Am 25. Juni kommt Craig Gillespie’s SUPERGIRL mit Milly Alcock als Kara Zor-El, Matthias Schoenaerts als Krem und Eve Ridley als Ruthye Marye Knoll in die deutschen Kinos. Das ist ein schöner Moment, um den Comic von Tom King und Bilquis Evely u.a. noch einmal zur Hand zu nehmen.

Nicht als Pflichtlektüre vor dem Film natürlich, sondern eher als Gegenmittel gegen die sehr verbreitete Vorstellung, SUPERGIRL sei einfach Superman mit blondem Haar und einem Rock. Denn mit dieser Ansicht räumt SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW sehr gründlich auf.

Tom King, Bilquis Evely und Matheus Lopes erzählen in 8 Ausgaben keine glänzende Geschichte. Sie schicken Kara auf eine Reise durch fremde Welten, in Kneipen unter roten Sonnen, auf staubige Planeten und zu sprechenden Wesen, erzählen von alten Wunden und sehr jungen Rachefantasien.

Ich habe beim ersten Lesen ursprünglich schnell gemerkt, dass dieser Comic nicht daran interessiert ist, SUPERGIRL netter zu machen. Er will sie wahrer erscheinen lassen. Das ist ein Unterschied! Kara ist hier nicht weniger heldenhaft als ihr Cousin. Sie ist jedoch müder, älter im Herzen und deutlich schneller bereit, jemandem die Laune zu verderben.

Argo City brennt noch immer

SUPERGIRL erschien als Kara Zor-El 1959 in ACTION COMICS #252. Geschrieben wurde ihr Debüt von Otto Binder, gezeichnet von Al Plastino.

Schon damals war sie mehr als eine bloße Ergänzung der Superman-Familie. Sie kam aus Argo City, einem überlebenden Bruchstück Kryptons. Auch ihr Ursprung war also von Anfang an mit Verlust verbunden. Nur wurde dieser Verlust lange meist verharmlosend geglättet. Kara sollte helfen, lächeln, sich fügen und im Zweifel im Schatten ihres berühmteren Cousins bleiben und verkörperte damit natürlich ein Frauenbild ihrer Zeit.

Tom King greift genau diesen Schatten auf. Seine Kara wurde nicht als Baby auf der Erde von liebevollen Eltern aufgenommen. Sie hat Krypton gekannt und bewusst verloren. Sie hat gesehen, wie ihre Heimat, ihre Familie und ihre Zukunft verschwanden.

Das klingt erst einmal nach einer kleinen Änderung im bekannten Mythos, verändert aber Wesentliches. Superman steht für die Chance, neu anzufangen. Dieses SUPERGIRL jedoch steht für das Weiterleben nach dem Ende.

Die achtteilige Miniserie erschien von Juni 2021 bis Februar 2022 bei DC und liegt inzwischen in mehreren Sammelausgaben vor. Die Deluxe Edition umfasst die komplette Geschichte. DC selbst stellt den Band deutlich als prägende Supergirl-Erzählung heraus und das ist keine Übertreibung, sondern ziemlich treffend.

SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW nimmt eine Figur, die oft zwischen Symbol und Nebenrolle eingeklemmt war und gibt ihr eine eigenes, ja – emanzipatorisches Gewicht.

Krypto beißt nicht nur fürs Merchandising

Die Geschichte beginnt nicht auf der Erde, sondern direkt draußen im All. Kara feiert ihren Geburtstag auf einem Planeten mit roter Sonne. Dort sind ihre Kräfte gedämpft – und dort kann sie bis zum Umfallen trinken.

Das ist ein starker Einstieg, weil er die Figur sofort menschlicher macht aber auch verschiebt. Diese SUPERGIRL sitzt zu ihrem Jahrestag nicht auf einem Wolkenkratzer und lächelt in den Sonnenaufgang. Sie hängt in einer Kneipe ‚rum und sieht so aus, als habe sie die Nase voll vom ganzen Kosmos.

Dann taucht Ruthye Marye Knoll auf, ein Mädchen, dessen Vater von Krem of the Yellow Hills ermordet wurde. Ruthye sucht keine Rettung. Sie sucht eine Waffe und sie will Kara anheuern, damit Krem stirbt. Kara lehnt das zunächst ab, denn sie gehört zur Superman-Familie und Töten passt nicht zu diesem Erbe.

Doch Krem greift ein, verletzt Krypto mit einem vergifteten Pfeil und stiehlt Kara’s Raumschiff. Plötzlich ist aus einer Bitte um Rache eine lebenswichtige Verfolgung geworden und aus einer betrunkenen Begegnung ein seltsam kratziges Bündnis zweier, junger Frauen.

Ruthye erzählt die Geschichte in einer Sprache, die bewusst altmodisch klingt. Das wirkt am Anfang sperrig. Ich brauchte ein paar Seiten, bis ich in diesen Ton hineinkam. Danach trägt er sehr viel. Denn Ruthye ist keine neutrale Erzählerin. Sie blickt auf Kara wie auf eine Legende, die vor ihren Augen ständig Dellen bekommt. Genau daraus entsteht jedoch der Reiz dieser Geschichte: Kara ist für Ruthye überlebensgroß, aber nie fehlerlos.

Die Phantomzone liegt im Herzen

Die Reise führt durch fremde Gesellschaften, Gewalt, Armut, Gier und kleine Wunder. King zählt dabei nicht einfach Stationen auf. Er lässt jede Etappe an Ruthye’s Wunsch nach Vergeltung kratzen. Das Mädchen folgt einer klaren Logik: Krem hat getötet, also muss Krem sterben.

Kara weiß, wie verführerisch dieser Satz ist. Sie weiß es nicht aus Lehrbüchern. Sie kennt die Wut, weil in ihr selbst ein ganzer Planet weiterbrennt.

Der Comic gewinnt viel Kraft daraus, dass Kara nicht als reine, moralische Instanz auftritt. Sie ist nicht die Erwachsene, die einem Kind geduldig erklärt, was richtig ist und was falsch. Sie ist selbst gefährdet, ihre Härte hat Gründe und doch bleibt sie Härte.

SUPERGIRL hilft Ruthye und führt sie zugleich in die Nähe des Abgrunds. Das macht die Beziehung der beiden spannend. Ruthye lernt von Kara, Kara lernt aber ebenso von Ruthye, weil das Mädchen sie zwingt, die eigenen Gewissheiten zu hinterfragen.

Das Finale führt die Rachefrage schließlich nicht billig zu einem Ende. Krem wird gestellt, doch die entscheidende Bewegung liegt nicht im Zuschlagen, sondern im Innehalten.

Dass der Comic später noch einmal in die ferne Zukunft springt, wirkt zuerst wie ein Märchenkniff. Für mich passt der Twist aber trotzdem ins Szenario. Diese Geschichte braucht den langen Atem. Schuld, Zorn und Vergebung verschwinden nicht nach einem Endkampf. Diese Geschichte brauchen Zeit, in diesem Fall sehr viel Zeit.

Im Orbit von Superman

SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW ist für mich besonders interessant, weil der Band den Superman-Mythos nicht ablehnt, aber sich an ihm reibt. Kara trägt dasselbe Zeichen, aber sie kann es nicht auf dieselbe Weise führen wie Clark. Er wurde auf der Erde angenommen, Kara wurde entwurzelt. Diese Differenz ist der Motor einer komplett anderen  Geschichte.

Damit passt der Comic gut in Tom King’s stärkere Superheldenarbeiten. King interessiert sich oft für Figuren, die nach außen klar lesbar sind, in denen innerlich jedoch längst Risse stecken.

Bei MISTER MIRACLE, THE VISION oder HUMAN TARGET geht es ebenfalls darum, was Heldentum kostet, wenn Alltag, Trauma und die eigene Rolle nicht mehr sauber zu trennen sind. Bei Kara funktioniert dieser Ansatz besonders gut, weil sie als Figur lange nach einer eigenen, großen Erzählung gesucht hat.

Zum Film – den ich noch schauen muss – lässt sich ohne Spekulation nur wenig sagen. Gillespie’s SUPERGIRL übernimmt die zentralen Namen und die grobe Grundrichtung des Comic. Kara, Ruthye, Krem, Krypto und die interstellare Reise gehören sichtbar zur Verwandtschaft von Comic und Leinwand.

Zugleich steht fest, dass der Film andere Akzente setzt. Lobo – gespielt von Jason Momoa – gehört zur Besetzung, spielt im Comic aber keine Rolle. Auch Superman wird im offiziellen Cast geführt. Das deutet auf eine stärkere Verankerung in James Gunn’s neuem Kino-DC hin, während der Comic gerade durch seine Ferne zur Erde so gut funktioniert.

Kandor im Sternenstaub

Bilquis Evely ist das eigentliche Wunder dieses Bandes. Ihre Seiten sind detailreich, aber nie zugestopft. Sie zeichnet Räume, in denen ich gern länger geblieben wäre. Märkte, Landschaften, Raumschiffe und Ruinen bekommen eine eigene Attraktivität. Evely liebt Linien, Ornamente und Stofflichkeit. Gleichzeitig bleibt die Handlung immer lesbar. Ich verliere nie Kara’s Blick, Ruthye’s Trotz oder Kremen’s kalte Selbstsicherheit aus den Augen.

Die Frage, die sich mir bereits auf den ersten Seiten stellt, ist die nach einer grafischen „Verwandtschaft“ zu Moebius und ARZACH. Ja, in manchen Momenten erinnert Evely’s Arbeit sehr an diese Lust am fremden Raum, an weite Science-Fiction-Landschaften und an Figuren, die in seltsamen Architekturen fast klein wirken.

Aber Evely ist keine Nachahmerin. Ihr Strich ist wärmer, erzählerischer, stärker an Mimik und Körperhaltung gebunden. Moebius lässt Welten oft schweben, Evely lässt sie atmen.

Besonders schön ist ihr Umgang mit Kara selbst. Dieses SUPERGIRL fliegt natürlich, kämpft natürlich und ist – natürlich – mächtig. Doch Evely zeichnet sie am stärksten, wenn sie sitzt, wenn sie schweigt und wenn sie die Schultern hängen lässt oder Ruthye nur von der Seite ansieht. Darin zeigt sich ihr ganzes Können, denn in einem Gesichtsausdruck steckt hier mehr Geschichte als in so mancher Prügelsequenz.

Auch der Seitenrhythmus ist klug angelegt. Große Bilder öffnen den Kosmos, engere Abfolgen holen die Figuren jedoch wieder auf Augenhöhe. Der Comic pendelt so zwischen Sternenoper und Kammerspiel.

Gelbe Sonne, rote Wunden

Schwarz-Weiß würde das Werk vielleicht funktionieren. Matheus Lopes‘ Farben geben dem Band aber seine Seele. Diese Farben erzählen mit, wenn ein Ort verheißungsvoll ist und wann er kippt.

Rote Sonnen nehmen Kara ihre Macht und ihre Sicherheit, blaue und violette Räume lassen das All schön und kalt wirken. Warme Ocker- und Goldtöne geben manchen Planeten eine Western-Trockenheit, dass ich den Staub auf der Zunge schmecken kann.

Lopes koloriert nicht einfach spektakulär. Er hält die Zeichnung zusammen. Gerade weil Evely so viel zeichnet, braucht der Band eine Farbdramaturgie, die führt und sortiert. Lopes schafft das. Seine Farben machen den Kosmos groß, ohne die Figuren zu verschlucken.

Krypto wirkt nicht niedlich aufgeklebt, sondern körperlich im Bild. Ruthye bleibt verletzlich, auch wenn sie in knalligen, fremden Umgebungen steht. Kara wiederum bekommt keine einfache Licht-Aura. Sie leuchtet, ja, aber oft leuchtet sie gegen Dunkelheit an.

Mit dem Röntgenblick auf die Kreativen

Tom King, geboren 1978, ist ein US-amerikanischer Autor und ehemaliger CIA-Mitarbeiter. Im Comicbereich wurde er vor allem durch THE VISION für Marvel sowie durch BATMAN, MISTER MIRACLE, STRANGE ADVENTURES, HUMAN TARGET und WONDER WOMAN für DC bekannt (keine Links zu seinen Werken, sucht diesmal selbst).

King schreibt gern über Heldinnen und Helden, die nach außen fest gebaut wirken und innerlich mit Schuld, Angst oder Kriegserfahrung ringen. Seine besten Arbeiten verbinden klare Genreformen mit einem spürbaren Interesse an verletzten Menschen. Bei DC Studios gehört King außerdem zum kreativen Umfeld des neuen DC Universe.

Bilquis Evely ist eine brasilianische Comiczeichnerin aus Barueri im Großraum São Paulo. Sie arbeitete unter anderem an WONDER WOMAN, THE SANDMAN UNIVERSE und THE DREAMING, bevor sie mit Tom King und Matheus Lopes diese SUPERGIRL-Miniserie gestaltete.

Später arbeitete das Team erneut bei HELEN OF WYNDHORN zusammen. Dieses Werk wurde 2025 mit vielen Nominierungen bei den Eisner Awards berücksichtigt. Evely gewann Best Penciler / Inker. Evely’s Stärke liegt in fein geführten Linien, ausdrucksvollen Gesichtern und einer seltenen Mischung aus Pracht und Klarheit. Ihre Bilder können märchenhaft wirken, bleiben aber fast immer erzählerisch präzise.

Matheus Lopes, auch als Mat Lopes geführt, ist ein brasilianischer Kolorist. Er arbeitet seit 2012 regelmäßig im US-Comicmarkt und war für Verlage wie DC, Marvel, Image, Skybound, IDW, Dark Horse und Dynamite tätig. Zu seinen Arbeiten zählen neben SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW auch STEP BY BLOODY STEP und HELEN OF WYNDHORN. Lopes gehört zu den Koloristen, deren Arbeit nicht bloß Stimmung ergänzt. Er baut Leseführung, Tiefe und Tempo mit Farbe. In diesem Band ist das entscheidend.

Fazit

Mein Fazit fällt ziemlich klar aus. SUPERGIRL – WOMAN OF TOMORROW ist einer der seltenen Superheldencomics, die eine bekannte Figur nicht neu in „in alten Schläuchen“ präsentieren, sondern ganz neu definieren.

Der Band ist manchmal etwas verliebt in Ruthye’s altertümliche Erzählerstimme – egal! Einige Passagen könnten einen Hauch knapper sein – na gut. Doch diese kleinen Einwände ändern wenig am Gesamteindruck.

Tom King findet eine starke Frage: Was wird aus Heldentum, wenn der Schmerz nicht verschwindet? Bilquis Evely und Matheus Lopes finden dafür die Bilder, die lange nachglühen.

Der Comic selbst ist kosmisch, ruppig, schön, traurig und stellenweise erstaunlich zart. Ich habe ihn nicht gelesen, um für den Film vorbereitet zu sein, auch wenn DER Anstoß war, ihn erneut in die Hand zu nehmen.

Am Ende hatte ich das Gefühl, Kara Zor-El als eigene Figur vor mir zu haben. Nicht als Ableitung, nicht als Variante derer aus dem Hause Superman, sondern als eigenständige „Woman of Tomorrow“. Eine klare Leseempfehlung.

• SUPERGIRL – DIE FRAU VON MORGEN
• Tom King, Bilquis Evely und Matheus Lopes
• Softcover | 228 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3741629976
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Panini Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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ABSOLUTE GREEN ARROW beginnt wie ein Fall, der Vielen schlaflose Nächte bereiten wird. Die Super-Reichen schlafen schlecht, die Polizei sortiert Spuren und Dinah Lance steht als zentrale Figur mittendrin. Sie weiß, dass ein Mord ein Mord bleibt. Sie weiß aber auch, dass manche Opfer sehr viele Schatten werfen.

Genau darin liegt der Reiz dieses Auftakts. Pornsak Pichetshote (Szenario), Rafael Albuquerque (Zeichnungen) und Marcelo Maiolo (fabren) machen aus Green Arrow (k)einen Horror-Comic. Auch, wenn es sich für die Opfer dieses Serienkillers so anfühlen mag und die Community es so sieht. Für mich bauen sie einen harten Thriller mit deutlichen Krimi-Anleihen. Die Frage lautet nicht nur: Wer tötet hier? Sie lautet auch: Warum gerade jetzt? Warum gerade diese Opfer? Und was hat Oliver Queen mit all dem noch zu tun?

Ein neues Universum mit alten Wunden

Die ABSOLUTE-Reihe von DC ist als eigenständiger Neustart angelegt und gehört inzwischen zum Besten, was der US-Comic-Markt zu bieten hat. Vertraute Figuren werden aus ihren bekannten Erzählstrukturen herausgelöst. BATMAN, SUPERMAN und WONDER WOMAN tragen noch immer ihren jeweiligen Kern in sich. Doch die Welt um sie herum ist schroffer. Sie schenkt ihnen weniger und sie zwingt sie schneller zu Entscheidungen, die weh tun.

