Plötzlich stehen Comics nicht nur in den hinteren Regalen von Buchhandlungen, hängen an Wänden von Nerds oder liegen auf Tischen – nein, sie ziehen durch Plätze, Theater, Museen, Schaufenster und Gespräche. Genau das macht den Reiz eines Festivals aus. Es ist groß genug, um beinah die ganze Branche zu versammeln und zugleich kompakt genug, damit man nach wenigen Stunden das Gefühl hat, mitten im Geschehen zu sein.

Für 2026 kündigt der Salon auf seiner Website wieder rund 300 Aussteller, mehr als 500 Künstlerinnen und Künstler und ein dichtes Programm aus Messe, Ausstellungen, Gesprächen und Signierstunden an. Die Zahlen der letzten Ausgabe zeigen, dass dies keine freundliche Übertreibung ist: 2024 kamen rund 30.000 Besucherinnen und Besucher, es gab 325 Aussteller, 582 gemeldete Künstlerinnen und Künstler, 278 Veranstaltungen und 25 Ausstellungen.

Was den INTERNATIONALEN COMIC-SALON ERLANGEN (ICSE) so erfolgreich macht, ist nicht bloß seine Größe. Andere Festivals haben mehr Pathos, mehr Glamour oder mehr pop-artige Begleitgeräusche. Erlangen dagegen hat eine seltene Mischung aus Ernsthaftigkeit, Neugier und Bodenhaftung. Hier treffen auf engem Raum Buchhandel und Verlage auf Hochschulen, Sammler und Familien auf Zeichner, Kritiker und Gelegenheitsleser auf Hardcore-Fans. Und manchmal gerät der eine oder Tourist in den Trubel, ohne zu wissen, wie ihm – oder ihr – geschieht.

Das Festival will Kunst zeigen, aber es will sich nicht von seinem Publikum abkoppeln. Es nimmt Comics als Kunstform ernst, ohne sie hinter Museumsglas einzusperren. Genau deshalb fühlt sich Erlangen nie wie ein Branchentermin unter Ausschluss der Öffentlichkeit an, sondern wie ein offenes Stadtfest für die Neunte Kunst. (Diesen Begriff prägte ursprünglich der Journalist und Schriftsteller Francis Lacassin. Eine passende Muse lieferte er uns jedoch nicht gleich mit. Schade eigentlich.)

Wie Erlangen zur festen Adresse wurde

Die Geschichte des Salons ist spannender, als der nüchterne Festival-Name zunächst vermuten lässt. Gegründet wurde er 1984, also in einer Zeit, in der Comics in Deutschland zwar längst gelesen wurden, kulturell aber noch deutlich weniger Ansehen genossen. (Und ja, auch heute ist das sogenannte Standing der bunten Hefte und Alben immer noch ausbaufähig.)

In Erlanger Unterlagen zur geplanten Entwicklung eines Comic-Museums steht ziemlich deutlich, dass die Stadt damals ihrer Zeit voraus war. Der Salon habe über Jahrzehnte den Stellenwert der Comic-Kunst mitgeprägt und Erlangen zu einem weithin beachteten Ort der Neunten Kunst gemacht.

Zugleich erinnert eine städtische Publikation daran, dass der frühere Kulturreferent Wolf Peter Schnetz jene kommunale Kulturlandschaft mit aufgebaut hat, aus der neben dem Comic-Salon auch das Figurentheater-Festival und das Poetenfest hervorgingen. Man kann also sagen, dass der Salon keine Laune oder netter Zufall war, sondern Teil einer kulturpolitischen Strategie, die erstaunlich weitsichtig gewesen ist.

Das zweite spannende Detail liegt in der Stadt selbst. Erlangen ist eben nicht Berlin, nicht Hamburg oder Köln. Und gerade das hilft im Drei-Länder-Eck der deutschsprachigen Interessierten aus Deutschland, Österreich und der Schweiz.

Ein offizielles Eckpunktepapier der Stadt beschreibt, wie Ende der siebziger und Anfang der achtziger Jahre mehrere große Festivals den Ruf Erlangens als Festivalstadt begründeten.

Zwischen Angoulême, Lucca und Luzern

Der Vergleich mit anderen europäischen Festivals wird das Besondere von Erlangen erst richtig deutlich.

Angoulême (Frankreich) denkt den Comic stark vom Autor und vom vergebenen Preis her. Auf der offiziellen Seite des Festivals wird ausdrücklich betont, dass die Künstlerinnen und Künstler im Zentrum stehen.

Lucca (Italien) wiederum beschreibt sich gern selbst als eines der größten Community-Events der westlichen Welt und feiert ganz offen die Popkultur aus Comics, Games, Kino und mehr in aller Breite.

Fumetto in Luzern (Schweiz) setzt seit 1992 traditionell stärker auf Ausstellung, Kunst-Anspruch und Avantgarde, ausdrücklich ohne einen klassischen Messehintergrund.

Erlangen wiederum liegt irgendwo dazwischen, aber eben nicht unentschlossen, sondern ziemlich eigenständig. Gerade darin steckt seine Stärke. Das deutsche Festival ist konzentrierter als Lucca, zugänglicher als viele rein kunstorientierten Formate und weniger von Preislogik dominiert als Angoulême, obwohl in Erlangen der renommierte Max-und-Moritz-Preis vergeben wird.

Das Festival verbindet Kunst und Kommerz, Mainstream und Avantgarde – so beschreibt es die offizielle Selbstdarstellung selbst. Und anders als bei vielen Messen bleibt dieses Versprechen nicht bloß ein Slogan. Wer morgens in eine Ausstellung geht, mittags durch die Zelte streift, nachmittags einer Diskussion zuhört und abends im Markgrafentheater zur Preisverleihung landet, merkt schnell, wie sauber diese Bausteine ineinandergreifen.

Der ICSE wirkt nicht wie eine Ansammlung einzelner Programmpunkte, sondern wie ein aus der Stadt heraus gebautes Ganzes.

Kleine Stadt, ganz groß

Der Comic-Salon findet seit 1984 im zweijährigen Wechsel mit dem Internationalen Figurentheater-Festival und dem Poet*innenfestival statt. Wie viele andere, große europäische Comic-Festivals sitzt auch Erlangen in einer kleineren Stadt mit historischer Kulisse. Hier entsteht daraus ein geschlossener Kreislauf.

Man läuft sich dauernd über den Weg. Die Wege sind kurz, Begegnungen nicht künstlich arrangiert und die Stadt selbst spielt mit. Das klingt zuerst einmal simpel, ist aber ein echter Standortvorteil.

Ein drittes Detail erklärt, warum der Salon mehr als eine Messe mit Rahmenprogramm ist. Aus ihm sind Strukturen entstanden, die weit über das Festival hinausreichen. Die Idee eines Comic-Museums in Erlangen wird seit Jahren ernsthaft verfolgt, ausdrücklich mit Verweis auf die Bedeutung des Salons. Auch existiert das 1986 gegründete International Comic-Seminar. Dazu kommt das Festival im Festival KINDER LIEBEN COMICS, das 2016 gestartet ist und in diesem Jahr sein zehnjähriges Bestehen feiert.

Dies ist kein schmückendes Beiwerk. Es zeigt, wie bewusst in Erlangen an der nächsten Generation von Künstlerinnen und Künstlern, Leserinnen- und Lesern gearbeitet wird. Wer Comics nur als Nostalgie für ältere Fans versteht, bekommt hier seit Jahren das Gegenteil vorgeführt.

Wenn selbst ein Erfolgsfestival rechnen muss

So robust der Comic-Salon kulturell dasteht, so wenig ist er von den Finanzproblemen seiner Stadt abgekoppelt. Genau darin liegt derzeit der wunde Punkt.

Die Kommune Erlangen beschreibt ihre Haushaltslage für 2026 selbst als „schwierig“. Als Ursachen nennt sie hohe Gewerbesteuerrückzahlungen aus dem Jahr 2024, rückläufige Gewerbesteuereinnahmen, steigende Personal- und Sozialausgaben sowie hohe Baukosten. Das alles kennt man ja. In den offiziellen Haushalts-FAQs ist außerdem von Kassenkrediten, einer zuvor nötigen Haushaltssperre und einem Konsolidierungskonzept die Rede.

Ergänzend wurde im Herbst 2025 öffentlich, wie hart der Einbruch die Stadt getroffen hat. Nach Angaben aus dem Umfeld des Kulturamts mussten Gewerbesteuern in einer Größenordnung zurückgezahlt werden, die den finanziellen Spielraum der Kommune massiv schrumpfen ließ. Wer das nüchtern liest, versteht sofort, warum in Erlangen plötzlich auch über Festivalgrößen, Ticketmodelle und Prioritäten gesprochen wird. Für den Comic-Salon heißt das ganz konkret, dass auch er Teil des Sparens geworden ist.

Der Stadtrat hat den Haushalt 2026 zwar beschlossen und damit die Grundlage geschaffen, Kulturförderung und andere freiwillige Aufgaben weiter zu finanzieren. Aber der Konsolidierungskurs bleibt sichtbar. Beim Salon 2026 wurden die Eintrittspreise angehoben. Die (nicht ermäßigte) Tageskarte steigt von 12 auf 15 Euro, die Dauerkarte von 32 auf 40 Euro. Bemerkenswert ist auch die Begründung in den städtischen Unterlagen. Das Prinzip „Zahl, was du kannst“ wird beim Comic-Salon vorerst gerade nicht eingeführt, weil ein großer Teil des Publikums nicht aus Erlangen kommt. Das klingt trocken, sagt aber viel.

Der Salon ist für die Stadt ein Prestigeprojekt, ein Standortfaktor und ein Publikumsmagnet. Zugleich ist er jedoch kein geschützter Raum außerhalb der Haushaltsrealität. Erfolgreich zu sein heißt in Erlangen also gerade auch, sich den härteren Bedingungen zu stellen bzw. anzupassen, ohne dabei den eigenen, langjährig entwickelten Charakter zu verlieren.

