuser sind mit viel Liebe zum Detail gestaltet. Die Farbgebung ist gedämpft, der Wasserfarben-Look unterstützt die zeitliche Einordnung und verleiht dem Comic eine warme, leicht nostalgische Stimmung.

Der Panelaufbau ist klassisch und übersichtlich, unterstützt aber die Dynamik der Handlung. Actionreiche Szenen werden durch größere Panels betont, während Dialoge in engeren Bildfolgen stattfinden. Die Übersichtlichkeit kommt besonders den vielen Figuren zugute – man verliert nie den Überblick, wer gerade spricht oder handelt.

Guinebaud ist ein erfahrener Zeichner, der bereits an mehreren erfolgreichen Serien mitgewirkt hat. Sein Stil zeichnet sich durch Detailreichtum, klare Linien und atmosphärische Farbgebung aus. Im Vergleich zu den nachfolgenden Bänden der Reihe, die jeweils von anderen Zeichnern gestaltet wurden, bleibt sein Stil besonders atmosphärisch und stimmig.

Figurenentwicklung mit Ecken und Kanten

Miss Crumble ist eine klassische Amateurdetektivin nach britischem Vorbild. Sie ist stur, neugierig, dabei aber nie unsympathisch oder überzeichnet. Ihr Charme liegt in ihrer Mischung aus Lebenserfahrung, Scharfsinn und einer Prise Ironie. Sie bleibt dabei stets glaubwürdig und vermeidet die Klischees der allzu perfekten Ermittlerin.

Die Dorfbewohner sind sorgfältig charakterisiert, auch wenn einige Stereotype bedient werden: der verschrobene Adlige, die neugierige Nachbarin, der überforderte Polizist. Die Figuren bekommen genug Raum, um sich zu entfalten, bleiben aber im Rahmen der Krimi-Konventionen.

Tiefgreifende Entwicklungen sind auf den wenigen Seiten naturgemäß begrenzt, dennoch gelingt es Hanna, den wichtigsten Charakteren Profil zu verleihen.

Die Dialoge sind pointiert, manchmal etwas altmodisch, was aber zum allgemeinen Setting passt. Besonders die Wortgefechte zwischen Miss Crumble und Inspektor Pym sorgt für einige humorvolle Momente. Die Beziehungen der Figuren untereinander sind glaubhaft und tragen zum Spannungsaufbau bei.

Sieben Bände, sieben Stile: Die Konzeptreihe

7 DETEKTIVE ist als mehrteilige Reihe angelegt, wobei jeder von Herik Hanna inzenierte Band einen anderen Ermittler und einen eigenen Zeichner präsentiert. Dieses Konzept hebt die Serie damit von klassischen Krimireihen ab. Die künstlerische Vielfalt sorgt für Abwechslung und macht neugierig auf die weiteren Bände.

Während MISS CRUMBLE einen eher traditionellen Einstieg bietet, experimentieren spätere Bände stärker mit Stil und Erzählweise. Besonders im Finale der Reihe DER DETEKTIV UND DER TOD wird die Erwartungshaltung der Leser gezielt unterlaufen.

Die Reihe bleibt damit frisch und überraschend, auch wenn nicht jeder Band das gleiche Niveau hält.

Hinter den Kulissen: Autoren, Zeichner und Entstehung

Herik Hanna ist ein französischer Comic-Autor, der sich auf Krimi- und Thrillerstoffe spezialisiert hat. Mit 7 DETEKTIVE verfolgt er das Ziel, klassische Kriminalgeschichten in moderner Form zu erzählen. Dabei legt er Wert auf überraschende Wendungen, glaubwürdige Figuren und eine Prise Humor.

Der Band erschien 2014 im französischen Original. Die Reihe ist als Hommage an das klassische Krimi-Genre konzipiert, ohne sich in Nostalgie zu verlieren. Die Idee, jedem Detektiv einen eigenen Band und einen eigenen Zeichner zu widmen, ist im europäischen Comic-Markt eher ungewöhnlich und verleiht der Serie einen besonderen Reiz.

Während MISS CRUMBLE einen klassischen, fast nostalgischen Einstieg bietet, gehen spätere Bände neue Wege. Die Zeichner wechseln und die Erzählweisen variieren stärker. Besonders das Finale überrascht mit einem unkonventionellen Ende und einem üppigen Epilog, der die Reihe gelungen abrundet.

Fazit

7 DETEKTIVE – MISS CRUMBLE: DAS GESTIEFELTE MONSTER ist ein gelungener Auftakt für eine ambitionierte Konzeptreihe. Der Band überzeugt durch stimmungsvolle Zeichnungen, eine atmosphärische Inszenierung und eine Hauptfigur, die klassischen Vorbildern in nichts nachsteht. Die Handlung ist solide konstruiert, wenn auch etwas zu gemächlich erzählt und im Finale zu hastig abgeschlossen. Die hohe Textdichte ist Geschmackssache, passt aber zum Genre.

Die größte Stärke des Comics ist sein Konzept: Sieben Detektive, sieben Stile, sieben abgeschlossene Fälle. Das sorgt für Abwechslung und macht die Reihe besonders für Kenner und Liebhaber klassischer Krimis interessant. Miss Crumble selbst bleibt als Figur im Gedächtnis, auch wenn ihre Geschichte nicht alle Möglichkeiten ausschöpft.

Für Fans britischer Krimi-Klassiker, atmosphärischer Zeichnungen und ungewöhnlicher Comic-Konzepte ist MISS CRUMBLE eine klare Empfehlung. Wer sich auf das Spiel mit Klischees und Traditionen einlässt, wird mit einem charmanten, augenzwinkernden Krimi belohnt, der Lust auf die übrigen Bände der Reihe macht.

• 7 DETEKTIVE – MISS CRUMBLE: Das gestiefelte Monster
• Felix Delep und Xavier Dorison
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96219-481-9
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Splitter-Verlag

Weitere Bände der Reihe:

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Schon die ersten Seiten setzen den Ton, der die Erzählung bestimmt. Ein früherer Staatsdiener, der aus der Bahn geflogen ist, weil bei einer Demonstration ein Mensch durch seine Hand starb. Der Comic macht daraus keinen großen Seelenstriptease. Er zeigt Verhalten. Tarpon schiebt sich durch den Tag, und genau das wirkt so unerquicklich glaubwürdig.

Dann klingelt es an der Tür. Mitten in diesen schäbigen Routineabgrund platzt Memphis Charles. Jung, aufgelöst, zitternd, aber nicht hilflos. Ihr Problem ist brutal einfach. Ihre Mitbewohnerin Griselda Zapata liegt tot daheim. Ermordet, Kehle aufgeschlitzt.

Ein Fall kommt ungelegen

Aber Memphis kann nicht zur Polizei. Sie hat Zeug in der Wohnung, das sie sofort zur Hauptverdächtigen macht. Also landet sie bei Tarpon, diesem abgehalfterten Privaten, der eigentlich gerade aufgeben will. In VOLLE LEICHENHALLE ist das kein romantischer Ruf nach Gerechtigkeit. Es ist eine Notlösung. Sie wählt Tarpon, weil er der letzte ist, der noch zuhört und nicht sofort das Gesetz ruft.

Tarpon reagiert nicht heldenhaft. Er reagiert menschlich, versucht, sie zu beruhigen und greift nach Hausmitteln, Kaffee, Alkohol. Er schaut hin, und er nimmt den Fall an, weil er gar nicht anders kann.

Hier liegt schon das erste Problem des Albums. Es verkauft diese Zwangsläufigkeit als Motor, aber sie wirkt auch wie ein Trick. Jean-Patrick Manchette, der Szenarist, zieht Tarpon in die Sache, weil sonst kein Plot passiert. Das ist konsequent, aber es bleibt auch spürbar konstruiert.

Paris drückt von allen Seiten

Sobald Tarpon sich bewegt, wird Paris zur Falle. Nicht das Postkarten Paris, sondern sein Milieu aus Hinterzimmern, Kneipen, schmutzigen Treppenhäusern, Büros mit abgestandenem Rauch. Der Comic liebt diese Räume. Er macht sie konkret, zeigt, wie arm Tarpon’s Alltag ist und wie schnell Gewalt in diesen Alltag einbricht.

Die Ermittlungen beginnen nicht mit einem genialen Schluss. Sie beginnen mit einem unguten Gang zur Wohnung, mit Blicken, mit Fragen, mit dem Gefühl, dass Tarpon sich da in was verheddert, das größer ist als er.

Memphis bleibt dabei mehr als ein Auftrag. Sie wird zum Störgeräusch in Tarpon’s Selbstmitleid. Sie redet, sie drängt, kippt um und fängt sich wieder. Der Comic zeichnet sie nicht als Femme fatale im klassischen Sinn. Eher als Person, die gelernt hat, sich durchzubeißen. Trotzdem kommt das Werk aus alten Reflexen nicht heraus: Männer schauen, Männer kommentieren, Männer entscheiden. Das lese ich als Zeitkolorit, aber es bleibt auch eine Schwäche. VOLLE LEICHENHALLE will dreckig sein und das ist es auch. Nur verwechselt das Album manchmal den Dreck mit Haltung.

Tempo statt Tiefgang

In den Nebenfiguren liegt viel von Manchette’s Bosheit. Polizisten treten nicht als Ordnungsmacht auf, sondern als Druckmittel. Kontakte sind nicht loyal, sondern opportunistisch. Und über allem hängt dieser politische Subtext, der schon sehr früh klar macht, dass hier weder rechte noch linke Posen geschont werden. Das wirkt scharf, aber auch bequem. Spott trifft alle, also muss der Text selbst keine klare Position riskieren.