Für GREEN ARROW passt dieser Ansatz erstaunlich gut. Oliver Queen war nie nur ein Bogenschütze mit einer Maske. Die Figur lebte immer auch von ihrer sozialen Reibung und eindeutigen Moralvorstellung. Er war der Held, der bei den großen Fragen nicht höflich anklopfte.

Reichtum, Ungleichheit, Korruption, Machtmissbrauch waren immer schon seine Themen. All das gehörte seit Jahrzehnten zum Design dieser Figur. Gerade deshalb ist es reizvoll, dass ABSOLUTE GREEN ARROW nicht bei der Abenteuermaschine ansetzt, sondern mit einer Erschütterung: Oliver Queen ist tot! Sein Zeichen lebt jedoch weiter, aber es hat seine Unschuld verloren.

Der Untertitel THE LONGBOW KILLER weckt natürlich Erinnerungen an THE LONGBOW HUNTERS, jene Green-Arrow-Geschichte, die die Figur Ende der 1980er Jahre rauer und erwachsener machte. Dieser neue Auftakt kopiert das nicht. Er nimmt eher die Idee auf, dass ein Bogen auch in die dunkleren Ecken des Genres führen kann. Diesmal geht es jedoch weniger um romantische Gesetzlosigkeit. Es geht um Tatmuster, Spuren, um Verdächtigungen und um eine Heldin, die lernen muss, einem Symbol nicht mehr zu trauen.

Auch das Kreativteam macht Sinn. Pichetshote denkt in moralischen Spannungen. Albuquerque zeichnet Körper, Räume und Gewalt mit einer Direktheit, die selten glatt wirkt. Maiolo legt darüber Farben, die nicht schmücken, sondern Druck erzeugen. So entsteht ein Comic, der sich wie eine Ermittlungsakte liest, in der jemand immer wieder mit rotem Stift etwas markiert hat.

Dinah Lance und die Sache mit dem Vertrauen

Die Handlung von ABSOLUTE GREEN ARROW – THE LONGBOW KILLER setzt an einem Punkt ein, an dem die klassische Heldenordnung bereits zerbrochen ist. Oliver Queen ist ermordet worden. Sein Tod steht dabei jedoch nicht nur als ferne Vorgeschichte im Raum, sondern als offene Wunde.

Dinah Lance, in dieser Version ehemalige Polizistin und MMA-Kämpferin BLACK CANARY, arbeitet als Personenschützerin. Sie ist erfahren, kampferprobt und innerlich deutlich weniger stabil, als sie nach außen wirken möchte. Genau diese Spannung trägt das Heft.

Der neue Fall zieht sie in einen Kreis aus reichen, einflussreichen – und sehr nervösen – Menschen. Ein maskierter Täter jagt Milliardäre. Seine Opfer sind keine gewöhnlichen Zufallsziele. Sie gehören zu einer Schicht, die sich Schutz kaufen kann, Nähe zur offiziellen Macht pflegt und Probleme verschwinden lässt. Der Serienkiller hinterlässt grüne Pfeile. Damit wird aus Olivers altem Zeichen ein Beweisstück. Dies trifft Dinah doppelt. Sie muss einen Mörder aufhalten. Zugleich muss sie verstehen, warum ausgerechnet dieses Symbol plötzlich für Hinrichtungen steht.

Pichetshote erzählt das angenehm konzentriert. Die Geschichte kippt nicht in eine ausufernde Ursprungserzählung. Ich bekomme genug über Oliver, um seinen Schatten zu spüren. Ich bekomme aber nicht so viel, dass er Dinah ihre Bühne nimmt. Das ist klug konzipiert. Denn Dinah ist hier keine Nebenfigur, die dem toten Helden hinterherläuft. Sie ist der Blick, die Haltung und das Gewissen des Comics.

Albuquerque unterstützt diese Anlage mit klarer, ruppiger Bildführung. Die Actionszenen haben Tempo, aber sie protzen nicht. Ein Angriff kommt schnell, ein Körper fällt schwer, ein Blick bleibt einen Moment zu lang hängen. Das ist Thriller-Handwerk. Der Seitenrhythmus arbeitet mit Druck und Unterbrechung. Mal zieht die Erzählung an, dann bremst ein stilles Panel die Bewegung ab. Ich hatte beim Lesen immer wieder das Gefühl, dass Dinah nicht nur Beweise sammelt. Sie sortiert auch ihre eigenen Erinnerungen neu.

Der Bogenschütze bleibt zunächst mehr Funktion als Figur. Das ist für ein erstes Heft in Ordnung. Seine Maske, seine Präzision und seine Zielauswahl reichen, um Bedrohung aufzubauen. Wichtiger ist der Verdacht, den er sät. Wenn ein Symbol plötzlich an Tatorten auftaucht, wird jeder frühere Verbündete, jede alte Verbindung und jede offene Rechnung erst einmal verdächtig. Roy Harper und Mia Dearden schwingen als mögliche Spuren mit. Doch der Comic tut gut daran, nicht sofort alle seine Karten aufzudecken. Er will, dass ich weiterblättere. Und das tue ich gerne!

Ein Auftakt, der den Bogen spannt

Als Nummer 1 funktioniert ABSOLUTE GREEN ARROW sehr gut. Das Heft erklärt seinen Schauplatz knapp, setzt Dinah stark ins Zentrum und liefert ein klares Versprechen.

Hier wird nicht einfach eine bekannte Figur modernisiert. Hier wird ein Vermächtnis zur Gefahr. Das ist ein starkes Sujet, weil es ohne großes Vorwissen verständlich bleibt. Wer GREEN ARROW kennt, spürt die Verschiebung. Wer ihn nicht kennt, versteht trotzdem, dass dieses Zeichen einmal für etwas anderes gestanden hat.

Besonders überzeugend finde ich die Krimi-Struktur. Es gibt Opfer, Muster, Verdächtige, berufliche Zwänge und private Altlasten. Die Gewalt ist hart, aber sie steht im Dienst des Falls. Der Comic will nicht schocken, nur um laut zu sein. Er will zeigen, wie schnell moralische Gewissheit verrutscht, wenn die Toten selbst keine reinen Unschuldslämmer waren. Wer einen Schmetterling zertritt ist ein Mistkerl, wer eine Kakerlake zertritt … nun ja.

Genau hier liegt auch die größte Aufgabe für die kommenden Hefte. Die Serie darf sich nicht zu sehr auf ihre düstere Attitüde verlassen. Sie muss Dinah’s Konflikt vertiefen, den Täter schärfen und Oliver Queen’s Erbe mit echten Konsequenzen aufladen.

Die große Nachfrage vor der Veröffentlichung passt zu diesem starken Start. Die Erstauflage war über Vorbestellungen so schnell vergriffen, dass DC bereits eine Zweitauflage angekündigt hat. Wer lesen will, muss das also erst einmal online tun.

Für ein Auftaktheft ist das natürlich ein hübsches Ausrufezeichen. Wichtiger bleibt für mich aber, dass der Comic diese Aufmerksamkeit erzählerisch begründet. Er hat einen sauberen Haken, eine Figur, der ich folgen möchte und er hat Bilder, die nicht nach Hochglanz aussehen.

Ein Autor mit Gespür für Schuld

Pornsak Pichetshote ist ein thailändisch-amerikanischer Autor, der vor seiner eigenen Arbeit als Szenarist auch redaktionell bei DC’s Vertigo Imprint tätig war. Dort bewegte er sich in einem Umfeld, das viele erwachsene, literarisch geprägte Genrestoffe hervorbrachte.

Als Autor wurde er besonders mit INFIDEL und EXQUISITE CORPSES bekannt. Seine Geschichten verbinden oft Spannung mit Fragen nach Herkunft, Macht, Schuld und gesellschaftlicher Ausgrenzung. Das merkt ich auch hier. Pichetshote interessiert sich nicht nur dafür, was passiert. Ihn interessiert, welche Wunde eine Tat offenlegt.

Ein Zeichner für Druck und Bewegung

Rafael Albuquerque stammt aus Brasilien und arbeitet seit vielen Jahren für den amerikanischen Comicmarkt. Bekannt wurde er unter anderem durch BLUE BEETLE, SUPERMAN / BATMAN und vor allem AMERICAN VAMPIRE.

Seine Zeichnungen haben eine körperliche Energie, die gut zu Geschichten passt, in denen Figuren unter Druck geraten. Albuquerque kann Action klar erzählen, ohne sie glattzubügeln. Gesichter, Schatten und Bewegungen wirken bei ihm oft leicht angeraut. In ABSOLUTE GREEN ARROW – THE LONGBOW KILLER ist genau das wichtig. Die Welt sieht nicht edel aus, sondern benutzt.

Fazit

ABSOLUTE GREEN ARROW liefert viele Anspielungen auf aktuelle Ereignisse, Personen und Diskussionen. Gleichzeitig ist der erste Band ein starker, harter und sehr kontrollierter Auftakt, bei dem ich verstehen kann, weshalb die Community so heiß auf diese Ausgabe war.

Ich mochte vor allem, dass der Comic seine Hauptfigur nicht bequem über das Symbol Green Arrow definiert, sondern über den Verlust dieses Symbols. Dinah Lance trägt die Geschichte mit Wucht, Zweifel und genug Wärme, damit die Kälte des Falls nicht alles verschluckt. Die Ausgabe ist ein Thriller mit Krimi-Puls. Genau so funktioniert sie hier am besten.

Die Pfeile fliegen nicht mehr als reines Helden-Signe. Sie stecken in Beweisräumen örtlicher Polizeistationen fest. Und ich will wissen, wer sie dort hin geschossen hat.

Der Panini Verlag hat angekündigt, die Reihe auf Deutsch zu bringen. Falls die kommenden Hefte der Reihe das Niveau halten, wird der Sammelband mit Sicherheit seinen Weg in mein Regal finden.

• ABSOLUTE GREEN ARROW #1
• Pornsak Pichetshote und Rafael Albuquerque
• 28 Seiten | Farbe
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © DC Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Mein BATMAN war der von Neal Adams: moderat muskulös, aber drahtig, mit einer hochgewachsenen Silhouette und spitzen, aber nicht zu langen Fledermausohren. Ein BATMAN der seine menschlichen Schwächen noch nicht verloren hatte, der auch einmal urlaubsreif sein durfte und der nicht nur wie eine getriebene Maschine ruhelos durch die Straßenschluchten seiner Stadt streifte.

Bei ihm hatte ich damals das Gefühl, dass eine Comicfigur nicht bloß gezeichnet ist, sondern wirklich auf dem Boden stehen könnte. Ich sehe Gewicht auf seinen Schultern, Spannung in den Händen, Müdigkeit unter den Augen und Gefahr in der Haltung. Das klingt erst einmal schlicht. Genau darin lag aber seine Wucht.

Neal Adams brachte den amerikanischen Superhelden-Comic aus einer bequemen, oft flachen Bildsprache in eine Welt, die nach Körper, Stoff, Schatten und echtem Raum aussah. Für mich war – und ist – das keine kleine Korrektur. Das ist ein Einschnitt. Ohne ihn sähen BATMAN, DEADMAN oder GREEN LANTERN / GREEN ARROW in meiner inneren Comicgeschichte anders aus. Vielleicht hätte ich auch nie wirklich für Comics interessiert.

Lehrjahre zwischen Zeitung, Werbung und Trotz

Neal Adam’s Weg in die Branche war nicht die elegante Heldengeschichte, die man gern nachträglich daraus macht.

Adams wurde 1941 in New York geboren, wuchs in einer Militärfamilie auf und besuchte die School of Industrial Art in Manhattan. Früh wollte er ins Comic-Business hinein, früh bekam er dort auch Gegenwind.

Der Markt war schwach, die Verlage vorsichtig und der direkte Einstieg gelang ihm nicht. Also arbeitete er in der Werbung, zeichnete Storyboards und fand mit dem Zeitungsstrip BEN CASEY eine Schule, die für ihn am Ende fast genauso wichtig wurde wie jeder Verlag.

Ich merke diesen Hintergrund seinen späteren Arbeiten an. Dort sitzt jeder Blick und jede Geste hat ein Ziel. Wer täglich für einen Strip arbeitet, lernt Ökonomie in die eigene Arbeitsweise einzubringen. Und wer aus der Werbegrafik kommt, lernt Wirkung. Adams brachte beides mit, als er in den späten sechziger Jahren erneut bei DC aufschlug.

Die Kunst, Körper wirken zu lassen

Was mich an seinen Zeichnungen bis heute fasziniert, ist die Mischung aus konzeptioneller Wucht und Klarheit. Viele Zeichner können Dynamik, viele können Lesbarkeit. Bei ihm greift beides ineinander.

Ich kann einem Arm folgen, einem Sprung, einer Drehung des Oberkörpers. Ich verliere dabei nie die Orientierung auf der Seite. Seine Figuren posieren nicht leer in die Gegend herum. Sie reagieren, sie verspannen sich, sie drohen und sie leiden. Die Gestaltung und Positionierung seiner Panel hatte etwas Besonderes.

Gerade in der Darstellung von unterschiedlichen Gesichtern war er stark. Ich sehe bei ihm keine austauschbaren Heldenschädel. Ich sehe Zorn, Erschöpfung, Arroganz und Trotz. Selbst Faltenwurf arbeitet bei ihm mit. Ein Cape fällt nicht einfach dekorativ. Es schneidet durch den Raum. Ein Schatten liegt nicht bloß herum, sondern baut Stimmung auf.

DEADMAN und der große Durchbruch

Für mich zeigt sich diese Qualität besonders schön in DEADMAN. Boston Brand, der Held der Reihe, ist ein seltsamer Stoff, weil die Figur zugleich körperlos und hoch emotional ist. Genau hier wird Adams richtig gut.

Er zeichnet einen Toten, der trotzdem ein Gesicht voller Schmerz hat. Er macht aus übernatürlichem Material keine wattierte Geistershow, sondern ein Drama mit Tempo, gezielter Blickführung und einer fast greifbaren Traurigkeit.

DC führt die frühen Geschichten aus STRANGE ADVENTURES bis heute als Kern seines Durchbruchs an und ich kann das sehr gut nachvollziehen. Hier sehe ich schon alles, was später groß werden würde wie z.B. die sicheren Perspektiven, die starke Mimik, die Lust an der Bewegung. Und vor allem diesen Willen, eine Seite so zu bauen, dass Leserinnen und Leser beinahe automatisch hineingezogen werden.

Als Gotham nach Nacht aussah

Noch wichtiger für sein Vermächtnis wurde jedoch jemand anderer: BATMAN.

Ich lese seine Arbeiten zum dunklen Ritter bis heute mit dem Gefühl, dass hier jemand eine Figur wieder auf ihre dunklen Wurzeln zurückführt. Der BATMAN bei Adams ist aufrecht, wachsam, gewollt unheimlich. Er betritt einen Raum nicht geschniegelt durch die Tür. Er hängt irgendwo in den Schatten, kommt wie ein Raubvogel aus der Höhe herab geschossen oder steht schon da, bevor die Gegenseite richtig begriffen hat, was eigentlich los ist.

Zusammen mit Dennis O’Neil formte er in BATMAN, DETECTIVE COMICS und THE BRAVE AND THE BOLD eine Version der Figur, die bis heute in mir nachwirkt. In diese Phase seines Schaffens fallen auch wichtige Neuzugänge wie MAN-BAT und RA’S AL GHUL.

Ich mag daran besonders, dass die Düsternis nie bloße Behauptung blieb. Sie sitzt in jeder Silhouette, im Seitenrhythmus und in den Blickachsen. Gotham wirkt bei ihm wieder wie ein Ort, in dem es kalt ist und an dem ich nachts zu Hause sein wollte.

Die Straße kommt ins Heft

Ein eigener Blick auf den historischen Hintergrund lohnt sich bei GREEN LANTERN / GREEN ARROW – HARD TRAVELLING HEROES. Anfang der siebziger Jahre war der amerikanische Superheldencomic noch längst nicht dort, wo er zu einem späteren Zeitpunkt mit politischen oder sozialen Stoffen ganz selbstverständlich hantierte.

Diese Serie schickte Hal Jordan (Green Lantern) und Oliver Queen (Green Arrow) durch ein Amerika, das von Rassismus, Armut, Drogen und wachsendem Misstrauen gegen die eigene Gesellschaft geprägt war. DC betont bei den Sammlungen bis heute, dass diese Hefte genau solche Themen offen angingen. Für mich macht aber nicht nur der Stoff diese Reihe stark.