Die Stadt als Ausstellungsraum

Mindestens so wichtig wie Preis und Messe sind in Erlangen die Ausstellungen. Dies ist der Teil des Festivals, den man von außen leicht unterschätzt.

Viele Comic-Veranstaltungen haben schöne Originalseiten an den Wänden. Erlangen macht daraus seit Jahren ein eigenes Netz, dass sich durch die ganze Stadt zieht. Der Salon arbeitet mit Museen und Ausstellungshäusern zusammen, verteilt Einzelschauen, Themenschauen und Nachwuchsprojekte über mehrere Orte und zwingt sein Publikum damit angenehm zum Spazieren, Schauen und Umschalten.

Für 2026 ist mit CHRISTOPH NIEMANN. AUF DEN PUNKT bereits früh eine große Einzelausstellung im Kunstpalais an den Start gegangen. Sie läuft vom 14. März bis 7. Juni und ist mit dem Salon-Ticket frei zugänglich. Schon daran sieht man, dass die Ausstellungslinie nicht bloß Begleitmusik ist, sondern ein eigener Pfeiler des Festivals. Weitere sind bereits in Arbeit.

Dazu kommt die konkrete Topografie. Die Messe sitzt üblicherweise in temporären Hallen am Schlossplatz und Schlossgarten, dazu kommen Redoutensaal, kubic – Das Kreativ-Kraftwerk und weitere Orte. Die Börse ergänzt am Samstag das Ganze mit ihrem eigenen Sammler- und Händlermilieu.

Das klingt erst einmal nach viel Betrieb, fühlt sich vor Ort aber erstaunlich übersichtlich an. Vielleicht ist das der eigentliche Trick von Erlangen. Der Salon ist groß genug, um an jeder Ecke etwas los zu haben und klein genug, um nicht im Eventlärm unterzugehen. Du kaufst ein Buch und landest zehn Minuten später in einer Ausstellung. Du gehst wegen eines Stars ins Markgrafentheater und bleibst an einem Hochschulstand hängen.

Genau aus solchen Wechseln entsteht der besondere Zug des Festivals. Hier wird der Comic nicht nur verkauft, sondern geehrt und „bewohnt“.

Warum Erlangen bleibt

Der COMIC-SALON ERLANGEN ist erfolgreich, weil er etwas kann, das schwer zu kopieren ist: Er ist Fachtreffen, Publikumsmagnet, Ausstellungsfestival und Gradmesser der Branche zugleich. Er hat Geschichte, ohne traditionsselig zu wirken. Er wächst, ohne seine Heimeligkeit zu verlieren. Und er zeigt gerade in wirtschaftlich harten Zeiten, dass Kultur nur dann Gewicht hat, wenn sie in einer Stadt wirklich verankert ist.

Ich mag an Erlangen besonders, dass es den Comic weder zum Nischenhobby verniedlicht noch zum feierlichen Heiligtum aufbläst. Es behandelt ihn als das, was er längst ist: eine lebendige Kunstform, die Leser braucht, die Orte braucht und ein Festival, das beides zusammenbringt.

Am 04. Juni ist es also wieder soweit. Und wir alle wünschen uns, das die Stadt Erlangen Mittel und Wege findet, uns auch in Zukunft mit ihrem Internationalen Comic-Salon so etwas wie Heimat zu bieten.

Zu guter Letzt:

Ein Preis, auf den alle schauen

Zum Kern des Salons gehört der MAX-UND-MORITZ-PREIS. Er wird von der Stadt Erlangen vergeben, von einer unabhängigen Fachjury entschieden und gilt seit Jahrzehnten als wichtigste Auszeichnung für grafische Literatur im deutschsprachigen Raum.

2026 sitzen mit Catherine Bazabas (Eigentümerin Comicbuchhandlung Petit Kami, Hamburg), Christian Gasser (Autor, Dozent an der Hochschule Luzern – Design & Kunst), Andrea Heinze (Journalistin, Berlin), Katinka Kornacker (Geschäftsführerin COMIX – Comicbuchhandlung Hannover), Isabel Kreitz (Comic-Zeichnerin, Hamburg), Christine Vogt (Leiterin der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen) und Bodo Birk (Leiter des Internationalen Comic-Salons Erlangen) erneut breit aufgestelltes Fachwissen zusammen.

Alleine das zeigt, welchen Rang der Preis in Erlangen hat. Er läuft nicht nebenbei mit, sondern bildet den festlichen Mittelpunkt des Wochenendes.

Die Nominierungen 2026

Die Nominierungen wurden auch in diesem Jahr relativ spät bekannt gegeben. Das ist journalistisch zwar unpraktisch, andererseits aber auch ziemlich aufschlussreich. Denn schon die Wartephase macht sichtbar, wie stark ein solcher Preis als Taktgeber funktioniert.

Sobald die Liste erscheint, beginnen in Verlagen, Buchhandlungen und Ateliers sowie unter Leserinnen und Lesern sofort die Debatten darüber, welche Art von Comic gerade nach vorn rückt.

Auch 2026 sind es erneut 25 Nominierungen. Die Bandbreite verrät, dass der Preis mehr tut, als nur einen Sieger zu küren. Er bildet die Szene ab, vom Kinder- bis zum Sachcomic, von Originalausgabe bis Übersetzung, von Einzelwerk bis Lebensleistung.

Dass auf der Liste vergangener Lebenswerk-Preisträger Namen wie Albert Uderzo, Jacques Tardi, Alan Moore, Pierre Christin, Claire Bretécher, Naoki Urasawa und zuletzt Joann Sfar stehen, zeigt zugleich den Anspruch, den sich die Stifter gegeben haben. Erlangen denkt auch hier nicht provinziell. Es misst die deutschsprachige Comic-Kultur immer auch an einem internationalen Horizont.

In diesem Jahr sind die Glücklichen (nach Verlagen geordnet):

Hinweis: Die Fotos unterliegen der Lizenzierung nach Creative Commons CC BY-SA 3.0.

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Der heutige SPLITTER VERLAG ist einer der führenden deutschsprachigen Verlage im Bereich Comic und Graphic Novel. Er bietet ein breites Angebot für Leserinnen und Leser jeden Alters. Einige der herausgegebenen Werke habe ich an dieser Stelle bereits besprochen.

Splitter versteht sich als vielfältiger Themenverlag mit großem Herz fürs Genre: neben der Graphic Novel findet sich die Space Opera, neben der Comicreportage der Horrorschocker. Bei uns begegnen sich Moebius und Peyo, Erich Maria Remarque und Stephen King, Sebastian Fitzek und Edgar Allan Poe auf Augenhöhe. Kurzum: Die Grenzen zwischen E und U sind nur da, um eingerissen zu werden. (Verlagswebsite)

Anlässlich des 20-jährigen Verlagsjubiläums öffnet der Bielefelder Verlag nun zum allerersten (!) Mal seine Redaktionsräume für die Öffentlichkeit.

Besucherinnen und Besucher können dabei einen exklusiven Blick hinter die Kulissen eines Comicverlags werfen. Abgerundet wird die „Nacht der offenen Tür“ im Rahmen der Bielefelder Nachtansichten durch Live-Zeichnen und Quiz-Veranstaltungen. Das Meller Künstlerpaar Gaby von Borstel und Peter Eickmeyer, die u.a. mit DER RABE / THE RAVEN oder IM WESTEN NICHTS NEUES im Verlagsprogramm vertreten sind, unterstützen dabei das Verlagsteam.

Hoffen wir, dass es keine einmalige Chance bleibt, einem der großen unter den kleinen Verlagen einen Besuch abstatten zu können. Für alle, die kein Risiko eingehen wollen, kann es daher nur heißen: HINGEHEN!

Programm

• 18:00 – 00:00 Nacht der offenen Tür im Splitter Verlag
• 18:30 – 19:00 Comic-Quiz für Kids mit Peter Eickmeyer
• 19:30 – 20:00 Comic-Quiz für Erwachsene mit Peter Eickmeyer
• 21:00 – 21:30 Lesung mit Live-Zeichnen aus DER RABE von E. A. Poe mit Gaby von Borstel und Peter Eickmeyer mit anschließender Signierstunde

Wann

• 25. April 2026

Wo

• Splitter Verlag
• Detmolder Straße 23
• 33604 Bielefeld
• Google-Maps
• Achtung: Der Eingang ist nicht barrierefrei

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Und dann sitze ich da und merke bereits nach wenigen Kapiteln, wie mich dieses Buch gleichzeitig füttert – und überfüttert. Ja, es ist klug, wuchtig und gut recherchiert. Es ist manchmal auch richtig stark erzählt. Aber es hat ein Problem, das ich nicht übersehen kann. DR. WERTHLESS vertraut dem Medium Comic zu selten. Es drückt Wissen in Panels, statt Wissen zu inszenieren.

Vollgestopft und faszinierend

Das klingt nach einer formalen Nörgelei. Für mich ist es aber der Kern dieser Rezension. Denn Wertham’s Geschichte handelt davon, wie Geschichten wirken, wie Medien zum Sündenbock gestempelt werden und wie Angst sich in Schlagzeilen verwandelt. Wer das als Comic erzählt, hat ein Werkzeugkasten voller Tricks, voller Rhythmus und Bildrhetorik. Dieses Buch greift aber zu oft zum Megafon, obwohl es ein Orchester hätte.

Ich lese also eine Biografie, die mir ständig sagen will, wie ich sie zu lesen habe. Sie will fair sein, aber zugleich anklagen. Sie will mich umstimmen, obwohl sie spürt, dass ich schon auf ihrer Seite stehe. Genau da entsteht Reibung, aber keine produktive Reibung. Eher so eine, die mich aus dem Buch zieht.

Und trotzdem. Ich klappe es nicht zu, blättere weiter. Weil da ein Thema brennt, das auch mich interessiert. Weil da ein Mann ist, der nicht nur ein Schurke war und weil die Frage bleibt, ob ein übervoller Comic nicht manchmal genau das richtige Format für eine übervolle Zeit ist.

