Dieser erste Sammelband vereint die ersten fünf US Hefte der Reihe, die mich sehr an die – mehr oder weniger – erfolgreichen TV-Serien Black Mirror oder Beforeigners erinnert. Er wirft normale Menschen in eine Sci-Fi-Welt, in der sich die Zeit selbst nicht mehr an Regeln hält. Denn vor der eigenen Haustür kann beispielsweise plötzlich die Steinzeit stehen. Oder der Bus fährt statt nach Queens in ein anderes Jahrhundert.

Doch zwischen all dem Chaos bleibt das eigentliche Drama erstaunlich bodenständig. Die Figuren wollen arbeiten, lieben, trauern oder einfach nur überleben. Sie stolpern dabei über eine Realität, die sich wie ein schlecht aktualisiertes Betriebssystem verhält. Mal hängt sie, mal springt sie, mal zeigt sie dieselbe Szene immer und immer wieder.

Mich hat das Konzept sofort gepackt, weil ich Zeitreisen liebe und die einzelnen Geschichten nicht so tun, als müsse man die Phänomene erst groß erklären. ASSORTED CRISIS EVENTS folgt dem klassischen Grundsatz Show-Don’t-Tell und zeigt mir die jeweilige Story-Idee Seite für Seite für Seite.

Die formale Spiellust wird dabei jedoch nie zum Selbstzweck. Sie hat eine klare Funktion und drückt ein Gefühl aus, das vielen gerade vertraut vorkommt. Unsere Welt wird schneller, Krisen werden zum Dauerrauschen und Orientierung wird zu persönlichem Luxus. Dieser Comic macht daraus keine These, baut jedoch aber abwechslungsreiche Erzählungen.

Kurzgeschichten mit Langzeitwirkung

Die Grundidee ist simpel und zugleich radikal. Die Zeit selbst hat eine Krise. Epochen, Alternativen, Schleifen und Ausreißer mischen sich in den Straßenverkehr.

In diesem Setting erzählen Deniz Camp und Eric Zawadzki keine einzelne, große Heldenreise. Sie liefern lieber One-Shot-Geschichten. Jede davon konzentriert sich auf eine Person und nutzt eine andere Erzählform. Dabei stellt jede Geschichte eine andere Frage nach Verantwortung, nach Mitgefühl oder Selbsterhalt.

Das klingt nach Anthologie und irgendwie ist es das auch. Gleichzeitig fühlt es sich aber an wie eine lose Reihe von Kurzromanen, weil Camp sich pro Heft viel Platz nimmt. Selbst die Seitenstruktur wirkt wie aus dem Labor, da jede Ausgabe ihr eigenes Regelwerk bekommt. Auch das ist für mich der Reiz der Reihe.

Während ich lese, mache ich drei Beobachtungen: Erstens, die Geschichten leben vom Kontrast. Das Zeit-Chaos tobt im Hintergrund. Im Vordergrund kämpfen Menschen mit sehr persönlichen, konkreten Dingen wie Trauer, Arbeit, Gewalt, Beziehung oder Zugehörigkeit.

Zweitens: Zawadzki und Bellaire machen das Thema Zeit sichtbar. Seitenaufteilungen kippen, Wiederholungen werden zu Fallen und Farben steuern den Blick, statt ihn zu überladen.

Und drittens: das Ganze wirkt nicht wie ein Trickfilm aus Ideen. Es landet emotionale Treffer. Ich spüre Wut, Angst und Scham. Und ja, ich spüre das unangenehme Wissen, dass vieles davon auch ohne Zeit-Risse passieren könnte.

Ashley und die neue Normalität

Heft eins folgt Ashley, einer jungen Frau, die ihren Tag und ihren Kalender genauso organisiert wie jede(r) andere. Nur dass sie neben Terminen auch Warnmeldungen zu atypischen temporalen Phänomenen checkt.

Draußen wird ihre Straße ständig zur Filmkulisse. Billige Endzeit-Drehs laufen praktisch nebenan. Mal marschieren Nazis durchs Bild, mal treiben Kannibalenhorden ihr Unwesen.

Ashley müsste längst abgestumpft sein. Doch gerade diese Mischung aus Dauer-Ausnahme und Alltag macht sie anfällig. Der Band zeigt sehr genau, wie sie ihre Gegenwart – ihre Realität – sortiert. Sie versucht, feste Punkte zu behalten. Einer davon ist eine Uhr, ein altes Familienerbstück, das sie mit ihren verstorbenen Eltern verbindet. Als diese Uhr kaputtgeht, kippt mehr als nur ein Gegenstand.

Camp erzählt das als langsames Abrutschen. Ashley rennt nicht sofort schreiend durch die Straßen. Sie wird erst unruhig, dann reizbar, dann panisch. Zawadzki unterstützt dies mit Seiten, die dicht getaktet sind, ohne hektisch zu wirken. Neben Ashley tauchen Höhlenmenschen, Ritter oder futuristische Fahrzeuge auf, doch sie bleiben oft Hintergrund.

Gerade dadurch wirkt der Wahnsinn glaubhaft. Die Welt insgesamt hat das Absurde akzeptiert, Ashley kann es nicht. Am Ende steht ein Moment, der sich wie eine persönliche Apokalypse anfühlt. Kein großes Spektakel, eher der Punkt, an dem eine Stimme im Kopf entscheidet, dass Ordnung wohl nicht mehr erreichbar ist.

Jesus auf dem Fließband der Zeit

Das zweite Heft wechselt den Ton. Es folgt Jesus, einem spanischen Arbeiter im Schlachthaus. Schon diese Wahl ist ein Statement. Hier geht es um Körper, um Routine und um Gewalt, die als Job verkauft wird.

Camp schneidet Szenen wie Fleisch, schiebt Erinnerungen ebenso in die Gegenwart wie Halluzinationen. Dazwischen liegt das Dröhnen der Maschinen. Jesus trägt eine Geschichte mit sich, die der Comic nur stückweise seziert. Sein Schock sitzt tief. Der Tod seines Vaters wird zum Knotenpunkt. Nichts daran fühlt sich fair alles jedoch industriell an.

Die Zeit-Krise kommt hier nicht als bunter Epochenmix. Sie kommt als Verzerrung der Wahrnehmung. Blut scheint zu wandern. Räume wirken endlos. Die Arbeit frisst Minuten und Jahre zugleich. Das Thema ist Ausbeutung und es wird nicht weichzeichnet.

Oder ist das Heft überfrachtet und zu sehr auf Schock gebaut? Ich bin mir unsicher. Die Wucht trifft, gleichzeitig drückt Camp so viele Grausamkeiten in dieses eine Heft, dass auch meine Emotion irgendwann stumpf wird. Das hilft dem Anliegen nicht immer, passt aber ins Bild.

Formal ist es trotzdem beeindruckend. Details wie ein sich steigernder Bluteindruck im Seitenrand machen das Heft zu einem Objekt, das man fast wie einen Unfallbericht betrachten muss. Wegschauen geht, aber das Gesehene bleibt im Kopf.

Warum ein Schlachthaus nie neutral ist

Das zweite Heft trifft einen Nerv, weil Schlachthäuser als Symbol längst aufgeladen sind. Der moderne Fleischbetrieb steht für Industrie, für Unsichtbarkeit und für eine Arbeit, die viele Gesellschaften gern an Bevölkerungsschichten auslagern, die sowieso keine andere Wahl haben.

In den USA wurde diese Unsichtbarkeit schon früh literarisch verarbeitet. Upton Sinclair’s Roman THE JUNGLE erschien 1906. Er beschrieb drastisch die hygienischen Zustände und die Ausbeutung im Umfeld der Fleischindustrie.

Der öffentliche Druck trug dazu bei, dass 1906 Gesetze wie der PURE FOOD AND DRUG ACT und der MEAT INSPECTION ACT beschlossen wurden. Roosevelt unterschrieb den Meat Inspection Act am 30. Juni 1906. Der Roman zielte stark auf die Lage der Arbeiter. Die unmittelbare Debatte drehte sich aber um Sauberkeit und Verbraucherschutz.

Der Punkt ist keine Nostalgie. Es geht um ein Muster. Die Fleischindustrie funktioniert als System. Sie zerlegt Leben in Arbeitsschritte, verschiebt Verantwortung und versteckt Gewalt hinter Prozessen und Verpackung.

Industrie als Horror, damals wie heute

Natürlich ist das nicht einfach dieselbe Geschichte. Trotzdem bleibt der Kern aktuell. Fleischverarbeitung ist bis eine Branche, die von harter, gefährlicher Arbeit lebt. Sie zieht oft Migrantinnen und Migranten an, weil sie Jobs bietet, die andere nicht machen wollen.

Gleichzeitig entstehen Abhängigkeiten, Verletzungen, Schweigen. Genau dieses Spannungsfeld nutzt Camp, wenn er die Routine des Tötens mit einer zerrissenen Zeit Wahrnehmung koppelt. Der Comic übertreibt, halluziniert und schockt. Doch die Metapher sitzt, weil das reale System schon lange wie ein Fließband funktioniert, das Menschen und Tiere in Einheiten zerlegt.

Hearth, zwei Welten, ein schlechtes Willkommen

Heft drei wirkt auf den ersten Blick wiederum klassischer. Dann merke ich, wie fies es ist. Eine Kleinstadt namens Hearth verliert ihre Welt, denn ein Feuer frisst alles. Die Bewohner retten sich in eine nahezu identische Nachbarwelt. Dort existiert Hearth noch. Nur eben mit anderen Menschen, die sich selbst schon für vollständig hielten. Plötzlich stehen ihre Doppelgänger vor der Tür.

Camp setzt hier nicht auf Action. Er setzt auf soziale Chemie. Wie lange hält eigentlich Empathie, wenn die Ressourcen knapp wirken? Wie schnell kippt Hilfe in Abwehr? Und wie bequem ist die Sprache, mit der man sich selbst zum Original erklärt? Der Konflikt entsteht schrittweise.

Zuerst gibt es Essen, Decken, freundliche Hände. Eine Wir-Schaffen-Das-Situation. Dann folgen Gerüchte, dann die Schuldzuweisungen, dann das erste WIR gegen DIE. Das Heft schaut dabei auf beide Seiten. Die Geflüchteten aus Hearth 1 tragen ihr Trauma, die Bewohner von Hearth 2 tragen ihre Angst.

Camp macht keine einfache Rechnung auf. Er zeigt Mechanismen, wie sich Menschen in einer Krise gern an Regeln klammern, die nur so lange galten, wie niemand sie testen muss.

Formal arbeitet das Heft mit Spiegelungen und Parallelität. Man spürt, dass hier zwei Versionen derselben Geschichte gegeneinander gestellt werden. Aber das Ende hat keinen Sieger, es hat nur den bitteren Beweis, dass man selbst in einem absurden Zeit-Setting sehr real scheitern kann.

Mike und die verlorene Zeit

Heft vier erzählt das Leben von Mike, ein Leben als Beschleunigung. Er wacht als Schüler auf. Zwei Seiten später ist er erwachsen. Kurz darauf datet er wieder, wird Vater.

Beziehungen entstehen, zerreißen und verschwinden. Der Horror liegt nicht in irgendwelchen Monstern sondern darin, dass Mike nie wirklich ankommt. Camp nutzt den Zeit-Riss als Metapher für das Gefühl, sein eigenes Leben zu verpassen.

Zawadzki hält die Zeichnungen bewusst im Banalen zwischen Küche, Auto, Couch und Krankenhaus. Gerade das macht es schlimm. Wer schon einmal gedacht hat, dass Jahre plötzlich weg sind, erkennt sich sofort wieder.

Anna und die Grausamkeit der Wiederholung

Heft fünf setzt noch einen drauf, weil es nicht nur schnell ist. Es ist rund. Anna steckt in einer Zeit-Schleife fest. Sie erlebt immer wieder einen Moment häuslicher Gewalt. Nicht als langer Film, sondern in sechzig Sekunden Schnipseln.

Der Comic zeigt, wie Trauma Zeit einfriert und zugleich doch endlos abspult. Die Seite wird zum Kreis. Wir, die Beobachter, stehen außen. Anna steht innen. Das liest sich wie ein sozialer Pranger und wie ein Therapieraum zugleich.

Hier stimmt für mich alles. Die Form erzählt mit. Die Wiederholung erzeugt mein Mitgefühl. Und plötzlich versteht ich, warum dieser Band ein formales Ausrufezeichen ist. Er macht das Erlebte anderer zur inneren, eigenen Erfahrung und hilft mir, mich besser in Andere hinein zu versetzen.