Entscheidend ist, wie Adams mit seinen Zeichnungen die Geschichten erdet. Straßenecken wirken benutzt, Gesichter müde oder wütend. Green Arrow bekam in dieser Zeit sein modernes Aussehen mit charakteristischem Bart und härterer Kante. Auch John Stewart, einer der ersten dunkelhäutigen Superhelden (ebenfalls als Green Lantern), gehört Anfang der 1970er zu diesem Umfeld des allgemeinen Aufbruchs im jungen Bronze-Zeitalter der US-Comics.

Ich lese diese Seiten nicht als trockene Lektion, sondern als Versuch, Superhelden mit echtem Straßenstaub zu versehen. Das klappt erstaunlich gut.

MARVEL und neue Möglichkeiten

Bei MARVEL, wo er ab 1969 als Freiberufler arbeitet, funktionierte sein Stil etwas anders, aber nicht weniger eindrucksvoll.

In UNCANNY X-MEN Ausgabe 56 bis 63 brachte er zusammen mit Roy Thomas eine Dringlichkeit in die Serie, die ich selbst heute noch sofort spüre. Das Team wirkt plötzlich nicht mehr wie eine freundliche Reihe bunter Kostüme, sondern wie eine nervöse, junge Truppe, die mit jeder Bewegung gegen ihre Umwelt anrennt.

MARVEL führt diese Phase zu Recht als wichtige Station des Verlagshauses auf. Später kam THE AVENGERS hinzu, vor allem der KREE SKRULL WAR. Dort zeigt sich eine andere von Adam’s Stärke. Er konnte Größe, konnte viele Figuren, viel Bewegung und Pathos. Und trotzdem bleiben seine Panel verständlich.

Das ist schwerer, als es aussieht. Seine MARVEL-Arbeiten waren nicht so dauerhaft mit einer einzelnen Figur verschmolzen wie bei DC’s BATMAN. Sie zeigen aber sehr klar, wie seine Fähigkeiten und wie breit aufgestellt seine Möglichkeiten waren.

Nicht nur Zeichner, auch Antreiber

Was ich an Neal Adams fast genauso interessant und wichtig finde wie die Kunst, ist sein Einfluss auf die gesamte Comic-Branche. 1971 gründete er mit Dick Giordano CONTINUITY ASSOCIATES, ein Studio, das Comics, Illustration, Werbung und Storyboards miteinander verband und für viele jüngere Zeichner ein wichtiger Ort wurde.

Dazu kam sein Einsatz für Urheberrechte und Originalseiten. Besonders prägend war sein Anteil daran, dass Jerry Siegel und Joe Shuster wieder Anerkennung und eine finanzielle Absicherung bekamen. Ich spreche darüber nicht als nette Randnotiz. Dies gehört genauso zu ihm, wie seine Zeichenkunst und damit in die Mitte seiner Biografie.

Ich sehe darin denselben Charakterzug wie in seinen Zeichnungen: Druck machen, Platz beanspruchen, nicht klein beigeben. Diese Einstellung passte nicht jedem. Und doch hat es der Branche gutgetan.

Wo ich auch mal die Stirn runzle

Ganz ohne Kritik möchte ich diesen Artikel aber auch nicht beenden. Gerade spätere Arbeiten haben für mich stellenweise zu viel Nachdruck. Dann wird aus Energie Lautstärke. Dann kippt starke Anatomie in Überbetonung. Dann stehen Muskeln und Grimassen einen Tick zu entschlossen in einem Panel.

Natürlich lagen die Latten hoch und ich kann mir gut vorstellen, dass seitens der Verlage ein Immer-Höher, Immer-Weiter und Immer-Bombastischer gefordert wurde. Und doch ist diese Entwicklung bemerkenswert.

Auch als Autor war er nicht immer so präzise, wie ich ihn als Zeichner empfunden habe. BATMAN ODYSSEY oder manches andere Spätwerk haben Momente, in denen ich eher die Willenskraft als die Eleganz bewundere. Aber selbst dort sehe ich keine Müdigkeit. Ich sehe einen Künstler, der immer auf volle Präsenz aus war. Das ist nicht immer fein, aber fast immer unverwechselbar.

Was von ihm bleibt

Adams starb am 28. April 2022 in New York, also genau heute vor vier Jahren.

Geblieben ist weit mehr als eine Reihe berühmter Cover und kanonischer Comic-Hefte. Geblieben ist ein neuer Blick auf unsere Superhelden. Sie durften Schatten werfen, wieder verletzlich aussehen – und sein – und sie durften Größe haben, ohne den Boden unter ihren Füßen zu verlieren.

Wenn ich heute ältere BATMAN, DEADMAN, GREEN LANTERN, GREEN ARROW oder X-MEN-Seiten von ihm aufschlage, sehe ich deshalb nie bloß einen Klassiker. Ich sehe einen Zeichner, der dem Genre beigebracht hat, wie sich Spannung im Körper der gezeigten Personen anfühlt. Darum kehre ich immer wieder zu Neal Adams zurück. Nicht aus Ehrfurcht. Eher aus Freude darüber, wie lebendig Comics werden können, sobald einer sie wirklich atmen lässt.

Die gezeigten Beispielseiten sind ursprünglich © DC

Profilfoto / Beitragsbild by Gage Skidmore, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=79171268

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Dieser erste Sammelband vereint die ersten fünf US Hefte der Reihe, die mich sehr an die – mehr oder weniger – erfolgreichen TV-Serien Black Mirror oder Beforeigners erinnert. Er wirft normale Menschen in eine Sci-Fi-Welt, in der sich die Zeit selbst nicht mehr an Regeln hält. Denn vor der eigenen Haustür kann beispielsweise plötzlich die Steinzeit stehen. Oder der Bus fährt statt nach Queens in ein anderes Jahrhundert.

Doch zwischen all dem Chaos bleibt das eigentliche Drama erstaunlich bodenständig. Die Figuren wollen arbeiten, lieben, trauern oder einfach nur überleben. Sie stolpern dabei über eine Realität, die sich wie ein schlecht aktualisiertes Betriebssystem verhält. Mal hängt sie, mal springt sie, mal zeigt sie dieselbe Szene immer und immer wieder.

Mich hat das Konzept sofort gepackt, weil ich Zeitreisen liebe und die einzelnen Geschichten nicht so tun, als müsse man die Phänomene erst groß erklären. ASSORTED CRISIS EVENTS folgt dem klassischen Grundsatz Show-Don’t-Tell und zeigt mir die jeweilige Story-Idee Seite für Seite für Seite.

Die formale Spiellust wird dabei jedoch nie zum Selbstzweck. Sie hat eine klare Funktion und drückt ein Gefühl aus, das vielen gerade vertraut vorkommt. Unsere Welt wird schneller, Krisen werden zum Dauerrauschen und Orientierung wird zu persönlichem Luxus. Dieser Comic macht daraus keine These, baut jedoch aber abwechslungsreiche Erzählungen.

Kurzgeschichten mit Langzeitwirkung

Die Grundidee ist simpel und zugleich radikal. Die Zeit selbst hat eine Krise. Epochen, Alternativen, Schleifen und Ausreißer mischen sich in den Straßenverkehr.

In diesem Setting erzählen Deniz Camp und Eric Zawadzki keine einzelne, große Heldenreise. Sie liefern lieber One-Shot-Geschichten. Jede davon konzentriert sich auf eine Person und nutzt eine andere Erzählform. Dabei stellt jede Geschichte eine andere Frage nach Verantwortung, nach Mitgefühl oder Selbsterhalt.

Das klingt nach Anthologie und irgendwie ist es das auch. Gleichzeitig fühlt es sich aber an wie eine lose Reihe von Kurzromanen, weil Camp sich pro Heft viel Platz nimmt. Selbst die Seitenstruktur wirkt wie aus dem Labor, da jede Ausgabe ihr eigenes Regelwerk bekommt. Auch das ist für mich der Reiz der Reihe.

Während ich lese, mache ich drei Beobachtungen: Erstens, die Geschichten leben vom Kontrast. Das Zeit-Chaos tobt im Hintergrund. Im Vordergrund kämpfen Menschen mit sehr persönlichen, konkreten Dingen wie Trauer, Arbeit, Gewalt, Beziehung oder Zugehörigkeit.

Zweitens: Zawadzki und Bellaire machen das Thema Zeit sichtbar. Seitenaufteilungen kippen, Wiederholungen werden zu Fallen und Farben steuern den Blick, statt ihn zu überladen.

Und drittens: das Ganze wirkt nicht wie ein Trickfilm aus Ideen. Es landet emotionale Treffer. Ich spüre Wut, Angst und Scham. Und ja, ich spüre das unangenehme Wissen, dass vieles davon auch ohne Zeit-Risse passieren könnte.

Ashley und die neue Normalität

Heft eins folgt Ashley, einer jungen Frau, die ihren Tag und ihren Kalender genauso organisiert wie jede(r) andere. Nur dass sie neben Terminen auch Warnmeldungen zu atypischen temporalen Phänomenen checkt.

Draußen wird ihre Straße ständig zur Filmkulisse. Billige Endzeit-Drehs laufen praktisch nebenan. Mal marschieren Nazis durchs Bild, mal treiben Kannibalenhorden ihr Unwesen.

Ashley müsste längst abgestumpft sein. Doch gerade diese Mischung aus Dauer-Ausnahme und Alltag macht sie anfällig. Der Band zeigt sehr genau, wie sie ihre Gegenwart – ihre Realität – sortiert. Sie versucht, feste Punkte zu behalten. Einer davon ist eine Uhr, ein altes Familienerbstück, das sie mit ihren verstorbenen Eltern verbindet. Als diese Uhr kaputtgeht, kippt mehr als nur ein Gegenstand.

Camp erzählt das als langsames Abrutschen. Ashley rennt nicht sofort schreiend durch die Straßen. Sie wird erst unruhig, dann reizbar, dann panisch. Zawadzki unterstützt dies mit Seiten, die dicht getaktet sind, ohne hektisch zu wirken. Neben Ashley tauchen Höhlenmenschen, Ritter oder futuristische Fahrzeuge auf, doch sie bleiben oft Hintergrund.

Gerade dadurch wirkt der Wahnsinn glaubhaft. Die Welt insgesamt hat das Absurde akzeptiert, Ashley kann es nicht. Am Ende steht ein Moment, der sich wie eine persönliche Apokalypse anfühlt. Kein großes Spektakel, eher der Punkt, an dem eine Stimme im Kopf entscheidet, dass Ordnung wohl nicht mehr erreichbar ist.

Jesus auf dem Fließband der Zeit

Das zweite Heft wechselt den Ton. Es folgt Jesus, einem spanischen Arbeiter im Schlachthaus. Schon diese Wahl ist ein Statement. Hier geht es um Körper, um Routine und um Gewalt, die als Job verkauft wird.

Camp schneidet Szenen wie Fleisch, schiebt Erinnerungen ebenso in die Gegenwart wie Halluzinationen. Dazwischen liegt das Dröhnen der Maschinen. Jesus trägt eine Geschichte mit sich, die der Comic nur stückweise seziert. Sein Schock sitzt tief. Der Tod seines Vaters wird zum Knotenpunkt. Nichts daran fühlt sich fair alles jedoch industriell an.

Die Zeit-Krise kommt hier nicht als bunter Epochenmix. Sie kommt als Verzerrung der Wahrnehmung. Blut scheint zu wandern. Räume wirken endlos. Die Arbeit frisst Minuten und Jahre zugleich. Das Thema ist Ausbeutung und es wird nicht weichzeichnet.

Oder ist das Heft überfrachtet und zu sehr auf Schock gebaut? Ich bin mir unsicher. Die Wucht trifft, gleichzeitig drückt Camp so viele Grausamkeiten in dieses eine Heft, dass auch meine Emotion irgendwann stumpf wird. Das hilft dem Anliegen nicht immer, passt aber ins Bild.

Formal ist es trotzdem beeindruckend. Details wie ein sich steigernder Bluteindruck im Seitenrand machen das Heft zu einem Objekt, das man fast wie einen Unfallbericht betrachten muss. Wegschauen geht, aber das Gesehene bleibt im Kopf.

Warum ein Schlachthaus nie neutral ist

Das zweite Heft trifft einen Nerv, weil Schlachthäuser als Symbol längst aufgeladen sind. Der moderne Fleischbetrieb steht für Industrie, für Unsichtbarkeit und für eine Arbeit, die viele Gesellschaften gern an Bevölkerungsschichten auslagern, die sowieso keine andere Wahl haben.

In den USA wurde diese Unsichtbarkeit schon früh literarisch verarbeitet. Upton Sinclair’s Roman THE JUNGLE erschien 1906. Er beschrieb drastisch die hygienischen Zustände und die Ausbeutung im Umfeld der Fleischindustrie.

Der öffentliche Druck trug dazu bei, dass 1906 Gesetze wie der PURE FOOD AND DRUG ACT und der MEAT INSPECTION ACT beschlossen wurden. Roosevelt unterschrieb den Meat Inspection Act am 30. Juni 1906. Der Roman zielte stark auf die Lage der Arbeiter. Die unmittelbare Debatte drehte sich aber um Sauberkeit und Verbraucherschutz.

Der Punkt ist keine Nostalgie. Es geht um ein Muster. Die Fleischindustrie funktioniert als System. Sie zerlegt Leben in Arbeitsschritte, verschiebt Verantwortung und versteckt Gewalt hinter Prozessen und Verpackung.

Industrie als Horror, damals wie heute

Natürlich ist das nicht einfach dieselbe Geschichte. Trotzdem bleibt der Kern aktuell. Fleischverarbeitung ist bis eine Branche, die von harter, gefährlicher Arbeit lebt. Sie zieht oft Migrantinnen und Migranten an, weil sie Jobs bietet, die andere nicht machen wollen.

Gleichzeitig entstehen Abhängigkeiten, Verletzungen, Schweigen. Genau dieses Spannungsfeld nutzt Camp, wenn er die Routine des Tötens mit einer zerrissenen Zeit Wahrnehmung koppelt. Der Comic übertreibt, halluziniert und schockt. Doch die Metapher sitzt, weil das reale System schon lange wie ein Fließband funktioniert, das Menschen und Tiere in Einheiten zerlegt.

Hearth, zwei Welten, ein schlechtes Willkommen

Heft drei wirkt auf den ersten Blick wiederum klassischer. Dann merke ich, wie fies es ist. Eine Kleinstadt namens Hearth verliert ihre Welt, denn ein Feuer frisst alles. Die Bewohner retten sich in eine nahezu identische Nachbarwelt. Dort existiert Hearth noch. Nur eben mit anderen Menschen, die sich selbst schon für vollständig hielten. Plötzlich stehen ihre Doppelgänger vor der Tür.

Camp setzt hier nicht auf Action. Er setzt auf soziale Chemie. Wie lange hält eigentlich Empathie, wenn die Ressourcen knapp wirken? Wie schnell kippt Hilfe in Abwehr? Und wie bequem ist die Sprache, mit der man sich selbst zum Original erklärt? Der Konflikt entsteht schrittweise.

Zuerst gibt es Essen, Decken, freundliche Hände. Eine Wir-Schaffen-Das-Situation. Dann folgen Gerüchte, dann die Schuldzuweisungen, dann das erste WIR gegen DIE. Das Heft schaut dabei auf beide Seiten. Die Geflüchteten aus Hearth 1 tragen ihr Trauma, die Bewohner von Hearth 2 tragen ihre Angst.

Camp macht keine einfache Rechnung auf. Er zeigt Mechanismen, wie sich Menschen in einer Krise gern an Regeln klammern, die nur so lange galten, wie niemand sie testen muss.

Formal arbeitet das Heft mit Spiegelungen und Parallelität. Man spürt, dass hier zwei Versionen derselben Geschichte gegeneinander gestellt werden. Aber das Ende hat keinen Sieger, es hat nur den bitteren Beweis, dass man selbst in einem absurden Zeit-Setting sehr real scheitern kann.

Mike und die verlorene Zeit

Heft vier erzählt das Leben von Mike, ein Leben als Beschleunigung. Er wacht als Schüler auf. Zwei Seiten später ist er erwachsen. Kurz darauf datet er wieder, wird Vater.

Beziehungen entstehen, zerreißen und verschwinden. Der Horror liegt nicht in irgendwelchen Monstern sondern darin, dass Mike nie wirklich ankommt. Camp nutzt den Zeit-Riss als Metapher für das Gefühl, sein eigenes Leben zu verpassen.

Zawadzki hält die Zeichnungen bewusst im Banalen zwischen Küche, Auto, Couch und Krankenhaus. Gerade das macht es schlimm. Wer schon einmal gedacht hat, dass Jahre plötzlich weg sind, erkennt sich sofort wieder.