Spannung entsteht weniger aus dem Rätsel als aus dem Tempo. Tarpon stolpert von Begegnung zu Begegnung. Das kann treiben – oder auch beliebig wirken. Gerade in der Mitte reiht der Plot Schläge, Drohungen und Ortswechsel aneinander, ohne dass die emotionale Kurve wirklich wächst. Man liest weiter, weil es knallt. Man bleibt selten stehen, weil es wirklich weh tut.

Wenn alles kippt, kippt es richtig

Die zweite Hälfte zieht die Schrauben weiter an. Der Comic stapelt Leichen, Missverständnisse und Gewalt so hoch, bis aus dem Fall ein Karussell wird. Genau hier zeigt sich Manchette’s Stärke und sein Problem. Er kann Eskalation, kann Situationen so zuspitzen, dass sie plötzlich grotesk wirken – ja, fast komisch – nur um im nächsten Moment wieder hässlich real zu sein.

Tarpon rennt, flüchtet, pariert und kassiert. Er bleibt dabei nie der coole Profi, sondern der Mann, der eigentlich nicht mehr kann. Das ist als Figur interessant. Tarpon ist kein Übermensch. Er ist auch kein Zyniker, der über den Dingen steht. Er ist kaputt und trotzdem anständig genug, um sich weiter reinziehen zu lassen.

Das macht ihn sympathisch. Es macht ihn aber auch passiv. Viele Wendungen passieren an ihm, nicht durch ihn. Er reagiert, er agiert selten. Für einen Detektivstoff ist das jedoch riskant. Ein Thriller lebt davon, dass jemand Entscheidungen trifft. VOLLE LEICHENHALLE lässt Tarpon oft nur den kleinsten Schritt wählen, um selbst nicht zu sterben.

Tarpon überlebt, mehr nicht

Im Finale zeigt der Plot seine alte Schule. Alles hängt zusammen, alles will noch einmal krachen, jeder hat ein Motiv, jeder lügt. Das ist unterhaltsam. Es hat aber auch etwas Mechanisches. Man spürt, wie hier ein Roman aus den frühen 1970ern arbeitet, geprägt vom hardboiled Noir und vom damals neuen französischen NEO POLAR. Der Comic übernimmt das und er feiert es. Aber reicht das?

Am Ende bleibt Tarpon nicht geläutert zurück. Er bleibt Tarpon. Das ist konsequent, aber auch unerquicklich. Wer eine Entwicklung sucht, bekommt eher eine Bestandsaufnahme. Vielleicht ist aber genau das die Pointe und dient dies dem bequemen dem Start einer Reihe.

Woher das kommt, wohin das führt

Jean-Patrick Manchette wurde 1942 in Marseille geboren und starb 1995 in Paris. Er schrieb Kriminalromane, Essays und Filmtexte und prägte bei Letzteren den französischen NEO POLAR entscheidend mit. Seine Bücher sind bekannt für knappe, beobachtende Prosa, hohe Gewaltbereitschaft und einen Blick auf Politik und Klasse, der selten tröstet.

Jean-Patrick Manchette gilt als einer der prägenden Köpfe des modernen französischen Noir. Seine Romane wie NADA, FATALE, KILLER STELLEN SICH NICHT VOR oder ZUM ABSCHUSS FREIGEGEBEN verbinden knappen Stil mit politischer Kälte. Sie zeigen Systeme, keine Seelen.

Cabanes im Noir Modus

Max Cabanes kommt aus einer ganz anderen Ecke. Er kann Realismus, aber er liebt auch das Überzeichnete. Seine Karriere reicht von der Serie DANS LES VILLAGES bis zu Arbeiten, die Jugendmilieus und Zeitgefühl der 1960er und 1970er Jahre atmen. Auffällig ist, wie stark er als Zeichner zwischen Zartheit und Groteske wechseln kann.

In den letzten Jahren hat er mit Doug Headline mehrere Stoffe Manchette’s als Comics umgesetzt, darunter BLUTPRINZESSIN, FATALE und NADA. Die VOLLE LEICHENHALLE gehört ebenfalls in diese Reihe.

Für Einsteiger ist das Album hilfreich. Man bekommt einen in sich geschlossenen Comic, das trotzdem in einem Gesamtwerk steht. Diese Adaptionen leben stark davon, dass man Manchette’s Ton bereits schätzt. Wer den Stil nicht mag, wird hier wohl nicht bekehrt. Wer ihn mag, merkt zugleich, wie sehr der Stoff auf Bekanntes setzt. VOLLE LEICHENHALLE ist also auch eine Art Test. Nicht für die Frage, ob Noir funktioniert, sondern ob man dieses spezielle, damals neue Gift heute noch genießen will.

Linien, Gesichter, Körper als Kommentar

Max Cabanes wurde 1947 in Béziers geboren. Er arbeitete früh für Magazine und prägte mit Serien wie DANS LES VILLAGES seinen Ruf als vielseitiger Zeichner. Er bewegt sich sicher zwischen Milieustudie, Fantastik und Krimi. 1990 erhielt er den Großen Preis von Angoulême.

Cabanes zeichnet nicht neutral. Er kommentiert mit Körpern. Gesichter haben Kanten, Nasen erzählen Biografien, Müdigkeit hängt in Lidern und Schultern. Tarpon steht im Büro in Unterwäsche, nicht als Gag, sondern als Entblößung. Seine Wohnung wirkt bewohnt, nicht dekoriert. Memphis sitzt da wie eine Person, die nicht weiß, wohin mit den Händen und gerade dadurch wirkt sie glaubwürdig.

Die Farbgebung hält sich zurück. Sie setzt auf gedämpfte Töne und lässt Innenräume oft schmutzig warm wirken. Das passt zur Zeit und es passt zum Genre. Gleichzeitig nimmt es dem Comic etwas von der Härte. Blut schockt weniger, wenn die Welt vorher schon im Licht abgestanden aussieht. Dieser Look gefällt mir, er ist stimmig.

Cabanes setzt dazu Zeitmarken wie Requisiten. Im Kino läuft UHRWERK ORANGE. Ein Cop liest PILOTE. Im Hilton tauchen Paul McCartney und die kleine Stella auf. Das ist witzig und irritierend zugleich. Ich verstehe den Effekt. Die Siebziger sollen nicht nostalgisch glänzen, lieber grell flimmern.

Panel wie Pariser Departements

Cabanes arbeitet in diesem Album oft mit einem rigiden Raster. Neun Panels pro Seite dominieren über weite Strecken den Lesefluss. Das zwingt jede Szene in gleich große Häppchen. Der Rhythmus soll wie ein Metronom laufen. Der Krimi soll nicht auftrumpfen, sondern marschieren. Ist das nun kontrollierte Trockenheit? Oder ein Bleigewicht? Ich empfinde eher Letzteres.

Das Raster nivelliert Tempo. Eine Verfolgung fühlt sich dann ähnlich an wie ein Gespräch im Büro. Das ist eine bewusste Entscheidung. Aber sie hat einen Preis.

Stark ist Cabanes bei Momenten, in denen die Szene kippt. Hier ein Blick zu lang, dort ein Mundwinkel zu verächtlich, eine Pose zu aggressiv. Da entsteht Groteske, ohne dass der Comic ins cartooneske verfällt. Gerade Tarpon profitiert davon. Er wirkt oft wie ein Mann, dessen Körper schneller altert als seine Hoffnung.

Schwächen, wenn es kracht

Schwach ist der Band, wenn er Action liefern will. Dann werden Bewegungen zeitweise unübersichtlich. Panels hetzen, statt dass sie Rhythmus aufzubauen. Und die Lesbarkeit steht gelegentlich im Weg, weil Textflächen und Bilder nicht immer elegant zusammenspielen. Das ist kein Totalausfall. Es ist aber ein spürbarer Reibungsverlust, gerade für Gelegenheitsleser, die durch Tempo eigentlich gehalten werden könnten.

In VOLLE LEICHENHALLE steckt also eine klare zeichnerische Haltung. Sie ist nicht hübsch, sie ist absichtlich unkomfortabel. Nur funktioniert unkomfortabel sein automatisch als Kritik. Manchmal bleibt es schlicht das: unkomfortabel.

Kulisse als Spiegelbild

Der Stoff spielt im Paris der frühen 1970er und das ist mehr als Tapete. Tarpon’s Büro liegt im Umfeld von Les Halles, dem ehemaligen Zentralmarkt von Paris. Dieser Ort war damals im Umbruch. Der alte Marktbetrieb endete Anfang 1973. Danach blieb lange eine riesige Baugrube, berüchtigt als das Loch von Les Halles. Später entstand dort das Forum, das 1979 eröffnete.

Warum ist das spannend? Weil es Tarpon’s Lebensgefühl widerspiegelt. Auch er ist eine Baustelle, nur ohne Plan. Die Welt um ihn herum wird modernisiert, umgebaut, kommerzialisiert. Er selbst bleibt hängen zwischen alter Polizeiwelt und neuer Dienstleistungswüste. VOLLE LEICHENHALLE nutzt dieses Zeitfenster gut. Es zeigt eine Stadt, in der alte Milieus verschwinden, während neue Gewaltformen schon warten.