Ein starker Beginn

ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1 sammelt den ersten Story-Block der nach hinten offenen Reihe. Ab Heft sechs startet ein neuer Handlungsbogen. Er setzt stärker auf die Frage, was diese kaputte Zeit überhaupt ausgelöst hat.

Die Serie bleibt dabei bei ihrem Kern. Sie folgt den normalen Leuten und Portale, Schleifen oder Zeitreisende bleiben Störgeräusche, die in die jeweiligen Biografien eindringen.

Zeichnung, Farbe, Lettering als Zeitmaschine

Zawadzki’s Zeichenkunst ist der Motor dieses ersten Sammelbandes. Er kann ruhig erzählen, wenn es nötig ist. Er kann aber auch ganze Seiten in ein Kontrollfeld verwandeln, in dem Panel-Ränder wie Zäune wirken. Oft führt er den Blick so, dass man die Zeit nicht nur liest, sondern sie spürt.

Jordie Bellaire unterstützt dies mit Farben, die nicht dekorieren. Sie ordnen. Figuren bleiben dadurch klar, selbst wenn das Layout explodiert. Bellaire kann jedoch auch reduzieren. Einzelne Elemente stehen dann wie farbige Skizzen im Raum, nur dass die Reduktion hier nicht kühl wirkt.

Wenn Schrift mitspielt

Dann ist da noch das Lettering von Hassan Otsmane Elhaou. Viele Comics behandeln Schrift als Transportmittel, als Hintergrundrauschen. Hier ist sie Teil der Choreografie.

Geräusche, Ansagen, Warnhinweise, Werbesprüche fügen der Geschichte eine zusätzliche Ebene hinzu. Alles hat eine eigene Textur.

In manchen Ausgaben hat man das Gefühl, die Buchstaben selbst würden stolpern. Das ist selten so konsequent eingebaut. Und es passt zum Thema, weil Sprache in einer Krisenwelt oft das Erste ist, was sich automatisiert. Slogans ersetzen Gedanken. Dieser Sammelband legt auch dies offen.

Die Macher hinter den Geschichten

Deniz Camp wirkt wie jemand, der zu viel Energie hat, um sich auf ein Format festzulegen. Im US Markt kennt man ihn als Autor von 20TH CENTURY MEN, einer politischen alternativen History, die Supermenschen und Geopolitik zusammen bringt. Mit BLOODSHOT UNLEASHED hat er gezeigt, dass er auch im Action-Korsett Charakterarbeit unterbringen kann.

Bei Marvel schrieb er unter anderem CHILDREN OF THE VAULT, bevor er mit THE ULTIMATES im neuen Ultimate-Kosmos zu einer Art Ideen-Motor wurde. Gleichzeitig arbeitet er bei DC an ABSOLUTE MARTIAN MANHUNTER, einer viel gelobten Neuinterpretation der Figur im frisch gestarteten Absolute-Universum. Diese Bandbreite erklärt viel.

Camp denkt gern in Genre-Mechanismen. Dann nutzt er sie, um über die Gegenwart zu sprechen. Er liebt formale Kniffe, baut daraus moralische Fallstudien, vergisst dabei aber selten die Figuren.

Eric Zawadzki hat sich über Jahre einen Ruf als grafischen Erzähler aufgebaut, der Sequenzen nicht nur ansprechend zeichnet, sondern sie exakt konstruiert. Seine Arbeiten reichen von THE DREGS über ETERNAL bis zu HEART ATTACK. Dazu kommt die HOUSE OF EL Trilogie.

Auf seiner eigenen Portfolio-Seite wirkt das wie eine klare Linie. Er interessiert sich für Figuren, die unter Druck stehen. Dazu baut er Seiten, die diesen Druck sichtbar machen. Er kann zwischen Stilen springen, ohne seine Handschrift zu verlieren.

Fazit

ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1 ist ein Band, den man nicht einfach schnell überfliegt. Er zwingt dich zum Tempowechsel, zur Einteilung der eigenen Lebens- und Lesezeit. Mal renne ich durch die Seiten, mal bleibe ich hängen, weil ein Layout meinen Blick festhält. Camp und Zawadzki haben eine seltene Kontrolle über Format und Inhalt.

Die besten Momente sind die, in denen das Zeit-Phänomen direkt in die Psyche der Figuren greift. Heft eins, vier und fünf können sich neben den stärksten US One-Shots der letzten Jahre sehen lassen.

Dem gegenüber wirkt Heft drei wie eine bitter realistische Parabel. Heft zwei bleibt für mich der wackligste Teil, weil es seine Themen stellenweise in Blut ertränkt. Trotzdem gehört es zum Gesamtbild, weil es zeigt, wie unterschiedlich Krisen sich anfühlen können.

Wer als Gelegenheitsleser nach einem runden Genre-Spaß sucht, muss sich auf Arbeit einstellen. Der Band ist zugänglich, aber wahrlich nicht bequem. Wer Comics liebt, weil das Medium Dinge kann, die Film und Prosa nicht können, bekommt hier eine Lehrstunde. Wer gerade das Gefühl hat, die Welt sei aus dem Takt, findet hier keine Therapie, aber einen Spiegel, der erstaunlich klar reflektiert.

Insgesamt gehört diese Reihe meiner persönlichen Meinung zum Besten, was in den vergangenen Jahren in Comic-Form produziert wurde. Es würde mich daher doch sehr wundern, falls die Autoren bei der kommenden Verleihung der Eisner-Awards leer ausgehen…

• ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1
• Deniz Camp und Eric Zawadzki
• Softcover | 208 Seiten | Farbe | Englisch
• ISBN 978-1-53433-396-3
• Storyline(s): ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Image Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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An seinem ersten Erscheinungstag wurde der Strip in 35 Zeitungen veröffentlicht, zuletzt waren es rund 2.400. In den 10 Jahren dazwischen wurden 3.160 tägliche (!) Comic-Strips publiziert. Dreitausend-einhundert-sechzig, eine unvorstellbare Zahl. Ja, es waren Strips bei denen es durchaus qualitative Höhen und Tiefen gab. Aber Bill Watterson hat die Latte für alle, die nach ihm kamen, sehr, sehr hoch gelegt. Jetzt ist aber Schluss mit all den Zahlen!

In diesem Artikel geht es nicht nur um eine Kinderfreundschaft, sondern um ein lebenskluges, witziges Plädoyer für eben diese Freundschaft, gepaart mit ausufernder Fantasie und der Kunst, die Tür zum Abenteuer im Alltag immer einen Spalt offen zu halten.

Mit den Abenteuern des sechsjährigen Calvin und seines Stofftigers Hobbes hat Autor Bill Watterson einen Zeitungscomic geschaffen, dessen magische Qualitäten bis heute unerreicht sind. […] Calvin ist Chaos! Ob Eltern, Babysitterin oder Nachbarstochter: Der Bengel treibt seine Umwelt mit Spitzfindigkeiten und den absurdesten Streichen an den Rand des Wahnsinns. Wenn er nicht gerade als „Raumfahrer Spiff“ oder mächtiger Dinosaurier im Reich seiner überbordenden Fantasie unterwegs ist.

Einzig seinem besten Freund, dem liebenswerten Stofftiger Hobbes, gelingt es, den hyperaktiven Calvin auf den Boden der Tatsachen zu holen. Wenn auch nie für lange, denn eine zünftige Partie Calvin-Ball, eine Vereinssitzung des E.M.S.V. (Eklige Mädchen Sollen Verduften) oder ein tiefschürfendes Gespräch über Zuckerbomben mit Schokoguss sind schließlich auch nicht zu verachten. Hobbes ist ja kein Spielverderber! [Verlagstext]

Drei Strips zum Einstieg

In manchen Strips zeigt uns Bill Watterson einen Gag, in anderen verbindet er seine narrative Kunstfertigkeit zu einer Fortsetzungsgeschichte, die sich über mehrere Strips entwickelt. Aber immer endet die aktuelle Bildfolge mit einer wohlgesetzten Pointe. Dies ist ein wichtiges Merkmal der Zeitungsstrips der damaligen Zeit.

Fantasie zwischen Keksdose und Urknall

CALVIN & HOBBES erzählt die Geschichte des ewig sechsjährigen Calvin, dessen wildes, widerspenstiges Herz einzig von seinem getigerten Weggefährten Hobbes verstanden wird. Auf dem Papier ist Hobbes ein Plüschtier. Doch kaum sind Erwachsene außer Reichweite, verwandelt er sich für uns blitzschnell in einen sprechenden, bestens aufgelegten Tiger.

Mit ihm an seiner Seite geht Calvin auf atemberaubende Fantasiereisen. Da wird das Wohnzimmer zur außerirdischen Dschungellandschaft, das Badezimmer zum See voller Monster, der Schulhof zum Planeten einer Alieninvasion. Jede noch so graue Kleinigkeit des Alltags wird im Kopf des Jungen zur Rakete für große, oft absurde Abenteuer.

Die Erzählstruktur der Comicstrips ist schlau angelegt. Oft reicht ein einziger Blick, ein Satz oder die absurde Klage über das vermeintliche Leiden am Erwachsensein, um einen Bogen vom Alltäglichen zum Kosmischen zu schlagen.

So sieht Calvin im strengen Schuldirektor prompt einen außerirdischen Spion, der mit teuflischen Hausaufgaben die Welt unterjochen will. In anderen Strips plant Calvin genüsslich destruktive Attacken auf seine Nachbarin Susie oder philosophiert (mal kindlich-naiv, mal entwaffnend klarsichtig) über die großen Fragen von Zeit, Existenz und Moral.

Trotz aller Sprunghaftigkeit pendelt CALVIN & HOBBES immer zwischen den Extremen und euphorischer Übermut trifft auf melancholische Nachdenklichkeit. Denn so uneingeschränkt Calvin mit seinem Tiger durch Traumlandschaften jagt, so regelmäßig kracht er zurück auf den Boden der unnachgiebigen Wirklichkeit.

Die Pointen blühen auf der Diskrepanz zwischen dem Wunsch, die Welt zu formen, und der Frustration, ihr ausgeliefert zu sein. Was anfangs als ulkige Alltagsflucht erscheint, entwickelt sich zunehmend zur Meditation über Kindheit, Freundschaft, Identität – und die Fähigkeit, mit kindlichem Staunen die Welt täglich neu zu begreifen.

Zwei, die die Welt neu erfinden

Im Zentrum des Strips strahlt die kontrastreiche Freundschaft zwischen Calvin und Hobbes. Calvin platzt vor Energie, Fantasie und Renitenz. Er rebelliert gegen Hausaufgaben, Zähneputzen und jede Form von Kontrolle.

Sein Vater ist die verkörperte Ironie, seine Mutter die stoische Geduld, die Lehrerin das Sinnbild pädagogischer Frustration, doch wirklich ernst nehmen kann Calvin nur Hobbes. Dieser besitzt alles, was Calvin fehlt: Gelassenheit, ein ausgeprägtes Verständnis für Ironie, das rechte Maß an Nachsicht und gelegentlicher Raubtierlust.

Hobbes oszilliert zwischen Spiegelbild, Korrektiv und subversivem Draufgänger. Mit seiner sanften, oft spöttischen Klugheit erdet er Calvin. Die Dialoge sind funkelnde Wechselspiele, in denen sich philosophisch grundierte Nachdenklichkeit mit anarchischem Klamauk paaren.

Während Calvin bei seinen Ausflügen ständig moralische und existenzielle Grenzen testet, mahnt Hobbes immer wieder zur Reflexion und Menschlichkeit – wenn er nicht selbst zur Attacke übergeht oder sich das nächstbeste Sandwich stibitzt.

Die Dynamik erinnert frappierend an wiederkehrende Paarkonstellationen der Comicgeschichte, doch selten wurden Ego und Über-Ich, Impuls und Vernunft so subversiv miteinander verbunden.

Auch in den Nebenfiguren spiegelt sich eine stimmig gezeichnete, analoge Vorstadtwelt. Ob Eltern, Rektor, bullige Mitschüler oder die smarte Nachbarin Susie: sie alle tauchen in Calvins Vorstellungswelt transformiert auf. Sie sind mal Monster, mal Helden oder bloßes Inventar für seine Fantastereien.

Jeder Charakter gewinnt Kontur durch Calvin’s überbordende Fantasie und zeigt zugleich etwas Grundsätzliches über menschliche Beziehungen, Macht und Ohnmacht.