Anna und die Grausamkeit der Wiederholung

Heft fünf setzt noch einen drauf, weil es nicht nur schnell ist. Es ist rund. Anna steckt in einer Zeit-Schleife fest. Sie erlebt immer wieder einen Moment häuslicher Gewalt. Nicht als langer Film, sondern in sechzig Sekunden Schnipseln.

Der Comic zeigt, wie Trauma Zeit einfriert und zugleich doch endlos abspult. Die Seite wird zum Kreis. Wir, die Beobachter, stehen außen. Anna steht innen. Das liest sich wie ein sozialer Pranger und wie ein Therapieraum zugleich.

Hier stimmt für mich alles. Die Form erzählt mit. Die Wiederholung erzeugt mein Mitgefühl. Und plötzlich versteht ich, warum dieser Band ein formales Ausrufezeichen ist. Er macht das Erlebte anderer zur inneren, eigenen Erfahrung und hilft mir, mich besser in Andere hinein zu versetzen.

Ein starker Beginn

ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1 sammelt den ersten Story-Block der nach hinten offenen Reihe. Ab Heft sechs startet ein neuer Handlungsbogen. Er setzt stärker auf die Frage, was diese kaputte Zeit überhaupt ausgelöst hat.

Die Serie bleibt dabei bei ihrem Kern. Sie folgt den normalen Leuten und Portale, Schleifen oder Zeitreisende bleiben Störgeräusche, die in die jeweiligen Biografien eindringen.

Zeichnung, Farbe, Lettering als Zeitmaschine

Zawadzki’s Zeichenkunst ist der Motor dieses ersten Sammelbandes. Er kann ruhig erzählen, wenn es nötig ist. Er kann aber auch ganze Seiten in ein Kontrollfeld verwandeln, in dem Panel-Ränder wie Zäune wirken. Oft führt er den Blick so, dass man die Zeit nicht nur liest, sondern sie spürt.

Jordie Bellaire unterstützt dies mit Farben, die nicht dekorieren. Sie ordnen. Figuren bleiben dadurch klar, selbst wenn das Layout explodiert. Bellaire kann jedoch auch reduzieren. Einzelne Elemente stehen dann wie farbige Skizzen im Raum, nur dass die Reduktion hier nicht kühl wirkt.

Wenn Schrift mitspielt

Dann ist da noch das Lettering von Hassan Otsmane Elhaou. Viele Comics behandeln Schrift als Transportmittel, als Hintergrundrauschen. Hier ist sie Teil der Choreografie.

Geräusche, Ansagen, Warnhinweise, Werbesprüche fügen der Geschichte eine zusätzliche Ebene hinzu. Alles hat eine eigene Textur.

In manchen Ausgaben hat man das Gefühl, die Buchstaben selbst würden stolpern. Das ist selten so konsequent eingebaut. Und es passt zum Thema, weil Sprache in einer Krisenwelt oft das Erste ist, was sich automatisiert. Slogans ersetzen Gedanken. Dieser Sammelband legt auch dies offen.

Die Macher hinter den Geschichten

Deniz Camp wirkt wie jemand, der zu viel Energie hat, um sich auf ein Format festzulegen. Im US Markt kennt man ihn als Autor von 20TH CENTURY MEN, einer politischen alternativen History, die Supermenschen und Geopolitik zusammen bringt. Mit BLOODSHOT UNLEASHED hat er gezeigt, dass er auch im Action-Korsett Charakterarbeit unterbringen kann.

Bei Marvel schrieb er unter anderem CHILDREN OF THE VAULT, bevor er mit THE ULTIMATES im neuen Ultimate-Kosmos zu einer Art Ideen-Motor wurde. Gleichzeitig arbeitet er bei DC an ABSOLUTE MARTIAN MANHUNTER, einer viel gelobten Neuinterpretation der Figur im frisch gestarteten Absolute-Universum. Diese Bandbreite erklärt viel.

Camp denkt gern in Genre-Mechanismen. Dann nutzt er sie, um über die Gegenwart zu sprechen. Er liebt formale Kniffe, baut daraus moralische Fallstudien, vergisst dabei aber selten die Figuren.

Eric Zawadzki hat sich über Jahre einen Ruf als grafischen Erzähler aufgebaut, der Sequenzen nicht nur ansprechend zeichnet, sondern sie exakt konstruiert. Seine Arbeiten reichen von THE DREGS über ETERNAL bis zu HEART ATTACK. Dazu kommt die HOUSE OF EL Trilogie.

Auf seiner eigenen Portfolio-Seite wirkt das wie eine klare Linie. Er interessiert sich für Figuren, die unter Druck stehen. Dazu baut er Seiten, die diesen Druck sichtbar machen. Er kann zwischen Stilen springen, ohne seine Handschrift zu verlieren.

Fazit

ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1 ist ein Band, den man nicht einfach schnell überfliegt. Er zwingt dich zum Tempowechsel, zur Einteilung der eigenen Lebens- und Lesezeit. Mal renne ich durch die Seiten, mal bleibe ich hängen, weil ein Layout meinen Blick festhält. Camp und Zawadzki haben eine seltene Kontrolle über Format und Inhalt.

Die besten Momente sind die, in denen das Zeit-Phänomen direkt in die Psyche der Figuren greift. Heft eins, vier und fünf können sich neben den stärksten US One-Shots der letzten Jahre sehen lassen.

Dem gegenüber wirkt Heft drei wie eine bitter realistische Parabel. Heft zwei bleibt für mich der wackligste Teil, weil es seine Themen stellenweise in Blut ertränkt. Trotzdem gehört es zum Gesamtbild, weil es zeigt, wie unterschiedlich Krisen sich anfühlen können.

Wer als Gelegenheitsleser nach einem runden Genre-Spaß sucht, muss sich auf Arbeit einstellen. Der Band ist zugänglich, aber wahrlich nicht bequem. Wer Comics liebt, weil das Medium Dinge kann, die Film und Prosa nicht können, bekommt hier eine Lehrstunde. Wer gerade das Gefühl hat, die Welt sei aus dem Takt, findet hier keine Therapie, aber einen Spiegel, der erstaunlich klar reflektiert.

Insgesamt gehört diese Reihe meiner persönlichen Meinung zum Besten, was in den vergangenen Jahren in Comic-Form produziert wurde. Es würde mich daher doch sehr wundern, falls die Autoren bei der kommenden Verleihung der Eisner-Awards leer ausgehen…

• ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1
• Deniz Camp und Eric Zawadzki
• Softcover | 208 Seiten | Farbe | Englisch
• ISBN 978-1-53433-396-3
• Storyline(s): ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Image Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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An seinem ersten Erscheinungstag wurde der Strip in 35 Zeitungen veröffentlicht, zuletzt waren es rund 2.400. In den 10 Jahren dazwischen wurden 3.160 tägliche (!) Comic-Strips publiziert. Dreitausend-einhundert-sechzig, eine unvorstellbare Zahl. Ja, es waren Strips bei denen es durchaus qualitative Höhen und Tiefen gab. Aber Bill Watterson hat die Latte für alle, die nach ihm kamen, sehr, sehr hoch gelegt. Jetzt ist aber Schluss mit all den Zahlen!

In diesem Artikel geht es nicht nur um eine Kinderfreundschaft, sondern um ein lebenskluges, witziges Plädoyer für eben diese Freundschaft, gepaart mit ausufernder Fantasie und der Kunst, die Tür zum Abenteuer im Alltag immer einen Spalt offen zu halten.

Mit den Abenteuern des sechsjährigen Calvin und seines Stofftigers Hobbes hat Autor Bill Watterson einen Zeitungscomic geschaffen, dessen magische Qualitäten bis heute unerreicht sind. […] Calvin ist Chaos! Ob Eltern, Babysitterin oder Nachbarstochter: Der Bengel treibt seine Umwelt mit Spitzfindigkeiten und den absurdesten Streichen an den Rand des Wahnsinns. Wenn er nicht gerade als „Raumfahrer Spiff“ oder mächtiger Dinosaurier im Reich seiner überbordenden Fantasie unterwegs ist.

Einzig seinem besten Freund, dem liebenswerten Stofftiger Hobbes, gelingt es, den hyperaktiven Calvin auf den Boden der Tatsachen zu holen. Wenn auch nie für lange, denn eine zünftige Partie Calvin-Ball, eine Vereinssitzung des E.M.S.V. (Eklige Mädchen Sollen Verduften) oder ein tiefschürfendes Gespräch über Zuckerbomben mit Schokoguss sind schließlich auch nicht zu verachten. Hobbes ist ja kein Spielverderber! [Verlagstext]

Drei Strips zum Einstieg

In manchen Strips zeigt uns Bill Watterson einen Gag, in anderen verbindet er seine narrative Kunstfertigkeit zu einer Fortsetzungsgeschichte, die sich über mehrere Strips entwickelt. Aber immer endet die aktuelle Bildfolge mit einer wohlgesetzten Pointe. Dies ist ein wichtiges Merkmal der Zeitungsstrips der damaligen Zeit.

Fantasie zwischen Keksdose und Urknall

CALVIN & HOBBES erzählt die Geschichte des ewig sechsjährigen Calvin, dessen wildes, widerspenstiges Herz einzig von seinem getigerten Weggefährten Hobbes verstanden wird. Auf dem Papier ist Hobbes ein Plüschtier. Doch kaum sind Erwachsene außer Reichweite, verwandelt er sich für uns blitzschnell in einen sprechenden, bestens aufgelegten Tiger.

Mit ihm an seiner Seite geht Calvin auf atemberaubende Fantasiereisen. Da wird das Wohnzimmer zur außerirdischen Dschungellandschaft, das Badezimmer zum See voller Monster, der Schulhof zum Planeten einer Alieninvasion. Jede noch so graue Kleinigkeit des Alltags wird im Kopf des Jungen zur Rakete für große, oft absurde Abenteuer.

Die Erzählstruktur der Comicstrips ist schlau angelegt. Oft reicht ein einziger Blick, ein Satz oder die absurde Klage über das vermeintliche Leiden am Erwachsensein, um einen Bogen vom Alltäglichen zum Kosmischen zu schlagen.

So sieht Calvin im strengen Schuldirektor prompt einen außerirdischen Spion, der mit teuflischen Hausaufgaben die Welt unterjochen will. In anderen Strips plant Calvin genüsslich destruktive Attacken auf seine Nachbarin Susie oder philosophiert (mal kindlich-naiv, mal entwaffnend klarsichtig) über die großen Fragen von Zeit, Existenz und Moral.

Trotz aller Sprunghaftigkeit pendelt CALVIN & HOBBES immer zwischen den Extremen und euphorischer Übermut trifft auf melancholische Nachdenklichkeit. Denn so uneingeschränkt Calvin mit seinem Tiger durch Traumlandschaften jagt, so regelmäßig kracht er zurück auf den Boden der unnachgiebigen Wirklichkeit.

Die Pointen blühen auf der Diskrepanz zwischen dem Wunsch, die Welt zu formen, und der Frustration, ihr ausgeliefert zu sein. Was anfangs als ulkige Alltagsflucht erscheint, entwickelt sich zunehmend zur Meditation über Kindheit, Freundschaft, Identität – und die Fähigkeit, mit kindlichem Staunen die Welt täglich neu zu begreifen.

Zwei, die die Welt neu erfinden

Im Zentrum des Strips strahlt die kontrastreiche Freundschaft zwischen Calvin und Hobbes. Calvin platzt vor Energie, Fantasie und Renitenz. Er rebelliert gegen Hausaufgaben, Zähneputzen und jede Form von Kontrolle.

Sein Vater ist die verkörperte Ironie, seine Mutter die stoische Geduld, die Lehrerin das Sinnbild pädagogischer Frustration, doch wirklich ernst nehmen kann Calvin nur Hobbes. Dieser besitzt alles, was Calvin fehlt: Gelassenheit, ein ausgeprägtes Verständnis für Ironie, das rechte Maß an Nachsicht und gelegentlicher Raubtierlust.

Hobbes oszilliert zwischen Spiegelbild, Korrektiv und subversivem Draufgänger. Mit seiner sanften, oft spöttischen Klugheit erdet er Calvin. Die Dialoge sind funkelnde Wechselspiele, in denen sich philosophisch grundierte Nachdenklichkeit mit anarchischem Klamauk paaren.

Während Calvin bei seinen Ausflügen ständig moralische und existenzielle Grenzen testet, mahnt Hobbes immer wieder zur Reflexion und Menschlichkeit – wenn er nicht selbst zur Attacke übergeht oder sich das nächstbeste Sandwich stibitzt.

Die Dynamik erinnert frappierend an wiederkehrende Paarkonstellationen der Comicgeschichte, doch selten wurden Ego und Über-Ich, Impuls und Vernunft so subversiv miteinander verbunden.

Auch in den Nebenfiguren spiegelt sich eine stimmig gezeichnete, analoge Vorstadtwelt. Ob Eltern, Rektor, bullige Mitschüler oder die smarte Nachbarin Susie: sie alle tauchen in Calvins Vorstellungswelt transformiert auf. Sie sind mal Monster, mal Helden oder bloßes Inventar für seine Fantastereien.

Jeder Charakter gewinnt Kontur durch Calvin’s überbordende Fantasie und zeigt zugleich etwas Grundsätzliches über menschliche Beziehungen, Macht und Ohnmacht.

Ein Mann, ein Tiger, ein Comic-Weltwunder

CALVIN & HOBBES ist das Werk von Bill Watterson (im deutschen Sprachraum teils auch als William Watterson II geführt). Der 1958 geborene US-Amerikaner prägte mit seiner Serie eine ganze Generation von Leserinnen und Lesern. Ursprünglich als kleiner Strip in der Lokalzeitung gestartet, wurde die Serie bald zu einem internationalen Phänomen. Auf dem Höhepunkt ihrer Popularität erschien sie weltweit in Hunderten Zeitungen, doch lehnte Watterson – gegen allen wirtschaftlichen Menschenverstand – jegliche Vermarktung seiner Figuren als Trickfilm, Serie oder Merchandise kategorisch ab.

Bill Watterson ist bekannt für seine kompromisslose, romantisch verklärte – und äußerst humorvolle – Haltung gegenüber Kunstfreiheit. In der Comic-Szene gilt er daher als widerspenstiger Erneuerer.

Er lotete die engen Rahmen des Zeitungsstrips künstlerisch wie erzählerisch immer weiter aus und hielt dabei einen einzigartigen Stil zwischen klassischer Linie und visueller, experimenteller Freude. Neben CALVIN & HOBBES hinterließ er vor allem Spuren in der Debatte um die Comic-Kunst an sich, Veröffentlichungsrechte und anti-kommerzielle Haltung. Zahlreiche Comicautoren wie z.B. Art Spiegelman oder die PEANUTS-Erben sehen ihn als kreativen Wegbereiter.

Bilder, die träumen wollen

Was CALVIN & HOBBES in der visuellen Abteilung vollbringt, begeistert mich immer wieder auf’s Neue und ist einfach bahnbrechend. Die Panels leben von einer unglaublichen Dynamik. Ob rollende Wälder für rasante Schlittenfahrten, verwaschene Regenstürme als melancholisches Intermezzo oder minimalistische Portraits punktgenauer Ironie: Watterson zieht souverän alle Register der Zeichenkunst. Die Vielseitigkeit reicht von locker-flirrenden Federstrichen bis hin zu detailverliebten Splash-Panels, wie sie für Sonntagsseiten typisch sind.

Besonders bemerkenswert ist die expressive Mimik von Calvin. Mit wenigen Strichen springt Watterson von Ekstase zu tiefster Verstörung oder rührender Nachdenklichkeit. Die Dramaturgie funktioniert auf mehreren Ebenen. Während die wortlosen Gags auch für Kinder verständlich bleiben, baumeln viele Anspielungen und Meta-Kommentare wie versteckte Bonbons im Bild für uns Erwachsene.

Die Gestaltung der Traumsequenzen, etwa wenn Calvin als „Spaceman Spiff“ durchs All jagt, ist ein Fest für die Augen. Auch in Schwarz-Weiß bleibt die visuelle Wucht ungebrochen.

Revolution aus der Rappelkiste

CALVIN & HOBBES erschien in einer Zeit, als die Comic-Strips in den Zeitungen zunehmend standardisiert und stromlinienförmig wurden. Watterson stemmte sich sowohl mit erzählerischer, als auch stilistischer und politischer Finesse dagegen.

Durch seine Weigerung, die Figuren ins Konsum-Karussell zu schicken, setzte er ein zudem wichtiges Zeichen gegen Kommerzialisierung und für künstlerische Autonomie.