Zeitkolorit und Milieu

Ein zweites Detail passt ebenfalls. Tarpon’s Alkohol ist kein edler Whisky, sondern oft schnöder Anis und Schnaps. Das klingt banal, aber es erdet die Figur. Pastis Marken wie „Ricard“ stehen in Frankreich seit den 1930ern für Alltagsrituale und Flucht zugleich. Tarpon trinkt nicht stilvoll. Er betäubt sich im Format des Landes.

Der Comic hätte aus diesem Hintergrund noch mehr ausbauen können. Er deutet viel an, hetzt dann aber weiter zum nächsten Schlag. Wer Paris kennenlernen will, bekommt einzelne, starke Impressionen aber keine echte Milieu-Analyse. Trotzdem trägt der Kontext. Er erklärt, warum hier alles so nervös wirkt. Eine Stadt rutscht weg und Tarpon rutscht mit.

Fazit

VOLLE LEICHENHALLE ist ein schmutziges, schnelles, dabei oft bissiges Album. Es hat Humor, aber der Humor lacht selten mit. Er lacht über die Menschen, nicht mit ihnen. Genau das kann man als Noir Tugend lesen. Man kann es auch als Ausrede lesen, um sich nicht kümmern zu müssen. Ich schwanke.

Manchette’s Blick ist scharf und Cabanes gibt ihm ein Gesicht, das man nicht vergisst. Tarpon als trauriger Detektiv funktioniert, Memphis als Auslöser funktioniert, Paris als Druckkammer funktioniert. Trotzdem bleibt für mich ein Kernproblem.

Der Plot arbeitet zu oft mit dem alten Motor: Zufall, Besuch, Prügel, nächste Adresse. Die Eskalation ersetzt nicht immer Dramaturgie. Und der politische Spott, so pointiert er sein mag, wirkt manchmal wie Feuern in alle Richtungen. Wenn alle lächerlich sind, muss man selbst keine riskante Erkenntnis formulieren.

Für Comic Begeisterte liegt der Reiz in der handwerklichen Souveränität. Wer Cabanes mag, bekommt hier genau sein Können, Menschen über ihre Körper zu erzählen. Seine Zeichnungen waren der Anlass für mich, mir das Werk näher anzuschauen.

Dieses Album ist keine Wohlfühl-Lektüre und will es auch nicht sein. Es ist ein Zeitstück mit Zähnen und Klauen. Seine besten Momente riechen nach Straße und Verachtung, seine schwächeren nach Konstruktion. Am Ende bleibt ein guter, harter Comic, der sich aber gelegentlich für klüger hält, als er letztendlich ist.

• VOLLE LEICHENHALLE
• Felix Delep und Xavier Dorison
• Hardcover | 104 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96582-098-2
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Schreiber und Leser Verlag

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Im zweiten Teil der Reihe, HABEMUS BASTARD – 2 EIN HERZ UNTER DER SOUTANE, hat sich Lucien nun in seiner neuen Rolle längst eingerichtet. Aus einem der gefährlichsten Männer Frankreichs wird ein Meister der Verwandlung und der Verhandlung. Naturalien und Gefälligkeiten sind ihm sicher. Doch unter der Soutane brodeln immer noch alte Instinkte. Die blutige Vergangenheit bahnt sich langsam, aber sicher ihren Weg in das beschauliche Kleinstadtidyll.

Dorfidylle mit dunkler Seite

Auf den ersten seiten des neuen Bandes erhalten wir einen geschichtlichen Schnellkurs, warum sich die beiden Unterwelt-Bosse von Lyon nicht grün sind. 

Die eigentliche Geschichte setzt dann am Ende des ersten Bandes an, als Lucien endgültig untergetaucht ist. Nun lebt er scheinbar friedlich als Dorfpfarrer, aber die Idylle trügt. Die Dorfbewohner lieben seinen unkonventionellen Stil, doch auch sie spüren, dass hinter Lucien’s ruhiger Fassade mehr als nur der Segen wartet.

Und wie zu erwarten war, tauchen im Verlauf – natürlich – die bösen Buben aus Lyon im beschaulichen Saint-Claude auf, weil Lucien die Leiche nicht sauber genug entsorgt hat. (Was meine ursprüngliche Kritik, dass Lucien sie in den Lyoneser Gassen zurückgelassen haben könnte, aufklärt.)

Von Schwarzmann auf immer neuen Ebenen ausgearbeitet, bleibt der Humor bissig, manchmal etwas derb, aber nie platt. Es sind oft die kleinen Seitenhiebe gegen Kirche, Gesellschaft und Moral, die die Handlung vorantreiben und zugleich den Charakter Lucien vielschichtig machen.

Panel-Pirouetten im Pfarrhaus

Stilistisch bleibt HABEMUS BASTARD alles andere als Standardware. Zeichner Sylvain Vallee fährt ein Panel-Feuerwerk auf. Die Figuren bieten mimisch und gestisch ein umfangreiches Spektrum. Auch die Farbgebung von Elvire de Cock bringt wieder schönes Spiel in Licht und Tiefe.

Lucien steht im Mittelpunkt. Sein Wandel zwischen Killerblick und Pfarrergesicht funktioniert – mal abgebrüht, mal unbeholfen, dann wieder listig oder überraschend sanft. Der Comic nimmt uns mit auf eine wilde Achterbahnfahrt, wobei die Dramaturgie stets zwischen Krimikomödie und Gesellschaftssatire pendelt.

Mimik, Morde und Messwein

Die Dorfgemeinschaft wirkt als belebtes, oft skurriles Ensemble. Kein Nebencharakter bleibt farblos. Schwartzmann und Vallee liefern pointierte Dialoge, schnelles Timing und die nötige Ruhe für emotionale Momente. Die grafische Umsetzung konkurriert in manchen Panel-Battles beinahe mit Klassikern wie ES WAR EINMAL IN FRANKREICH und KATANGA.

Wer sich auf das Spiel zwischen dumpfer Dorfstube, der kirchlichen Milde und dem flackernden Schatten alter Sünden einlässt, wird reich belohnt. Es ist diese Mixtur, die den Comic frisch hält.

Ein Herz unter der Soutane

Die Serie HABEMUS BASTARD lebt vom Mut, Tabuthemen anzugehen und der respektlose Ton bleibt auch im zweiten Teil erhalten. Wer den ersten Band DAS NOTWENDIGE ÜBEL gelesen hat, merkt schnell: Lucien hat sich weiterentwickelt. Die Story bleibt überschaubar fokussiert, ihr Spannungsbogen schwingt zwischen Bedrohung und Vertrautheit.

Lucien’s Vergangenheit wird, anders als im ersten Band, weniger spektakulär abgehandelt, sondern schleichend und intelligent in die Dorfroutine eingewoben. Die Autoren schenken dem Leser aber keine einfache Auflösung, entwirren die verschiedenen, offenen Handlungsstränge aber zu unserer Zufriedenheit.

Der Comic wagt sich immer wieder an moralisch grenzwertige Situationen, jongliert mit den Erwartungen des Lesers und ist genau damit ein echtes Lesevergnügen.

Genüsslich sündigen

Der Humor bleibt stets präsent, wirkt aber niemals verharmlosend. Die Sünden der Hauptfigur werden nie ganz gewaschen, sondern schaffen den Stoff für neue Fragen und Twists. Wer das Vorgängerwerk kennt, erkennt eine konsequente Weiterentwicklung von Stil und Ton.

Die Serie ist ein Statement für Comics, die nicht moralinsauer belehren, sondern mit Charme und Biss unterhalten wollen. HABEMUS BASTARD tut dies.

Lesestoff für Ketzer und Kenner

HABEMUS BASTARD – 2 EIN HERZ UNTER DER SOUTANE ist mehr als eine Krimikomödie im Pfarrgewand. Hier werden Tabus gebrochen, Humor passgenau dosiert und grafisch alles gegeben. Wer es mag, Kirche und Gesellschaft mal kräftig durch den Kakao zu ziehen, der findet hier den idealen Lesestoff.

Die Panels fangen allerlei Nuancen ein, die Story überrascht bis zum Schluss. Ein besonderes Lob gilt dem mutigen Wechselspiel zwischen schwarzem Humor und leisen Zwischentönen. Die Serie HABEMUS BASTARD hat sich zu einem der spannendsten Experimente im aktuellen Comic-Markt entwickelt.

Fazit

Für Einsteiger wie Profis ist HABEMUS BASTARD eine klare Leseempfehlung, nicht zuletzt wegen der Fähigkeit, verschiedene Genre-Facetten gekonnt zu verbinden. Also, Soutane überwerfen, Leben riskieren und ab auf die Lesecouch: Diesen Comic sollte man nicht verpassen.

HABEMUS BASTARD – EIN HERZ UNTER DER SOUTANE (2 von 2)

© Splitter Verlag | Hardcover | 88 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★★☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★★★☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆

ISBN: 978-3-96792-080-2

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Von Hornissen, Raumfahrt und menschlichen Abgründen

Die Geschichte beginnt mit einem scheinbar normalen Tag auf Perdida. Doch schon bald wird klar: Die jährliche Hornissenplage bricht viel zu früh aus – und diese Hornissen sind alles andere als harmlos. Sie verschlingen alles, was ihnen in die Quere kommt, auch Menschen. Claudi’s Mutter opfert sich, um ihren Sohn zu retten, und Claudi bleibt allein zurück – ein Vierjähriger, der sich auf einem tödlichen Planeten durchschlagen muss.