Wie Wertham sich sein Weltbild baute

Die Erzählung startet nicht gemütlich. Sie führt früh in die Welt der Gewalttaten ein, die schon lange vor den Comics existierten. Das ist ein kluger Zug. Der Band macht klar, dass Wertham’s spätere Fixierung nicht aus dem Nichts heraus kommt. Gewalt gehört schon vorher zur populären Ware aus Billigromanen und Sensationspresse. Die Maschine läuft bereits, bevor Wertham sie kritisiert.

Dann wird Wertham eingeführt als Einwanderer aus Europa, als junger Psychiater, als jemand, der sich an Wissenschaft klammert und doch längst politisch geprägt ist. Er landet in den USA, arbeitet in Kliniken, bewegt sich in einem Feld, das Menschen nicht nur behandelt, sondern auch sortiert. Wertham steht zudem gern im Licht. Er ist Helfer, aber auch Selbstdarsteller. Diese doppelte Existenz schiebt der Comic immer wieder nach vorn.

Zentrale Figuren tauchen wie Wegmarken auf, Mentoren und Kollegen, Patientinnen und Patienten, Täter, an denen Wertham seine Theorien schärft. Und ich spüre, wie der Band einen Mann baut, der Gewalt nicht als Einzelfall sieht. Er will – er braucht – Muster und Ursachen, er will Prävention. Das ist für mich nachvollziehbar. Es macht ihn zunächst sympathischer, als seine Entwicklung und sein späterer Ruf es erlauben.

Der Beginn einer Kontrollfantasie

Nur ist die Dramaturgie hier schon überladen. Ich sehe zu viele erklärende, mich beinahe anschreiende Textblöcke. Zu wenige Szenen, die mir Wertham’s Hunger nach Deutung zeigen, statt ihn zu beschreiben. Ich will, dass ein Blick, ein Raum, eine Pause seine Psychologie trägt. Der Band entscheidet sich jedoch häufig für die Abkürzung. Er erklärt mir den Zustand, aber er zeigt ihn mir nicht lange genug.

Als Auftakt funktioniert es, weil es eine These setzt: Wertham glaubt, dass Kultur Gewalt produziert und er glaubt, dass man Kultur kontrollieren kann. Wer diesen Glauben einmal im Kopf hat, wird später nicht sanfter.

Der Helfer, der später zensiert

Der stärkste Teil des Comics ist für mich Wertham’s Arbeit als Arzt und Sozialreformer. Hier wird er nicht zur Karikatur. Hier erhält seine Figur Form und Charakter. Wertham denkt nicht nur in Diagnosen, sondern auch in Strukturen. Er sieht Rassismus, Armut und darin etwas, das in der Medizin kaum vorkommt.

Das Buch streift die Kliniken, psychiatrische Anlaufstellen in Harlem, die ab 1946 in einem Kirchenumfeld arbeitete und auf die Versorgung Schwarzer Patientinnen und Patienten zielten. Diese Passage gibt Wertham Gewicht. Sie zeigt, dass er an echter Hilfe interessiert war. Und sie zeigt, dass er sich politisch einmischen konnte, wenn es ihm richtig erschien.

Wenn Verdienste zum Alibi werden

Das Problem ist, dass diese Stärke später wie ein Schutzschild wirkt. Das Buch nutzt Wertham’s Verdienste oft als Beweis, dass man ihn nicht nur hassen darf. Das stimmt. Aber die Erzählung baut daraus manchmal eine Art moralische Gutschrift. Als müsste man seine spätere Kampagne gegen Comics erst abwägen, bevor man sie verurteilen kann. Ich wehre mich dagegen. Gute Taten machen schlechte Taten nicht weniger schlecht. Sie machen sie oft nur tragischer. Wie häufig geschehen Grausamkeiten auf der Grundlage guter Vorsätze?

Hier fehlt mir mehr Mut zur Härte. Mehr Widerspruch in den Szenen. Mehr Stimmen, die Wertham nicht nur spiegeln, sondern ihm Grenzen setzen. Stattdessen bleibt er häufig der Motor. Der Band liebt seinen Protagonisten als Drama, aber er lässt ihn zu oft die Deutungshoheit.

Und dann ist da wieder die Form. Ausgerechnet in diesen emotionalen, gesellschaftlich geladenen Teilen wünscht man sich mehr Bilder und weniger Bericht. Wertham, Harlem, die Kirche – all das könnte ein Comic groß erzählen. Der Band läuft daran vorbei, weil er schon zur nächsten Information drängt.

Das große Tribunal der Comics

Irgendwann kippt die Biografie in den Teil, den ich bereits kenne. Wertham schreibt im Jahr 1954 SEDUCTION OF THE INNOCENT. Er erklärt Comics zur Ursache der Jugendkriminalität. Seine Aussagen und sein öffentlicher Druck tragen zur Gründung der Comics Code Authority bei.

Hier macht der Comic vieles richtig. Er zeigt die Mischung aus Medienhunger und politischem Theater. Er zeigt, wie schnell komplexe Probleme eine einfache Ursache bekommen. Er zeigt, wie gern eine Gesellschaft einem Medium die Schuld gibt, weil das bequemer ist als über Armut, Rassismus, Familien und Schulen zu sprechen.

Und doch stolpere ich hier über die Handschrift des Buches. Es will Wertham schon irgendwie seinen Dämonstatus abnehmen. Gleichzeitig braucht es diesen Dämon aber, damit der Plot zündet. Es entsteht ein Zwiespalt. Wertham soll differenziert sein, aber die Dramaturgie schiebt ihn oft wie einen Endgegner ins Bild. Die Industrie wirkt wie ein Opfer und die Politik wie eine Kulisse. Das greift für meinen Geschmack zu kurz. Comics waren auch damals schon Geschäft und Grenzüberschreitung aus Kalkül.

Wenn der Titel schon das Urteil spricht

Mich nervt außerdem, wie häufig die Biografie ihre wichtigsten Konflikte in Text verdichtet. Die öffentlichen Momente, die brennen müssten, fühlen sich manchmal an wie ein gut geschriebener Wikipedia Absatz, nur eben ein illustrierter. Das ist nicht fair. Powell zeichnet stark. Aber das Verhältnis kippt. Ich lese zu viel Erklärung.

Und noch etwas. Das Wortspiel des Titels ist bissig, aber es ist auch bequem: Werthless als Wertham plus worthless, ein Urteil im Cover. In andere Sprachräume lässt sich das kaum übertragen. Also wird der Biss gedämpft und plötzlich merke ich, wie sehr schon der Titel die Richtung vorgibt. DR. WERTHLESS will fair sein. Aber es nennt sein Objekt im selben Atemzug wertlos.

Moralische Klarheit, erzählerische Enge

Jetzt zum Handwerk. Ich erkenne, was Schechter und Powell hier wollen. Sie wollen eine Biografie, die nicht nur den Mythos nacherzählt, sondern die Mechanik dahinter offenlegt. Wertham wird als jemand gezeigt, der echte Fälle sieht und daraus eine Theorie zimmert, die ihm Anerkennung bringt. Das kann großartig sein.

Nur muss ein Comic dafür Rhythmus haben. DR. WERTHLESS hat stattdessen häufig Dichte. Dichte ist aber nicht Rhythmus, Dichte ist Beton. Und Beton macht jede Nuance schwerer.

Mein größter Kritikpunkt bleibt daher die Textlastigkeit. Ich habe nichts gegen Worte, auch nicht gegen viele. Nur nicht in einem Comic. Ich habe aber etwas gegen Worte, die die Bilder entmündigen. „Show, don’t tell“ gilt nicht nur im Film, sondern auch in einem Comic oder einer Graphic Novell. Und gegen dieses eherne Gesetz der sequentiellen Erzählung verstößt dieser Band.

Comic als zugepflasterter Essay

Ein Panel soll doch nicht nur bestätigen, was die Caption bereits sagt. Es soll etwas hinzufügen, ergänzen und im besten Fall widersprechen. In diesem Band dominieren aber oft erläuternde Passagen, die jede Szene sofort mit Bedeutung versehen.

Dazu kommt ein moralischer Ton, der mir zu selten Selbstzweifel zeigt. Das Buch will Wertham als komplexen Menschen zeigen. Dann müsste es die eigene Erzählposition ebenfalls komplex machen. Stattdessen wirkt es oft, als würde es mit sauberer Hand die richtigen Schlüsse ziehen. Genau das ist ironisch. Denn Wertham selbst glaubte, aus Beobachtungen saubere Schlüsse ziehen zu können. Das Buch kritisiert seine Methode, übernimmt manchmal aber genau seine Sichtweise.

Ich vermisse außerdem mehr Blick auf das Umfeld, das Wertham groß macht. Seine Karriere fiel nicht vom Himmel. Die Medien wollten ihn, die Politik nutzte ihn und Teile der Öffentlichkeit brauchten ihn. Wertham’s Schuld ist real. Aber seine Macht ist ein Gemeinschaftsprojekt. Dies zeigt der Band, doch er betont es mir zu wenig.

Ein Vorgängeralbum als Messlatte

Ich lese DR. WERTHLESS automatisch neben SCHON GEHÖRT WAS ED GEIN GETAN HAT, einfach, weil es vom selben Team kommt und weil beide Bücher True Crime mit Kulturgeschichte verbinden. Auch DR. WERTHLESS wird offiziell als Nachfolger in diesem Umfeld angesiedelt.

Beim ED-GEIN-Band passte die Überfülle besser. Ed Gein ist Stoff, der in Schichten aus Taten, Mythos, Medien und Filmgeschichte existiert. Da darf ein Buch schon mal ausufern. Da hat die Textmenge sogar etwas Zwanghaftes, das zum Sujet passt. Man liest sich durch einen Schuppen voller Gerüchte und Akten. Genau so fühlt sich True-Crime oft an.

Bei Wertham ist das anders. Hier ist der Horror nicht körperlich sondern strukturell. Es sind Ausschüsse, Schlagzeilen, Verbote und Selbstzensur, die zrntrale Rollen spielen. Das ist weniger sinnlich und natürlich schwerer zu bebildern. Und gerade deshalb bräuchte es mehr visuelle Metaphern, mehr Seiten, die das Gefühl von Kontrolle und Angst als Bild erzählen.