Thematisch greift CALVIN & HOBBES Debatten auf, die den jeweiligen Zeitgeist widerspiegeln, manchmal subtil, manchmal aber auch mit der Brechstange. Kritik an der Konsumgesellschaft, Betrachtungen über Umwelt, Bildung, mediale Überforderung und das moderne Familienleben durchziehen die Strips, ohne moralisch zu belehren.

Die Beziehung zu anderen Comic-Klassikern ist offensichtlich. Doch während die PEANUTS ihre Welt zumeist melancholisch und resigniert erleben, zelebrieren CALVIN & HOBBES den anarchischen Spaß und den Widerstand gegen die Erwachsenenlogik mit einer Leichtigkeit, die ihresgleichen sucht.

Eigen-Sinn und Tiger-Biss

Watterson sprengt in CALVIN & HOBBES nicht nur die Grenzen der Formatvorgaben für Zeitungscomics. Er inszeniert Panel, die von philosophischer Tiefe bis zum hintergründigen Klamauk reichen.

Besonders prägnant bleibt der Verzicht auf eine fortlaufende Handlung. Jedes Abenteuer, jede Krise, jeder Gag steht wie eine Miniatur für das große Ganze. So erreicht der Comic eine emotionale und intellektuelle Bandbreite zwischen absurdem Alltagswitz und existenzieller Reflexion, die in der Comiclandschaft herausragt.

Ungewohnt bleibt auch, dass der Strip jede Vermarktung verweigert. Keine Animationsfilme, keine Actionfiguren, kein T-Shirt-Universum. Der Wunsch, CALVIN & HOBBES ausschließlich als gezeichnete Figuren weiterleben zu lassen, bewahrt ihnen einen Zauber, den kaum eine andere Serie so lange halten konnte. Alles, was – außer Büchern – mit CALVIN & HOBBES Motiven erhältlich ist, kann getrost als nicht autorisiert betrachtet werden.

Einzigartig wie Tigerstreifen

CALVIN & HOBBES bleibt ein zeitloses Meisterstück, das Grenzen überschreitet und Leserinnen und Leser aller Generationen inspiriert. Der Comic glänzt als Abenteuerreise für den Geist und als liebevolle Hommage an das kreative Potenzial des kindlichen Blicks. Wer sich auf CALVIN & HOBBES einlässt, reist zwischen urkomischen Alltagskatastrophen, existenziellen Gedankenspielen und poetischen Momentaufnahmen hin und her. Die raffinierten Zeichnungen, pointierten Dialoge und das anarchische Herz der Figuren laden zum Staunen, Lachen, Nachdenken und – nicht zuletzt – zum Kind-sein ein. Immer wieder aufs Neue!

Dieser Comic gehört für mich in jedes Was-Nimmst-Du-Mit-Auf-Die-Einsame-Insel-Paket und in jedes Comic-Regal.

Egal ob Sammler oder Neueinsteiger: Diese Comic-Strips sind ein wichtiger, unverzichtbarer Teil unserer Popkultur und ein Geschenk für alle, die Humor mit Haltung, Zeichnung mit Gehalt und Fantasie mit bissigem Witz lieben.

Wer Calvin und seinen Tiger noch nicht kennt, sollte ihnen unbedingt begegnen – auf der nächsten Zeitungsseite, im Comicladen oder direkt als Gesamtausgabe. Man bleibt dabei garantiert nicht derselbe. Um es mit den letzten Worten von Calvin heute vor 30 Jahren zu sagen: „Let’s go exploring!“

P.S:

CALVIN & HOBBES erhielt 1990 den Max-und-Moritz-Preis als bester internationaler Comicstrip und 2007 den Sondermann-Preis 2007 als bester Comic International 2007. Zuuuuuu recht! 

CALVIN UND HOBBES

© CARLSEN VERLAG | Hardcover | 1456 Seiten | Schwarz-Weiß und Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★★★★★(★)

Meine persönliche Bewertung: ★★★★★(★)

ISBN: 978-3-551-78907-5 (Gesamtausgabe)

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Und dann sitze ich da und merke bereits nach wenigen Kapiteln, wie mich dieses Buch gleichzeitig füttert – und überfüttert. Ja, es ist klug, wuchtig und gut recherchiert. Es ist manchmal auch richtig stark erzählt. Aber es hat ein Problem, das ich nicht übersehen kann. DR. WERTHLESS vertraut dem Medium Comic zu selten. Es drückt Wissen in Panels, statt Wissen zu inszenieren.

Vollgestopft und faszinierend

Das klingt nach einer formalen Nörgelei. Für mich ist es aber der Kern dieser Rezension. Denn Wertham’s Geschichte handelt davon, wie Geschichten wirken, wie Medien zum Sündenbock gestempelt werden und wie Angst sich in Schlagzeilen verwandelt. Wer das als Comic erzählt, hat ein Werkzeugkasten voller Tricks, voller Rhythmus und Bildrhetorik. Dieses Buch greift aber zu oft zum Megafon, obwohl es ein Orchester hätte.

Ich lese also eine Biografie, die mir ständig sagen will, wie ich sie zu lesen habe. Sie will fair sein, aber zugleich anklagen. Sie will mich umstimmen, obwohl sie spürt, dass ich schon auf ihrer Seite stehe. Genau da entsteht Reibung, aber keine produktive Reibung. Eher so eine, die mich aus dem Buch zieht.

Und trotzdem. Ich klappe es nicht zu, blättere weiter. Weil da ein Thema brennt, das auch mich interessiert. Weil da ein Mann ist, der nicht nur ein Schurke war und weil die Frage bleibt, ob ein übervoller Comic nicht manchmal genau das richtige Format für eine übervolle Zeit ist.

Wie Wertham sich sein Weltbild baute

Die Erzählung startet nicht gemütlich. Sie führt früh in die Welt der Gewalttaten ein, die schon lange vor den Comics existierten. Das ist ein kluger Zug. Der Band macht klar, dass Wertham’s spätere Fixierung nicht aus dem Nichts heraus kommt. Gewalt gehört schon vorher zur populären Ware aus Billigromanen und Sensationspresse. Die Maschine läuft bereits, bevor Wertham sie kritisiert.

Dann wird Wertham eingeführt als Einwanderer aus Europa, als junger Psychiater, als jemand, der sich an Wissenschaft klammert und doch längst politisch geprägt ist. Er landet in den USA, arbeitet in Kliniken, bewegt sich in einem Feld, das Menschen nicht nur behandelt, sondern auch sortiert. Wertham steht zudem gern im Licht. Er ist Helfer, aber auch Selbstdarsteller. Diese doppelte Existenz schiebt der Comic immer wieder nach vorn.

Zentrale Figuren tauchen wie Wegmarken auf, Mentoren und Kollegen, Patientinnen und Patienten, Täter, an denen Wertham seine Theorien schärft. Und ich spüre, wie der Band einen Mann baut, der Gewalt nicht als Einzelfall sieht. Er will – er braucht – Muster und Ursachen, er will Prävention. Das ist für mich nachvollziehbar. Es macht ihn zunächst sympathischer, als seine Entwicklung und sein späterer Ruf es erlauben.

Der Beginn einer Kontrollfantasie

Nur ist die Dramaturgie hier schon überladen. Ich sehe zu viele erklärende, mich beinahe anschreiende Textblöcke. Zu wenige Szenen, die mir Wertham’s Hunger nach Deutung zeigen, statt ihn zu beschreiben. Ich will, dass ein Blick, ein Raum, eine Pause seine Psychologie trägt. Der Band entscheidet sich jedoch häufig für die Abkürzung. Er erklärt mir den Zustand, aber er zeigt ihn mir nicht lange genug.

Als Auftakt funktioniert es, weil es eine These setzt: Wertham glaubt, dass Kultur Gewalt produziert und er glaubt, dass man Kultur kontrollieren kann. Wer diesen Glauben einmal im Kopf hat, wird später nicht sanfter.

Der Helfer, der später zensiert

Der stärkste Teil des Comics ist für mich Wertham’s Arbeit als Arzt und Sozialreformer. Hier wird er nicht zur Karikatur. Hier erhält seine Figur Form und Charakter. Wertham denkt nicht nur in Diagnosen, sondern auch in Strukturen. Er sieht Rassismus, Armut und darin etwas, das in der Medizin kaum vorkommt.

Das Buch streift die Kliniken, psychiatrische Anlaufstellen in Harlem, die ab 1946 in einem Kirchenumfeld arbeitete und auf die Versorgung Schwarzer Patientinnen und Patienten zielten. Diese Passage gibt Wertham Gewicht. Sie zeigt, dass er an echter Hilfe interessiert war. Und sie zeigt, dass er sich politisch einmischen konnte, wenn es ihm richtig erschien.

Wenn Verdienste zum Alibi werden

Das Problem ist, dass diese Stärke später wie ein Schutzschild wirkt. Das Buch nutzt Wertham’s Verdienste oft als Beweis, dass man ihn nicht nur hassen darf. Das stimmt. Aber die Erzählung baut daraus manchmal eine Art moralische Gutschrift. Als müsste man seine spätere Kampagne gegen Comics erst abwägen, bevor man sie verurteilen kann. Ich wehre mich dagegen. Gute Taten machen schlechte Taten nicht weniger schlecht. Sie machen sie oft nur tragischer. Wie häufig geschehen Grausamkeiten auf der Grundlage guter Vorsätze?

Hier fehlt mir mehr Mut zur Härte. Mehr Widerspruch in den Szenen. Mehr Stimmen, die Wertham nicht nur spiegeln, sondern ihm Grenzen setzen. Stattdessen bleibt er häufig der Motor. Der Band liebt seinen Protagonisten als Drama, aber er lässt ihn zu oft die Deutungshoheit.

Und dann ist da wieder die Form. Ausgerechnet in diesen emotionalen, gesellschaftlich geladenen Teilen wünscht man sich mehr Bilder und weniger Bericht. Wertham, Harlem, die Kirche – all das könnte ein Comic groß erzählen. Der Band läuft daran vorbei, weil er schon zur nächsten Information drängt.

Das große Tribunal der Comics

Irgendwann kippt die Biografie in den Teil, den ich bereits kenne. Wertham schreibt im Jahr 1954 SEDUCTION OF THE INNOCENT. Er erklärt Comics zur Ursache der Jugendkriminalität. Seine Aussagen und sein öffentlicher Druck tragen zur Gründung der Comics Code Authority bei.

Hier macht der Comic vieles richtig. Er zeigt die Mischung aus Medienhunger und politischem Theater. Er zeigt, wie schnell komplexe Probleme eine einfache Ursache bekommen. Er zeigt, wie gern eine Gesellschaft einem Medium die Schuld gibt, weil das bequemer ist als über Armut, Rassismus, Familien und Schulen zu sprechen.

Und doch stolpere ich hier über die Handschrift des Buches. Es will Wertham schon irgendwie seinen Dämonstatus abnehmen. Gleichzeitig braucht es diesen Dämon aber, damit der Plot zündet. Es entsteht ein Zwiespalt. Wertham soll differenziert sein, aber die Dramaturgie schiebt ihn oft wie einen Endgegner ins Bild. Die Industrie wirkt wie ein Opfer und die Politik wie eine Kulisse. Das greift für meinen Geschmack zu kurz. Comics waren auch damals schon Geschäft und Grenzüberschreitung aus Kalkül.

Wenn der Titel schon das Urteil spricht

Mich nervt außerdem, wie häufig die Biografie ihre wichtigsten Konflikte in Text verdichtet. Die öffentlichen Momente, die brennen müssten, fühlen sich manchmal an wie ein gut geschriebener Wikipedia Absatz, nur eben ein illustrierter. Das ist nicht fair. Powell zeichnet stark. Aber das Verhältnis kippt. Ich lese zu viel Erklärung.

Und noch etwas. Das Wortspiel des Titels ist bissig, aber es ist auch bequem: Werthless als Wertham plus worthless, ein Urteil im Cover. In andere Sprachräume lässt sich das kaum übertragen. Also wird der Biss gedämpft und plötzlich merke ich, wie sehr schon der Titel die Richtung vorgibt. DR. WERTHLESS will fair sein. Aber es nennt sein Objekt im selben Atemzug wertlos.

Moralische Klarheit, erzählerische Enge

Jetzt zum Handwerk. Ich erkenne, was Schechter und Powell hier wollen. Sie wollen eine Biografie, die nicht nur den Mythos nacherzählt, sondern die Mechanik dahinter offenlegt. Wertham wird als jemand gezeigt, der echte Fälle sieht und daraus eine Theorie zimmert, die ihm Anerkennung bringt. Das kann großartig sein.

Nur muss ein Comic dafür Rhythmus haben. DR. WERTHLESS hat stattdessen häufig Dichte. Dichte ist aber nicht Rhythmus, Dichte ist Beton. Und Beton macht jede Nuance schwerer.

Mein größter Kritikpunkt bleibt daher die Textlastigkeit. Ich habe nichts gegen Worte, auch nicht gegen viele. Nur nicht in einem Comic. Ich habe aber etwas gegen Worte, die die Bilder entmündigen. „Show, don’t tell“ gilt nicht nur im Film, sondern auch in einem Comic oder einer Graphic Novell. Und gegen dieses eherne Gesetz der sequentiellen Erzählung verstößt dieser Band.

Comic als zugepflasterter Essay

Ein Panel soll doch nicht nur bestätigen, was die Caption bereits sagt. Es soll etwas hinzufügen, ergänzen und im besten Fall widersprechen. In diesem Band dominieren aber oft erläuternde Passagen, die jede Szene sofort mit Bedeutung versehen.

Dazu kommt ein moralischer Ton, der mir zu selten Selbstzweifel zeigt. Das Buch will Wertham als komplexen Menschen zeigen. Dann müsste es die eigene Erzählposition ebenfalls komplex machen. Stattdessen wirkt es oft, als würde es mit sauberer Hand die richtigen Schlüsse ziehen. Genau das ist ironisch. Denn Wertham selbst glaubte, aus Beobachtungen saubere Schlüsse ziehen zu können. Das Buch kritisiert seine Methode, übernimmt manchmal aber genau seine Sichtweise.

Ich vermisse außerdem mehr Blick auf das Umfeld, das Wertham groß macht. Seine Karriere fiel nicht vom Himmel. Die Medien wollten ihn, die Politik nutzte ihn und Teile der Öffentlichkeit brauchten ihn. Wertham’s Schuld ist real. Aber seine Macht ist ein Gemeinschaftsprojekt. Dies zeigt der Band, doch er betont es mir zu wenig.

Ein Vorgängeralbum als Messlatte

Ich lese DR. WERTHLESS automatisch neben SCHON GEHÖRT WAS ED GEIN GETAN HAT, einfach, weil es vom selben Team kommt und weil beide Bücher True Crime mit Kulturgeschichte verbinden. Auch DR. WERTHLESS wird offiziell als Nachfolger in diesem Umfeld angesiedelt.

Beim ED-GEIN-Band passte die Überfülle besser. Ed Gein ist Stoff, der in Schichten aus Taten, Mythos, Medien und Filmgeschichte existiert. Da darf ein Buch schon mal ausufern. Da hat die Textmenge sogar etwas Zwanghaftes, das zum Sujet passt. Man liest sich durch einen Schuppen voller Gerüchte und Akten. Genau so fühlt sich True-Crime oft an.

Bei Wertham ist das anders. Hier ist der Horror nicht körperlich sondern strukturell. Es sind Ausschüsse, Schlagzeilen, Verbote und Selbstzensur, die zrntrale Rollen spielen. Das ist weniger sinnlich und natürlich schwerer zu bebildern. Und gerade deshalb bräuchte es mehr visuelle Metaphern, mehr Seiten, die das Gefühl von Kontrolle und Angst als Bild erzählen.

Wenn die Methode nicht mit dem Stoff mitwächst

SCHON GEHÖRT WAS ED GEIN GETAN HAT hatte außerdem einen klareren Sog. Ich folge einem Abgrund und ich will wissen, wie tief er ist. DR. WERTHLESS hat keinen Abgrund. Es hat ein Labyrinth und ein Labyrinth braucht Lotsen. Das Buch stellt mir aber zu oft einfach alle Gänge gleichzeitig hin.

Was mich besonders wurmt: beide Bücher handeln vom Umgang mit Gewalt. Beim ED-GEIN-Band seziert das Team die voyeuristische Lust am Grauen. Bei Wertham seziert es den Wunsch, Grauen zu verbieten. Beides sind zwei Seiten derselben Münze. Und genau da hätte ich mir mehr Spiegelung gewünscht. Mehr Stellen, an denen DR. WERTHLESS sichtbar macht, dass Zensur und Sensationslust sich gegenseitig füttern.