Ein Mann, ein Tiger, ein Comic-Weltwunder

CALVIN & HOBBES ist das Werk von Bill Watterson (im deutschen Sprachraum teils auch als William Watterson II geführt). Der 1958 geborene US-Amerikaner prägte mit seiner Serie eine ganze Generation von Leserinnen und Lesern. Ursprünglich als kleiner Strip in der Lokalzeitung gestartet, wurde die Serie bald zu einem internationalen Phänomen. Auf dem Höhepunkt ihrer Popularität erschien sie weltweit in Hunderten Zeitungen, doch lehnte Watterson – gegen allen wirtschaftlichen Menschenverstand – jegliche Vermarktung seiner Figuren als Trickfilm, Serie oder Merchandise kategorisch ab.

Bill Watterson ist bekannt für seine kompromisslose, romantisch verklärte – und äußerst humorvolle – Haltung gegenüber Kunstfreiheit. In der Comic-Szene gilt er daher als widerspenstiger Erneuerer.

Er lotete die engen Rahmen des Zeitungsstrips künstlerisch wie erzählerisch immer weiter aus und hielt dabei einen einzigartigen Stil zwischen klassischer Linie und visueller, experimenteller Freude. Neben CALVIN & HOBBES hinterließ er vor allem Spuren in der Debatte um die Comic-Kunst an sich, Veröffentlichungsrechte und anti-kommerzielle Haltung. Zahlreiche Comicautoren wie z.B. Art Spiegelman oder die PEANUTS-Erben sehen ihn als kreativen Wegbereiter.

Bilder, die träumen wollen

Was CALVIN & HOBBES in der visuellen Abteilung vollbringt, begeistert mich immer wieder auf’s Neue und ist einfach bahnbrechend. Die Panels leben von einer unglaublichen Dynamik. Ob rollende Wälder für rasante Schlittenfahrten, verwaschene Regenstürme als melancholisches Intermezzo oder minimalistische Portraits punktgenauer Ironie: Watterson zieht souverän alle Register der Zeichenkunst. Die Vielseitigkeit reicht von locker-flirrenden Federstrichen bis hin zu detailverliebten Splash-Panels, wie sie für Sonntagsseiten typisch sind.

Besonders bemerkenswert ist die expressive Mimik von Calvin. Mit wenigen Strichen springt Watterson von Ekstase zu tiefster Verstörung oder rührender Nachdenklichkeit. Die Dramaturgie funktioniert auf mehreren Ebenen. Während die wortlosen Gags auch für Kinder verständlich bleiben, baumeln viele Anspielungen und Meta-Kommentare wie versteckte Bonbons im Bild für uns Erwachsene.

Die Gestaltung der Traumsequenzen, etwa wenn Calvin als „Spaceman Spiff“ durchs All jagt, ist ein Fest für die Augen. Auch in Schwarz-Weiß bleibt die visuelle Wucht ungebrochen.

Revolution aus der Rappelkiste

CALVIN & HOBBES erschien in einer Zeit, als die Comic-Strips in den Zeitungen zunehmend standardisiert und stromlinienförmig wurden. Watterson stemmte sich sowohl mit erzählerischer, als auch stilistischer und politischer Finesse dagegen.

Durch seine Weigerung, die Figuren ins Konsum-Karussell zu schicken, setzte er ein zudem wichtiges Zeichen gegen Kommerzialisierung und für künstlerische Autonomie.

Thematisch greift CALVIN & HOBBES Debatten auf, die den jeweiligen Zeitgeist widerspiegeln, manchmal subtil, manchmal aber auch mit der Brechstange. Kritik an der Konsumgesellschaft, Betrachtungen über Umwelt, Bildung, mediale Überforderung und das moderne Familienleben durchziehen die Strips, ohne moralisch zu belehren.

Die Beziehung zu anderen Comic-Klassikern ist offensichtlich. Doch während die PEANUTS ihre Welt zumeist melancholisch und resigniert erleben, zelebrieren CALVIN & HOBBES den anarchischen Spaß und den Widerstand gegen die Erwachsenenlogik mit einer Leichtigkeit, die ihresgleichen sucht.

Eigen-Sinn und Tiger-Biss

Watterson sprengt in CALVIN & HOBBES nicht nur die Grenzen der Formatvorgaben für Zeitungscomics. Er inszeniert Panel, die von philosophischer Tiefe bis zum hintergründigen Klamauk reichen.

Besonders prägnant bleibt der Verzicht auf eine fortlaufende Handlung. Jedes Abenteuer, jede Krise, jeder Gag steht wie eine Miniatur für das große Ganze. So erreicht der Comic eine emotionale und intellektuelle Bandbreite zwischen absurdem Alltagswitz und existenzieller Reflexion, die in der Comiclandschaft herausragt.

Ungewohnt bleibt auch, dass der Strip jede Vermarktung verweigert. Keine Animationsfilme, keine Actionfiguren, kein T-Shirt-Universum. Der Wunsch, CALVIN & HOBBES ausschließlich als gezeichnete Figuren weiterleben zu lassen, bewahrt ihnen einen Zauber, den kaum eine andere Serie so lange halten konnte. Alles, was – außer Büchern – mit CALVIN & HOBBES Motiven erhältlich ist, kann getrost als nicht autorisiert betrachtet werden.

Einzigartig wie Tigerstreifen

CALVIN & HOBBES bleibt ein zeitloses Meisterstück, das Grenzen überschreitet und Leserinnen und Leser aller Generationen inspiriert. Der Comic glänzt als Abenteuerreise für den Geist und als liebevolle Hommage an das kreative Potenzial des kindlichen Blicks. Wer sich auf CALVIN & HOBBES einlässt, reist zwischen urkomischen Alltagskatastrophen, existenziellen Gedankenspielen und poetischen Momentaufnahmen hin und her. Die raffinierten Zeichnungen, pointierten Dialoge und das anarchische Herz der Figuren laden zum Staunen, Lachen, Nachdenken und – nicht zuletzt – zum Kind-sein ein. Immer wieder aufs Neue!

Dieser Comic gehört für mich in jedes Was-Nimmst-Du-Mit-Auf-Die-Einsame-Insel-Paket und in jedes Comic-Regal.

Egal ob Sammler oder Neueinsteiger: Diese Comic-Strips sind ein wichtiger, unverzichtbarer Teil unserer Popkultur und ein Geschenk für alle, die Humor mit Haltung, Zeichnung mit Gehalt und Fantasie mit bissigem Witz lieben.

Wer Calvin und seinen Tiger noch nicht kennt, sollte ihnen unbedingt begegnen – auf der nächsten Zeitungsseite, im Comicladen oder direkt als Gesamtausgabe. Man bleibt dabei garantiert nicht derselbe. Um es mit den letzten Worten von Calvin heute vor 30 Jahren zu sagen: „Let’s go exploring!“

P.S:

CALVIN & HOBBES erhielt 1990 den Max-und-Moritz-Preis als bester internationaler Comicstrip und 2007 den Sondermann-Preis 2007 als bester Comic International 2007. Zuuuuuu recht! 

CALVIN UND HOBBES

© CARLSEN VERLAG | Hardcover | 1456 Seiten | Schwarz-Weiß und Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★★★★★(★)

Meine persönliche Bewertung: ★★★★★(★)

ISBN: 978-3-551-78907-5 (Gesamtausgabe)

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Und dann sitze ich da und merke bereits nach wenigen Kapiteln, wie mich dieses Buch gleichzeitig füttert – und überfüttert. Ja, es ist klug, wuchtig und gut recherchiert. Es ist manchmal auch richtig stark erzählt. Aber es hat ein Problem, das ich nicht übersehen kann. DR. WERTHLESS vertraut dem Medium Comic zu selten. Es drückt Wissen in Panels, statt Wissen zu inszenieren.

Vollgestopft und faszinierend

Das klingt nach einer formalen Nörgelei. Für mich ist es aber der Kern dieser Rezension. Denn Wertham’s Geschichte handelt davon, wie Geschichten wirken, wie Medien zum Sündenbock gestempelt werden und wie Angst sich in Schlagzeilen verwandelt. Wer das als Comic erzählt, hat ein Werkzeugkasten voller Tricks, voller Rhythmus und Bildrhetorik. Dieses Buch greift aber zu oft zum Megafon, obwohl es ein Orchester hätte.

Ich lese also eine Biografie, die mir ständig sagen will, wie ich sie zu lesen habe. Sie will fair sein, aber zugleich anklagen. Sie will mich umstimmen, obwohl sie spürt, dass ich schon auf ihrer Seite stehe. Genau da entsteht Reibung, aber keine produktive Reibung. Eher so eine, die mich aus dem Buch zieht.

Und trotzdem. Ich klappe es nicht zu, blättere weiter. Weil da ein Thema brennt, das auch mich interessiert. Weil da ein Mann ist, der nicht nur ein Schurke war und weil die Frage bleibt, ob ein übervoller Comic nicht manchmal genau das richtige Format für eine übervolle Zeit ist.

Wie Wertham sich sein Weltbild baute

Die Erzählung startet nicht gemütlich. Sie führt früh in die Welt der Gewalttaten ein, die schon lange vor den Comics existierten. Das ist ein kluger Zug. Der Band macht klar, dass Wertham’s spätere Fixierung nicht aus dem Nichts heraus kommt. Gewalt gehört schon vorher zur populären Ware aus Billigromanen und Sensationspresse. Die Maschine läuft bereits, bevor Wertham sie kritisiert.

Dann wird Wertham eingeführt als Einwanderer aus Europa, als junger Psychiater, als jemand, der sich an Wissenschaft klammert und doch längst politisch geprägt ist. Er landet in den USA, arbeitet in Kliniken, bewegt sich in einem Feld, das Menschen nicht nur behandelt, sondern auch sortiert. Wertham steht zudem gern im Licht. Er ist Helfer, aber auch Selbstdarsteller. Diese doppelte Existenz schiebt der Comic immer wieder nach vorn.

Zentrale Figuren tauchen wie Wegmarken auf, Mentoren und Kollegen, Patientinnen und Patienten, Täter, an denen Wertham seine Theorien schärft. Und ich spüre, wie der Band einen Mann baut, der Gewalt nicht als Einzelfall sieht. Er will – er braucht – Muster und Ursachen, er will Prävention. Das ist für mich nachvollziehbar. Es macht ihn zunächst sympathischer, als seine Entwicklung und sein späterer Ruf es erlauben.

Der Beginn einer Kontrollfantasie

Nur ist die Dramaturgie hier schon überladen. Ich sehe zu viele erklärende, mich beinahe anschreiende Textblöcke. Zu wenige Szenen, die mir Wertham’s Hunger nach Deutung zeigen, statt ihn zu beschreiben. Ich will, dass ein Blick, ein Raum, eine Pause seine Psychologie trägt. Der Band entscheidet sich jedoch häufig für die Abkürzung. Er erklärt mir den Zustand, aber er zeigt ihn mir nicht lange genug.

Als Auftakt funktioniert es, weil es eine These setzt: Wertham glaubt, dass Kultur Gewalt produziert und er glaubt, dass man Kultur kontrollieren kann. Wer diesen Glauben einmal im Kopf hat, wird später nicht sanfter.

Der Helfer, der später zensiert

Der stärkste Teil des Comics ist für mich Wertham’s Arbeit als Arzt und Sozialreformer. Hier wird er nicht zur Karikatur. Hier erhält seine Figur Form und Charakter. Wertham denkt nicht nur in Diagnosen, sondern auch in Strukturen. Er sieht Rassismus, Armut und darin etwas, das in der Medizin kaum vorkommt.

Das Buch streift die Kliniken, psychiatrische Anlaufstellen in Harlem, die ab 1946 in einem Kirchenumfeld arbeitete und auf die Versorgung Schwarzer Patientinnen und Patienten zielten. Diese Passage gibt Wertham Gewicht. Sie zeigt, dass er an echter Hilfe interessiert war. Und sie zeigt, dass er sich politisch einmischen konnte, wenn es ihm richtig erschien.

Wenn Verdienste zum Alibi werden

Das Problem ist, dass diese Stärke später wie ein Schutzschild wirkt. Das Buch nutzt Wertham’s Verdienste oft als Beweis, dass man ihn nicht nur hassen darf. Das stimmt. Aber die Erzählung baut daraus manchmal eine Art moralische Gutschrift. Als müsste man seine spätere Kampagne gegen Comics erst abwägen, bevor man sie verurteilen kann. Ich wehre mich dagegen. Gute Taten machen schlechte Taten nicht weniger schlecht. Sie machen sie oft nur tragischer. Wie häufig geschehen Grausamkeiten auf der Grundlage guter Vorsätze?

Hier fehlt mir mehr Mut zur Härte. Mehr Widerspruch in den Szenen. Mehr Stimmen, die Wertham nicht nur spiegeln, sondern ihm Grenzen setzen. Stattdessen bleibt er häufig der Motor. Der Band liebt seinen Protagonisten als Drama, aber er lässt ihn zu oft die Deutungshoheit.