Während Claudi also ums Überleben kämpft, setzt Max auf einem fernen Planeten alles daran, ihn zu retten. Doch Max ist kein strahlender Held, sondern ein Schmuggler mit eigenen Problemen. Die Handlung springt geschickt zwischen Claudi und Max hin und her, bis sich der Fokus zunehmend auf Max und seine Reise richtet.

Unterwegs trifft Max auf eine bunte Truppe, die für zusätzliche Dynamik sorgt – von zwielichtigen Passagieren bis hin zu alten Bekannten. Die Geschichte entwickelt sich zu einem spannenden Abenteuer mit zahlreichen Wendungen, bei dem nichts, aber auch gar nichts so glatt läuft, wie von Max erhofft.

Der Comic bleibt dabei stets spannend, emotional und überraschend. Das Ende – keine Sorge, hier wird nicht gespoilert – ist unerwartet und verleiht der Geschichte eine zusätzliche Tiefe.

Cartoonesk, expressiv und farbenfroh

Adrián Fernández Delgado’s (Adrián) Zeichenstil ist ein echtes Alleinstellungsmerkmal dieses Comics. Die Figuren wirken cartoonhaft, mit klaren Linien und expressiver Mimik. Gerade in Actionszenen verleiht der reduzierte Stil den Panels eine besondere Dynamik, während in ruhigeren Momenten die Emotionen der Figuren im Vordergrund stehen.

Die Farbgestaltung ist durchdacht und unterstützt die Atmosphäre: Orange- und Rottöne lassen die Hitze auf Perdida fast greifbar werden, während grüne und schwarze Töne die Pflanzenwelt und das All stimmungsvoll einfangen. Trotz der fast kindlich anmutenden Optik ist der Comic keineswegs ein Kinderbuch. Die Bildsprache ist oft brutal, die Szenen intensiv und der Tod allgegenwärtig.

Die Panels sind übersichtlich gestaltet, der Lesefluss ist angenehm und die Bildkomposition sorgt dafür, dass man der Handlung mühelos folgen kann. Besonders gelungen: Die Mimik der Figuren transportiert oft mehr Emotionen als die Dialoge selbst.

Und die Bedrohlichkeit der Hornissen ist so intensiv umgesetzt, dass wir glauben, im Hintergrund das tiefe Summen heran fliegender Insekten zu hören.

Zwischen Naivität und Überlebenswillen

Die Charaktere in DIE WAISE VON PERDIDA sind alles andere als stereotyp. Im Zentrum steht Claudi, ein Vierjähriger, der auf sich allein gestellt ist. Seine kindliche Naivität kollidiert mit der brutalen Realität des Planeten. Der Comic schafft es, Claudi’s Perspektive glaubhaft einzufangen: seine Angst, seine Hoffnung, aber auch seine kindliche Sicht auf die Katastrophen, die ihn umgeben.

Max, der Schmuggler, ist ein klassischer Antiheld. Er ist kein strahlender Retter, sondern ein Mann mit Vergangenheit und eigenen Problemen. Im Laufe der Geschichte wird klar, dass auch Max sich seinen Dämonen stellen muss – und vielleicht zum ersten Mal in seinem Leben die Chance bekommt, alles richtig zu machen.

Die Nebenfiguren sind nicht bloß Staffage, sondern bringen eigene Motivationen und Konflikte ein. Ob Freund oder Feind, sie sorgen für zusätzliche Spannung und überraschende Wendungen. Die Figurenentwicklung ist insgesamt glaubwürdig und facettenreich, auch wenn manche Charaktere bewusst archetypisch angelegt sind.

Besonders gelungen ist die Darstellung von Silbad (nicht Sindbad!), dessen Wissen um Perdida und seine väterliche Fürsorge für den fernen Claudi eine zentrale Rolle spielen. Ihn nimmt Max mit auf die Reise.

Ein moderner Klassiker neu erzählt

DIE WAISE VON PERDIDA ist nicht einfach nur eine weitere Science-Fiction-Geschichte. Die Vorlage stammt von Stefan Wul, einem der großen französischen Science-Fiction-Autoren der 1950er Jahre. Die Novelle wurde bereits 1982 als Zeichentrickfilm „Die Herrscher der Zeit“ adaptiert. Jean Giraud (Moebius) hatte damals seine Finger im Spiel.

Hautière und Adrián interpretieren die Geschichte neu, bleiben dabei aber näher an der literarischen Vorlage als die Verfilmung. Die Mutter von Claudi erhält im Comic z.B. eine größere Rolle und mehr Kompetenz als im Film, was der Geschichte zusätzliche Tragik verleiht. Auch ist die Sprache im Comic derber und direkter, was die Härte der Welt von Perdida unterstreicht.

Ein besonderes Merkmal des Comics ist der Spagat zwischen kindlicher Perspektive und erwachsenen Themen. Die Geschichte beginnt fast märchenhaft, wird aber schnell düster und existenziell. Die Mischung aus Abenteuer, Drama und Science-Fiction ist ungewöhnlich ausgewogen. Die Handlung ist in sich abgeschlossen. Der Comic ist ein One-Shot, der keine offenen Fragen hinterlässt.

Die emotionale Wucht, mit der der Comic arbeitet, hebt ihn von vielen anderen Genre-Vertretern ab. Die Balance zwischen Action, Spannung und Gefühl ist bemerkenswert. Wer sich auf die Geschichte einlässt, wird nicht nur unterhalten, sondern auch berührt.

Und zwischendurch blitzt ein feiner Humor in den Bildern auf, wenn die Kneipe auf dem Bergbauplaneten „L’INCAL“ heißt oder der „Dicke“ auf Gamma 10 mehr Ähnlichkeit mit einem Hutten aus Star Wars hat als mit einem Menschen.

Noch ein Wort zum Hintergrund

Régis Hautière ist ein erfahrener französischer Comicautor, der sich durch Vielseitigkeit und ein Gespür für emotionale Geschichten auszeichnet. Adrián, der spanische Zeichner, ist weniger bekannt, überzeugt aber durch seinen eigenständigen Stil, der perfekt zur Geschichte passt.

Die Adaption des Albums entstand im Rahmen der „Splitter Double“-Reihe, in der jeweils zwei Bände der französischen Originalausgabe in einem Band zusammengefasst werden. Die Comicadaption ist zudem in sich abgeschlossen und benötigt keine Vorkenntnisse – weder vom Roman noch vom Film. Wer die Vorgänger kennt, wird einige Unterschiede bemerken, kann sich aber auf eine eigenständige Interpretation freuen.

Ein interessanter Punkt: Während der Comic sich eng an die literarische Vorlage hält, wurden einige Figuren und Elemente modernisiert, um mehr Dynamik und Drama zu erzeugen. Das verleiht der Geschichte einen frischen Anstrich, ohne den Geist des Originals zu verlieren.

Fazit

Man könnte meinen, Science-Fiction-Comics hätten genug von Weltraum-Abenteuern, interstellaren Schmugglern und gefährlichen Planeten. Aber wie oft bekommt man schon eine tödliche Hornissenplage als zentralen Handlungsmotor? Die Autoren beweisen Mut zur Abwechslung und erinnern uns daran, dass das Universum nicht nur von Aliens, sondern auch von Insekten heimgesucht werden kann.

Auch der eiförmige Kommunikator ist ein schönes Detail: Wer hätte gedacht, dass ein simples Ei zum wichtigsten Lebensretter der Galaxis werden kann? Vielleicht hätte man auf der Erde öfter mal ein Frühstücksei mehr wertschätzen sollen – nur so ein Gedanke.

DIE WAISE VON PERDIDA ist ein Comic, der Science-Fiction-Fans und Comic-Kenner gleichermaßen begeistern kann. Die Mischung aus Abenteuer, Drama und emotionaler Tiefe ist selten so gelungen wie hier. Der Zeichenstil ist eigenständig und verleiht der Geschichte einen besonderen Charme, der zwischen cartoonhaft und expressiv pendelt.

Die Figuren sind glaubwürdig, die Handlung spannend und voller Überraschungen. Besonders hervorzuheben ist die Balance zwischen kindlicher Perspektive und erwachsenen Themen. Selten wurde das Überleben eines Kindes im All so eindringlich und zugleich so liebevoll erzählt.

Wer auf der Suche nach einem abgeschlossenen, emotionalen und optisch ansprechenden Science-Fiction-Comic ist, sollte dieses Album unbedingt lesen. Und wer sich bisher noch nicht vor Hornissen gefürchtet hat, wird es nach diesem Comic vielleicht tun.

Kurzum: Ein modernes Space-Western für Erwachsene, der zeigt, dass auch im All niemand wirklich allein ist – solange es Eier gibt, die Kontakt zur Außenwelt halten.

DIE WAISE VON PERDIDA

© Splitter-Verlag| Hardcover | 122 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★★★

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★★★☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★★

ISBN: 978-3-96219-117-7

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Im Zentrum steht Ryker Ruel, ein charismatischer, aber moralisch fragwürdiger Protagonist, der durch ein ultrageheimes Hightech-Gerät die Fähigkeit erhält, die Zeit stillstehen zu lassen. Doch Ryker ist alles andere als ein Held. Er ist egozentrisch, verführerisch und mit einem Hang zum Soziopathischen. Er ist jemand, der eine solche Technik nicht in Händen halten sollte und schnell wird klar, dass Macht über die Zeit zu globalen Katastrophen führen kann.

Während Ryker einen persönlichen Rachefeldzug startet, geraten weltweit Politiker ins Visier, Kunstwerke verschwinden und mysteriöse Verbrechen erschüttern die Öffentlichkeit. Die Polizei tappt im Dunkeln und nur der unscheinbare Erfinder des Geräts, Colin Shaw, ahnt, was wirklich hinter den Schlagzeilen stecken könnte.