Wenn die Methode nicht mit dem Stoff mitwächst

SCHON GEHÖRT WAS ED GEIN GETAN HAT hatte außerdem einen klareren Sog. Ich folge einem Abgrund und ich will wissen, wie tief er ist. DR. WERTHLESS hat keinen Abgrund. Es hat ein Labyrinth und ein Labyrinth braucht Lotsen. Das Buch stellt mir aber zu oft einfach alle Gänge gleichzeitig hin.

Was mich besonders wurmt: beide Bücher handeln vom Umgang mit Gewalt. Beim ED-GEIN-Band seziert das Team die voyeuristische Lust am Grauen. Bei Wertham seziert es den Wunsch, Grauen zu verbieten. Beides sind zwei Seiten derselben Münze. Und genau da hätte ich mir mehr Spiegelung gewünscht. Mehr Stellen, an denen DR. WERTHLESS sichtbar macht, dass Zensur und Sensationslust sich gegenseitig füttern.

Wenn Quellenarbeit den Comic überrollt

Harold Schechter ist kein Comicautor im klassischen Sinn. Er kommt aus der True-Crime-Literatur. Er war lange Professor, er schreibt seit Jahrzehnten über amerikanische Gewaltmythen und seine Bücher heißen DEVIANT, DERANGED, DEPRAVED oder THE SERIAL KILLERS FILE. Das ist sein Revier. Man merkt das in DR. WERTHLESS.

Schechter denkt in Quellen, in Chronologien und in Belegen. Er kann verdichten und Sachzusammenhänge hypothetisieren. In einem Comic ist eine These aufzustellen jedoch gefährlich, wenn sie jede Szene vorab bewertet. DR. WERTHLESS hat oft diesen Ton, sehr sicher, sehr wissend, aber nur sehr selten fragend.

Zwei Könner, ein zu enger Rahmen

Eric Powell auf der anderen Seite ist ein Zeichner, der eigentlich für Überzeichnung und Groteske bekannt ist. THE GOON ist nicht nur Horror und Humor. Es ist auch Timing und Körperlichkeit. Es ist ein Blick für absurde Traurigkeit. Powell hat Eisner Awards gewonnen und eine lange Liste mit Arbeiten für große US-Verlage erstellt.

In DR. WERTHLESS spüre ich sein Talent u.a. in den Gesichtern. Wertham wirkt oft wie ein Mann, der sich selbst nicht erträgt und deshalb die Welt kontrollieren will. Nebenfiguren bekommen mit wenigen Strichen Haltung. Ich merke: Powell kann Atmosphäre. Nur bekommt er zu selten Raum dafür.

Das Buch zwingt ihn häufig in die Illustration der Texte. Das ist nicht sein Pfund, mit dem er wuchern könnte. Seine Stärke liegt im bildhaften Erzählen. Wenn aber Textblöcke das Panel dominieren, darf Powell nur begleiten. Ich finde das verschenkt.

Grauwerte, Masken und ein Stil, der sich manchmal selbst im Weg steht

Visuell ist das Buch rau und passend. Es arbeitet mit Schwarz, Weiß und vielen Grauwerten. Es sieht aus, als käme es aus einem Archiv, nicht aus einem Hochglanzstudio. Powell zeichnet keine glatten Ikonen. Er zeichnet Menschen mit Ecken und Kanten. Das passt zu Wertham, der selbst aus ebendiesen Kanten bestand.

Es gibt starke Seiten mit Gerichtsräumen, mit Fluren und Sprechzimmern. Ich spüre die Institutionen und diese Kälte, die entsteht, wenn Menschen zu Fällen werden. Und es gibt Momente, in denen Powell bewusst mit Stilwechseln spielt, wenn das Buch über Comics selbst spricht. Dann blitzt kurz ein Gefühl von Pop-Kultur auf, von historischer Ästhetik und von Masken und Schablonen. Solche Stellen hätte ich gern häufiger gesehen.

Ein Stil, der mehr erzählen dürfte

Sie zeigen, was möglich gewesen wäre. Der Band könnte visuell viel öfter aus dem Biografie Modus ausbrechen. Er könnte Propaganda als Panel-Rhythmus darstellen und moralische Panik als Wiederholung aufbauen. Er könnte die Zensur als ein weißes Loch im Layout zeigen. Stattdessen bleibt er oft in konventionellen Szenen.

Ich bleibe deshalb zwiegespalten. Der Stil ist gut und handwerklich stark. Er ist atmosphärisch, aber er wird zu selten als Motor der Erzählung genutzt. Das ist keine Schwäche von Powell, sondern eine Regie-Entscheidung.

Fazit

Ich komme zu einem Urteil, das mir selbst nicht ganz bequem ist. DR. WERTHLESS ist wichtig und informativ. Es ist stellenweise sogar packend. Aber es ist in seiner Form oft zu schwerfällig für das, was es erzählen will. Ich habe dieses Buch nicht verschlungen, ich habe es mühsam Seite für Seite durchgearbeitet. Dieses Werk hier ist keine leichte Kost!

Vielleicht soll es sich ja auch anstrengend anfühlen, weil Zensur ebenfalls anstrengend ist. Weil Moralpanik sich wie ein schwerer Mantel über alles legen kann. Ja, vielleicht. Nur ist Anstrengung keine automatisierte Qualität. Ein Comic darf sperrig sein. Er muss dann aber ein Ziel haben, das ich auf jeder Seite spüre. 

Bei DR. WERTHLESS spüre ich es nicht immer. Zu oft wirkt der Band wie ein exzellent recherchierter Artikel, der in Panels gepresst wurde. Zu selten wie eine Sequenz, die nur als Comic funktionieren kann. Und wenn ich über einen Comic das Gefühl habe, dass er auch als Sachbuch fast genauso gut wäre, dann ist das für mich eine Niederlage des Mediums. Warum als Comic, wenn ein anderes Medium besser wäre? Dies Frage beantwortet sich hier nicht.

Trotzdem empfehle DR. WERTHLESS. Wenn du Comicgeschichte liebst und Wertham mehr verstehen willst als das Schreckgespenst, zu dem er wurde – lies es! Wenn du dich für Medienpaniken interessierst, lies es! Wenn du formale Eleganz suchst, lies lieber erst etwas anderes.

Und streite im Anschluss über die Frage, wann ein Comic zu viel Text verträgt. Und darüber, ob wir heute wirklich so viel weiter sind als 1954.

DR. WERTHLESS

© Dark Horse Verlag | Hardcover | 200 Seiten | monochrome | englisch

Storyline:  ★★☆☆☆

Zeichnungen: ★★★★☆

Farben: ★★☆☆☆

Lettering: ★☆☆☆☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★☆☆☆

ISBN: 978-1-50674-436-0

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Vor ziemlich genau einem Jahr habe ich mit Rezensionen zu Altbekanntem angefangen, zu Neuerscheinungen, zu Macherinnen und Machern, zu lesenswerten One-Shots und interessanten Serien aus dem großen Fundus der neunten Kunst. Ja, PANELWALKER feiert in diesen Tagen seinen ersten Geburtstag.

Ein Blick zurück

In den vergangenen zwölf Monaten habe ich 64 Beiträge veröffentlicht, die ein breit gefächertes Spektrum zur Comic-Literatur abdecken. Zahlenmäßig waren Alben aus dem Splitter Verlag Spitzenreiter, dicht gefolgt von Reprodukt und Schreiber und Leser.

Thematisch war fast alles dabei, angefangen bei Kriminal-Geschichten wie GREEN MANOR oder HABEMUS BASTARD über feinste Science-Fiction in DIE WAISE VON PERDIDA oder der COZMIC Anthologie bis hin zu südamerikanischen Klassikern wie ETERNAUTA oder sozialkritischen Themen in SCHWEIGEN.

Unterschiedlichste Alben, unterschiedlichste Geschichte und alles von großartigen Zeichnungen bis „Herumgekleckse“. Aber zu meinen absoluten Lieblingen bei den Neuerscheinungen 2025 gehörten METROPOLIA: BERLIN 2099 und EINE FALLE FÜR PARKER.

Danke!

Ein ganz großes Danke-Schön geht an Euch alle da draußen, die ihr meinen Blog im vergangenen Jahr immer wieder besucht habt. Ich freue mich über jeden einzelnen Eurer rund 2.000 Besuche und dass Ihr Euch knapp 3.500-mal für meine Seiten interessiert habt.

Für ein solches „Nischen-Produkt“ wie einen Comic-Blog – der sich nicht um Manga schert! – finde ich die Zahlen sehr erfreulich. Das hatte ich wirklich nicht erwartet.

All dies wäre ohne die Unterstützung der Verlage nicht möglich gewesen, die mich u.a. mit ihren Rezensionsexemplaren bei der erfolgreichen Arbeit an diesem Blog unterstützt haben. Dafür allen an dieser Stelle ebenfalls ein sehr herzliches Danke!

Ganz besonders gilt mein Dank dabei Filip Kolek, der es mir mit seiner freundlichen, hilfsbereiten Art von Anfang an erleichtert hat, dieses Projekt zu verfolgen und es auf dem aktuellen Niveau zu betreiben. (Bleib‘ wie Du bist und hab‘ weiter so viel Spaß an dem was Du tust!)

Ich selbst habe den Blog mit viel Enthusiasmus begonnen, war mir aber lange Zeit nicht sicher, ob ich den wöchentlichen Rhythmus tatsächlich beibehalten kann. Irgendwann merkte ich aber, dass sich doch eine gewisse Routine einstellt und dass sich manche Arbeit mit dem einen oder anderen Tool erleichtern lässt. Ja, natürlich lief dabei nicht immer alles rund. So wurde der eine oder andere Beitrag schon mal publiziert, obwohl er erst am kommenden Wochenende dran gewesen wäre (selbst schuld wer sich im Datum vertut) und die eine oder andere Hinweis-Mail mit Rezensionslink ging ins Nirwana. Kann alles zwischen Tür und Angel schon einmal passieren.