Und dann ist da wieder die Form. Ausgerechnet in diesen emotionalen, gesellschaftlich geladenen Teilen wünscht man sich mehr Bilder und weniger Bericht. Wertham, Harlem, die Kirche – all das könnte ein Comic groß erzählen. Der Band läuft daran vorbei, weil er schon zur nächsten Information drängt.

Das große Tribunal der Comics

Irgendwann kippt die Biografie in den Teil, den ich bereits kenne. Wertham schreibt im Jahr 1954 SEDUCTION OF THE INNOCENT. Er erklärt Comics zur Ursache der Jugendkriminalität. Seine Aussagen und sein öffentlicher Druck tragen zur Gründung der Comics Code Authority bei.

Hier macht der Comic vieles richtig. Er zeigt die Mischung aus Medienhunger und politischem Theater. Er zeigt, wie schnell komplexe Probleme eine einfache Ursache bekommen. Er zeigt, wie gern eine Gesellschaft einem Medium die Schuld gibt, weil das bequemer ist als über Armut, Rassismus, Familien und Schulen zu sprechen.

Und doch stolpere ich hier über die Handschrift des Buches. Es will Wertham schon irgendwie seinen Dämonstatus abnehmen. Gleichzeitig braucht es diesen Dämon aber, damit der Plot zündet. Es entsteht ein Zwiespalt. Wertham soll differenziert sein, aber die Dramaturgie schiebt ihn oft wie einen Endgegner ins Bild. Die Industrie wirkt wie ein Opfer und die Politik wie eine Kulisse. Das greift für meinen Geschmack zu kurz. Comics waren auch damals schon Geschäft und Grenzüberschreitung aus Kalkül.

Wenn der Titel schon das Urteil spricht

Mich nervt außerdem, wie häufig die Biografie ihre wichtigsten Konflikte in Text verdichtet. Die öffentlichen Momente, die brennen müssten, fühlen sich manchmal an wie ein gut geschriebener Wikipedia Absatz, nur eben ein illustrierter. Das ist nicht fair. Powell zeichnet stark. Aber das Verhältnis kippt. Ich lese zu viel Erklärung.

Und noch etwas. Das Wortspiel des Titels ist bissig, aber es ist auch bequem: Werthless als Wertham plus worthless, ein Urteil im Cover. In andere Sprachräume lässt sich das kaum übertragen. Also wird der Biss gedämpft und plötzlich merke ich, wie sehr schon der Titel die Richtung vorgibt. DR. WERTHLESS will fair sein. Aber es nennt sein Objekt im selben Atemzug wertlos.

Moralische Klarheit, erzählerische Enge

Jetzt zum Handwerk. Ich erkenne, was Schechter und Powell hier wollen. Sie wollen eine Biografie, die nicht nur den Mythos nacherzählt, sondern die Mechanik dahinter offenlegt. Wertham wird als jemand gezeigt, der echte Fälle sieht und daraus eine Theorie zimmert, die ihm Anerkennung bringt. Das kann großartig sein.

Nur muss ein Comic dafür Rhythmus haben. DR. WERTHLESS hat stattdessen häufig Dichte. Dichte ist aber nicht Rhythmus, Dichte ist Beton. Und Beton macht jede Nuance schwerer.

Mein größter Kritikpunkt bleibt daher die Textlastigkeit. Ich habe nichts gegen Worte, auch nicht gegen viele. Nur nicht in einem Comic. Ich habe aber etwas gegen Worte, die die Bilder entmündigen. „Show, don’t tell“ gilt nicht nur im Film, sondern auch in einem Comic oder einer Graphic Novell. Und gegen dieses eherne Gesetz der sequentiellen Erzählung verstößt dieser Band.

Comic als zugepflasterter Essay

Ein Panel soll doch nicht nur bestätigen, was die Caption bereits sagt. Es soll etwas hinzufügen, ergänzen und im besten Fall widersprechen. In diesem Band dominieren aber oft erläuternde Passagen, die jede Szene sofort mit Bedeutung versehen.

Dazu kommt ein moralischer Ton, der mir zu selten Selbstzweifel zeigt. Das Buch will Wertham als komplexen Menschen zeigen. Dann müsste es die eigene Erzählposition ebenfalls komplex machen. Stattdessen wirkt es oft, als würde es mit sauberer Hand die richtigen Schlüsse ziehen. Genau das ist ironisch. Denn Wertham selbst glaubte, aus Beobachtungen saubere Schlüsse ziehen zu können. Das Buch kritisiert seine Methode, übernimmt manchmal aber genau seine Sichtweise.

Ich vermisse außerdem mehr Blick auf das Umfeld, das Wertham groß macht. Seine Karriere fiel nicht vom Himmel. Die Medien wollten ihn, die Politik nutzte ihn und Teile der Öffentlichkeit brauchten ihn. Wertham’s Schuld ist real. Aber seine Macht ist ein Gemeinschaftsprojekt. Dies zeigt der Band, doch er betont es mir zu wenig.

Ein Vorgängeralbum als Messlatte

Ich lese DR. WERTHLESS automatisch neben SCHON GEHÖRT WAS ED GEIN GETAN HAT, einfach, weil es vom selben Team kommt und weil beide Bücher True Crime mit Kulturgeschichte verbinden. Auch DR. WERTHLESS wird offiziell als Nachfolger in diesem Umfeld angesiedelt.

Beim ED-GEIN-Band passte die Überfülle besser. Ed Gein ist Stoff, der in Schichten aus Taten, Mythos, Medien und Filmgeschichte existiert. Da darf ein Buch schon mal ausufern. Da hat die Textmenge sogar etwas Zwanghaftes, das zum Sujet passt. Man liest sich durch einen Schuppen voller Gerüchte und Akten. Genau so fühlt sich True-Crime oft an.

Bei Wertham ist das anders. Hier ist der Horror nicht körperlich sondern strukturell. Es sind Ausschüsse, Schlagzeilen, Verbote und Selbstzensur, die zrntrale Rollen spielen. Das ist weniger sinnlich und natürlich schwerer zu bebildern. Und gerade deshalb bräuchte es mehr visuelle Metaphern, mehr Seiten, die das Gefühl von Kontrolle und Angst als Bild erzählen.

Wenn die Methode nicht mit dem Stoff mitwächst

SCHON GEHÖRT WAS ED GEIN GETAN HAT hatte außerdem einen klareren Sog. Ich folge einem Abgrund und ich will wissen, wie tief er ist. DR. WERTHLESS hat keinen Abgrund. Es hat ein Labyrinth und ein Labyrinth braucht Lotsen. Das Buch stellt mir aber zu oft einfach alle Gänge gleichzeitig hin.

Was mich besonders wurmt: beide Bücher handeln vom Umgang mit Gewalt. Beim ED-GEIN-Band seziert das Team die voyeuristische Lust am Grauen. Bei Wertham seziert es den Wunsch, Grauen zu verbieten. Beides sind zwei Seiten derselben Münze. Und genau da hätte ich mir mehr Spiegelung gewünscht. Mehr Stellen, an denen DR. WERTHLESS sichtbar macht, dass Zensur und Sensationslust sich gegenseitig füttern.

Wenn Quellenarbeit den Comic überrollt

Harold Schechter ist kein Comicautor im klassischen Sinn. Er kommt aus der True-Crime-Literatur. Er war lange Professor, er schreibt seit Jahrzehnten über amerikanische Gewaltmythen und seine Bücher heißen DEVIANT, DERANGED, DEPRAVED oder THE SERIAL KILLERS FILE. Das ist sein Revier. Man merkt das in DR. WERTHLESS.

Schechter denkt in Quellen, in Chronologien und in Belegen. Er kann verdichten und Sachzusammenhänge hypothetisieren. In einem Comic ist eine These aufzustellen jedoch gefährlich, wenn sie jede Szene vorab bewertet. DR. WERTHLESS hat oft diesen Ton, sehr sicher, sehr wissend, aber nur sehr selten fragend.

Zwei Könner, ein zu enger Rahmen

Eric Powell auf der anderen Seite ist ein Zeichner, der eigentlich für Überzeichnung und Groteske bekannt ist. THE GOON ist nicht nur Horror und Humor. Es ist auch Timing und Körperlichkeit. Es ist ein Blick für absurde Traurigkeit. Powell hat Eisner Awards gewonnen und eine lange Liste mit Arbeiten für große US-Verlage erstellt.

In DR. WERTHLESS spüre ich sein Talent u.a. in den Gesichtern. Wertham wirkt oft wie ein Mann, der sich selbst nicht erträgt und deshalb die Welt kontrollieren will. Nebenfiguren bekommen mit wenigen Strichen Haltung. Ich merke: Powell kann Atmosphäre. Nur bekommt er zu selten Raum dafür.

Das Buch zwingt ihn häufig in die Illustration der Texte. Das ist nicht sein Pfund, mit dem er wuchern könnte. Seine Stärke liegt im bildhaften Erzählen. Wenn aber Textblöcke das Panel dominieren, darf Powell nur begleiten. Ich finde das verschenkt.

Grauwerte, Masken und ein Stil, der sich manchmal selbst im Weg steht

Visuell ist das Buch rau und passend. Es arbeitet mit Schwarz, Weiß und vielen Grauwerten. Es sieht aus, als käme es aus einem Archiv, nicht aus einem Hochglanzstudio. Powell zeichnet keine glatten Ikonen. Er zeichnet Menschen mit Ecken und Kanten. Das passt zu Wertham, der selbst aus ebendiesen Kanten bestand.

Es gibt starke Seiten mit Gerichtsräumen, mit Fluren und Sprechzimmern. Ich spüre die Institutionen und diese Kälte, die entsteht, wenn Menschen zu Fällen werden. Und es gibt Momente, in denen Powell bewusst mit Stilwechseln spielt, wenn das Buch über Comics selbst spricht. Dann blitzt kurz ein Gefühl von Pop-Kultur auf, von historischer Ästhetik und von Masken und Schablonen. Solche Stellen hätte ich gern häufiger gesehen.

Ein Stil, der mehr erzählen dürfte

Sie zeigen, was möglich gewesen wäre. Der Band könnte visuell viel öfter aus dem Biografie Modus ausbrechen. Er könnte Propaganda als Panel-Rhythmus darstellen und moralische Panik als Wiederholung aufbauen. Er könnte die Zensur als ein weißes Loch im Layout zeigen. Stattdessen bleibt er oft in konventionellen Szenen.

Ich bleibe deshalb zwiegespalten. Der Stil ist gut und handwerklich stark. Er ist atmosphärisch, aber er wird zu selten als Motor der Erzählung genutzt. Das ist keine Schwäche von Powell, sondern eine Regie-Entscheidung.

Fazit

Ich komme zu einem Urteil, das mir selbst nicht ganz bequem ist. DR. WERTHLESS ist wichtig und informativ. Es ist stellenweise sogar packend. Aber es ist in seiner Form oft zu schwerfällig für das, was es erzählen will. Ich habe dieses Buch nicht verschlungen, ich habe es mühsam Seite für Seite durchgearbeitet. Dieses Werk hier ist keine leichte Kost!

Vielleicht soll es sich ja auch anstrengend anfühlen, weil Zensur ebenfalls anstrengend ist. Weil Moralpanik sich wie ein schwerer Mantel über alles legen kann. Ja, vielleicht. Nur ist Anstrengung keine automatisierte Qualität. Ein Comic darf sperrig sein. Er muss dann aber ein Ziel haben, das ich auf jeder Seite spüre. 

Bei DR. WERTHLESS spüre ich es nicht immer. Zu oft wirkt der Band wie ein exzellent recherchierter Artikel, der in Panels gepresst wurde. Zu selten wie eine Sequenz, die nur als Comic funktionieren kann. Und wenn ich über einen Comic das Gefühl habe, dass er auch als Sachbuch fast genauso gut wäre, dann ist das für mich eine Niederlage des Mediums. Warum als Comic, wenn ein anderes Medium besser wäre? Dies Frage beantwortet sich hier nicht.

Trotzdem empfehle DR. WERTHLESS. Wenn du Comicgeschichte liebst und Wertham mehr verstehen willst als das Schreckgespenst, zu dem er wurde – lies es! Wenn du dich für Medienpaniken interessierst, lies es! Wenn du formale Eleganz suchst, lies lieber erst etwas anderes.

Und streite im Anschluss über die Frage, wann ein Comic zu viel Text verträgt. Und darüber, ob wir heute wirklich so viel weiter sind als 1954.