Wenn Quellenarbeit den Comic überrollt

Harold Schechter ist kein Comicautor im klassischen Sinn. Er kommt aus der True-Crime-Literatur. Er war lange Professor, er schreibt seit Jahrzehnten über amerikanische Gewaltmythen und seine Bücher heißen DEVIANT, DERANGED, DEPRAVED oder THE SERIAL KILLERS FILE. Das ist sein Revier. Man merkt das in DR. WERTHLESS.

Schechter denkt in Quellen, in Chronologien und in Belegen. Er kann verdichten und Sachzusammenhänge hypothetisieren. In einem Comic ist eine These aufzustellen jedoch gefährlich, wenn sie jede Szene vorab bewertet. DR. WERTHLESS hat oft diesen Ton, sehr sicher, sehr wissend, aber nur sehr selten fragend.

Zwei Könner, ein zu enger Rahmen

Eric Powell auf der anderen Seite ist ein Zeichner, der eigentlich für Überzeichnung und Groteske bekannt ist. THE GOON ist nicht nur Horror und Humor. Es ist auch Timing und Körperlichkeit. Es ist ein Blick für absurde Traurigkeit. Powell hat Eisner Awards gewonnen und eine lange Liste mit Arbeiten für große US-Verlage erstellt.

In DR. WERTHLESS spüre ich sein Talent u.a. in den Gesichtern. Wertham wirkt oft wie ein Mann, der sich selbst nicht erträgt und deshalb die Welt kontrollieren will. Nebenfiguren bekommen mit wenigen Strichen Haltung. Ich merke: Powell kann Atmosphäre. Nur bekommt er zu selten Raum dafür.

Das Buch zwingt ihn häufig in die Illustration der Texte. Das ist nicht sein Pfund, mit dem er wuchern könnte. Seine Stärke liegt im bildhaften Erzählen. Wenn aber Textblöcke das Panel dominieren, darf Powell nur begleiten. Ich finde das verschenkt.

Grauwerte, Masken und ein Stil, der sich manchmal selbst im Weg steht

Visuell ist das Buch rau und passend. Es arbeitet mit Schwarz, Weiß und vielen Grauwerten. Es sieht aus, als käme es aus einem Archiv, nicht aus einem Hochglanzstudio. Powell zeichnet keine glatten Ikonen. Er zeichnet Menschen mit Ecken und Kanten. Das passt zu Wertham, der selbst aus ebendiesen Kanten bestand.

Es gibt starke Seiten mit Gerichtsräumen, mit Fluren und Sprechzimmern. Ich spüre die Institutionen und diese Kälte, die entsteht, wenn Menschen zu Fällen werden. Und es gibt Momente, in denen Powell bewusst mit Stilwechseln spielt, wenn das Buch über Comics selbst spricht. Dann blitzt kurz ein Gefühl von Pop-Kultur auf, von historischer Ästhetik und von Masken und Schablonen. Solche Stellen hätte ich gern häufiger gesehen.

Ein Stil, der mehr erzählen dürfte

Sie zeigen, was möglich gewesen wäre. Der Band könnte visuell viel öfter aus dem Biografie Modus ausbrechen. Er könnte Propaganda als Panel-Rhythmus darstellen und moralische Panik als Wiederholung aufbauen. Er könnte die Zensur als ein weißes Loch im Layout zeigen. Stattdessen bleibt er oft in konventionellen Szenen.

Ich bleibe deshalb zwiegespalten. Der Stil ist gut und handwerklich stark. Er ist atmosphärisch, aber er wird zu selten als Motor der Erzählung genutzt. Das ist keine Schwäche von Powell, sondern eine Regie-Entscheidung.

Fazit

Ich komme zu einem Urteil, das mir selbst nicht ganz bequem ist. DR. WERTHLESS ist wichtig und informativ. Es ist stellenweise sogar packend. Aber es ist in seiner Form oft zu schwerfällig für das, was es erzählen will. Ich habe dieses Buch nicht verschlungen, ich habe es mühsam Seite für Seite durchgearbeitet. Dieses Werk hier ist keine leichte Kost!

Vielleicht soll es sich ja auch anstrengend anfühlen, weil Zensur ebenfalls anstrengend ist. Weil Moralpanik sich wie ein schwerer Mantel über alles legen kann. Ja, vielleicht. Nur ist Anstrengung keine automatisierte Qualität. Ein Comic darf sperrig sein. Er muss dann aber ein Ziel haben, das ich auf jeder Seite spüre. 

Bei DR. WERTHLESS spüre ich es nicht immer. Zu oft wirkt der Band wie ein exzellent recherchierter Artikel, der in Panels gepresst wurde. Zu selten wie eine Sequenz, die nur als Comic funktionieren kann. Und wenn ich über einen Comic das Gefühl habe, dass er auch als Sachbuch fast genauso gut wäre, dann ist das für mich eine Niederlage des Mediums. Warum als Comic, wenn ein anderes Medium besser wäre? Dies Frage beantwortet sich hier nicht.

Trotzdem empfehle DR. WERTHLESS. Wenn du Comicgeschichte liebst und Wertham mehr verstehen willst als das Schreckgespenst, zu dem er wurde – lies es! Wenn du dich für Medienpaniken interessierst, lies es! Wenn du formale Eleganz suchst, lies lieber erst etwas anderes.

Und streite im Anschluss über die Frage, wann ein Comic zu viel Text verträgt. Und darüber, ob wir heute wirklich so viel weiter sind als 1954.

DR. WERTHLESS

© Dark Horse Verlag | Hardcover | 200 Seiten | monochrome | englisch

Storyline:  ★★☆☆☆

Zeichnungen: ★★★★☆

Farben: ★★☆☆☆

Lettering: ★☆☆☆☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★☆☆☆

ISBN: 978-1-50674-436-0

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Scott Snyder und Nick Dragotta werfen Bruce Wayne in eine düstere Parallelwelt, die mit klassischen Gotham-Klischees nichts mehr zu tun hat und dennoch vertraut wirkt. Hier kämpft Batman nicht als milliardenschwerer Playboy, sondern als Held aus der Arbeiterklasse. Wayne Manor? Geschichte. Luxus? Fehlanzeige.

Stattdessen steht ein Bruce Wayne im Mittelpunkt, der sich mit den rauen Realitäten des Lebens auseinandersetzen muss und dabei mehr denn je auf seine eigenen Fähigkeiten und sein Netzwerk angewiesen ist.

Die Handlung beginnt mit einem Gotham, das sich am Abgrund befindet. Wieder einmal. Die Stadt ist zerrissen zwischen Hoffnung und Verzweiflung. Die Kriminalität hat neue, bizarre Formen angenommen. Im Zentrum steht eine neue Bedrohung, die nicht nur BATMAN’s detektivisches Gespür, sondern auch seine moralische Standfestigkeit auf die Probe stellt.

Die Autoren setzen auf eine dichte Atmosphäre, in der Freundschaft und persönliches Wohlbefinden überraschend viel Raum einnehmen. Das macht ABSOLUTE BATMAN nicht nur zu einer klassischen Superheldengeschichte, sondern auch zu einem Drama über Identität und Loyalität.

Die Erzählung verzichtet auf große, weltbewegende Twists und konzentriert sich stattdessen auf die kleinen, aber entscheidenden Momente. Batman muss sich mit alten und neuen Verbündeten arrangieren, während er gleichzeitig gegen eine neue Generation von Schurken antritt. Die Dynamik zwischen den Figuren wirkt frisch und glaubwürdig. Besonders spannend: die Grenzen zwischen Gut und Böse verlaufen fließend. Das sorgt für eine ständige Grundspannung, die uns bis zur letzten Seite fesselt.

Wer jetzt einen Batman erwartet, der wie gewohnt mit Hightech-Gadgets und übermenschlicher Coolness glänzt, wird angenehm überrascht. Snyder und Dragotta zeigen einen verletzlichen, aber unbeugsamen Helden, der sich seinen Dämonen stellt und dabei vielleicht menschlicher wirkt als je zuvor. Die Handlung bleibt dabei stets zugänglich, auch für die, die nicht jeden Winkel des DC-Universums kennen. ABSOLUTE BATMAN ist damit ein idealer Einstiegspunkt für Neugierige, aber auch für Fans, die den Dunklen Ritter einmal völlig neu erleben wollen.

Snyder’s Sogwirkung

Scott Snyder versteht es, Geschichten mit Sogwirkung zu erzählen. Auch in ABSOLUTE BATMAN setzt er auf eine stringente Dramaturgie, die von Anfang an fesselt. Die Story ist klar strukturiert, lässt aber genug Raum für überraschende Wendungen und stille Momente. Der Comic beginnt mit einem Paukenschlag, der sofort die neue Tonalität etabliert. Gotham ist düsterer, die Bedrohungen sind persönlicher, die Stakes höher. Snyder verzichtet auf überflüssige Rückblenden und setzt stattdessen auf eine lineare Erzählweise, die dennoch mit Rückgriffen und Andeutungen spielt.

Der Story-Arc lebt von einer gelungenen Balance zwischen Action und Charakterentwicklung. Die Konflikte sind vielschichtig, die Motivationen der Figuren nachvollziehbar. Besonders gelungen: Die Geschichte nimmt sich Zeit, die Dynamik zwischen Batman und seinem Umfeld zu beleuchten. Freundschaften, Rivalitäten und familiäre Bande werden mit Feingefühl inszeniert. Das sorgt für emotionale Tiefe, ohne ins Sentimentale abzurutschen.

Ein weiteres Highlight ist die Art und Weise, wie Snyder Spannung aufbaut. Die Bedrohung bleibt lange diffus, was die Paranoia in Gotham spürbar macht. Gleichzeitig gibt es immer wieder kleine Enthüllungen, die das Puzzle Stück für Stück zusammensetzen. Die Dramaturgie erinnert an einen guten Krimi, bei dem jeder Hinweis zählt. Und so wird auch aus dieser BATMAN-Erzählung eine Detektivgeschichte. Die Action-Szenen sind pointiert und dienen immer der Geschichte, sind nie Selbstzweck.

ABSOLUTE BATMAN schafft es, bekannte Elemente des BATMAN-Mythos neu zu interpretieren, ohne sich im Fanservice zu verlieren. Die Story bleibt eigenständig und bietet auch für Kenner der Figur neue Perspektiven. Der Spannungsbogen hält bis zum Schluss, wobei das Ende genug Fragen offen lässt, um Lust auf mehr zu machen. So gelingt Snyder und Dragotta ein Spagat zwischen Tradition und Innovation, der den Comic zu einem echten „Pageturner“ macht.

Kreatives Power-Duo

Scott Snyder zählt zu den prägenden BATMAN-Autoren der letzten Dekade. Mit Werken wie THE COURT OF OWLS und BATMAN: LAST KNIGHT ON EARTH hat er Maßstäbe gesetzt. Seine Geschichten zeichnen sich durch psychologische Tiefe, innovative Ansätze und eine spürbare Liebe zur Figur aus. In ABSOLUTE BATMAN wagt er erneut einen radikalen Neuanfang. Snyder nutzt die Freiheit des neuen Absolute-Universums, um BATMAN als Figur neu zu denken. Er verzichtet auf das gewohnte Setting und konzentriert sich auf die Essenz des Charakters, auf einen Mann, der trotz aller Rückschläge nicht aufgibt.

Nick Dragotta, bekannt durch EAST OF WEST und seine Arbeiten für Marvel, bringt frischen Wind in die visuelle Gestaltung. Sein Stil ist dynamisch, kantig und voller Energie. Ein wenig erinnert er mich an Frank Miller’s BATMAN aus DIE RÜCKKEHR DES DUNKLEN RITTERS. Nur das dort ein gealterter BATMAN agiert, während dieser hier seinen Platz noch sucht.

Dragotta versteht es, Emotionen und Action gleichermaßen überzeugend auf die Seite zu bringen. Besonders auffällig ist dabei, dass die Panels oft wie Momentaufnahmen aus einem düsteren Noir-Film wirken. Dragotta arbeitet mit starken Kontrasten und ungewöhnlichen Perspektiven, was dem Comic einen ganz eigenen Look verleiht.

Noir trifft Moderne

Nick Dragotta liefert mit ABSOLUTE BATMAN eine visuelle Tour de Force ab. Sein Stil ist kantig, dynamisch und voller Energie. Die Panels wirken wie Szenen aus einem düsteren Noir-Film. Dragotta setzt auf starke Kontraste und ungewöhnliche Perspektiven, die dem Comic einen unverwechselbaren Look verleihen. Die Bildsprache ist modern, ohne modisch zu sein. Jede Seite wirkt durchkomponiert und erzählt ihre eigene kleine Geschichte.

Dragotta arbeitet mit einer reduzierten Farbpalette, die die düstere Grundstimmung unterstreicht. Die Farben – ebenfalls von Dragotta gestaltet – sind gezielt eingesetzt und sorgen für emotionale Akzente. Das Spiel mit Licht und Schatten verstärkt die Atmosphäre und macht Gotham zu einem eigenen Charakter. Die Action-Szenen sind dynamisch, aber nie unübersichtlich. Dragotta versteht es, Tempo und Rhythmus zu variieren und so die Spannung zu steigern.

Auch die ruhigen Momente überzeugen. Dragotta nimmt sich Zeit für Details und lässt die Figuren atmen. Mimik und Körpersprache sind präzise beobachtet und bringen zusätzliche Tiefe in die Geschichte. Die Panels wirken nie überladen, sondern bleiben klar und lesbar. Das macht ABSOLUTE BATMAN auch für Gelegenheitsleser zugänglich.

Insgesamt bietet der Comic eine künstlerische Qualität, die über das Übliche im Genre hinausweist. Dragotta beweist, dass Superhelden-Comics mehr sein können als bunte Action. Seine Bilder bleiben im Kopf und machen ABSOLUTE BATMAN zu einem echten Hingucker.

Die Zusammenarbeit zwischen Snyder und Dragotta funktioniert auf höchstem Niveau. Beide Künstler ergänzen sich ideal. Snyder’s dichte, manchmal fast poetische Texte treffen auf Dragotta’s expressive Bildsprache. Das Ergebnis ist ein Comic, der sowohl erzählerisch als auch visuell überzeugt. Die Farben – ebenfalls von Dragotta gestaltet – unterstreichen die düstere Grundstimmung und setzen gezielt Akzente, ohne sich in Effekthascherei zu verlieren.

ABSOLUTE BATMAN profitiert enorm von der Erfahrung und Kreativität seines Teams. Snyder und Dragotta zeigen, dass sie bereit sind, Risiken einzugehen und mit Konventionen zu brechen. Das macht den Comic zu einem der spannendsten Batman-Projekte der letzten Jahre und erklärt auch den enormen Erfolg bei Fans und Kritikern.

Gotham auf links gedreht

ABSOLUTE BATMAN bricht mit dem vertrauten Kanon und stellt die Figuren des Gotham-Mythos auf den Kopf. Im Zentrum steht ein Bruce Wayne, wie man ihn so noch nie gesehen hat. Er wächst nicht im Luxus sondern in den Straßen von Crime Alley auf, Seite an Seite mit denjenigen, die im klassischen Kanon seine späteren Gegner werden.

Bruce ist ein Arbeiterkind, geprägt von Entbehrung, sozialer Nähe und handfesten Problemen. Sein Antrieb entspringt nicht dem Trauma des Verlusts in einer Villa, sondern dem täglichen Überlebenskampf auf der Straße und dem Willen, seine Stadt von Grund auf zu verändern.

Dieser Batman ist jung, kräftig, ein Tüftler und Ingenieur, der sich seine Ausrüstung selbst baut. Er ist kein milliardenschwerer Detektiv, sondern ein Macher. Er repariert, was kaputtgeht, und versteht sich als Symbol für Hoffnung und Wandel. Seine Motivation ist nicht Rache, sondern der Wunsch, ein besseres Gotham zu schaffen. Dabei steht er für Chaos und Anarchie statt für System und Ordnung. Dies ist ein radikaler Gegenentwurf zum klassischen Batman, der eher als Kontrollfreak und Ordnungshüter gilt.

Auch die Nebenfiguren sind neu gedacht. Alfred Pennyworth ist kein loyaler Butler, sondern ein abgebrühter Ex-MI6-Agent und Söldner, der mit Bruce auf Augenhöhe diskutiert und ihn immer wieder herausfordert. Die Beziehung zwischen den beiden ist von gegenseitigem Respekt, aber auch von Konflikten geprägt. Alfred fragt nicht nur, was Bruce baut, sondern auch, warum er es tut und zwingt ihn so zur Selbstreflexion.