Das erste Jahr hat mir viel Freude gemacht, mich Neues gelehrt und mich gezwungen, mich besser zu organisieren. Aber ja, es macht mir immer noch Spaß und nein: Es ist noch kein Ende absehbar. Bleibt also mit mir am Ball!

Ein Blick nach vorn

Im kommenden Jahr steht nach aktueller Planung wieder der Comic-Salon in Erlangen an (drücken wir die Daumen, dass die Finanzierung aus dem kommunalen Haushalt weiter steht) und vielleicht mache ich zu diesem Anlass ja eine neue Rubrik auf wie „Berichte aus der freien Wildbahn“, „Comic-Fans in ihrem Habitat“ oder etwas Vergleichbares.

Ich werde den Blog auch weiterhin nebenberuflich und nicht-kommerziell betreiben. Wer möchte, kann mir aber gerne auf Ko-Fi.com einen „Kaffee“ spendieren („kann“, nicht „soll“, noch weniger „muss“). Darüber würde ich mich sehr freuen. Auch dafür schon einmal vielen Dank im Voraus.

Ich wünsche Euch und Euren Lieben eine schöne, besinnliche Vorweihnachtszeit und den einen oder anderen großartigen Comic unter dem Weihnachtsbaum. Dieses Jahr habe ich ja schon einige 5-Sterne-Bewertungen vergeben. 2026 werden Weitere folgen. Ich freue mich schon darauf.

Habt Spaß und Lest mehr Comics!

Viele Grüße aus dem Rheinland.

Michael

Fotos von Quan Nguyen und Mahdiar Mahmoodi auf Unsplash.

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Nein, in jedem Jahr ist er auch der Tag der Anerkennung für die Schriftsetzer der neunten Kunst – der LETTERER APPRECIATION DAY.

Der Letterer Appreciation Day

Der Tag geht zurück auf den Geburtstag von Gaspar Saladino, dem amerikanischen Schriftsetzer und Logo-Designer, der mehr als 60 Jahre in der Comic-Industrie insbesondere bei DC Comics gewirkt hat. Der Tag soll der zumeist wenig beachteten Kunstform mehr Aufmerksamkeit in der breiteren Community verschaffen. Na ja – wir arbeiten noch daran, oder?

Was genau ist denn nun „Lettering“? Vereinfacht ausgedrückt ist es die Kunst, Buchstaben auf den Seiten einer fortlaufenden Erzählung so anzuordnen, dass die Geschichte erzählt wird, ohne den Leser oder die Leserin aus dem Konzept und die Geschichte selbst voranzubringen. Auf der Grundlage des vom Autor geschaffenen Scripts erstellt der Letterer alle – alle! – Textkomponenten.

Dabei beschränkt er / sie sich nicht allein auf die Sprechblasen / Bubbles / Balloons und die darin enthaltenen Gesprächsteile und Gedanken, sondern setzt auch Geräusche wie ZACK! RUMS! KLONK! visuell angepasst um. Kenntnisse in Seitenlayout und Typografie sind daher  Grundvoraussetzungen, um in diesem Beruf erfolgreich zu sein.

Ein Blick in den Pinselkoffer

Warum hat sich eigentlich die Verwendung von GROSSBUCHSTABEN in den Sprechblasen durchgesetzt? Nun, das ergab sich in den frühen Jahren der Branche, als Comic-Strips überwiegend in Zeitungen, auf entsprechendem, teils minderwertigem Papier und in Kombination mit den damaligen Drucktechniken gefertigt wurden. Die Dialoge waren auf diese Weise einfach besser zu lesen.

Der Letterer ist zumeist der Letzte in einer langen Reihe von Kreativen. In den Anfangstagen wurde das Lettering mit Stift und Tusche direkt auf den Originalzeichnungen vorgenommen. Mittlerweile hat auch hier das digitale Zeitalter Einzug gehalten, selbst wenn einige Vertreter der Zunft ab und zu gerne noch einmal zur Tuschefeder greifen.

Beim Lettering spielt das Medium, in dem die sequentielle Erzählung umgesetzt wird, eine entscheidende Rolle. Es ist etwas anderes, ob der Comic im US-Standardformat von 16,8 x 26 cm, im üblichen Albenformat  von 21 x 30 cm, in einem x-beliebigen Buchformat oder als Webcomics publiziert werden soll. Die Lesbarkeit hängt stark von den Fähigkeiten des Letterer’s und seinem Verständnis für das jeweilige Medium ab. Seine Arbeit muss sich harmonisch in die Zeichnungen einfügen lassen und den Lesefluss begünstigen.

Und dann gibt es ja noch das Problem, dass die Schriften im Original gegebenenfalls wunderbar in die Sprechblasen passen, die übersetzten Texte die Balloons der internationalen Ausgabe dann aber sprengen würden. Schriftgrößen lassen sich schließlich nicht unendlich verkleinern. Auch dafür haben Übersetzer und Letterer Lösungen.

Der Vater des LAD

Der Initiator des Letter Appreciation Day, Nate Piekos, selbst ein erfahrener Vertreter seiner Zunft, hat mit seinem Buch „The Essential Guide to Comic Book Lettering“ eines der Standardwerke zum Thema abgeliefert:

Well-crafted comic book lettering is the visual soundtrack that guides a reader’s eye along the page with emotive dialogue, intuitively placed ballons, and dynamic sound effects … but these elements are just beginning for the professional letterer. (Verlagstext)

„Eine gut gestaltete Comic-Schriftsetzung ist der visuelle Soundtrack, der den Blick des Lesers mit emotionalen Dialogen, intuitiv platzierten Sprechblasen und dynamischen Soundeffekten über die Seite führt … aber diese Elemente sind für den professionellen Schriftgestalter erst der Anfang.“

Wenn ich an diesem Buch etwas kritisieren müsste, wäre es, dass uns Piekos nicht beibringt, wie man Schriftarten i.e. Fonts erstellt. Andererseits ist dieses Feld einfach viel zu weit, die Möglichkeiten zu zahlreich, als dass sie in diesem Buch Platz finden könnten. Also ist das in Ordnung, denn alles andere, was es zum Thema „Lettering“ zu wissen gibt, wird in seinem Werk angesprochen.

Viele der How-To-Werke sind leider nicht auf Deutsch erschienen und liegen lediglich im englischen Original vor. Zu diesen Werken gehören – ohne Anspruch auf Vollständigkeit – u.a.

• COMIC BOOK LETTERING: THE COMICRAFT WAY von Richard Starkings und John Roshell (ein praxisnahes Buch von den Profis der berühmten Comicraft-Schmiede, die für ihr digitales Lettering bekannt sind)
• THE DC COMICS GUIDE TO COLORING AND LETTERING COMICS von Mark Chiarello und Todd Klein (Todd Klein bietet tiefe Einblicke in die professionelle Arbeit)
• MASTERING COMICS von Jessica Abel und Matt Madden
• WORDS & WRITING PICTURES mit einem guten Abschnitt über Lettering-Techniken
• COMICS & SEQUENTIAL ART von Will Eisner (der Altmeister hatte zu dem Thema auch schon etwas zu sagen)

Meine Rezensionen

In meinen Rezensionen bewerte ich das jeweilige Lettering hier und da gerne. Zumeist beziehe ich mich dabei auf die Lesbarkeit der verwendeten Schrift(art), weniger auf die Anordnung oder Verwendung der Sprechblasen und Captions.

Ich liebe gute Szenarien, schöne Illustrationen und flüssige Erzählungen. Wenn das Lettering dabei zum Hemmschuh wird und den Flow stört, werde ich bestimmt etwas dazu sagen. In jedem Fall habe ich eine eigene Kategorie in meiner Sterne-Bewertung vorgesehen.

So, zur Feier des LETTERER APPRECIATION DAY holen wir jetzt alle einmal unseren Lieblings-Comic aus dem Regal und versuchen alle Aspekte des Lettering in diesem Werk zu finden und wert zu schätzen. Auf die Plätze … fertiig … LOS! Viel Spaß dabei!

Ach ja, ein kleiner Hinweis aus der Kategorie Nice-To-Know-Sonst-Aber-Unwichtig zum Schluss:

Für den Buchstaben „I“ gibt es im Englischen beim Lettering zwei Varianten. Mit und ohne „Querlatte“ am oberen und unteren Ende, also als Serif oder Sans Serif. Die sogenannten Crossbars werden dann laut dieser Quelle verwendet, wenn das „I“ als Personalpronomen „Ich“ verwendet wird. Alle übrigen Verwendungen des neunten (!) Buchstabens sind dann üblicherweise ohne Serifen im Einsatz.

Und so haben wir am LETTERER APPRECIATION DAY dann doch noch etwas gelernt…

Bildreferenzen:

Verwendete Fotos von Erik Mclean, von Jonathan Cooper und von Emre Turkan auf Unsplash 

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Auch in deutschen Buchhandlungen, Drogerien oder Einkaufsläden finden sich neben den üblichen Waren immer öfter Ständer mit den aktuellsten Bilderbüchlein erfolgreicher, asiatischer Serien. Immer wenn ich vor einer solchen Wand mit Dutzenden Bänden stehe und die Trennschilder mit den unterschiedlichen Kategorien sehe, fühle ich mich von dieser Vielfalt erschlagen. Was ist das alles? Ist das alles etwas für mich? Oder nur bestimmte Ausgaben? Wer soll denn da den Überblick behalten? Manga? Manhwa? Shōnen? Häää?

So ging das nicht weiter. Also habe ich mich als alternder Comic-Begeisterter ohne Zugang zur MANGA-Welt einmal auf den Weg gemacht, um mir die Unterschiede anzuschauen. Man(n) lernt schließlich nie aus. Also:

MANGA bedeutet frei übersetzt etwa „flüchtige Bilder“ und ist heute nicht nur eine Kunstform, sondern ein globales Phänomen. Ob Jugendliche in Europa, junge Erwachsene in den USA oder Leserinnen und Leser in Lateinamerika: Überall finden sich Fans, Costume Player (= Cosplayer) und MANGA-Clubs. Was dabei oft vergessen wird, Japan ist zwar das Ursprungsland, aber längst nicht das einzige Land mit einer lebendigen Comic-Kultur: in Korea gibt es die MANHWA (만화) und in China die MANHUA (漫画), die beide in den letzten zwei Jahrzehnten stark an internationalem Gewicht gewonnen haben.