DR. WERTHLESS

© Dark Horse Verlag | Hardcover | 200 Seiten | monochrome | englisch

Storyline:  ★★☆☆☆

Zeichnungen: ★★★★☆

Farben: ★★☆☆☆

Lettering: ★☆☆☆☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★☆☆☆

ISBN: 978-1-50674-436-0

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Scott Snyder und Nick Dragotta werfen Bruce Wayne in eine düstere Parallelwelt, die mit klassischen Gotham-Klischees nichts mehr zu tun hat und dennoch vertraut wirkt. Hier kämpft Batman nicht als milliardenschwerer Playboy, sondern als Held aus der Arbeiterklasse. Wayne Manor? Geschichte. Luxus? Fehlanzeige.

Stattdessen steht ein Bruce Wayne im Mittelpunkt, der sich mit den rauen Realitäten des Lebens auseinandersetzen muss und dabei mehr denn je auf seine eigenen Fähigkeiten und sein Netzwerk angewiesen ist.

Die Handlung beginnt mit einem Gotham, das sich am Abgrund befindet. Wieder einmal. Die Stadt ist zerrissen zwischen Hoffnung und Verzweiflung. Die Kriminalität hat neue, bizarre Formen angenommen. Im Zentrum steht eine neue Bedrohung, die nicht nur BATMAN’s detektivisches Gespür, sondern auch seine moralische Standfestigkeit auf die Probe stellt.

Die Autoren setzen auf eine dichte Atmosphäre, in der Freundschaft und persönliches Wohlbefinden überraschend viel Raum einnehmen. Das macht ABSOLUTE BATMAN nicht nur zu einer klassischen Superheldengeschichte, sondern auch zu einem Drama über Identität und Loyalität.

Die Erzählung verzichtet auf große, weltbewegende Twists und konzentriert sich stattdessen auf die kleinen, aber entscheidenden Momente. Batman muss sich mit alten und neuen Verbündeten arrangieren, während er gleichzeitig gegen eine neue Generation von Schurken antritt. Die Dynamik zwischen den Figuren wirkt frisch und glaubwürdig. Besonders spannend: die Grenzen zwischen Gut und Böse verlaufen fließend. Das sorgt für eine ständige Grundspannung, die uns bis zur letzten Seite fesselt.

Wer jetzt einen Batman erwartet, der wie gewohnt mit Hightech-Gadgets und übermenschlicher Coolness glänzt, wird angenehm überrascht. Snyder und Dragotta zeigen einen verletzlichen, aber unbeugsamen Helden, der sich seinen Dämonen stellt und dabei vielleicht menschlicher wirkt als je zuvor. Die Handlung bleibt dabei stets zugänglich, auch für die, die nicht jeden Winkel des DC-Universums kennen. ABSOLUTE BATMAN ist damit ein idealer Einstiegspunkt für Neugierige, aber auch für Fans, die den Dunklen Ritter einmal völlig neu erleben wollen.

Snyder’s Sogwirkung

Scott Snyder versteht es, Geschichten mit Sogwirkung zu erzählen. Auch in ABSOLUTE BATMAN setzt er auf eine stringente Dramaturgie, die von Anfang an fesselt. Die Story ist klar strukturiert, lässt aber genug Raum für überraschende Wendungen und stille Momente. Der Comic beginnt mit einem Paukenschlag, der sofort die neue Tonalität etabliert. Gotham ist düsterer, die Bedrohungen sind persönlicher, die Stakes höher. Snyder verzichtet auf überflüssige Rückblenden und setzt stattdessen auf eine lineare Erzählweise, die dennoch mit Rückgriffen und Andeutungen spielt.

Der Story-Arc lebt von einer gelungenen Balance zwischen Action und Charakterentwicklung. Die Konflikte sind vielschichtig, die Motivationen der Figuren nachvollziehbar. Besonders gelungen: Die Geschichte nimmt sich Zeit, die Dynamik zwischen Batman und seinem Umfeld zu beleuchten. Freundschaften, Rivalitäten und familiäre Bande werden mit Feingefühl inszeniert. Das sorgt für emotionale Tiefe, ohne ins Sentimentale abzurutschen.

Ein weiteres Highlight ist die Art und Weise, wie Snyder Spannung aufbaut. Die Bedrohung bleibt lange diffus, was die Paranoia in Gotham spürbar macht. Gleichzeitig gibt es immer wieder kleine Enthüllungen, die das Puzzle Stück für Stück zusammensetzen. Die Dramaturgie erinnert an einen guten Krimi, bei dem jeder Hinweis zählt. Und so wird auch aus dieser BATMAN-Erzählung eine Detektivgeschichte. Die Action-Szenen sind pointiert und dienen immer der Geschichte, sind nie Selbstzweck.

ABSOLUTE BATMAN schafft es, bekannte Elemente des BATMAN-Mythos neu zu interpretieren, ohne sich im Fanservice zu verlieren. Die Story bleibt eigenständig und bietet auch für Kenner der Figur neue Perspektiven. Der Spannungsbogen hält bis zum Schluss, wobei das Ende genug Fragen offen lässt, um Lust auf mehr zu machen. So gelingt Snyder und Dragotta ein Spagat zwischen Tradition und Innovation, der den Comic zu einem echten „Pageturner“ macht.

Kreatives Power-Duo

Scott Snyder zählt zu den prägenden BATMAN-Autoren der letzten Dekade. Mit Werken wie THE COURT OF OWLS und BATMAN: LAST KNIGHT ON EARTH hat er Maßstäbe gesetzt. Seine Geschichten zeichnen sich durch psychologische Tiefe, innovative Ansätze und eine spürbare Liebe zur Figur aus. In ABSOLUTE BATMAN wagt er erneut einen radikalen Neuanfang. Snyder nutzt die Freiheit des neuen Absolute-Universums, um BATMAN als Figur neu zu denken. Er verzichtet auf das gewohnte Setting und konzentriert sich auf die Essenz des Charakters, auf einen Mann, der trotz aller Rückschläge nicht aufgibt.

Nick Dragotta, bekannt durch EAST OF WEST und seine Arbeiten für Marvel, bringt frischen Wind in die visuelle Gestaltung. Sein Stil ist dynamisch, kantig und voller Energie. Ein wenig erinnert er mich an Frank Miller’s BATMAN aus DIE RÜCKKEHR DES DUNKLEN RITTERS. Nur das dort ein gealterter BATMAN agiert, während dieser hier seinen Platz noch sucht.

Dragotta versteht es, Emotionen und Action gleichermaßen überzeugend auf die Seite zu bringen. Besonders auffällig ist dabei, dass die Panels oft wie Momentaufnahmen aus einem düsteren Noir-Film wirken. Dragotta arbeitet mit starken Kontrasten und ungewöhnlichen Perspektiven, was dem Comic einen ganz eigenen Look verleiht.

Noir trifft Moderne

Nick Dragotta liefert mit ABSOLUTE BATMAN eine visuelle Tour de Force ab. Sein Stil ist kantig, dynamisch und voller Energie. Die Panels wirken wie Szenen aus einem düsteren Noir-Film. Dragotta setzt auf starke Kontraste und ungewöhnliche Perspektiven, die dem Comic einen unverwechselbaren Look verleihen. Die Bildsprache ist modern, ohne modisch zu sein. Jede Seite wirkt durchkomponiert und erzählt ihre eigene kleine Geschichte.

Dragotta arbeitet mit einer reduzierten Farbpalette, die die düstere Grundstimmung unterstreicht. Die Farben – ebenfalls von Dragotta gestaltet – sind gezielt eingesetzt und sorgen für emotionale Akzente. Das Spiel mit Licht und Schatten verstärkt die Atmosphäre und macht Gotham zu einem eigenen Charakter. Die Action-Szenen sind dynamisch, aber nie unübersichtlich. Dragotta versteht es, Tempo und Rhythmus zu variieren und so die Spannung zu steigern.

Auch die ruhigen Momente überzeugen. Dragotta nimmt sich Zeit für Details und lässt die Figuren atmen. Mimik und Körpersprache sind präzise beobachtet und bringen zusätzliche Tiefe in die Geschichte. Die Panels wirken nie überladen, sondern bleiben klar und lesbar. Das macht ABSOLUTE BATMAN auch für Gelegenheitsleser zugänglich.

Insgesamt bietet der Comic eine künstlerische Qualität, die über das Übliche im Genre hinausweist. Dragotta beweist, dass Superhelden-Comics mehr sein können als bunte Action. Seine Bilder bleiben im Kopf und machen ABSOLUTE BATMAN zu einem echten Hingucker.

Die Zusammenarbeit zwischen Snyder und Dragotta funktioniert auf höchstem Niveau. Beide Künstler ergänzen sich ideal. Snyder’s dichte, manchmal fast poetische Texte treffen auf Dragotta’s expressive Bildsprache. Das Ergebnis ist ein Comic, der sowohl erzählerisch als auch visuell überzeugt. Die Farben – ebenfalls von Dragotta gestaltet – unterstreichen die düstere Grundstimmung und setzen gezielt Akzente, ohne sich in Effekthascherei zu verlieren.

ABSOLUTE BATMAN profitiert enorm von der Erfahrung und Kreativität seines Teams. Snyder und Dragotta zeigen, dass sie bereit sind, Risiken einzugehen und mit Konventionen zu brechen. Das macht den Comic zu einem der spannendsten Batman-Projekte der letzten Jahre und erklärt auch den enormen Erfolg bei Fans und Kritikern.

Gotham auf links gedreht

ABSOLUTE BATMAN bricht mit dem vertrauten Kanon und stellt die Figuren des Gotham-Mythos auf den Kopf. Im Zentrum steht ein Bruce Wayne, wie man ihn so noch nie gesehen hat. Er wächst nicht im Luxus sondern in den Straßen von Crime Alley auf, Seite an Seite mit denjenigen, die im klassischen Kanon seine späteren Gegner werden.

Bruce ist ein Arbeiterkind, geprägt von Entbehrung, sozialer Nähe und handfesten Problemen. Sein Antrieb entspringt nicht dem Trauma des Verlusts in einer Villa, sondern dem täglichen Überlebenskampf auf der Straße und dem Willen, seine Stadt von Grund auf zu verändern.

Dieser Batman ist jung, kräftig, ein Tüftler und Ingenieur, der sich seine Ausrüstung selbst baut. Er ist kein milliardenschwerer Detektiv, sondern ein Macher. Er repariert, was kaputtgeht, und versteht sich als Symbol für Hoffnung und Wandel. Seine Motivation ist nicht Rache, sondern der Wunsch, ein besseres Gotham zu schaffen. Dabei steht er für Chaos und Anarchie statt für System und Ordnung. Dies ist ein radikaler Gegenentwurf zum klassischen Batman, der eher als Kontrollfreak und Ordnungshüter gilt.

Auch die Nebenfiguren sind neu gedacht. Alfred Pennyworth ist kein loyaler Butler, sondern ein abgebrühter Ex-MI6-Agent und Söldner, der mit Bruce auf Augenhöhe diskutiert und ihn immer wieder herausfordert. Die Beziehung zwischen den beiden ist von gegenseitigem Respekt, aber auch von Konflikten geprägt. Alfred fragt nicht nur, was Bruce baut, sondern auch, warum er es tut und zwingt ihn so zur Selbstreflexion.

Barbara Gordon ist nicht Batgirl, sondern Polizistin und damit Teil eines Systems, das sie eigentlich hinterfragen müsste. Ihr Werdegang bleibt offen, die Möglichkeit einer späteren Verwandlung zur Heldin schwingt mit, ist aber keineswegs sicher. Ihr Vater, Jim Gordon, ist inzwischen Bürgermeister von Gotham, während Harvey Bullock die Polizei leitet. Diese Rollenverschiebungen sorgen für neue, interessante Dynamiken und Konflikte.

Zwischen Freundschaft und Feindschaft

Die klassischen Schurken sind keine reinen Antagonisten mehr. King Croc betreibt ein heruntergekommenes Fitnessstudio und ist Teil von Bruce’s Kindheit. Oswald Cobblepot, der Penguin, führt gemeinsam mit Croc mit zweifelhaften Absichten einen Zoohandel. Viele der bekannten Figuren wie der Riddler, Two-Face und Catwoman sind mit Bruce aufgewachsen. Die Grenzen zwischen Freund und Feind verschwimmen, Loyalitäten sind fließend, alte Feindschaften werden neu verhandelt.

Diese Umdeutungen machen die Charaktere vielschichtiger und menschlicher. Es gibt keine klaren Helden und Schurken mehr, sondern ein Netz aus Beziehungen, das von Vergangenheit, Herkunft und gegenseitigem Respekt geprägt ist. ABSOLUTE BATMAN zeigt, wie spannend es sein kann, ikonische Figuren komplett neu zu denken und wie viel frischer Wind dadurch in die Welt von Gotham kommt.