Er wird zum Gegenspieler, der als normaler Geek gegen einen übermächtigen Gegner antreten muss. Die Handlung bleibt dabei stets auf der Höhe, wechselt geschickt zwischen Action, Thriller und fast schon philosophischen Momenten ohne sich in den üblichen Klischees zu verlieren.

STAND STILL spielt gekonnt mit Fragen um Macht und Verantwortung. Die Story ist temporeich, aber nie hektisch. Immer wieder werden die Leser mit einem moralischen Dilemma konfrontiert, ohne dass der Comic den mahnenden Zeigefinger erhebt. Die Welt wirkt glaubhaft, die Bedrohung real und die Konsequenzen des Zeitstillstands sind nicht nur für Ryker sondern auch für die gesamte Gesellschaft spürbar. So entsteht ein Sog, der uns schwer macht, das Buch aus der Hand zu legen.

Die Kreativen hinter dem Stillstand

Lee Loughridge ist in der Comic-Welt kein Unbekannter. Als Szenarist und vor allem als Kolorist hat er seit den 1990ern an zahlreichen Genre-Highlights mitgewirkt, darunter verschiedene BATMAN-Abenteuer, FABLES und ganz aktuell SOMNA – EINE GUTENACHTGESCHICHTE.

Mit STAND STILL übernimmt er als Autor das Ruder und bleibt dabei seinem Hang zu atmosphärischer Dichte treu. Loughridge versteht es, komplexe Figuren zu schaffen. Seine Geschichten sind oft geprägt von düsteren Grundtönen und psychologischer Tiefe. Auch STAND STILL macht da keine Ausnahme.

Andrew Robinson, bekannt für seine Arbeiten an HARLEY QUINN und DER FÜNFTE BEATLE, bringt seine unverkennbare Handschrift in die Zeichnungen ein. Robinsons Stil ist dynamisch, detailverliebt und gerade in Actionsequenzen beeindruckend klar.

Unterstützt wird er von Alex Riegel, der als zusätzlicher Zeichner ab dem vierten Kapitel punktuell Akzente setzt und den Look des Comics verändert. Positive formuliert könnte man sagen, dass die Zusammenarbeit der beiden für ein abwechslungsreiches Gesamtwerk sorgt. Negativ formuliert ist der Stilwechsel so extrem, dass es mir die Freude am Gesamtwerk beinahe genommen hat. Doch dazu später mehr.

Loughridge übernimmt in STAND STILL auch die Farben. Es ist ein seltener Glücksfall, wenn Autor und Kolorist in Personalunion auftreten können. Seine Farbgebung ist stimmungsvoll, setzt gezielte Akzente und verstärkt die emotionale Wirkung der Panels. Das Team harmoniert trotz meiner bisherigen Anmerkungen, was dem Comic eine besondere künstlerische Note verleiht.

Doppelseiten und Double Trouble

STAND STILL hebt sich in mehrfacher Hinsicht von vergleichbaren Sci-Fi-Comics ab. Zum einen ist da die konsequente Fokussierung auf das Thema Zeitmanipulation. Aber anders als viele Genre-Ausgaben bleibt der Comic nicht bei der reinen Superkraft stehen, sondern lotet die gesellschaftlichen, politischen und persönlichen Folgen des Zeit-Freeze aus. Die Frage „Was würdest du tun, wenn du die Zeit anhalten könntest?“ wird hier radikal zu Ende gedacht und das mit einer seltenen Konsequenz.

Ein positives Alleinstellungsmerkmal ist das Artwork im Doppelseiten-Querformat (!). Robinson nutzt die Breite der Seiten, um spektakuläre Panoramen und dynamische Bewegungsabläufe zu inszenieren. Die Panels sind großzügig, fast filmisch komponiert, was dem Comic eine besondere visuelle Wucht verleiht. Die Farbgebung von Loughridge verstärkt diesen Effekt und sorgt für eine durchgehend dichte Atmosphäre.

STAND STILL verzichtet bei seiner Erzählung auf das klassische Heldenreise-Muster. Stattdessen steht mit Ryker Ruel der Antiheld im Mittelpunkt, dessen Motive und Methoden immer wieder hinterfragt werden müssen. Das sorgt für Spannung und teils überraschende Wendungen. Auch die Nebenfiguren sind mehr als bloße Stichwortgeber. Sie erhalten Raum zur Entfaltung, was die Welt von STAND STILL lebendig macht.

Von Cliffhanger zu Cliffhanger

Die Erzählstruktur von STAND STILL ist ein echtes Highlight. Der Comic setzt auf kurze, prägnante Kapitel, die jeweils mit einem Cliffhanger enden und so permanent Spannung erzeugen. Die Story springt zwischen verschiedenen Schauplätzen und Perspektiven hin und her, bleibt aber stets übersichtlich. Dabei werden Rückblenden gezielt eingebaut, um Figuren-Hintergründe zu beleuchten ohne den Lesefluß zu bremsen.

Loughridge hält das Tempo hoch, gönnt der Handlung aber immer wieder Momente der Reflexion. Das Wechselspiel aus Action und ruhigen Szenen funktioniert hervorragend. Besonders gelungen ist dabei die Balance zwischen persönlichem Drama und globaler Bedrohung!

Während Ryker im Zentrum steht, wird die Welt um ihn herum nie zur bloßen Kulisse. Die Auswirkungen seiner Taten sind spürbar, die Nebenfiguren reagieren glaubhaft auf die eskalierende Situation.

Der Story-Arc folgt keinem klassischen Drei-Akt-Schema, sondern entwickelt sich organisch aus den Entscheidungen der Figuren. Das sorgt für Unvorhersehbarkeit und hält die Spannung bis zum Schluss hoch. Die Dramaturgie profitiert von der klaren Panel-Struktur und der gezielten Farbdramaturgie, die Stimmungen und Wendepunkte visuell unterstreicht.

Anti- und Alltagshelden

Die Figuren in STAND STILL sind alles andere als Schablonen. Ryker Ruel ist ein faszinierender Antiheld, dessen Motive und Handlungen immer wieder überraschen. Seine Entwicklung bleibt bis zuletzt ambivalent. Ist er ein Opfer seiner Vergangenheit oder ein Täter aus Überzeugung? Gerade diese Unschärfe macht ihn spannend. Der Geek als Gegenspieler ist angenehm unaufgeregt. Er wächst im Verlauf der Geschichte über sich hinaus, bleibt aber glaubwürdig in seinen Reaktionen und seinen Zweifeln.

Wie bereits erwähnt, profitieren auch die Nebencharaktere von der Vielschichtigkeit der Story. Sie sind nicht bloß Statisten, sondern tragen aktiv zur Handlung bei. Ihre Beziehungen zu Ryker und untereinander entwickeln sich im Lauf der Geschichte weiter. Besonders gelungen sind die Dialoge. Sie sind manchmal lakonisch, immer jedoch auf den Punkt. So entsteht eine dichte Atmosphäre, die auch in den ruhigeren Passagen trägt.

Die Charakterentwicklung verläuft nicht linear, sondern spiegelt die chaotischen Auswirkungen des Zeitstillstands wider. Entscheidungen haben Konsequenzen und niemand bleibt letztendlich unversehrt. Das sorgt für Authentizität und emotionale Tiefe, was im Genre der Sci-Fi-Thriller nicht immer vorkommt.

Kino im Querformat

Das Artwork der ersten dreieinhalb Kapitel von STAND STILL ist ein echtes Fest für die Augen. Andrew Robinson nutzt das Doppelseitenformat meisterhaft, um große Actionszenen und ruhige Momente gleichermaßen eindrucksvoll in Szene zu setzen. Sein Stil ist dynamisch, mit klaren Linien und einer Liebe zum Detail, die gerade in den städtischen Panoramen zur Geltung kommt. Ein Vergleich zu SHOOTING RAMIREZ von Nicolas Petrimaux drängt sich bei Robinson’s Stil geradezu auf. STAND STILL überbrückt somit gut die Zeit, bis dort auch endlich der dritte Band auf der Ladentheke liegt. (Vorsicht, ja, auch hier scheint die Zeit still zu stehen!)

Die Figuren sind ausdrucksstark, die Mimik nuanciert. Dies ist ein echter Pluspunkt für die emotionale Wirkung des Comics. Er verantwortet den grafischen Teil bis Mitte zur vierten Kapitels, danach übernimmt aus Zeitgründen (leider) Alex Riegel. Robinson war in anderen Projekten zu eingespannt und sich hier weiter beteiligen zu können. Schade.

Wechsel bei den Zeichnern

Alex Riegel bringt einen eigenen Stil mit – nun, ja – eigenen Akzenten ein. Der Zeichnerwechsel sorgt für Abwechslung, stört meiner Meinung nach dabei aber den visuellen Fluss.

Wo Robinson messerscharfe Zeichnungen abliefert, sind Riegel’s skizzenhafter und wirken wie unter Zeitdruck hingeworfen. Seine Zeichnungen machen es mir persönlich unnötig schwer, die Protagonisten wiederzuerkennen. Dadurch verliert das Werk in der zweiten Hälfte leider sehr an Attraktivität.

Ich habe mir in der zweiten Hälfte immer vorgestellt, Loughridge wäre ausgefallen und das Album nur in Schwarz-Weiss erschienen, nach dem Inking veröffentlicht. (Nein, das möchte ich mir nicht wirklich vorstellen.) 