Bildergeschichten, die um die Welt gingen

Dieser Blogbeitrag nimmt Dich mit auf eine kleine Weltreise durch die Bildgeschichten Asiens. Fangen wir mit der Entstehungsgeschichte an und klären, warum MANGA heute nicht mehr nur Lesestoff, sondern ein Lifestyle geworden sind. Keine Angst: Du musst weder japanische Grammatik meistern noch ein Kalligrafie-Diplom haben. Alles kommt leicht verdaulich serviert und ideal für – uns – Neulinge, die sich wie ich fragen, ob „Shojo“ eine Nudelsorte oder doch eine MANGA-Gattung ist.

Von buddhistischen Rollbildern bis Astro Boy

Die Wurzeln des MANGA führen weit zurück. Streng genommen finden sich erste bildhafte Erzählungen bereits im 12. Jahrhundert. Hierbei handelt es sich um sogenannte „Emakimono“, lange Bildrollen, die Szenen aus dem Alltag oder der Religion darstellen. Besonders berühmt ist das „Choju-giga“, eine Bilderrolle mit tanzenden Fröschen und Kaninchen, die bereits erstaunlich komisch wirkt. Man könnte sagen, dass es sich hierbei um den ersten Cartoon-Slapstick Japans handelt, nur ohne Streaming-Abo.

Im 18. und 19. Jahrhundert kam der Farbholzschnitt Ukiyo-e auf, jene schönen Drucke von Geishas und Landschaften, die heute in Museen hängen. Einer der wichtigsten Vertreter, Katsushika Hokusai, benutzte erstmals den Begriff MANGA, um seine lockeren Skizzen zu betiteln.

Doch erst im 20. Jahrhundert nahm das MANGA-Phänomen richtig Fahrt auf. Nach dem Zweiten Weltkrieg brannte Japan auf Ablenkung und Unterhaltung. Hier trat Osamu Tezuka auf den Plan, der von Fans ehrfürchtig auch der Gott des MANGA genannt. Mit seinem Werk ASTRO BOY (im Original TETSUWAN ATOMU) erschuf er einen Science-Fiction-Helden, der nicht nur kindgerecht war, sondern auch komplexe moralische Fragen stellte. Tezuka revolutionierte die Panelgestaltung, ließ die Bilder filmisch fließen und setzte damit Maßstäbe, die bis heute gelten.

Spätestens ab den 1960er-Jahren wurde MANGA ein Massenphänomen, mit dicken Wochenausgaben, die Millionenauflagen erreichten. Von diesem Fundament aus breitete sich die Kunstform in alle Genres und Zielgruppen aus – und zur Überraschung des Westens bald auch weit über die japanische Insel hinaus!

MANGA erobern die Welt

Während MANGA in Japan längst zum Alltag gehörten, war der Westen zunächst skeptisch. In den 1980er- und 1990er-Jahren schwappte die Welle zuerst durch Anime-Serien im Fernsehennach Europa und Nordamerika. Wer heute zwischen 25 und 40 ist, erinnert sich sicher an Nachmittage mit SAILOR MOON, DRAGON BALL oder POKEMON. Meist kamen diese Geschichten zuerst als Anime (eine Art asiatischer Zeichentrickfilm), bevor man entdeckte „Moment – DAS gibt’s ja auch als MANGA!“

Parallel dazu erwachten auch andere asiatische Länder. In Südkorea entwickelten sich MANHWA, die anfangs noch stark japanisch inspiriert waren, aber sehr schnell eigene Wege gingen. Heute gibt es vor allem die digitalen Webtoons, die man bequem mit vertikalem Scrollen statt klassischem Umblättern auf dem Smartphone liest. Titel wie SOLO LEVELING oder TOWER OF GOD wurden globale Erfolge.

Und dann natürlich China. Obwohl dort die Comic-Kultur durch politische Zensur manches Mal gebremst wurde, entstanden großartige MANHUA, die sich oft historischen Stoffen widmen oder bei Martial-Arts-Themen bedienen. Serien wie THE KING’S AVATAR oder BATTLE THROUGH THE HEAVENS zeigen, dass chinesische Künstler längst ein internationales Publikum ansprechen.

Heute ist die Lage klar: Was früher eine exotische Nische war, ist zum Mainstream geworden. Nicht selten finden sich MANGA in den Bestsellerlisten neben Romanen von Literaturnobelpreisträgern. Und wenn man bedenkt, dass NETFLIX Serien wie ONE PIECE oder YU YU HAKUSHO (ein Geisterdetektiv jagt Dämonen) als Realfilm-Adaptionen produziert, ist klar: Das Bilderlesen aus Asien ist längst zu einem maßgeblichen Teil der globalen Popkultur aufgestiegen.

Shōnen: Die Helden der Jugend

Zeit für die Stil-Richtungen! Beginnen wir mit dem Shōnen (少年, wörtlich Junge). Wie der Name schon verrät, richtet sich dieses Genre primär an Jungs zwischen etwa 12 und 18 Jahren, wobei längst auch Millionen Mädchen und Erwachsene mitlesen.

Was kennzeichnet Shōnen? Ganz klar Action, Abenteuer, Freundschaft und Durchhalteparolen. Der typische Held ist jung, hat große Träume, beginnt als Außenseiter und kämpft sich mit Entschlossenheit nach oben. Oft gibt es Rivalen, härter werdende Gegner und natürlich epische Kämpfe. Der Soundtrack dazu läuft quasi im Kopf automatisch mit.

Beispiele für diese Richtung sind DRAGON BALL von Akira Toriyama (Goku und seine Freunde auf der Suche nach mystischen Kugeln), NARUTO von Masashi Kishimoto (ein Junge, der Dorfoberhaupt werden möchte, meistert dabei Ninja-Fähigkeiten) oder ONE PIECE von Eiichirō Oda (die neben dem FLUCH DER KARIBIK wohl bekannteste Piratenabenteuergeschichte unserer Zeit, die inzwischen seit Ende der 1990er-Jahre andauert).

Die Formel dahinter ist einfach, aber wirkungsvoll: Helden müssen nicht perfekt sein – solange sie nicht aufgeben!

Shōnen hat den MANGA international bekannt gemacht. Es gibt sogar ein eigenes Magazin, das „Shōnen Jump“, das seit Jahrzehnten das epische Sprungbrett für unzählige Serien ist.

Shōjo: Liebe, Glitzer, Freundschaft

Auf der anderen Seite gibt es Shōjo (少女, Mädchen). Dieses Genre richtet sich nominell an Mädchen und junge Frauen im Teenager-Alter. Aber auch hier gilt, dass die Grenzen fließend sind und Jungs die Stoffe längst genauso begeistert lesen.

Shōjo bedeutet bunte Welten, elegante Zeichnungen, große Augen (ja, noch größer!) und Emotionen, die von himmelhoch jauchzend bis zu Tode betrübt reichen. Typische Themen sind Freundschaft, erste Liebe, Selbstfindung, sowie manchmal Magie und Zauber.

Berühmte Beispiele sind SAILOR MOON von Naoko Takeuchi (Magische Mädchen in Schuluniformen, die gegen das Böse kämpfen und dabei gleichzeitig Mathe-Tests bestehen müssen), FRUITS BASKET von Natsuki Takaya (eine romantische Komödie mit einer Familie, die durch einen Fluch in Tiergestalten verwandelt wird) oder OURAN HIGH SCHOOL HOST CLUB von Bisco Hatori (ein ironisches Spiel mit Rollenbildern, Liebe und Verwechslungen in einem Eliteschulclub).

Shōjo-MANGA sind ein großer Exporterfolg, nicht zuletzt, weil sie oft universelle Themen wie Selbstfindung oder erste Liebe behandeln. Zudem überschneiden sie sich immer öfter mit Shōnen-Elementen. Heute gibt es starke Heldinnen, Action-Szenen und komplexe Handlungsstrukturen, die weit über das alte Mädchen-trifft-Junge-Schema hinausgehen.

MANGA für Erwachsene: Seinen …

Doch MANGA sind keineswegs nur für Jugendliche gedacht. Ab einem gewissen Alter will man vielleicht keine Schuluniformen oder Superkräfte mehr sehen, sondern Geschichten, die näher an der Realität sind. Hier kommen zwei weitere Sparten ins Spiel: Seinen (青年, junger Mann) und Josei (女性, Frau).

Seinen richtet sich an Männer ab etwa 18 Jahren, oft mit dunkleren, komplexeren Themen. Gewalt, Politik, Gesellschaftskritik oder tiefe psychologische Analysen sind normal.

Beispiele hierfür sind Serien wie BERSERK von Kentarō Miura (ein düsteres Fantasy-Epos um den Schwertkämpfer Guts, bei dem Schauspieler Kenau Reeves Vorbild ist, brutal, tragisch und künstlerisch monumental), MONSTER von Naoki Urasawa (ein Thriller, der in Deutschland spielt und Fragen nach Moral und Schuld stellt) oder GHOST IN THE SHELL von Masamune Shirow (Cyberpunk, Künstliche Intelligenz und philosophische Identitätsfragen).

… und Josei

Josei dagegen richtet sich an ein erwachsenes weibliches Publikum und zeigt oft Liebesgeschichten mit realistischem Blick auf Beziehung, Beruf und Alltag.

Beispiele sind NANA von Ai Yazawa (über Freundschaft, Liebe und die Höhen und Tiefen der Jugend in Tokio) oder HONEY AND CLOVER von Chika Umino (eine bittersüße Geschichte um Studenten, erste Jobs und das Erwachsenwerden).

Beide Kategorien zeigen, dass MANGA genauso tiefgründig, komplex und literarisch sein können wie klassische Romane oder Filme.

MANHWA: Koreas Webcomic-Wunder

Nun richten wir den Blick nach Korea. MANHWA bedeutet dasselbe wie MANGA, also schlicht „Comic“. Aber die moderne MANHWA-Szene unterscheidet sich deutlich von der japanischen.