Und die Charakterentwicklung bleibt nicht an der Oberfläche. Snyder und Dragotta nehmen sich Zeit, die inneren Konflikte ihrer Figuren zu beleuchten. Das macht ABSOLUTE BATMAN zu einer überraschend emotionalen Lektüre. Selbst eingefleischte Fans entdecken neue Facetten an altbekannten Figuren. Die Authentizität der Charaktere trägt maßgeblich zur Faszination des Comics bei.

Wer auf der Suche nach einer BATMAN-Geschichte ist, in der die Figuren mehr sind als bloße Archetypen, wird hier fündig. ABSOLUTE BATMAN zeigt, dass auch in einem Universum voller Masken und Mythen Platz für echte Menschlichkeit ist.

Neuer Mythos, alte Wurzeln

ABSOLUTE BATMAN steht in einer langen Tradition von Neuinterpretationen des Dunklen Ritters. Schon Frank Miller hat mit YEAR ONE und DIE RÜCKKEHR DES DUNKLEN RITTERS gezeigt, wie wandelbar die Figur ist. Snyder und Dragotta knüpfen an diese Tradition an, gehen aber noch einen Schritt weiter. Sie werfen Ballast ab und konzentrieren sich auf das Wesentliche, auf einen Helden, der in einer feindlichen Welt seinen Platz sucht.

Der Comic spielt bewusst mit klassischen Motiven, bricht sie aber immer wieder auf. Die Arbeiterklasse als Ausgangspunkt für Bruce Wayne ist ein Novum, das dem Mythos eine völlig neue Perspektive verleiht. Damit spiegelt ABSOLUTE BATMAN auch aktuelle gesellschaftliche Debatten über Herkunft, Privilegien und soziale Gerechtigkeit wider. Die Autoren greifen historische Themen auf, ohne sie plakativ zu inszenieren. Das macht den Comic zeitgemäß und vielschichtig.

Gleichzeitig bleibt der Respekt vor der Vorlage spürbar. Die Anspielungen auf frühere Batman-Inkarnationen sind subtil und für Kenner ein Fest. Neue Leser werden nicht mit Insiderwissen überfordert, sondern können die Geschichte eigenständig genießen. ABSOLUTE BATMAN beweist, wie flexibel und lebendig der BATMAN-Mythos auch nach Jahrzehnten noch ist.

Neustart mit Stil

ABSOLUTE BATMAN ist Teil der neuen Absolute-Serie von DC, die auch WONDER WOMAN und SUPERMAN neu interpretiert. Ziel ist es, die berühmtesten Helden des Verlags für eine neue Generation zu öffnen. Die Serie bietet eigenständige Geschichten, die unabhängig von der bisherigen Kontinuität funktionieren. Das macht ABSOLUTE BATMAN besonders zugänglich, sowohl für langjährige Fans als auch für Neueinsteiger.

Im Vergleich zu früheren BATMAN-Serien setzt ABSOLUTE BATMAN auf mehr Bodenständigkeit und emotionale Tiefe. Die bekannten Figuren erscheinen in neuem Licht, die Welt wirkt rauer und realistischer. Das Konzept erinnert an frühere Reboots wie ULTIMATE SPIDER-MAN bei Marvel, geht aber noch konsequenter eigene Wege.

Die bisherige Resonanz auf die Serie ist überwältigend. Bereits nach wenigen Wochen gilt ABSOLUTE BATMAN als meistverkaufter Comic des Jahres 2024. Kritiker loben die frische Perspektive und die gelungene Kombination aus Innovation und Respekt vor dem Original. Die Serie zeigt, wie spannend es sein kann, bekannte Helden neu zu erfinden.

Fazit

Seit meiner Jugend bin ich BATMAN-Fan. Über die Jahrzehnte haben mich die vielen Erzählstränge und Geschichten aber verloren. Mir fehlte bisher die Zeit, mich in die vielen Varianten und Multiversen einzulesen, die DC und Panini in schneller Folge auf den Markt geworfen haben.

ABSOLUTE BATMAN ist für mich aber mehr als ein weiterer Aufguss des bekannten Mythos. Scott Snyder und Nick Dragotta liefern eine packende, tiefgründige und visuell beeindruckende Neuinterpretation, die sowohl alte Fans als auch Neueinsteiger begeistert. Die Mischung aus klassischer Detektivgeschichte, emotionalem Drama und moderner Bildsprache macht den Comic zu einem echten Highlight im DC-Universum.

Wer BATMAN einmal anders erleben will, kommt an ABSOLUTE BATMAN nicht vorbei. Die Serie zeigt, wie viel Potenzial in der Figur steckt und wie spannend es sein kann, mit alten Mustern zu brechen. Egal ob Comic-Veteran oder Gelegenheitsleser: Dieser Band gehört in JEDES Regal!

ABSOLUTE BATMAN wartet darauf, gelesen zu werden und könnte auch dein Bild vom Dunklen Ritter für immer verändern.

ABSOLUTE BATMAN

© Panini Verlag | Softcover | 88 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★★☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★★

ISBN: 978-3-74164-529-7

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Wir befinden uns in einer 60er-Jahre inspirierten, retro-futuristischen Parallelwelt, einer Erde-828, die mit ihrer Ästhetik direkt aus der Space-Age-Optimismus-Ecke kommt und doch nie in bloßer Nostalgie versinkt. Vom ersten Bild an spielt der Regisseur Matt Shakman, den wir bereits von WandaVision kennen, mit unseren Erwartungen und unserem Wissen. Hier erwacht ein Klassiker zu neuem Leben, ohne sich der Popkultur von gestern zu opfern.

Die Handlung steigt rasant ein, wie schon bei SUPERMAN keine ermüdende Origin-Story, kein erneutes Auswalzen der Anfänge. Innerhalb der ersten wenigen Minuten im Retro-Look macht der Film klar: Diese vier Heldinnen und Helden sind bereits Superstars, Medienlieblinge, Popikonen!

Reed Richards a.k.a. Mr. Fantastic (Pedro Pascal), Sue Storm, die Unsichtbare (Vanessa Kirby), Johnny Storm, die menschliche Fackel (Joseph Quinn) und Ben Grimm, das Ding (Ebon Moss-Bachrach), haben schon diverse Widersacher besiegt und sind eine Art leuchtendes Vorbild für die Welt. Gleichzeitig ist da auch diese angenehm skurrile Alltagsnähe. Man will fast mit ihnen durch das stylische New York der Sechzigerjahre schlendern oder sich auf einen Plausch im Schwebewagen einladen lassen.

Kosmischer Auftakt mit Flugtaxi und Familienzuwachs

Doch das friedliche Superheldenleben beginnt zu bröckeln, als eine mysteriöse silberne Gestalt (der SILVER SURFER in der weiblichen Gestalt von Julia Garner) über den Himmel New Yorks gleitet. Sie bringt eine Botschaft, die selbst gestandenen Helden das Blut gefrieren lässt. Der Weltenverschlinger GALACTUS ist unterwegs zur Erde.

Plötzlich geraten nicht nur Machtverhältnisse ins Wanken, sondern die Frage stellt sich: Sind diese Helden bereit, für das große Ganze zu kämpfen und notfalls alles zu opfern? Während sie von Talkshows und der Weltöffentlichkeit gefeiert werden, stellt der drohende Weltuntergang auch ihr Privatleben und ihre Beziehungen auf die Probe.

Reed und Sue erwarten – endlich – gemeinsam Nachwuchs, das Team muss zwischen Familienglück und Weltenrettung abwägen und droht, genau daran zu zerbrechen.

Die Gefährdung durch GALACTUS wird mit passenden Effekten inszeniert, bleibt aber trotz visueller und akustischer Explosionen immer im Schatten der eigentlichen Hauptthemen von Loyalität, Angst, Hoffnung, Witz und Zusammenhalt. Entscheidungsmomente drohen den Alltag zu zerbrechen, während ulkige Robot-Diener, fliegende Fahrzeuge und Alien-Krisen das Versprechen einer aufregenden Zukunft vermitteln.

Der Film wechselt dabei geschickt zwischen Farce und Tragödie, Slapstick und moralischer Nachdenklichkeit, wie sie in den besten Heften der FANTASTIC FOUR immer wieder zu finden war.

Zwischen Classic Comic Strip und Familienkrise

Die Story-Arc von THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS bricht mit bekannten Superheldenkonventionen, auch wenn sie das Genre am Ende erkennbar nicht verlassen will. Im Kern bleibt das Abenteuer übersichtlich: Kosmische Bedrohung taucht auf, Familie muss zusammenstehen, moralische und emotionale Dilemmata werden durchgespielt. Doch das Wie überrascht.

Statt großer Multiversumsszenarien setzt Shakman auf eine klare Linie, auf eine Geschichte mit überschaubarem Ensemble. Das Drehbuch gönnt sich Momente für Charakterszenen und Alltagsflair, in denen Reed Richards schon mal nervös die Aloe-Vera für Sues Schwangerschaftsbauch sucht. Es verbleibt ein natürlicher Flow zwischen Science-Fiction-Spektakel und Beziehungsalltag, was der Franchise nach den letzten, oft überladenen Marvel-Mammutprojekten wirklich gut tut.

Drahtseilakt zwischen Familienbande und Weltende

Die Humor-Dramaturgie ist außerdem auf den Punkt. Während die Welt auf der Kippe steht, ergänzen sich vor allem Johnny und Ben zwischen trockenem Wortwitz und sympathischen Kabbeleien. Gleichzeitig schafft es der Film, die Spannung (fast) permanent aufrechtzuerhalten, ohne sich in Effektgewitter zu verlieren. Lediglich an manchen Stellen droht das Ganze in zu bekannte Muster abzurutschen. Wenn der Plot ins Cartooneske abgleitet und Bedrohungsszenarien auf absurde Retro-Gadgets treffen, ist das zwar schön bunt, wirkt aber manchmal zu gewollt vereinfacht.

Eine (kleine) Schwäche des Films liegt dabei auf seiner ausschließlichen Konzentration auf die Helden. Trotz intergalaktischer Bedrohung, die die Auslöschung des gesamten Planeten zur Folge haben soll, scheint es kein Militär zu geben, dass den FANTASTIC FOUR bei der Bekämpfung von GALACTUS zur Hand gehen kann oder gehen will. Ein Raketenstart aus der Mitte New York’s heraus ist möglich, eine Panzerhaubitze am selben Ort offensichtlich nicht. Geschenkt, Superheldenfilm.

Anders als in früheren Adaptionen erhalten Randfiguren wie SILVER SURFER mehr Tiefe, auch wenn ihr Potential nicht ausgeschöpft wird. Die Story balanciert auf einem schmalen Grat zwischen Erwachsenenmärchen und Frühstückskino, mal gelingt das, mal wirken die Töne leicht verstimmt. Die eigentliche Überraschung bleibt der Mut zu offenen Fragen und uneindeutigen Antworten beim moralischen Dilemma, auch wenn Reed Richards’ Kontrollbedürfnis symbolisch immer wieder jede Ecke polstert und so größeren Tabubrüchen vorbeugt.

Figurenporträts mit Ecken und Kanten

Eine der großen Stärken von THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS ist das Ensemble. Selten wirkte das legendäre Quartett so greifbar und unterschiedlich, ohne in Klischees zu erstarren.

Pedro Pascal gibt dem brillanten, aber sozial verunsicherten Reed Richards bemerkenswerte Tiefe. Seine Sorge um die Familie und sein Perfektionismus stehen nie im Widerspruch, sondern treiben ihn glaubhaft an. Er ist ein Getriebener, der alle, wirklich alle Eventualitäten durchdenken und bewerten muss. Aber im Gegensatz zu seinem Körper ist seine Moral nie wirklich dehnbar.

Vanessa Kirby setzt als Sue Storm viele großartige, schauspielerische Akzente. Ihre Rolle bleibt nicht nur auf die besorgte Ehefrau beschränkt, sondern wächst zur integrativen Kraft der Truppe. Sie ist die Kernfigur dieses Films. Meine Meinung nach gehört ihr Auftritt in THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS zu den herausragendsten Figurendarstellungen der vergangenen Marvel-Filme.

Protagonisten und Antagonisten

Ebon Moss-Bachrach (als Ben Grimm) und Joseph Quinn (als Johnny Storm) bringen eine erfrischende Chemie ins Team. Ihre Kabbeleien haben Biss, werden aber nie zur reinen Comedy. Besonders in Krisenmomenten, wenn Vertrauen über Muskelkraft steht, überraschen beide mit emotionaler Tiefe.