Die Panels sind großzügig angelegt, die Seitenaufteilung bleibt übersichtlich. Robinson und Riegel nutzen die Möglichkeiten des Mediums aus und spielen mit Perspektiven und Lichtstimmungen. Das Ergebnis ist ein Comic, der nicht nur erzählt, sondern mich anfangs auch visuell begeistert hat.

Und sonst?

Zuletzt bleibt noch, die Farbgebung von Lee Loughridge besonders hervorzuheben. Sie ist nicht nur atmosphärisch, sondern auch dramaturgisch klug eingesetzt. Farben unterstreichen Stimmungen, markieren Zeitsprünge und setzen gezielte Kontraste.

Ja, bei meinem oben genannten Gedankenspiel fehlen sie mir wirklich. Die Kolorierung rettet in der zweiten Hälfte eine Menge. Und genau das lässt ihren Wert für das Gesamtwerk erkennen.

Zeitgeschichte trifft auf Zeitstopp

STAND STILL ist in einer fiktiven Gegenwart verortet, spielt aber immer wieder mit historischen Verweisen. Die Idee, dass Technologie gesellschaftliche Machtverhältnisse radikal verschieben kann, erinnert an die klassische Science-Fiction der 1970er und 1980er Jahre. Auch die Darstellung von politischen Intrigen und globalen Krisen knüpft an reale Ereignisse der jüngeren Vergangenheit an. So entsteht ein Spannungsfeld zwischen Fiktion und Realität, das den Comic besonders relevant macht.

Die Frage nach Verantwortung im Umgang mit Technologie ist hochaktuell und das zentrales Motiv. STAND STILL reiht sich damit ein in eine lange Tradition von Werken, die gesellschaftliche Entwicklungen durch die Linse der Science-Fiction reflektieren. Historische Parallelen werden angedeutet, ohne dass der Comic belehrend wirkt. Aus meiner Sicht lädt er vielmehr dazu ein, über die eigene Gegenwart nachzudenken.

Ein Einzelgänger im Comicregal

STAND STILL ist eine One-Shot Mini-Serie, die ursprünglich bei Image Comics erschienen ist. Der Splitter Verlag hat den Comic nun als Einzelband im Hardcover konzipiert. Hier bekommt man die abgeschlossene Geschichte, die alle Fäden sauber zusammenführt und keine Kenntnisse voraussetzt.

Das macht den Einstieg auch für Gelegenheitsleser leicht und für Fans der Macher gibt es gelegentlich kleine Anspielungen auf frühere Werke z.B. in der Farbgebung oder der Erzählweise. Aber irgendwie wünscht man sich dann doch, dass die Geschichte weitergehen würde. Einfach weil Robinson’s Artwork so heraus sticht und die Zeit-Thematik noch viele interessante Wendungen bereithält.

Der Comic steht für sich, profitiert aber von den Erfahrungen der Kreativen aus anderen Projekten. Wer Loughridge, Robinson oder Riegel aus anderen Comics kennt, wird kleine stilistische Wiedererkennungswerte entdecken. Ein nettes Extra für Kenner. Aber kein Muss.

Fazit

STAND STILL ist ein Sci-Fi-Thriller, der nicht nur durch seine Prämisse, sondern vor allem durch seine Umsetzung weitestgehend überzeugt. Die Geschichte ist spannend, die Figuren vielschichtig, das Artwork teils atemberaubend. Loughridge, Robinson und Riegel liefern ein Gesamtpaket ab, das sowohl für Einsteiger als auch Comic-Profis geeignet ist. Die Frage nach Macht, Verantwortung und Moral wird hier nachdrücklich und ohne erhobenen Zeigefinger aber auf höchstem, narrativem Niveau behandelt.

Wer Lust auf einen Comic hat, der Tempo, Tiefgang und visuelle Wucht vereint, sollte STAND STILL unbedingt lesen. Es ist ein Werk, das nachhallt, zum Nachdenken anregt und dabei streckenweise beste Unterhaltung bietet. Also: Zeit anhalten, Comic aufschlagen – und schauen, wie sich die Welt verändert hat, nachdem man aus dem Werk wieder aufgetaucht ist!

STAND STILL

© Splitter-Verlag | Hardcover | 256 Seiten | Farbe

Storyline:   ★★★★☆
Zeichnungen:  Robinson ★★★★★(★) / Riegel ★★☆☆☆
Lettering:  ★★★★★
Humor:  ★☆☆☆☆
Meine persönliche Bewertung:  ★★★★☆
ISBN: 978-3-96792-017-8

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Buenos Aires, 1963: Juan Salvo sitzt mit seiner Familie und Freunden beim Kartenspiel, als es zu schneien beginnt. Der Schnee, der auf die Stadt fällt, ist tödlich, sein Gift dringt durch jede Ritze, wer mit ihm in Berührung kommt, stirbt sofort. Außerirdische haben Buenos Aires erobert, mit Hilfe des Schnees, Rieseninsekten und versklavten Wesen eines anderen Planeten töten SIE die Bewohner der Stadt oder verwandeln sie in Robotermenschen. Juan Salvo und seine Freunde gehören zu den wenigen Überlebenden. Sie entschließen sich, gehen den übermächtigen Feind in den Kampf zu ziehen. Ein Kampf, bei dem Salvo nicht nur sein eigenes Leben aufs Spiel setzt – sondern auch das seiner Familie…*

„El Eternauta“ von Héctor Germán Oesterheld und Francisco Solano López ist nicht nur ein Klassiker der argentinischen Comicgeschichte. Es ist auch ein Werk von universeller Strahlkraft. Der Comic erschien zwischen 1957 und 1959 in 106 Folgen in der Zeitschrift „Hora Cero“ und hat sich als Allegorie auf politische Unterdrückung, als Plädoyer für Solidarität und als künstlerische Innovation tief in das kollektive Gedächtnis Lateinamerikas eingebrannt. Gleichzeitig ist die Geschichte des Comics untrennbar mit dem Schicksal seines Autors, seiner Familie und der Tragödie der argentinischen Junta-Diktatur verbunden.

Die Geschichte

Im Zentrum von ETERNAUTA steht Juan Salvo, ein Familienvater, der gemeinsam mit Freunden in Buenos Aires beim Kartenspiel von einer tödlichen Invasion überrascht wird. Der Angriff beginnt mit einem giftigen Schneefall, der alles Leben auslöscht, das ihm ungeschützt begegnet. Salvo, seine Familie und eine kleine Gruppe Überlebender haben Glück. Durch gemeinsame Anstrengungen gelingt es ihnen, sich schützende Anzüge zu erstellen und sich lebensnotwendige Dinge zu beschaffen. Erst später stellt sich heraus, dass der giftige Schneefall in Wahrheit der Angriff einer außerirdischen Spezies ist, die aggressiv gegen den letzten menschlichen Widerstand vorgeht.

Um Salvo herum entsteht eine Widerstandsgruppe aus den wenigen, die den Angriff zufällig überlebt haben. Diese Gruppe zieht nun los, um zu überleben und den – aussichtslosen – Kampf gegen die Invasoren aufzunehmen. Ähnlich wie in modernen, filmischen Endzeitserien wechseln die Mitglieder der Gruppe häufiger, weil es Tote oder neu hinzugekommene Verbündete gibt.

Zum Schluss ist Salvo der einzige aus seiner ursprünglichen Gruppe, der noch übrig ist. Er ist zum ewig Reisenden geworden, zum „El Eternauta“, der letztendlich wieder in seiner Heimatstadt landen wird.

Eine neue Erzählstruktur

Oesterheld betritt mit seiner Geschichte Neuland. Er nutzt eine Rahmenhandlung, in der ein Comicautor (!) Besuch vom „Eternauten“ (Salvo) erhält und der ihm seine Geschichte erzählt. Wobei der Begriff „Besuch erhalten“ viel zu vereinfacht ist. Der „Eternaut“ erscheint dem Autor aus dem Nichts, was der Geschichte eine zusätzliche Metaebene hinzufügt.

Zur damaligen Zeit war die Verwendung von Metaebenen ungewöhnlich und wurde erst viel später von international bekannten Autoren wie Grant Morrison (All-Star Superman, Heavy Metal Magazin) oder Cary Bates (The Flash, Superman) aufgegriffen.

Der Story-Arc entwickelt sich als fortlaufende Serie von Cliffhangern, in der auf jede überstandene Gefahr eine weitere, noch größere Bedrohung folgt. Und doch ist die Geschichte weit mehr als nur ein Science-Fiction-Abenteuer.

Sie ist eine Parabel auf den Widerstand einer Zivilgesellschaft gegen übermächtige, anonyme Mächte. Sie ist ein Plädoyer für Gemeinschaft und Menschlichkeit in Zeiten einer Katastrophe.

Der Comic ist dabei keine einfache Heldenerzählung. Juan Salvo ist kein Superheld, sondern gewinnt seine Stärke aus der Solidarität mit anderen. Auch sind die Überlebenden keine Einzelgänger, sondern eine Schicksalsgemeinschaft, deren Zusammenhalt immer wieder auf die Probe gestellt wird und die nur durch das geschaffene Netzwerk überhaupt lebens- bzw. überlebensfähig sind..