Besonders prägend war die digitale Revolution. Während in Japan lange klassische Taschenbücher dominierten, setzte Korea früh auf Online-Plattformen. Webtoons boomten. Man scrollt auf dem Handy einfach endlos weiter, Panels sind für vertikale Darstellung optimiert und Farben sind Standard statt Ausnahme.

Berühmte Beispiele sind TOWER OF GOD von SIU (ein epischer Fantasy-Aufstieg durch einen mysteriösen Turm), SOLO LEVELING von Chugong (ein schwacher Jäger, der plötzlich beispiellose Kräfte erhält) oder THE BREAKER (ein Martial-Art-MANHWA, der Spannung und Humor verbindet).

MANHWA sind international nicht nur als Lesevergnügen beliebt, sondern oft als Grundlage für K-Dramen. Manche Webcomics werden eins zu eins als Realserien umgesetzt, wodurch die Reichweite faktisch explodiert.

Korea hat damit einen eigenen Weg gefunden. Während MANGA historisch gewachsen und verwurzelt sind, wirkt MANHWA wie das Kind des Digitalzeitalters, flexibel, global und mobil-first.

MANHUA: Bilder aus dem Reich der Mitte

China blickt auf eine lange Tradition bildlicher Erzählkunst zurück, von Tuschezeichnungen bis hin zu politischen Karikaturen. Der Begriff MANHUA (漫画) existiert wie der japanische MANGA schon lange und wurde in der Moderne vor allem für Comics verwendet.

Lange Zeit stand die Szene unter strenger staatlicher Aufsicht, weshalb die verarbeiteten Themen oft vorsichtiger gewählt wurden. Doch seit den 2000er-Jahren entwickelt sich auch im Land der Mitte eine lebendige, eigenständige Comic-Szene.

Viele MANHUA basieren auf Online-Novels (Romane, die kapitelweise im Internet veröffentlicht werden) und tragen stark romantische, historische oder fantastischen Züge.

Bekannte Beispiele sind THE KING’S AVATAR von Quan Zhi Gao Shou (über einen E-Sport-Profi, der sich ins Gaming zurückkämpft), BATTLE THROUGH THE HEAVENS von Dou Po Cangqiong (ein opulentes Fantasy-Abenteuer mit Martial Arts) oder FOX SPIRIT MATCHMAKER (romantisch, verspielt und enorm populär in Asien).

Während MANGA und MANHWA noch stärker in Serien- und Printformaten gedacht wurden, vernetzen sich MANHUA schnell mit Animation und Online-Plattformen. Chinesische Werke erreicht man heute weltweit über Streamingdienste oder Übersetzungen im Netz. Damit schließt China in Riesenschritten zu dem einstmals japanisch dominierte Comic-Universum auf.

Und wer Manhwa und Manhua immer noch nicht auseinander halten kann, merkt sich einfach das „W“ der Webtoons der Koreaner in Manh(w)a und … Zack, Eselbrücke fertig! (auf japanisch: Nīmonikku kansei ニーモニック完成！)

MANGA als globales Kulturerbe

Am Ende unserer Reise wird klar: Ob Shōnen-Piraten, Shōjo-Zauberinnen, düstere Seinen-Fantasy oder scrollbare Webtoons: Asien’s Bildergeschichten sind ein eigener Kosmos. Was als „seltsame Zeichnerei“ begann, ist heute Mainstream-Kultur.

MANGA, MANHWA und MANHUA funktionieren wie Spiegel der Gesellschaften, in denen sie entstehen. Während MANGA mit ihrer Vielseitigkeit jahrzehntelang die Blaupause lieferten, zeigen MANHWA, wie ein Land seine digitale Innovation in Popkultur umsetzt. MANHUA wiederum fügen eine Mischung hinzu aus Onlinekultur, Tradition und staatlichem Rahmen, manchmal gebremst, manchmal überraschend frei.

Alle zusammen bilden sie einen kulturellen Export, der weit über buntes Papier hinausgeht. Sie beeinflussen Mode, Musik, NETFLIX-Produktionen und sogar die Sprache Jugendlicher weltweit.

Und egal, ob man mit DRAGON BALL aufgewachsen ist, gerade SOLO LEVELING durchscrollt oder sich für die nächste K-Drama-Anpassung eines MANHUA freut, man ist Teil einer globalen Fangemeinde. Eine, die zeigt: Geschichten brauchen keine Grenzen, solange sie großartige Bilder haben. Und diese Gemeinschaft mit der ihr eigenen Subkultur aus Cosplayern tritt seit Jahren auf Comic- und Manga-Messen, aber auch auf Düsseldorf’s Japan-Tag verstärkt in Erscheinung.

Ich selbst habe nur einen MANGA wirklich gelesen, verschlungen um ehrlich zu sein: HIKARU NO GO (ein Junge wird vom Geist eines GO-Meister besessen und lernt das Spiel, obwohl er hierzu eigentlich keine Lust hat und bringt es zur Meisterschaft). Aber das lag damals wohl an meiner Begeisterung für das Spiel…

Also: Wer sich je fragte, ob MANGA nur „Kinderkram“ ist, darf beruhigt sein. Es ist längst Weltliteratur in Bildern. Nur mit mehr Laserstrahlen, fliegenden Fäusten und romantisch funkelnden Augen. Comics haben da in unserer Welt leider immer noch einen schweren Weg vor sich …

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In der Welt der Comics sind Multiverse und Alternate Universes faszinierende Konzepte, die uns erlauben, bekannte Figuren in ganz neuen Welten und Rollen zu erleben. Genau so spannend – und mindestens genauso vielfältig – gestaltet sich die Entwicklung der digitalen sozialen Netzwerke heute.

Wir befinden uns mitten in einem Social-Media-Multiverse, das FEDIVERSE genannt wird. Doch was genau steckt dahinter? Und warum könnte dieses neue „Universum“ für uns alle eine Alternative zu den bekannten Social-Media-Giganten sein? Tauchen wir gemeinsam ein in diese alternative Realität.

Was ist dieses FEDIVERSE, das Multiverse der sozialen Netzwerke?

Stell dir vor, das Internet wäre kein einziger, großer Raum, der von wenigen Superwesen – also großen Plattformen wie Facebook, Twitter, Instagram und YouTube – beherrscht wird. Stattdessen besteht es aus vielen kleinen Parallelwelten, die miteinander verbunden sind, aber eigenständig agieren können. Eine Art „Föderation der Planeten“, ganz wie bei Star Trek. Genau das ist das FEDIVERSE. Es ist ein dezentrales (!) Netzwerk von sozialen Plattformen, die über offene Protokolle miteinander kommunizieren.

Das Wort FEDIVERSE setzt sich zusammen aus „federated“ (vernetzt) und „universe“ (Universum). Statt also alle Nutzer in einer einzigen, monolithischen Welt zu versammeln, verteilt sich die Macht auf viele, voneinander unabhängige Instanzen. Jede dieser Instanzen ist wie eine eigene Comic-Realität, mit eigenen Regeln und Communities und doch können sie miteinander sprechen, Nachrichten austauschen und Inhalte teilen. Sagen wir: Es existiert eine gemeinsame Sprache, eine Art Galaktisches Basic.

Eine gute Einführung findet sich beim Digitalcourage e.V.

Die Monolithischen Monster der Social-Media-Welt

Die bekannten großen Plattformen – Facebook, Twitter, Instagram, YouTube u.a. – sind wie Superwesen, die sehr mächtig, aber auch sehr zentralisiert sind. Sie kontrollieren, was du siehst, wer mit wem kommuniziert und nutzen Deine Daten oft für Werbung und Profit. In der Comic-Welt sind sie vielleicht eher Antihelden oder manchmal sogar die Schurken, die zu viel Macht auf sich konzentrieren.

Das FEDIVERSE hingegen zeigt, dass es auch anders geht. Hier gibt es keine zentrale Instanz, die alles bestimmt. Die Macht liegt verteilt bei den Nutzerinnen und Nutzern und den kleinen Communities, die ihre eigenen Regeln gestalten. So entsteht ein vielfältiges Netzwerk, das mehr Freiheit bietet und somit eine echte alternative Realität im Social-Media-Multiverse schafft.

Demgegenüber: Die Vorteile des FEDIVERSE

Warum lohnt es sich, in diese Parallelwelt einzutauchen? Das FEDIVERSE bringt einige spannende Vorteile mit sich:

Datenschutz als Superkraft: Anders als bei den großen Plattformen gehören Deine Daten dir. Es gibt keine undurchsichtigen Algorithmen, die Dein Verhalten ausspionieren oder dich mit Werbung bombardieren.

Offene Welten statt geschlossener Reiche: Die Plattformen im FEDIVERSE sind offen und vernetzt, sodass Nutzerinnen und Nutzer Inhalte über verschiedene Instanzen hinweg teilen und entdecken können (wie Helden aus unterschiedlichen Comics, die sich zusammentun, ein Crossover sozusagen).

Community-First: Die einzelnen Instanzen sind oft kleine, lebendige Communities, in denen man echte Verbindungen findet. Hier gestalten die Nutzerinnen und Nutzer selbst, wie der Austausch funktioniert.

Keine Werbung, keine Manipulation: Da viele Instanzen von Ehrenamtlichen betrieben werden, steht das Gemeinwohl im Vordergrund, nicht der Profit. Das führt zu weniger Stress und mehr authentischer Kommunikation.

Die wichtigsten FEDIVERSE-Apps: Unsere neuen Helden!

Im FEDIVERSE gibt es verschiedene Apps, die jeweils eigene Schwerpunkte setzen und mit Superhelden vergleichbar sind, die unterschiedliche Fähigkeiten haben, aber zusammenarbeiten.

Mastodon ist vielleicht der bekannteste Vertreter. Man könnte es als die Twitter-Alternative sehen, in der man kurze Nachrichten („Toots“) posten, anderen folgen und sich vernetzen kann, ohne die Einschränkungen und kommerziellen Zwänge der großen Plattformen zu erfahren.