Barbara Gordon ist nicht Batgirl, sondern Polizistin und damit Teil eines Systems, das sie eigentlich hinterfragen müsste. Ihr Werdegang bleibt offen, die Möglichkeit einer späteren Verwandlung zur Heldin schwingt mit, ist aber keineswegs sicher. Ihr Vater, Jim Gordon, ist inzwischen Bürgermeister von Gotham, während Harvey Bullock die Polizei leitet. Diese Rollenverschiebungen sorgen für neue, interessante Dynamiken und Konflikte.

Zwischen Freundschaft und Feindschaft

Die klassischen Schurken sind keine reinen Antagonisten mehr. King Croc betreibt ein heruntergekommenes Fitnessstudio und ist Teil von Bruce’s Kindheit. Oswald Cobblepot, der Penguin, führt gemeinsam mit Croc mit zweifelhaften Absichten einen Zoohandel. Viele der bekannten Figuren wie der Riddler, Two-Face und Catwoman sind mit Bruce aufgewachsen. Die Grenzen zwischen Freund und Feind verschwimmen, Loyalitäten sind fließend, alte Feindschaften werden neu verhandelt.

Diese Umdeutungen machen die Charaktere vielschichtiger und menschlicher. Es gibt keine klaren Helden und Schurken mehr, sondern ein Netz aus Beziehungen, das von Vergangenheit, Herkunft und gegenseitigem Respekt geprägt ist. ABSOLUTE BATMAN zeigt, wie spannend es sein kann, ikonische Figuren komplett neu zu denken und wie viel frischer Wind dadurch in die Welt von Gotham kommt.

Und die Charakterentwicklung bleibt nicht an der Oberfläche. Snyder und Dragotta nehmen sich Zeit, die inneren Konflikte ihrer Figuren zu beleuchten. Das macht ABSOLUTE BATMAN zu einer überraschend emotionalen Lektüre. Selbst eingefleischte Fans entdecken neue Facetten an altbekannten Figuren. Die Authentizität der Charaktere trägt maßgeblich zur Faszination des Comics bei.

Wer auf der Suche nach einer BATMAN-Geschichte ist, in der die Figuren mehr sind als bloße Archetypen, wird hier fündig. ABSOLUTE BATMAN zeigt, dass auch in einem Universum voller Masken und Mythen Platz für echte Menschlichkeit ist.

Neuer Mythos, alte Wurzeln

ABSOLUTE BATMAN steht in einer langen Tradition von Neuinterpretationen des Dunklen Ritters. Schon Frank Miller hat mit YEAR ONE und DIE RÜCKKEHR DES DUNKLEN RITTERS gezeigt, wie wandelbar die Figur ist. Snyder und Dragotta knüpfen an diese Tradition an, gehen aber noch einen Schritt weiter. Sie werfen Ballast ab und konzentrieren sich auf das Wesentliche, auf einen Helden, der in einer feindlichen Welt seinen Platz sucht.

Der Comic spielt bewusst mit klassischen Motiven, bricht sie aber immer wieder auf. Die Arbeiterklasse als Ausgangspunkt für Bruce Wayne ist ein Novum, das dem Mythos eine völlig neue Perspektive verleiht. Damit spiegelt ABSOLUTE BATMAN auch aktuelle gesellschaftliche Debatten über Herkunft, Privilegien und soziale Gerechtigkeit wider. Die Autoren greifen historische Themen auf, ohne sie plakativ zu inszenieren. Das macht den Comic zeitgemäß und vielschichtig.

Gleichzeitig bleibt der Respekt vor der Vorlage spürbar. Die Anspielungen auf frühere Batman-Inkarnationen sind subtil und für Kenner ein Fest. Neue Leser werden nicht mit Insiderwissen überfordert, sondern können die Geschichte eigenständig genießen. ABSOLUTE BATMAN beweist, wie flexibel und lebendig der BATMAN-Mythos auch nach Jahrzehnten noch ist.

Neustart mit Stil

ABSOLUTE BATMAN ist Teil der neuen Absolute-Serie von DC, die auch WONDER WOMAN und SUPERMAN neu interpretiert. Ziel ist es, die berühmtesten Helden des Verlags für eine neue Generation zu öffnen. Die Serie bietet eigenständige Geschichten, die unabhängig von der bisherigen Kontinuität funktionieren. Das macht ABSOLUTE BATMAN besonders zugänglich, sowohl für langjährige Fans als auch für Neueinsteiger.

Im Vergleich zu früheren BATMAN-Serien setzt ABSOLUTE BATMAN auf mehr Bodenständigkeit und emotionale Tiefe. Die bekannten Figuren erscheinen in neuem Licht, die Welt wirkt rauer und realistischer. Das Konzept erinnert an frühere Reboots wie ULTIMATE SPIDER-MAN bei Marvel, geht aber noch konsequenter eigene Wege.

Die bisherige Resonanz auf die Serie ist überwältigend. Bereits nach wenigen Wochen gilt ABSOLUTE BATMAN als meistverkaufter Comic des Jahres 2024. Kritiker loben die frische Perspektive und die gelungene Kombination aus Innovation und Respekt vor dem Original. Die Serie zeigt, wie spannend es sein kann, bekannte Helden neu zu erfinden.

Fazit

Seit meiner Jugend bin ich BATMAN-Fan. Über die Jahrzehnte haben mich die vielen Erzählstränge und Geschichten aber verloren. Mir fehlte bisher die Zeit, mich in die vielen Varianten und Multiversen einzulesen, die DC und Panini in schneller Folge auf den Markt geworfen haben.

ABSOLUTE BATMAN ist für mich aber mehr als ein weiterer Aufguss des bekannten Mythos. Scott Snyder und Nick Dragotta liefern eine packende, tiefgründige und visuell beeindruckende Neuinterpretation, die sowohl alte Fans als auch Neueinsteiger begeistert. Die Mischung aus klassischer Detektivgeschichte, emotionalem Drama und moderner Bildsprache macht den Comic zu einem echten Highlight im DC-Universum.

Wer BATMAN einmal anders erleben will, kommt an ABSOLUTE BATMAN nicht vorbei. Die Serie zeigt, wie viel Potenzial in der Figur steckt und wie spannend es sein kann, mit alten Mustern zu brechen. Egal ob Comic-Veteran oder Gelegenheitsleser: Dieser Band gehört in JEDES Regal!

ABSOLUTE BATMAN wartet darauf, gelesen zu werden und könnte auch dein Bild vom Dunklen Ritter für immer verändern.

ABSOLUTE BATMAN

© Panini Verlag | Softcover | 88 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★★☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★★

ISBN: 978-3-74164-529-7

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Wir befinden uns in einer 60er-Jahre inspirierten, retro-futuristischen Parallelwelt, einer Erde-828, die mit ihrer Ästhetik direkt aus der Space-Age-Optimismus-Ecke kommt und doch nie in bloßer Nostalgie versinkt. Vom ersten Bild an spielt der Regisseur Matt Shakman, den wir bereits von WandaVision kennen, mit unseren Erwartungen und unserem Wissen. Hier erwacht ein Klassiker zu neuem Leben, ohne sich der Popkultur von gestern zu opfern.

Die Handlung steigt rasant ein, wie schon bei SUPERMAN keine ermüdende Origin-Story, kein erneutes Auswalzen der Anfänge. Innerhalb der ersten wenigen Minuten im Retro-Look macht der Film klar: Diese vier Heldinnen und Helden sind bereits Superstars, Medienlieblinge, Popikonen!

Reed Richards a.k.a. Mr. Fantastic (Pedro Pascal), Sue Storm, die Unsichtbare (Vanessa Kirby), Johnny Storm, die menschliche Fackel (Joseph Quinn) und Ben Grimm, das Ding (Ebon Moss-Bachrach), haben schon diverse Widersacher besiegt und sind eine Art leuchtendes Vorbild für die Welt. Gleichzeitig ist da auch diese angenehm skurrile Alltagsnähe. Man will fast mit ihnen durch das stylische New York der Sechzigerjahre schlendern oder sich auf einen Plausch im Schwebewagen einladen lassen.

Kosmischer Auftakt mit Flugtaxi und Familienzuwachs

Doch das friedliche Superheldenleben beginnt zu bröckeln, als eine mysteriöse silberne Gestalt (der SILVER SURFER in der weiblichen Gestalt von Julia Garner) über den Himmel New Yorks gleitet. Sie bringt eine Botschaft, die selbst gestandenen Helden das Blut gefrieren lässt. Der Weltenverschlinger GALACTUS ist unterwegs zur Erde.

Plötzlich geraten nicht nur Machtverhältnisse ins Wanken, sondern die Frage stellt sich: Sind diese Helden bereit, für das große Ganze zu kämpfen und notfalls alles zu opfern? Während sie von Talkshows und der Weltöffentlichkeit gefeiert werden, stellt der drohende Weltuntergang auch ihr Privatleben und ihre Beziehungen auf die Probe.

Reed und Sue erwarten – endlich – gemeinsam Nachwuchs, das Team muss zwischen Familienglück und Weltenrettung abwägen und droht, genau daran zu zerbrechen.

Die Gefährdung durch GALACTUS wird mit passenden Effekten inszeniert, bleibt aber trotz visueller und akustischer Explosionen immer im Schatten der eigentlichen Hauptthemen von Loyalität, Angst, Hoffnung, Witz und Zusammenhalt. Entscheidungsmomente drohen den Alltag zu zerbrechen, während ulkige Robot-Diener, fliegende Fahrzeuge und Alien-Krisen das Versprechen einer aufregenden Zukunft vermitteln.

Der Film wechselt dabei geschickt zwischen Farce und Tragödie, Slapstick und moralischer Nachdenklichkeit, wie sie in den besten Heften der FANTASTIC FOUR immer wieder zu finden war.

Zwischen Classic Comic Strip und Familienkrise

Die Story-Arc von THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS bricht mit bekannten Superheldenkonventionen, auch wenn sie das Genre am Ende erkennbar nicht verlassen will. Im Kern bleibt das Abenteuer übersichtlich: Kosmische Bedrohung taucht auf, Familie muss zusammenstehen, moralische und emotionale Dilemmata werden durchgespielt. Doch das Wie überrascht.

Statt großer Multiversumsszenarien setzt Shakman auf eine klare Linie, auf eine Geschichte mit überschaubarem Ensemble. Das Drehbuch gönnt sich Momente für Charakterszenen und Alltagsflair, in denen Reed Richards schon mal nervös die Aloe-Vera für Sues Schwangerschaftsbauch sucht. Es verbleibt ein natürlicher Flow zwischen Science-Fiction-Spektakel und Beziehungsalltag, was der Franchise nach den letzten, oft überladenen Marvel-Mammutprojekten wirklich gut tut.

Drahtseilakt zwischen Familienbande und Weltende

Die Humor-Dramaturgie ist außerdem auf den Punkt. Während die Welt auf der Kippe steht, ergänzen sich vor allem Johnny und Ben zwischen trockenem Wortwitz und sympathischen Kabbeleien. Gleichzeitig schafft es der Film, die Spannung (fast) permanent aufrechtzuerhalten, ohne sich in Effektgewitter zu verlieren. Lediglich an manchen Stellen droht das Ganze in zu bekannte Muster abzurutschen. Wenn der Plot ins Cartooneske abgleitet und Bedrohungsszenarien auf absurde Retro-Gadgets treffen, ist das zwar schön bunt, wirkt aber manchmal zu gewollt vereinfacht.

Eine (kleine) Schwäche des Films liegt dabei auf seiner ausschließlichen Konzentration auf die Helden. Trotz intergalaktischer Bedrohung, die die Auslöschung des gesamten Planeten zur Folge haben soll, scheint es kein Militär zu geben, dass den FANTASTIC FOUR bei der Bekämpfung von GALACTUS zur Hand gehen kann oder gehen will. Ein Raketenstart aus der Mitte New York’s heraus ist möglich, eine Panzerhaubitze am selben Ort offensichtlich nicht. Geschenkt, Superheldenfilm.

Anders als in früheren Adaptionen erhalten Randfiguren wie SILVER SURFER mehr Tiefe, auch wenn ihr Potential nicht ausgeschöpft wird. Die Story balanciert auf einem schmalen Grat zwischen Erwachsenenmärchen und Frühstückskino, mal gelingt das, mal wirken die Töne leicht verstimmt. Die eigentliche Überraschung bleibt der Mut zu offenen Fragen und uneindeutigen Antworten beim moralischen Dilemma, auch wenn Reed Richards’ Kontrollbedürfnis symbolisch immer wieder jede Ecke polstert und so größeren Tabubrüchen vorbeugt.

Figurenporträts mit Ecken und Kanten

Eine der großen Stärken von THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS ist das Ensemble. Selten wirkte das legendäre Quartett so greifbar und unterschiedlich, ohne in Klischees zu erstarren.

Pedro Pascal gibt dem brillanten, aber sozial verunsicherten Reed Richards bemerkenswerte Tiefe. Seine Sorge um die Familie und sein Perfektionismus stehen nie im Widerspruch, sondern treiben ihn glaubhaft an. Er ist ein Getriebener, der alle, wirklich alle Eventualitäten durchdenken und bewerten muss. Aber im Gegensatz zu seinem Körper ist seine Moral nie wirklich dehnbar.

Vanessa Kirby setzt als Sue Storm viele großartige, schauspielerische Akzente. Ihre Rolle bleibt nicht nur auf die besorgte Ehefrau beschränkt, sondern wächst zur integrativen Kraft der Truppe. Sie ist die Kernfigur dieses Films. Meine Meinung nach gehört ihr Auftritt in THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS zu den herausragendsten Figurendarstellungen der vergangenen Marvel-Filme.

Protagonisten und Antagonisten

Ebon Moss-Bachrach (als Ben Grimm) und Joseph Quinn (als Johnny Storm) bringen eine erfrischende Chemie ins Team. Ihre Kabbeleien haben Biss, werden aber nie zur reinen Comedy. Besonders in Krisenmomenten, wenn Vertrauen über Muskelkraft steht, überraschen beide mit emotionaler Tiefe.

Julia Garner legt mit ihrer Interpretation des SILVER SURFER einen Auftritt hin, der Sehnsucht und Tragik gleichermaßen transportiert. Leider kratzt das Drehbuch nur an der Oberfläche ihrer inneren Konflikte, was angesichts des Potenzials der Figur – wieder einmal – sehr schade ist.

Antagonist GALACTUS bleibt für mich die große Enttäuschung des Films. Trotz bombastischer Inszenierung und imposanter Präsenz bleibt er ein eher eindimensionales Ungeheuer, bei dem die eigentliche Bedrohung stets abstrakt bleibt. Für mich persönlich schließt der Antagonist zu keinem Zeitpunkt auf das Niveau eines THANOS oder LOKI auf. Ja, GALACTUS ist gut an den ursprünglichen Comics orientiert, aber – er berührt mich nicht.

Das Herzstück dieses Films sind eindeutig seine Heldinnen und Helden selbst, nicht der Kampf gegen das apokalyptische Böse. Das macht die persönliche Entwicklung der Figuren umso spannender. Sie lernen insbesondere, was Zusammenhalt unter widrigen Umständen bedeutet.

Zwischen Raumschiff-Flair, Space-Age-Utopie und gesellschaftlichem Wandel

FIRST STEPS ist durch und durch ein Kind der 1960er. Der Film bleibt dem Setting der klassischen FANTASTIC FOUR-Heftjahre treu. Wer die frühen Abenteuer von Lee und Kirby noch vor Augen hat, erkennt sofort die Einflüsse.

Fliegende Autos, Robot-Diener mit Magnetbänder-Augen, poppig bunte Architektur und die Hoffnung der Menschen, dass Wissenschaft alles besser macht: Hier werden Träume aus der Zeit nach der Mondlandung konsequent nacherzählt.

Bubble Cars, Roboter und große Träume

Heraus sticht die reflektierte Auseinandersetzung mit der damaligen Fortschrittsgläubigkeit. Reed Richards wirkt wie ein Steve Jobs mit Leibniz-Aura, dessen Erfindungen die gesamte Stadtformen prägen. Dass dabei nicht alles glatt läuft, zeigt sich im großen Thema Verantwortung. Die Sorge um das eigene Kind und die politische Debatte, wie viel Wissenschaft wagen darf, sind Reminiszenzen an damalige Gesellschaftsfragen, die heute wieder an Aktualität gewinnen.

Der Score von Michael Giacchino, bekannt aus den Spider-Man-Filmen und anderen Sci-Fi-Spektakeln, treibt das Space-Age-Feeling zudem auf die Spitze. Die Musik ist nicht nur Stimmungsuntermalung, sondern transportiert auch einen Hauch von Star Trek und 2001, ohne je altbacken zu erscheinen.