Die Charaktere

Die Figur des Juan Salvo ist das emotionale Zentrum des Comics. Als Familienvater und einfacher Bürger steht er für das „kollektive Heldentum“, welches Oesterheld als Gegenentwurf zum erstarkenden Superhelden-Mythos der US-Comics entwickelt hat. Dort die wahrlich einsamen Helden wie Superman, Batman oder die Green Lantern, hier die Mitglieder der sozialen Gemeinschaft, die zusammenstehen und sich gegenseitig stützen.

Salvo ist verletzlich, zweifelnd, aber auch entschlossen. Seine Charakter-Entwicklung ist von Verlust geprägt, von wiederkehrender Hoffnung und der ständigen Suche nach seiner Familie. Und doch ist seine Suche von Einsamkeit geprägt. Er wird zum „ewigen Reisenden“ zwischen den Dimensionen, zum „El Eternauta“. In gewisser Weise gleicht er hierin dem Batman, der ja als Einziger des DC-Universums keine Superkräfte besitzt und sich nur auf seine Intelligenz und erlernte Fähigkeiten verlassen kann.

Auch die Nebenfiguren sind keine bloßen Statisten. Die Freunde, Nachbarn und Mitstreiter spiegeln unterschiedliche Facetten der argentinischen Gesellschaft wider. Wir finden Mut, Angst, Verrat und Opferbereitschaft in ihren Reihen. Die Dynamik der Gruppe, das Aushandeln von Führung, Vertrauen und Misstrauen, wird mit großer psychologischer Präzision erzählt. Oesterheld gelingt es, in wenigen Strichen glaubwürdige Charaktere zu zeichnen, die für die Zerbrechlichkeit sozialer Bindungen in Extremsituationen stehen. Und er nimmt sich Zeit, die jeweilige Figurenentwicklung zu begleiten.

Klassische Präzision und experimentelle Abstraktion

Demgegenüber prägt Francisco Solano López die Urfassung von ETERNAUTA mit einem Stil, der sich an den internationalen Standards der 1950er Jahre orientierte, aber bereits eine spezifisch argentinische Handschrift erkennen lässt. Wir sehen strenge, oft fast abstrakte Schwarz-Weiß-Panels, die viel Raum für Leere und Andeutung lassen. Die Stadtansichten von Buenos Aires sind skizzenhaft, beinahe gespenstisch und verstärken das Gefühl von Isolation und Bedrohung.

Die Panel-Struktur folgt einer gemächlichen Präzision, die den Fortsetzungscharakter des ursprünglichen, in „Hora Cero“ erschienenen Comics unterstreicht. Die Dramaturgie lebt von virtuosen Cliffhangern, die das Lesetempo bestimmen und die Spannung hochhalten. Besonders auffällig ist die Reduktion auf das Wesentliche. Wo nordamerikanische Comics oft in opulenten Details und knalligen Farben schwelgen, setzt López auf Andeutung und Atmosphäre.

López Panel-Struktur entspricht den Sehgewohnheiten seiner Zeit. Durch die bewusste Reduktion auf das Wesentliche, insbesondere in den Schwarz-Weiß-Panels, entsteht eine bedrückende Atmosphäre der Leere, der Isolation und der Bedrohung, die ein Gefühl kollektiver Ohnmacht – auch in Zeiten politischer Repression – widerspiegelt. Die abstrahierende Darstellung der Stadtlandschaften und Figuren lenkt den Blick weg fort von individuellen Details, hin zu universellen Erfahrungen von Angst, Zusammenhalt und Widerstand.

Das Lettering bleibt schlicht, ist dabei aber effizient. Die erzählerischen Textpassagen sind umfangreich und verhindern, dass sich der Leser hastig durch die Geschichte durchblättert. Auf diese Weise unterstreichen sie das Pacing der bedrückenden Handlung. Nichts geht wirklich schnell – mit Ausnahme des Schneefalls zu Beginn – und alles braucht in diesem Comic seine Zeit.

Neuinterpreatation von Alberto Breccia

Eine spätere Neuinterpretation der Geschichte von 1969, gezeichnet von Alberto Breccia, wird künstlerisch noch eins draufsetzen: Breccia experimentiert mit Tusche, Wischtechnik und Collagen, setzt auf Schlaglichter und Stimmungen statt auf lineare Erzählung. Dieser Stilbruch verstärkt die Ästhetik und deutet – durch zeichnerische Veränderung – die zunehmende Politisierung Oesterhelds und die gesellschaftlichen Umbrüche Argentiniens an.

Oesterheld’s Schicksal

Die Entstehung und Rezeption von ETERNAUTA sind leider untrennbar mit dem Leben Héctor Germán Oesterheld’s und seiner Familie verbunden. Ursprünglich als spannender Science-Fiction-Comic konzipiert, wurde das Werk im Nachhinein vielfach als prophetische Allegorie auf die Schrecken der kommenden argentinischen Militärdiktatur gelesen.

Oesterheld selbst radikalisierte sich im Laufe der 1960er und 70er Jahre politisch, engagierte sich im Widerstand gegen die Diktatur und wurde – ebenso wie seine vier Töchter – von den Militärs verschleppt und 1977 (wahrscheinlich) ermordet. Genaueres ist bis heute nicht bekannt.

Im „ETERNAUTA II“, der nur fragmentarisch gebliebenen Fortsetzung aus den späten 1970er Jahren, verarbeitete Oesterheld explizit die Erfahrungen von Repression und Verlust.

Der Comic ETERNAUTA wurde zum Symbol für den Widerstand gegen die Diktatur, für die „Desaparecidos“ und die endlose Suche nach den verschwundenen Angehörigen. Der Mythos des „Eternauten“ – des ewigen Suchenden und Widerständigen – wurde in Argentinien so zur Chiffre für das kollektive Trauma eines ganzen Landes.

Vergleich mit anderen lateinamerikanischen Comics

ETERNAUTA steht in einer Reihe mit anderen bedeutenden Werken der lateinamerikanischen Comicgeschichte. Speziell hebt er sich durch seine politische und ästhetische Radikalität deutlich ab. Während viele brasilianische und mexikanische Comics der 1950er und 1960er Jahre auf Abenteuer, Humor oder Folklore setzten, entwickelte sich in Argentinien eine Tradition der engagierten, oft düsteren Graphic Novel, die gesellschaftliche Missstände thematisiert. Humor suchen wir hier vergebens.

Ein Vergleich mit „MORT CINDER“ (ebenfalls von Oesterheld, gezeichnet von Breccia) zeigt, wie sehr der argentinische Comic von existenziellen Themen und einer pessimistischen Weltsicht geprägt ist.

Beide Werke teilen die Faszination für das Überleben in einer feindlichen Welt, für die moralische Integrität des Einzelnen und für die Macht der Erinnerung.

Kult-Comic und Symbol

Die Wirkung von ETERNAUTA reicht weit über die Comic-Szene hinaus. In Argentinien wurde der Comic zum Symbol des Widerstands gegen die Diktatur und der Suche nach Gerechtigkeit für die „Verschwundenen“. Die Figur des „El Eternauta“ ist heute Teil der politischen Ikonografie: Bei Demonstrationen für Menschenrechte taucht das Bild des „Tauchers“ immer wieder auf.

Auch international wird ETERNAUTA als eines der bedeutenderen Werke der Comicgeschichte gewürdigt. Er gilt als Beispiel für die Möglichkeiten des Mediums, gesellschaftliche Traumata zu verarbeiten und kollektive Erinnerungen zu bewahren.

Fazit

ETERNAUTA ist mehr als ein Science-Fiction-Comic. Es ist ein universelles Werk über Angst und Hoffnung, Verlust und Solidarität, individuelle und kollektive Verantwortung. Das Schicksal seines Autors verleiht ihm eine zusätzliche Dimension, denn ETERNAUTA ist nicht nur Fiktion. ETERNAUTA ist Teil der realen Geschichte eines ganzen Landes. Das Werk ist ein bleibendes Symbol für Menschlichkeit im Angesicht des Unmenschlichen.

Die Geschichte des „El Eternauta“ endet mit der Niederlage des „Helden“ Juan Salvo. Er ist dazu verdammt, auf ewig seine Familie zu suchen. Etwas, mit dem sich immer noch sehr viele Argentinier identifizieren können.

Für ihre Bearbeitung ähnlicher Einzelschicksale in Form eine Graphic Novel ist Ulli Lust mit ihrem Band „Die Frau als Mensch“ vor Kurzem mit dem Sachbuchpreis des Börsenvereins des Deutschen Buchhandels zurecht ausgezeichnet worden. Sie reiht sich damit – wie schon Hector German Oesterheld – in die Reihe derjenigen ein, die die sequenzielle Erzählung zur mehr nutzen als nur zur Unterhaltung.

Eigentlich war ich im Buchladen, um nach etwas Aktuellem, Neuerschienen Ausschau zu halten. Stattdessen lag dieses Album vor mir, dass mich geradezu anbettelte, es mitzunehmen. Trotz einer, den heutigen Seh- und Lesegewohnheiten stark entgegen stehenden Präsentation der Geschichte zog mich die Handlung unmittelbar in ihren Bann. Also nahm ich das Album mit …

ETERNAUTA ist keine leichte Kost, ganz im Gegenteil. Aber sowohl die zeichnerischen Mittel als auch Osterheld’s Art, die Geschichte zu erzählen, hatten mich fasziniert.