Julia Garner legt mit ihrer Interpretation des SILVER SURFER einen Auftritt hin, der Sehnsucht und Tragik gleichermaßen transportiert. Leider kratzt das Drehbuch nur an der Oberfläche ihrer inneren Konflikte, was angesichts des Potenzials der Figur – wieder einmal – sehr schade ist.

Antagonist GALACTUS bleibt für mich die große Enttäuschung des Films. Trotz bombastischer Inszenierung und imposanter Präsenz bleibt er ein eher eindimensionales Ungeheuer, bei dem die eigentliche Bedrohung stets abstrakt bleibt. Für mich persönlich schließt der Antagonist zu keinem Zeitpunkt auf das Niveau eines THANOS oder LOKI auf. Ja, GALACTUS ist gut an den ursprünglichen Comics orientiert, aber – er berührt mich nicht.

Das Herzstück dieses Films sind eindeutig seine Heldinnen und Helden selbst, nicht der Kampf gegen das apokalyptische Böse. Das macht die persönliche Entwicklung der Figuren umso spannender. Sie lernen insbesondere, was Zusammenhalt unter widrigen Umständen bedeutet.

Zwischen Raumschiff-Flair, Space-Age-Utopie und gesellschaftlichem Wandel

FIRST STEPS ist durch und durch ein Kind der 1960er. Der Film bleibt dem Setting der klassischen FANTASTIC FOUR-Heftjahre treu. Wer die frühen Abenteuer von Lee und Kirby noch vor Augen hat, erkennt sofort die Einflüsse.

Fliegende Autos, Robot-Diener mit Magnetbänder-Augen, poppig bunte Architektur und die Hoffnung der Menschen, dass Wissenschaft alles besser macht: Hier werden Träume aus der Zeit nach der Mondlandung konsequent nacherzählt.

Bubble Cars, Roboter und große Träume

Heraus sticht die reflektierte Auseinandersetzung mit der damaligen Fortschrittsgläubigkeit. Reed Richards wirkt wie ein Steve Jobs mit Leibniz-Aura, dessen Erfindungen die gesamte Stadtformen prägen. Dass dabei nicht alles glatt läuft, zeigt sich im großen Thema Verantwortung. Die Sorge um das eigene Kind und die politische Debatte, wie viel Wissenschaft wagen darf, sind Reminiszenzen an damalige Gesellschaftsfragen, die heute wieder an Aktualität gewinnen.

Der Score von Michael Giacchino, bekannt aus den Spider-Man-Filmen und anderen Sci-Fi-Spektakeln, treibt das Space-Age-Feeling zudem auf die Spitze. Die Musik ist nicht nur Stimmungsuntermalung, sondern transportiert auch einen Hauch von Star Trek und 2001, ohne je altbacken zu erscheinen.

Ein erster Schritt in eine neue MCU-Ära

Obwohl FIRST STEPS als Neubeginn präsentiert wird, gelingt es Matt Shakman, ebenso zahlreiche Anspielungen auf das Marvel Cinematic Universe (MCU) einzubauen, wie liebevolle Verbeugungen vor den oft gescholtenen Vorgängerwerken zu integrieren.

Anders als das multiverselle Chaos der letzten Jahre gibt es endlich (!) wieder eine klare Linie und überschaubare Figuren. Mastermind Kevin Feige hat aus der Überfrachtung mit Sideplots und Serienballast gelernt. Wer hier ins Kino geht, muss kein MCU-Studium ablegen und keine 50 Vorfilme nachholen.

Stattdessen wird das Team als popkulturelle Realität etabliert, die sich von den harmlosen Outfits vergangener Verfilmungen (man erinnere sich an FANTASTIC FOUR: RISE OF THE SILVER SURFER) souverän absetzt. Sogar die poppigen Sci-Fi-Verirrungen der 2000er werden ironisch aufgegriffen und überwunden.

Auch wenn kein echtes Risiko eingegangen wird, so bleibt der Weg in Richtung selbstständiger MCU-Zukunft nachvollziehbar. Die Balance zwischen Selbstironie und Wegweiser für das Franchise funktioniert.

MARVEL’s neue Alltagshelden

Innovation findet sich vor allem in den Unterschieden zum aktuellen Superhelden-Blockbuster-Einerlei. Reduziertes CGI, echtes Worldbuilding, kluger Einsatz von Humor und eine Musikauswahl, die den Zeitgeist nicht nur nachahmt, sondern weiterführt.

FIRST STEPS lässt Raum für Alltäglichkeit, gesteht seinen Figuren Menschlichkeit zu und erlaubt nerdige, liebevolle Details, die Fans wie Neueinsteiger begeistern dürften. Besonders gelungen ist die Darstellung der Fantasie, wie MARVEL wirklich bunt und voller Möglichkeiten sein kann, ohne auf Explosionsorgien zu setzen.

Im Retro-Flair lösen sich die Genre-Grenzen manchmal auf, wenn Philosophie, Cartoon, Satire und Abenteuerfilm eine unerwartet angenehme Mischung eingehen. Auch die klare familienfreundliche Ausstrahlung – trotz einer Prise Drama und Zweifel – macht den Film originell und innerhalb der Marke MARVEL sehenswert.

Fazit – Fantastische Familienbande

THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS ist kein revolutionärer Geniestreich und doch vielleicht genau die Art Superheldenfilm, die wir im Jahr 2025 brauchen. Weniger Krawall, mehr Charakter. Weniger Multiversum, mehr Menschlichkeit.

Nicht jeder Witz sitzt, nicht jedes Gefühl ist hundert Prozent glaubwürdig und der große Widersacher bleibt blass. Dafür aber gibt es Teamgeist, Leichtigkeit und eine Prise Science-Fiction-Vision, die sich klug auf das Gute im Menschen verlässt.

Comic-Fans werden viele Anspielungen und smarte Umsetzungen ihrer Lieblingsmotive entdecken. Neueinsteiger erleben, warum diese Figuren seit Jahrzehnten so viel Spaß machen. Mit THE FANTASTIC FOUR: FIRST STEPS beweist MARVEL, dass weniger manchmal mehr ist – jedenfalls solange großartige Darsteller und eine klare Idee am Start sind.

Jetzt bleibt nur eins: Kinoticket holen, Freunden davon erzählen oder gleich beim nächsten Comic-Shop die alten Lee-Klassiker nachlesen. Es sind die kleinen, fantastischen Schritte, die begeistern.

P.S. Kleiner Nerd-Faktor am Rand: Die ERDE-828 geht zurück auf den Geburtstag von Jack „King“ Kirby am 28. August 1917 (im Amerikanischen geschrieben 08-28-1917).

Meine persönliche Bewertung:  ★★★★★

Bildrechte: Die verwendeten Bilder stammen aus den Veröffentlichungen von MARVEL zu dem genannten Film auf der Website https://www.marvel.com. Alle Rechte an diesen Veröffentlichungen liegen und verbleiben dort. Die Abbildungen wurden ausschließlich zu Anschauungszwecken dem Online-Angebot des genannten Verlages, einem gekauften oder als Rezensionsexemplar überlassenen Exemplar entnommen.

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Die Geschichte von BIZZARO, geschrieben von Heath Corson und in Szene gesetzt von den Zeichner-Zwergen Tim Sale, Kelley Jones, Darwyn Cooke und Francis Manapul ist ein wilder Roadtrip durch die Untiefen des DC-Universums. Allerdings mit einem Navigationsgerät, das auf „Absurdistan“ eingestellt ist.

BIZZARO, der berühmt-berüchtigte Anti-Superman, macht sich mit seinem besten Nicht-Freund Jimmy Olsen auf eine Reise quer durch die USA. Ziel? Keins. Oder vielleicht doch? Aber wenn, dann das Gegenteil von Irgendwo. Die beiden erleben Abenteuer, die so schräg sind, dass sie fast schon wieder Sinn ergeben. Aber nur fast.

Sie treffen auf schräge Gestalten, besuchen Orte, die es eigentlich gar nicht geben dürfte, und geraten in Situationen, die nur ein BIZZARO als völlig normal bezeichnen würde.

Dabei dreht sich faktisch alles um das große Thema: Was heißt es eigentlich, anders zu sein? Und ist das Gegenteil von schlecht eigentlich gut oder einfach nur anders schlecht?

Die Handlung ist wie ein Spiegelkabinett, in dem jede Wendung eine weitere Verdrehung der Realität bedeutet. Wer hier eine klassische Heldenreise erwartet, bekommt stattdessen eine Anti-Heldenreise, bei der das Ziel nie das Ziel ist und der Weg das eigentliche Ziel. Oder eben auch nicht.

Es ist ein Comic, der sich selbst nicht ernst nimmt und gerade dadurch eine erfrischende Leichtigkeit entwickelt.

BIZZARO ist wie ein Comic, der sträwkcür (Äh, rückwärts!) gelesen werden will, aber trotzdem vorwärts Spaß macht.

Die Geschichte ist ein Feuerwerk aus absurden Ideen, schrägem Humor und charmantem Slapstick. Wer sich darauf einlässt, erlebt ein Abenteuer, das so einzigartig ist wie BIZZARO’s Sicht auf diese Welt. Alles ist falsch, aber genau deshalb ist alles richtig.

C-H-A-O-S mit Methode

Die Erzählstruktur von BIZZARO ist ein eigener Kosmos, ein kleines Kunstwerk der Verwirrung. Heath Corson spielt mit den Erwartungen der Leser, indem er klassische Story-Elemente nimmt und sie einfach umdreht. Was wie eine normale Buddy-Komödie beginnt, entwickelt sich schnell zu einer Reise ins Absurde. Der rote Faden? Eher ein buntes Wollknäuel, das sich immer wieder verknotet und dann doch irgendwie wohin führt.

Die Dramaturgie lebt von schnellen Wechseln, überraschenden Wendungen und einer Erzählweise, die sich bewusst über alle Superhelden-Klischees lustig macht. Die Handlung springt von einer absurden Situation zur nächsten, ohne dabei den Faden zu verlieren (zumindest nicht für BIZZARO).

Für uns ist es manchmal ein Sprung ins kalte Wasser, aber genau darin liegt der Reiz. Die Story ist wie ein Mosaik aus kleinen, in sich abgeschlossenen Episoden, die zusammen ein großes, wenn auch schräges Bild ergeben.

Im Zentrum steht immer wieder die Frage nach unser Identität, unserer Zugehörigkeit. BIZZARO sucht seinen Platz in einer Welt, die ihn nicht versteht, die er selbst aber auch nicht versteht.

Die Erzählstruktur spiegelt dieses Gefühl der Orientierungslosigkeit perfekt wider. Mal ist die Handlung rasant, mal entschleunigt, mal voller Action, mal voller absurder Dialoge. Alles wirkt improvisiert, dann doch aber nie beliebig.

Die Story-Arc von BIZZARO ist ein Paradebeispiel dafür, wie man mit den Mitteln des Comics spielen kann, ohne sich an starre Regeln zu halten. Es ist ein wilder Ritt, der Spaß macht, weil er letztendlich so unberechenbar ist.

Wer klassische Dramaturgie sucht, wird hier herausgefordert und gerade das macht den Reiz aus.

Freundschaft auf BIZZARO-Art

Die Figuren in BIZZARO sind so schräg wie das ganze Konzept des Comics.

Im Mittelpunkt steht natürlich BIZZARO selbst, der Antiheld, der alles anders macht. Seine Persönlichkeit ist eine Mischung aus kindlicher Naivität, unbeholfener Gutmütigkeit und einer Portion anarchischem Witz.

BIZZARO ist nicht einfach nur das Gegenteil von Superman, er ist eine eigenständige Figur mit echtem Herz. Seine Sicht auf die Welt ist so schräg, dass sie schon wieder rührend ist.

Jimmy Olsen, der ewige Sidekick, bekommt in BIZZARO endlich die Gelegenheit, mehr als nur der Typ mit der Kamera zu sein.

Er ist der „normale“ Gegenpol zu BIZZARO’s Wahnsinn, aber auch er entwickelt sich im Laufe der Geschichte weiter.

Die Dynamik zwischen den beiden ist das Herzstück des Comics, eine Freundschaft, die auf den ersten Blick unmöglich erscheint, aber gerade deshalb funktioniert.

Die Nebenfiguren sind ein bunter Haufen aus dem DC-Universum, die in BIZZARO alle ihre schrägen Momente bekommen. Ob skurrile Schurken, seltsame Helden oder einfach nur merkwürdige Gestalten, jeder Charakter trägt zur absurden Atmosphäre bei. Dabei gelingt es Corson, auch den Nebenfiguren Tiefe zu verleihen.