Ein erster Schritt in eine neue MCU-Ära

Obwohl FIRST STEPS als Neubeginn präsentiert wird, gelingt es Matt Shakman, ebenso zahlreiche Anspielungen auf das Marvel Cinematic Universe (MCU) einzubauen, wie liebevolle Verbeugungen vor den oft gescholtenen Vorgängerwerken zu integrieren.

Anders als das multiverselle Chaos der letzten Jahre gibt es endlich (!) wieder eine klare Linie und überschaubare Figuren. Mastermind Kevin Feige hat aus der Überfrachtung mit Sideplots und Serienballast gelernt. Wer hier ins Kino geht, muss kein MCU-Studium ablegen und keine 50 Vorfilme nachholen.

Stattdessen wird das Team als popkulturelle Realität etabliert, die sich von den harmlosen Outfits vergangener Verfilmungen (man erinnere sich an FANTASTIC FOUR: RISE OF THE SILVER SURFER) souverän absetzt. Sogar die poppigen Sci-Fi-Verirrungen der 2000er werden ironisch aufgegriffen und überwunden.

Auch wenn kein echtes Risiko eingegangen wird, so bleibt der Weg in Richtung selbstständiger MCU-Zukunft nachvollziehbar. Die Balance zwischen Selbstironie und Wegweiser für das Franchise funktioniert.

MARVEL’s neue Alltagshelden

Innovation findet sich vor allem in den Unterschieden zum aktuellen Superhelden-Blockbuster-Einerlei. Reduziertes CGI, echtes Worldbuilding, kluger Einsatz von Humor und eine Musikauswahl, die den Zeitgeist nicht nur nachahmt, sondern weiterführt.

FIRST STEPS lässt Raum für Alltäglichkeit, gesteht seinen Figuren Menschlichkeit zu und erlaubt nerdige, liebevolle Details, die Fans wie Neueinsteiger begeistern dürften. Besonders gelungen ist die Darstellung der Fantasie, wie MARVEL wirklich bunt und voller Möglichkeiten sein kann, ohne auf Explosionsorgien zu setzen.

Im Retro-Flair lösen sich die Genre-Grenzen manchmal auf, wenn Philosophie, Cartoon, Satire und Abenteuerfilm eine unerwartet angenehme Mischung eingehen. Auch die klare familienfreundliche Ausstrahlung – trotz einer Prise Drama und Zweifel – macht den Film originell und innerhalb der Marke MARVEL sehenswert.

Fazit – Fantastische Familienbande

THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS ist kein revolutionärer Geniestreich und doch vielleicht genau die Art Superheldenfilm, die wir im Jahr 2025 brauchen. Weniger Krawall, mehr Charakter. Weniger Multiversum, mehr Menschlichkeit.

Nicht jeder Witz sitzt, nicht jedes Gefühl ist hundert Prozent glaubwürdig und der große Widersacher bleibt blass. Dafür aber gibt es Teamgeist, Leichtigkeit und eine Prise Science-Fiction-Vision, die sich klug auf das Gute im Menschen verlässt.

Comic-Fans werden viele Anspielungen und smarte Umsetzungen ihrer Lieblingsmotive entdecken. Neueinsteiger erleben, warum diese Figuren seit Jahrzehnten so viel Spaß machen. Mit THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS beweist MARVEL, dass weniger manchmal mehr ist – jedenfalls solange großartige Darsteller und eine klare Idee am Start sind.

Jetzt bleibt nur eins: Kinoticket holen, Freunden davon erzählen oder gleich beim nächsten Comic-Shop die alten Lee-Klassiker nachlesen. Es sind die kleinen, fantastischen Schritte, die begeistern.

P.S. Kleiner Nerd-Faktor am Rand: Die ERDE-828 geht zurück auf den Geburtstag von Jack „King“ Kirby am 28. August 1917 (im Amerikanischen geschrieben 08-28-1917).

Meine persönliche Bewertung:  ★★★★★

Bildrechte: Die verwendeten Bilder stammen aus den Veröffentlichungen von MARVEL zu dem genannten Film auf der Website https://www.marvel.com. Alle Rechte an diesen Veröffentlichungen liegen und verbleiben dort. Die Abbildungen wurden ausschließlich zu Anschauungszwecken dem Online-Angebot des genannten Verlages, einem gekauften oder als Rezensionsexemplar überlassenen Exemplar entnommen.

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Die Geschichte von BIZZARO, geschrieben von Heath Corson und in Szene gesetzt von den Zeichner-Zwergen Tim Sale, Kelley Jones, Darwyn Cooke und Francis Manapul ist ein wilder Roadtrip durch die Untiefen des DC-Universums. Allerdings mit einem Navigationsgerät, das auf „Absurdistan“ eingestellt ist.

BIZZARO, der berühmt-berüchtigte Anti-Superman, macht sich mit seinem besten Nicht-Freund Jimmy Olsen auf eine Reise quer durch die USA. Ziel? Keins. Oder vielleicht doch? Aber wenn, dann das Gegenteil von Irgendwo. Die beiden erleben Abenteuer, die so schräg sind, dass sie fast schon wieder Sinn ergeben. Aber nur fast.

Sie treffen auf schräge Gestalten, besuchen Orte, die es eigentlich gar nicht geben dürfte, und geraten in Situationen, die nur ein BIZZARO als völlig normal bezeichnen würde.

Dabei dreht sich faktisch alles um das große Thema: Was heißt es eigentlich, anders zu sein? Und ist das Gegenteil von schlecht eigentlich gut oder einfach nur anders schlecht?

Die Handlung ist wie ein Spiegelkabinett, in dem jede Wendung eine weitere Verdrehung der Realität bedeutet. Wer hier eine klassische Heldenreise erwartet, bekommt stattdessen eine Anti-Heldenreise, bei der das Ziel nie das Ziel ist und der Weg das eigentliche Ziel. Oder eben auch nicht.

Es ist ein Comic, der sich selbst nicht ernst nimmt und gerade dadurch eine erfrischende Leichtigkeit entwickelt.

BIZZARO ist wie ein Comic, der sträwkcür (Äh, rückwärts!) gelesen werden will, aber trotzdem vorwärts Spaß macht.

Die Geschichte ist ein Feuerwerk aus absurden Ideen, schrägem Humor und charmantem Slapstick. Wer sich darauf einlässt, erlebt ein Abenteuer, das so einzigartig ist wie BIZZARO’s Sicht auf diese Welt. Alles ist falsch, aber genau deshalb ist alles richtig.

C-H-A-O-S mit Methode

Die Erzählstruktur von BIZZARO ist ein eigener Kosmos, ein kleines Kunstwerk der Verwirrung. Heath Corson spielt mit den Erwartungen der Leser, indem er klassische Story-Elemente nimmt und sie einfach umdreht. Was wie eine normale Buddy-Komödie beginnt, entwickelt sich schnell zu einer Reise ins Absurde. Der rote Faden? Eher ein buntes Wollknäuel, das sich immer wieder verknotet und dann doch irgendwie wohin führt.

Die Dramaturgie lebt von schnellen Wechseln, überraschenden Wendungen und einer Erzählweise, die sich bewusst über alle Superhelden-Klischees lustig macht. Die Handlung springt von einer absurden Situation zur nächsten, ohne dabei den Faden zu verlieren (zumindest nicht für BIZZARO).

Für uns ist es manchmal ein Sprung ins kalte Wasser, aber genau darin liegt der Reiz. Die Story ist wie ein Mosaik aus kleinen, in sich abgeschlossenen Episoden, die zusammen ein großes, wenn auch schräges Bild ergeben.

Im Zentrum steht immer wieder die Frage nach unser Identität, unserer Zugehörigkeit. BIZZARO sucht seinen Platz in einer Welt, die ihn nicht versteht, die er selbst aber auch nicht versteht.

Die Erzählstruktur spiegelt dieses Gefühl der Orientierungslosigkeit perfekt wider. Mal ist die Handlung rasant, mal entschleunigt, mal voller Action, mal voller absurder Dialoge. Alles wirkt improvisiert, dann doch aber nie beliebig.

Die Story-Arc von BIZZARO ist ein Paradebeispiel dafür, wie man mit den Mitteln des Comics spielen kann, ohne sich an starre Regeln zu halten. Es ist ein wilder Ritt, der Spaß macht, weil er letztendlich so unberechenbar ist.

Wer klassische Dramaturgie sucht, wird hier herausgefordert und gerade das macht den Reiz aus.

Freundschaft auf BIZZARO-Art

Die Figuren in BIZZARO sind so schräg wie das ganze Konzept des Comics.

Im Mittelpunkt steht natürlich BIZZARO selbst, der Antiheld, der alles anders macht. Seine Persönlichkeit ist eine Mischung aus kindlicher Naivität, unbeholfener Gutmütigkeit und einer Portion anarchischem Witz.

BIZZARO ist nicht einfach nur das Gegenteil von Superman, er ist eine eigenständige Figur mit echtem Herz. Seine Sicht auf die Welt ist so schräg, dass sie schon wieder rührend ist.

Jimmy Olsen, der ewige Sidekick, bekommt in BIZZARO endlich die Gelegenheit, mehr als nur der Typ mit der Kamera zu sein.

Er ist der „normale“ Gegenpol zu BIZZARO’s Wahnsinn, aber auch er entwickelt sich im Laufe der Geschichte weiter.

Die Dynamik zwischen den beiden ist das Herzstück des Comics, eine Freundschaft, die auf den ersten Blick unmöglich erscheint, aber gerade deshalb funktioniert.

Die Nebenfiguren sind ein bunter Haufen aus dem DC-Universum, die in BIZZARO alle ihre schrägen Momente bekommen. Ob skurrile Schurken, seltsame Helden oder einfach nur merkwürdige Gestalten, jeder Charakter trägt zur absurden Atmosphäre bei. Dabei gelingt es Corson, auch den Nebenfiguren Tiefe zu verleihen.

Die Charakterentwicklung ist unterschwellig, aber spürbar. BIZZARO bleibt zwar immer BIZZARO, aber im Laufe der Geschichte wächst er an seinen Aufgaben. Natürlich auf seine ganz eigene, verdrehte Weise.

Auch Jimmy durchläuft eine Entwicklung, die ihn am Ende nicht nur als Sidekick, sondern als echten Freund dastehen lässt.

Die Figuren sind das Rückgrat des Comics und machen BIZZARO zu mehr als nur einer absurden Komödie.

Vier Künstler, ein Comic

BIZZARO ist ein Fest für Fans außergewöhnlicher Comic-Kunst. Die Zeichnungen von Tim Sale, Kelley Jones, Darwyn Cooke und Francis Manapul sind so unterschiedlich wie die Persönlichkeiten der Protagonisten.

Jeder Künstler bringt seinen eigenen Stil ein, was dem Comic eine enorme visuelle Vielfalt verleiht. Die Seiten wechseln zwischen düsterem Noir, poppigem Retro-Charme, dynamischer Action und surrealen Traumlandschaften.

Tim Sale bringt mit seinen markanten Linien und dem Spiel aus Licht und Schatten eine gewisse Melancholie ins Spiel. Kelley Jones setzt auf übertriebene Proportionen und groteske Details, was perfekt zu BIZZARO’s verdrehter Welt passt. Darwyn Cooke steuert seinen unverwechselbaren Retro-Stil bei, der an Klassiker wie THE NEW FRONTIER erinnert und dem Comic eine zeitlose Eleganz verleiht. Francis Manapul schließlich sorgt mit seinen fließenden Linien und dynamischen Kompositionen für moderne Frische. Und all das macht diesen Comic auch zu einem Funny.

Die Farbgebung ist knallig und unterstützt die absurde Grundstimmung des Comics. Oft wirken die Panels wie aus einem Fiebertraum, der zwischen Cartoon und Kunstwerk pendelt. Die Künstler nutzen das Medium Comic voll aus, spielen mit Perspektiven, Panel-Anordnungen und visuellen Gags. BIZZARO ist ein Werk, das auch optisch immer wieder überrascht und begeistert.

Die künstlerische Qualität ist durchweg hoch, auch wenn die Stile manchmal abrupt wechseln. Doch gerade diese Brüche passen sehr gut zum Konzept dieses Machwerks. Alles ist im Fluss, alles ist möglich.

Wer Comics liebt, die sich nicht an Konventionen halten, wird BIZZARO als visuelles Abenteuer feiern.

BIZZARO-Logik – Wenn alles anders ist

BIZZARO ist mehr als nur ein weiterer DC-Comic. Das Werk lebt von seinen kleinen und großen Besonderheiten.

Die größte Innovation ist sicherlich der konsequente Bruch mit den üblichen Superhelden-Konventionen. Hier wird alles auf den Kopf gestellt. Gut ist böse, schlecht ist gut und ein Happy End ist das, was BIZZARO dafür hält. Der Humor ist mal subtil, mal brachial aber immer originell.

Ein weiteres Alleinstellungsmerkmal ist die gelungene Mischung aus Hommage und Parodie.

BIZZARO nimmt das DC-Universum liebevoll aufs Korn (und zwar mit der Schrotflinte), ohne es lächerlich zu machen. Die vielen Anspielungen und Insider-Gags machen den Comic zu einem Fest für Kenner, aber auch Gelegenheitsleser kommen auf ihre Kosten. Die Gastauftritte bekannter Figuren sind charmant und nie Selbstzweck.

Die Vielstiftigkeit der Zeichner sorgt für Abwechslung und unterstreicht die fragmentarische Struktur des Comics. Jede Episode fühlt sich anders an, bleibt aber immer Teil des großen Ganzen. Die kreativen Freiheiten, die sich Corson und die Künstler nehmen, machen BIZZARO zu einem Comic, der Grenzen überschreitet, sowohl formal als auch inhaltlich. Hier ist nichts aus einem Guss – und dann wieder doch.

BIZZARO ist ein Comic, der Mut zur Andersartigkeit beweist und damit neue Wege geht. Wer sich auf das Abenteuer einlässt, wird mit einem Lese-Erlebnis belohnt, das so einzigartig ist wie sein Held.

Lest BIZZARO! Oder auch nicht. Oder besser doch.

BIZZARO ist ein Comic wie kein anderer. Er nimmt das DC-Universum auseinander und setzt es auf seine ganz eigene, verdrehte Weise wieder zusammen.

Die Handlung ist herrlich schräg, die Charaktere liebenswert anders, die Zeichnungen ein Fest für die Sinne. Wer klassische Superhelden-Comics mag, wird hier angenehm überrascht. Wer das Absurde liebt, wird begeistert sein. Und sexy Zatana ist auch dabei!

Die Kombination aus Humor, Innovation und künstlerischer Vielfalt macht BIZZARO zu einem echten Highlight im Comic-Regal. Der Band beweist, dass Comics mehr sein können als nur Helden in (Netz-)Strumpfhosen. Comics können auch Kunst, Satire und Grenzerfahrung sein – aber das sind ja gleich drei Dinge auf einmal! Mindestens.

Lest BIZZARO. Lasst euch auf das Abenteuer ein, lacht, staunt und wundert euch. Und wenn ihr am Ende nicht wisst, was ihr da gerade gelesen habt, dann habt ihr alles richtig gemacht.

P.S. Dieser Comic ist – ääätsch! – bekanntlich verlagsvergriffen, bestellt habe ich ihn mir daher in der Sammlerecke. Das Leben kann wahrlich bizzar sein! Zumindest, wenn man irgendetwas mit dem größten, deutschen Paketdienstleister – mit dem Akronym Dauert Halt Länger – versendet. Dann verschwinden Sendungen auf halben Wege, tauchen in Shops wieder auf, die wegen Renovierung geschlossen sind und finden – nachdem (ups!) die Lagerdauer offiziell abgelaufen ist – ihren Weg wieder zum Absender zurück. Nur damit der die Sendung dann erneut auf den Weg schickt. Aber DAS ist dann ein ganz anderer Roadtrip. BIZZARO ist schließlich angekommen, obwohl er es wohl nicht wollte.

P.P.S. Wäre James Gunn (SUICIDE SQUAD, GUARDIANS OF THE GALAXY) als Regisseur für einen BIZZARO-Film verpflichtet worden, wäre das Ergebnis wahrscheinlich unglaublich toll geworden. Aber so hat er leider SUPERMAN verscripted und verdreht. Sei’s d’rum. BIZZARO hätte es wahrscheinlich toll gefunden.

BIZZARO

© Panini Verlag | Softcover | Seiten? keine Angabe möglich? Seitenangaben fehlen! | Farbe? Farbe!

Arc-Story:   ★★★★☆
Bleistiftung und Filzgekrakel:  ★★★★☆
Boom Boom und Geschreibsel:  ★★★☆☆
Gelachse:  ★★★★★
Deine persönliche Bewertung:  ★★★★☆
ISBN: 978-3-95798-745-7

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