Pixelfed ist die Alternative zu Instagram. Hier dreht sich alles um Bilder und Fotos, aber ganz ohne Werbung oder Algorithmen, die dir vorschreiben, was du sehen sollst.

PeerTube nimmt die Rolle von YouTube ein, ist aber ein verteiltes Videoportal, das Videos auf vielen unabhängigen Servern hostet. So vermeidet man, dass ein einzelner Konzern die komplette Kontrolle über Videos hat.

Diese Apps stehen stellvertretend für das FEDIVERSE. Sie sind wie Helden, die traditionelle soziale Netzwerke in neue Welten mit mehr Freiheit, Datenschutz und Community-Gefühl führen.

Wie wirst du Teil dieses Social-Media-Multiverse?

Der Einstieg ins FEDIVERSE ist gar nicht so kompliziert, wie es klingt. Stell dir vor, du suchst dir einfach eine dieser Parallelwelten aus, etwa eine Mastodon-Instanz, die dir sympathisch ist. Dort legst du ein Konto an, suchst Dir einen Namen aus und wirst mit Deiner neuen Identität Teil des Universum.

Du kannst anderen folgen, Beiträge „liken“ oder kommentieren und das ganz ohne, dass du eine neue App für jede Plattform brauchst. Die verschiedenen FEDIVERSE-Apps sprechen miteinander, so dass du auf Deinem Mastodon-Account auch Posts von Pixelfed oder PeerTube sehen und teilen kannst.

Für Fans von Comics ist das wie das Entdecken eines neuen Alternate Universe, das du selbst mitgestalten kannst und das ganz ohne Superkräfte, sondern mit nur wenigen Klicks.

Gute Einstiegspunkte sind https://fediverse.party/en/portal/servers/ oder auch https://joinmastodon.org/de/servers.

Bei Letzterem siehst Du, wie vielfältig dieses Universum schon für die Twitter-Alternative ist. Jede sogenannte Instanz (i.e. jeder eigenständige Server) hat einen thematischen Schwerpunkt, der vielleicht interessen-basiert, geographisch oder auch öffentlich bzw. privat sein kann. Viele deutsche Bundesbehörden und -institutionen haben inzwischen z.B. auch eine Heimat im FEDIVERSE.

Such‘ Dir aus, was am besten zu Dir passt. Deine Entscheidung muss dabei nicht endgültig sein. Du kannst später auch auf einen anderen Planeten „übersiedeln“.

Und was hat das mit PANELWALKER zu tun?

Das FEDIVERSE bietet also eine spannende, alternative Realität für alle, die soziale Netzwerke nutzen wollen, ohne sich von den großen Monolithen abhängig zu machen. Es ist eine offene Welt, die Freiheit, Datenschutz und echte Gemeinschaft in den Vordergrund stellt, perfekt für alle, die lieber in bunte Multiversen abtauchen als in graue Einheitswelten.

Vielleicht ist es an der Zeit, Deine eigene Identität im Social-Media-Multiverse zu entdecken und neue Welten zu erkunden?

Darum bin auch ich mit PANELWALKER diesen Weg gegangen. Über ein Plugin ist der Blog nun seit Kurzem Teil des FEDIVERSE. Werden Artikel veröffentlicht, so sind sie zukünftig direkt auf „Euren Planeten“ verfügbar, selbst wenn Du keine Blog-Leser bist und Du Deine Informationen lieber aus den sozialen Medien beziehst.

Wenn Du PANELWALKER folgen möchtest, suche in Deiner App (!) nach @comics@panelwalker.de – also [at] comics [at] panelwalker [punkt] de – oder klick rechts oben einfach auf den Button „Folge“. Ich freue mich auf Dich.

Hinweis: Die Bilder wurden mit künstlicher Intelligenz via ideogram.ai erstellt.

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Auch in diesem Jahr gibt es wieder einen Gratis Comic Tag (GCT). Am Samstag, dem 10. Mai 2025 findet diese Veranstaltung zum sechzehnten Mal statt und es engagieren sich 1.247 Büchereien, Bibliotheken, Buch- und Comichandlungen in Deutschland, Österreich, Luxemburg und der Schweiz. Sie verteilen spezielle, deutschsprachige Comic-Ausgaben der teilnehmenden Verlage Carlsen, Cross Cult, Edition Helden, Egmont, der Loewe Verlag, Panini, Reprodukt, Splitter und der Ueberreuter Verlag.

Eins-zwei-vier-sieben Beteiligte! Also mich beeindruckt diese Zahl. Auch, weil laut dem Börsenverein des Deutschen Buchhandels 2023 in Deutschland alleine rund 2.700 kleine Buchhandlungen (ohne Filialen), 600 Läden mittelgroßer Unternehmen (2-3 Standorte) sowie 1.200 Läden existierten, die zu Ketten gehören (4 oder mehr Filialen). In Österreich sollen es weitere 400 Buchhandlungen sein, im kleinen Luxemburg gibt es keine genauen Zahlen (geschätzt unter 10) während in der Schweiz im gleichen Jahr etwa 268 Buchhandlungen aufgeführt sind. Aufsummiert sind dies 5.178 Buchhandelsstandorte. Wieviele davon Fach- und Universitätsbuchhandlungen, Antiquariate oder genre-spezifische Buchhandlungen für Krimis etc. sind, ist leider nicht belegt. Aber bevor wir davon ausgehen, dass sich „nur“ etwa ein Viertel der Händlerinnen und Händler beteiligt, freuen wir uns doch lieber über die positive Entwicklung der vergangenen Jahre.

Ziel des Gratis-Comic-Tages

Ziel des GCT ist es, Leserinnen und Leser an die Publikationen heranzuführen, die seitens der jeweiligen Händler auch vertreten werden. Beim GTC 2025 werden ausschließlich Comics für Sechs- bis Vierzehn-Jährige angeboten, also werden sich in erster Linie Buchhandlungen beteiligen, die (auch) Kinder- und Jugendliteratur anbieten. Natürlich dürfen sich auch Junggebliebene für die bunten Hefte interessieren. Allerdings soll ja gerade die genannte Zielgruppe an das Lesen von Comics herangeführt werden. Lasst ihnen also den Vortritt und nehmt am folgenden Montag die Restbestände mit, bevor sie sonst vielleicht ins Altpapier gehen!

Im Übrigen: Warum findet der Gratis Comic Tag eigentlich im Wonne-Monat Mai statt? Weil er dem US-amerikanischen FREE COMIC BOOK DAY nachempfunden ist, der traditionell auch im Mai stattfindet (03. Mai 2025, also eine Woche vor unserem). Auch in Belgien, Frankreich und den Niederlanden ist der erste Samstag im Mai Gratis Comic Tag. Aber die Erwartung an unsere frankobelgischen Nachbarn hatten wir doch auch schon vorher, oder?

Also, save the date – 10. Mai 2025! Ab 09:00h machen die Geschäfte auf …

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Doch spätestens im Jahre 2018 verabschiedete sich der Konzern still und heimlich von dieser Geisteshaltung. Nicht, dass es nicht schon vorher anders lautende Bestrebungen gegeben hätte. Aber 2018 wurde auch offiziell der „Code of Conduct“ angepasst und die berühmten drei Worte gestrichen. Schade eigentlich, aber Kapitalismus ist nun einmal so.

Blogspot und Blogger.com

Schon vor einigen Jahren habe ich – mehr oder weniger regelmäßig – einen Blog auf Blogspot.com / Blogger.com betrieben. Irgendwann wurde es mir zu viel und ich gab es wieder auf. Ich kannte nun aber das System, fand es damals schon einfach damit zu arbeiten und wollte auch dieses Mal die Vorteile wieder nutzen. Darum betrieb ich meinen PANELWALKER zuerst unter https://panelwalker.blogspot.com. Und wie erwartet ließ sich das System in den ersten Wochen und Monaten gut nutzen. Das wäre auch heute noch so. Allerdings haben sich die weltweiten Rahmenbedingungen nun doch erheblich verändert.

Seit Donald Trump wiedergewählt wurde und er sein „Project 2025“ wie angekündigt und erwartungsgemäß umsetzt – obwohl niemand daran zu glauben schien, dass es tatsächlich so kommen würde – ist die Frage, ob ich meine Blog auf einem Kontinent weit, weit weg „lagern“ möchte oder ob nicht doch ein Provider auf meinem eigenen Kontinent von Vorteil sein könnte. Was passiert schließlich, falls sich die Vereinigten Staaten von Amerika tatsächlich abschotten und die Server des Google- oder des Amazon-Konzerns zukünftig nicht mehr erreichbar sind. Ob die Amerikaner wirklich mit den europäischen Datenschutzrichtlinien konform gehen oder ob sie die Überseekabel durch den Atlantik als Druckmittel für „Verhandlungen“ zu ihren Deals nutzen werden, ist heute nicht wirklich absehbar. Ich will für die Zukunft daher keine Risiken eingehen, von denen ich im Nachhinein sagen müsste: Sieh’ste, hättest’e wissen können!

Umzug nach Europa

Aus diesem Grund bin ich vergangenes Wochenende mit meinem Blog zu einem deutschen Heimat-Provider umgezogen. Jetzt läuft das Ganze unter WORDPRESS (in das ich mich in diesem Zusammenhang auch einarbeiten musste) und mein Blog hat parallel dazu ein Face-Lifting bekommen. Die Übernahme der alten Posts von Blogspot sind dabei grundsätzlich reibungslos verlaufen, doch musste ich – und werde es in naher Zukunft wohl auch weiterhin – an den einen oder anderen Stellschraube drehen müssen. Ihr seht: Das hier ist neben dem eigentlichen bloggen noch eine Work-in-Progress!

Jedenfalls hoffe ich, dass ich in Zukunft ohne (zu erwartende) Probleme auf meinen Blog zugreifen werde und Euch wie gehabt mit Rezensionen und Informationen rund um das Thema Comics versorgen kann. Die Posts auf Blogspot werde ich bis auf Weiteres erst einmal stehen lassen. Also, bleibt mir gewogen und … beim Teutates! … Lest mehr Comics!

Viele Grüße

Michael

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