ETERNAUTA

© Avant-Verlag| Hardcover | 392 Seiten | Schwarz-Weiss (Querformat)

Storyline:   ★★★☆☆
Zeichnungen:  ★★★★☆
Lettering:  ★★★☆☆
Humor:  ☆☆☆☆☆
Meine persönliche Bewertung:  ★★★★☆
ISBN: 978-3-945034-35-4

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

Fussnote

* Verlagsbeschreibung

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Zwei Opas auf großer Fahrt: Der Startschuss

Die in die Jahre gekommenen Zwillinge Helis und Helias wollen einen solchen Road-Trip genießen und machen sich auf, die Vereinigten Staaten zu durchqueren, von Kalifornien nach New York. Das Besondere daran: sie wollen die rd. 3.000 Meilen-lange Strecke in einem alten Ford-T-Modell befahren, in dessen Besitz sie durch einen Zufall gekommen sind und dass sie selbst – in monatelanger, liebevoller Kleinarbeit – gemeinsam restauriert haben.

Die Brüder starten mit Beginn der Sommerferien, verlassen den Großraum San Fransisco’s Richtung Süden und gelangen nach einiger Zeit auf die mit dem Lineal gezogenen Strassen, die durch Wüsten ähnliche Gebiete führen. Landschaft, Weite, kaum Menschen und auf der EVIL ROAD keine Bäume. 

Ein Pinkelstopp mit fatalen Folgen

Letztere vermisst Helias ziemlich schnell, als sich seine Blase meldet und er seinen Bruder bitten muss, an einem völlig verdreckten Schrott-LKW am Wegesrand anzuhalten. (Warum Männer immer ein Objekt brauchen, um sich zu erleichtern, wird wohl nie abschließend geklärt werden. Die bekannten Theorien über Spritz-/Schutz von vorne, Reviermarkierungen oder einfachen Gleichgewichtsfragen bieten jedenfalls abschließend keine befriedigende Antworten.)

Nach vollbrachtem Werk und einigen Witzeleien geht es für die Brüder schließlich weiter. Nur, dass der Schrottlaster eben nicht verlassen am Wegesrand stand und sich der Fahrer – nun ja, „angepisst“ fühlt. Der Road-Trip wird zum Horror-Trip. Wie es um den geistigen Gesundheitszustand des Fahrers bestellt ist, sehen wir schon daran, dass er sich weder zu erkennen gibt, noch sofort auf Helias‘ „Tat“ reagiert und die Zwillinge ab sofort lieber jagt. Die Rücksichtslosigkeit des Trucks und die damit verbundenen Gefahren für Leib und Leben bringen die beiden Reisenden schnell an ihre physischen und psychischen Grenzen.

Truck des Todes: Zwischen Hommage und Abklatsch

Dominique Monféry, der Autor und Zeichner des Albums, nimmt bei seiner EVIL ROAD unverkennbar Anleihen bei Steven Spielberg’s Kurzfilm „Duell“ aus dem Jahre 1971. Im Gegensatz zu Spielberg zeigt uns Monféry aber nie, ob wirklich jemand am Steuer des Abschlepp-Trucks sitzt. Vielleicht hat er sich ja auch bei einem anderen Stephen (King) bedient und eine „Christine“ zum Leben erweckt. Der Truck selbst wird zum Antagonisten unserer Helden. Im Laufe der Geschichte wird nicht abschließend geklärt, ob es einen Fahrer gab und das lässt mich ratlos zurück.

Die Geschichte ist linear, auf schmalen 48 Seiten gradlinig erzählt und hat neben starken Actionszenen auch ruhige Momente. Soweit, so gut. Um aber ehrlich zu sein: ich tue mich mit dem Album insgesamt schwer!

Der Abschlepper der EVIL ROAD ist eine so übermächtige Bedrohung, dass ihm ein uralter Ford Model T mit zwei alten Knackern am Lenker nicht gewachsen sein dürfte. Und doch ist genau das der Fall.

Eine Identifikation mit den Protagonisten ist mir zudem kaum möglich, da es sich um Zwillinge handelt, die sich – vom Wesen her – auch noch sehr ähnlich sind. Welche Mutter ohne größere Ambitionen gibt ihren Kindern Namen wie Helis oder Helias? „Sonne, Licht“ und „der Mächtige“? Und trotz eines gemeinsamen Gegners streiten sich die zwei immer wieder wie die Kesselflicker. Brüder? Ja, natürlich. Aber auch potentielle Sieger eines solchen Straßenkrieges? Nein, eher nicht.

Sonnenstich statt Story-Logik?

Auch scheinen sich unsere Protagonisten mehr Gedanken um die Restaurierung des Fahrzeugs als um die Planung der Reise gemacht zu haben, selbst wenn uns ein kleines Panel etwas anderes glauben lassen möchte. Bei der Planung der Reise haben die Zwillinge sich für eine südliche Route durch Wüsten und ähnliche Landschaften entschieden. Und das obwohl sie ein Cabrio restauriert haben? Obwohl Helias kein Hutträger ist und ihm stundenlang die Sonne das Hirn weich kochen wird? Auch verlangt die Handlung von den Zwillingen, die nicht mehr die jüngsten sind, körperliche Stunts ab, die selbst in der heutigen Zeit unglaubwürdig wären. Doch dazu spoilere ich hier nichts weiter.

Im Gegensatz zu Spielberg’s Duell, dass einen Kampf Mann-gegen-Mann darstellt und durch die vermeintliche Überlegenheit des Trucks gegenüber dem roten Plymouth Valiant De Luxe des Protagonisten bei ihm – und dem Zuschauer – paranoide Züge begünstigt, treffen die beschriebenen Geschehnisse bei mir als Leser keinen Nerv.

Paranoide Personen sind üblicherweise mit ihrem individuellen Angstempfinden allein, allein in der Weite des Landes, auf unbelebter Straße. Aber nicht hier. Die Zwillinge sind nie allein. Das nimmt dem Album die Kraft. (Vorsicht Spoiler:) Existiert dieser Twist vielleicht nur, weil die Antagonisten ebenfalls Zwillinge sind? Nur damit – nachdem einer erledigt wurde und man sich endlich sicher fühlen könnte – der zweite wie Kai-aus-der-Kiste auftaucht? Dieser Effekt ist billig und eine vergebene Chance! Aber vielleicht wollte sich Monféry auch einfach nur zu sehr von „Duell“ abheben.

Licht, Farbe, Panelkunst: Monféry’s Kino im Comic

Was mich an EVIL ROAD von Beginn an fasziniert hat, sind die lebendigen Zeichnungen von Dominique Monféry, der Ende der 80er-Jahre als Animator angefangen und später sogar eine Oscar-Nominierung erhalten hat. Die klassische Panel-Abfolge ist an vielen Stellen mit den Sehgewohnheiten der (ebenfalls) klassischen Kinogänger kompatibel, in ihrer Ausrichtung abwechslungsreich, aber wenig dynamisch. Eine Kinoleinwand eben, die auf Comic-Format herunter gebrochen wurde.

Man merkt Monféry an, dass er sein Anmiations-Handwerk versteht. Er beherrscht den Einsatz von Licht und Schatten, die Farbkomposition ist stimmig, die ausdrucksstarke Mimik der Handelnden und die wuchtige Darstellung der Action-Sequenzen machen das Album visuell zu einem echten Hingucker. Das war auch genau das, was mich zum Kauf animiert hat. Und aus diesem Grund habe ich ihn nicht bereut.

Comic ohne Kompass: Zwischen den Genres verloren

Der Comic entzieht sich den üblichen Genre-Schubladen. Er ist kein einfaches Road-Movie, kein Krimi, kein Thriller, vor allen Dingen aber auch kein Funny. Ja, er hat gewisse Horror-Elemente, hat aber gleichzeitig keine Protagonisten, die ich gern haben und mit denen ich ernsthaft mitfiebern kann.

Echter Horror, der sich des überraschenden Moments bedient, kann in den Weiten dieser Wüste glaubhaft nicht entstehen. Ja, Monféry lässt den Truck immer wieder aus dem Nichts auftauchen, aber eine gute Erklärung dafür liefert er nie und damit ist es bloße Effekthascherei.

Finale ohne Wirkung – David gegen Goliath, mal zwei

Helis und Helias wachsen über sich hinaus und werden am Ende überlebt haben. Aber dieser erfahrene Goliath, der – wie wir auch erfahren – schon zahlreiche Morde begangen hat, soll diesen beiden David’s nicht gewachsen sein? Obwohl es sogar zwei von dieser üblen Sorte gibt?

Die Protagonisten erinnern mich sehr an Jack Lemon und Walter Matthau in ihren besten Tagen. Ein Gespann, dass auf ihre Weise eine Komödie abliefert, aber keine echte Heldenreise absolviert. Helis und Helias werden zum Schluss wieder in der Garage sitzen, das herunter gekommene Wrack des Ford an ihrer Seite. Ob sie es nach den Geschehnissen noch einmal aufarbeiten, lässt die Geschichte offen. Im Augenblick fühlen sich die Beiden wohl einfach nur alt, uralt – wie das T-Modell selbst.

Schöner Schein, schwache Story

Böse Zungen werden behaupten, dass man das alles hätte erahnen können und dass einem das Cover bei genauem Hinsehen bereits einen versteckten Hinweis gegeben hätte: denjenigen, die uns zu sehr folgten, zeigen wir den Stinkefinger… EVIL ROAD hin oder her!

EVIL ROAD

© Splitter Verlag| Hardcover | 48 Seiten | Farbe

Storyline:   ★☆☆☆☆
Zeichnungen:  ★★★★☆
Lettering:  ★★★☆☆
Humor:  ★☆☆☆☆
Meine persönliche Bewertung:  ★★☆☆☆
ISBN: 978-3-96445-131-6

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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