Die Charakterentwicklung ist unterschwellig, aber spürbar. BIZZARO bleibt zwar immer BIZZARO, aber im Laufe der Geschichte wächst er an seinen Aufgaben. Natürlich auf seine ganz eigene, verdrehte Weise.

Auch Jimmy durchläuft eine Entwicklung, die ihn am Ende nicht nur als Sidekick, sondern als echten Freund dastehen lässt.

Die Figuren sind das Rückgrat des Comics und machen BIZZARO zu mehr als nur einer absurden Komödie.

Vier Künstler, ein Comic

BIZZARO ist ein Fest für Fans außergewöhnlicher Comic-Kunst. Die Zeichnungen von Tim Sale, Kelley Jones, Darwyn Cooke und Francis Manapul sind so unterschiedlich wie die Persönlichkeiten der Protagonisten.

Jeder Künstler bringt seinen eigenen Stil ein, was dem Comic eine enorme visuelle Vielfalt verleiht. Die Seiten wechseln zwischen düsterem Noir, poppigem Retro-Charme, dynamischer Action und surrealen Traumlandschaften.

Tim Sale bringt mit seinen markanten Linien und dem Spiel aus Licht und Schatten eine gewisse Melancholie ins Spiel. Kelley Jones setzt auf übertriebene Proportionen und groteske Details, was perfekt zu BIZZARO’s verdrehter Welt passt. Darwyn Cooke steuert seinen unverwechselbaren Retro-Stil bei, der an Klassiker wie THE NEW FRONTIER erinnert und dem Comic eine zeitlose Eleganz verleiht. Francis Manapul schließlich sorgt mit seinen fließenden Linien und dynamischen Kompositionen für moderne Frische. Und all das macht diesen Comic auch zu einem Funny.

Die Farbgebung ist knallig und unterstützt die absurde Grundstimmung des Comics. Oft wirken die Panels wie aus einem Fiebertraum, der zwischen Cartoon und Kunstwerk pendelt. Die Künstler nutzen das Medium Comic voll aus, spielen mit Perspektiven, Panel-Anordnungen und visuellen Gags. BIZZARO ist ein Werk, das auch optisch immer wieder überrascht und begeistert.

Die künstlerische Qualität ist durchweg hoch, auch wenn die Stile manchmal abrupt wechseln. Doch gerade diese Brüche passen sehr gut zum Konzept dieses Machwerks. Alles ist im Fluss, alles ist möglich.

Wer Comics liebt, die sich nicht an Konventionen halten, wird BIZZARO als visuelles Abenteuer feiern.

BIZZARO-Logik – Wenn alles anders ist

BIZZARO ist mehr als nur ein weiterer DC-Comic. Das Werk lebt von seinen kleinen und großen Besonderheiten.

Die größte Innovation ist sicherlich der konsequente Bruch mit den üblichen Superhelden-Konventionen. Hier wird alles auf den Kopf gestellt. Gut ist böse, schlecht ist gut und ein Happy End ist das, was BIZZARO dafür hält. Der Humor ist mal subtil, mal brachial aber immer originell.

Ein weiteres Alleinstellungsmerkmal ist die gelungene Mischung aus Hommage und Parodie.

BIZZARO nimmt das DC-Universum liebevoll aufs Korn (und zwar mit der Schrotflinte), ohne es lächerlich zu machen. Die vielen Anspielungen und Insider-Gags machen den Comic zu einem Fest für Kenner, aber auch Gelegenheitsleser kommen auf ihre Kosten. Die Gastauftritte bekannter Figuren sind charmant und nie Selbstzweck.

Die Vielstiftigkeit der Zeichner sorgt für Abwechslung und unterstreicht die fragmentarische Struktur des Comics. Jede Episode fühlt sich anders an, bleibt aber immer Teil des großen Ganzen. Die kreativen Freiheiten, die sich Corson und die Künstler nehmen, machen BIZZARO zu einem Comic, der Grenzen überschreitet, sowohl formal als auch inhaltlich. Hier ist nichts aus einem Guss – und dann wieder doch.

BIZZARO ist ein Comic, der Mut zur Andersartigkeit beweist und damit neue Wege geht. Wer sich auf das Abenteuer einlässt, wird mit einem Lese-Erlebnis belohnt, das so einzigartig ist wie sein Held.

Lest BIZZARO! Oder auch nicht. Oder besser doch.

BIZZARO ist ein Comic wie kein anderer. Er nimmt das DC-Universum auseinander und setzt es auf seine ganz eigene, verdrehte Weise wieder zusammen.

Die Handlung ist herrlich schräg, die Charaktere liebenswert anders, die Zeichnungen ein Fest für die Sinne. Wer klassische Superhelden-Comics mag, wird hier angenehm überrascht. Wer das Absurde liebt, wird begeistert sein. Und sexy Zatana ist auch dabei!

Die Kombination aus Humor, Innovation und künstlerischer Vielfalt macht BIZZARO zu einem echten Highlight im Comic-Regal. Der Band beweist, dass Comics mehr sein können als nur Helden in (Netz-)Strumpfhosen. Comics können auch Kunst, Satire und Grenzerfahrung sein – aber das sind ja gleich drei Dinge auf einmal! Mindestens.

Lest BIZZARO. Lasst euch auf das Abenteuer ein, lacht, staunt und wundert euch. Und wenn ihr am Ende nicht wisst, was ihr da gerade gelesen habt, dann habt ihr alles richtig gemacht.

P.S. Dieser Comic ist – ääätsch! – bekanntlich verlagsvergriffen, bestellt habe ich ihn mir daher in der Sammlerecke. Das Leben kann wahrlich bizzar sein! Zumindest, wenn man irgendetwas mit dem größten, deutschen Paketdienstleister – mit dem Akronym Dauert Halt Länger – versendet. Dann verschwinden Sendungen auf halben Wege, tauchen in Shops wieder auf, die wegen Renovierung geschlossen sind und finden – nachdem (ups!) die Lagerdauer offiziell abgelaufen ist – ihren Weg wieder zum Absender zurück. Nur damit der die Sendung dann erneut auf den Weg schickt. Aber DAS ist dann ein ganz anderer Roadtrip. BIZZARO ist schließlich angekommen, obwohl er es wohl nicht wollte.

P.P.S. Wäre James Gunn (SUICIDE SQUAD, GUARDIANS OF THE GALAXY) als Regisseur für einen BIZZARO-Film verpflichtet worden, wäre das Ergebnis wahrscheinlich unglaublich toll geworden. Aber so hat er leider SUPERMAN verscripted und verdreht. Sei’s d’rum. BIZZARO hätte es wahrscheinlich toll gefunden.

BIZZARO

© Panini Verlag | Softcover | Seiten? keine Angabe möglich? Seitenangaben fehlen! | Farbe? Farbe!

Arc-Story:   ★★★★☆
Bleistiftung und Filzgekrakel:  ★★★★☆
Boom Boom und Geschreibsel:  ★★★☆☆
Gelachse:  ★★★★★
Deine persönliche Bewertung:  ★★★★☆
ISBN: 978-3-95798-745-7

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

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Um es kurz zu machen: Meiner persönlichen Meinung nach hat es DC (wieder einmal) gründlich vermasselt!

Viel Lärm um SUPERMAN

SUPERMAN, der Neustart von DC Studios unter der kreativen Führung von James Gunn, will vieles auf einmal. Er will die Ikone neu beleben, das Franchise frisch aufstellen und gleichzeitig eine Brücke zwischen Comic-Tradition und modernem Blockbuster schlagen. Also das endlich nachholen, was Marvel schon längst erfolgreich geschafft hat.

Die Handlung setzt einige Jahre nach SUPERMAN’s erstem öffentlichen Auftreten ein. Clark Kent arbeitet als Reporter beim Daily Planet, ringt aber immer wieder mit seiner doppelten Identität. Während er versucht, als SUPERMAN Hoffnung zu stiften, sieht er sich mit einem neuen, skrupellosen Gegner konfrontiert. Lex Luthor hasst „das Alien“ und agiert als eiskalter Strippenzieher mit scheinbar unendlichen Ressourcen aus dem Hintergrund.

Die Story verzichtet auf eine erneute Origin-Story und wirft uns direkt ins Geschehen. SUPERMAN landet krachend vor unseren Füssen und wird in einen Konflikt verwickelt, der weit über die Grenzen von Metropolis hinausreicht. Neben Luthor tauchen weitere Helden und Schurken auf, die das neue DC-Universum einführen. Die Beziehung zu Lois Lane steht im Zentrum, während SUPERMAN lernen muss, was Menschlichkeit in einer Welt voller Superkräfte bedeutet.

Die Action ist schnell, die Schauplätze wechseln rasant. Doch trotz der vielen Nebenfiguren bleibt der Fokus auf Clark und seinen inneren Konflikt. Hierdurch und die permanente Konzentration auf bombastische Action entsteht ein Spannungsverhältnis, das es mir schwer macht, den Film wirklich zu mögen.

Kritisch betrachtet wirkt die Handlung überladen. Viele Figuren erhalten wenig Raum, einige Handlungsstränge verlaufen im Sand. Die emotionale Tiefe bleibt stellenweise auf der Strecke, weil die Story von einem spektakulären Set zum nächsten hetzt. SUPERMAN will vieles, schafft es aber nicht, die Balance zwischen Bombast und Charakterzeichnung zu halten.

Comic-Tempo ohne Pause

James Gunn setzt bei SUPERMAN in dem 129-minütigen Film auf hohes Tempo. Die Erzählstruktur erinnert an einen Comic-Strip im Zeitraffer oder ein Daumenkino. Kaum hat man eine Szene verarbeitet, folgt schon die nächste.

Die Dramaturgie lebt von ständigen Wechseln zwischen Action, Dialogen und Cameos aus dem neuen DC-Universum. Das sorgt für Kurzweil, lässt aber wenig Raum für echte Figurenentwicklung.

Viele Nebenfiguren tauchen auf, verschwinden wieder und wirken wie Platzhalter für kommende Filme. Manchmal habe ich mir gewünscht, die Verantwortlichen hätten einem 3-stündigen Film zugestimmt, nur um den eingeführten Charaktere mehr Raum zu geben. 

SUPERMANs Story-Arc folgt klassischen Superhelden-Mustern. Der Held wird geprüft, verliert, wächst an der Aufgabe und triumphiert letztendlich.

Gunn verzichtet bewusst auf eine erneute Origin-Story. Stattdessen steht die Frage im Mittelpunkt, wie SUPERMAN seine Menschlichkeit bewahrt – er, der in den Comics die leuchtende Fackel der Hoffnung und der Menschlichkeit darstellt. In diesem Film wird sein innerer Konflikt in den Mittelpunkt gestellt, der durch eine Vielzahl äußerer Konflikte aber nicht genügend Raum erhält. Wie gesagt: Hätten sie doch mehr Zeit gehabt…

Von Höhepunkt zu Höhepunkt

Die Konflikte zwischen Clark, Lois und Luthor werden angerissen, aber selten konsequent zu Ende erzählt. Besonders im Schlussakt häufen sich die Klischees. Die Bedrohung wächst ins Weltuntergangsformat, doch echte Spannung will nicht aufkommen. Das Ergebnis ist zu vorhersehbar. So wird der durch ein schwarzes Loch geöffnete Riss mittels einiger Codezeilen geschlossen. Ging’s bei der Bedrohung nicht auch eine Nummer kleiner, dafür bei der Lösung eine Nummer raffinierter?

Die größte Schwäche der Dramaturgie liegt wohl im Und-Dann-Prinzip. Ereignisse reihen sich aneinander, ohne dass sie immer logisch aufeinander aufbauen. Die Charaktere reagieren oft nur statt zu agieren. Man will zu viel in viel zu kurzer Zeit.

Dadurch fehlt der Story ein echter roter Faden. Gunns Handschrift ist zwar spürbar, aber die Balance zwischen Humor, Action und Tiefe gelingt ihm nicht immer. SUPERMAN ist unterhaltsam, bleibt aber dramaturgisch oft konventionell und zu wenig mutig.

Stilbruch oder Weiterentwicklung

James Gunn ist ein Regisseur, der sich nie auf ein Genre festlegen ließ. Von den Trash-Anfängen bei Troma Entertainment über den Horror-Spaß SLITHER bis zum Marvel-Hit GUARDIANS OF THE GALAXY: Gunn liebt schräge Figuren, schwarzen Humor und emotionale Momente. Mit THE SUICIDE SQUAD und der Serie PEACEMAKER hat er das DC-Universum mit seiner persönlichen Handschrift bereits einmal aufgemischt.

SUPERMAN markiert einen Wendepunkt. Gunn verzichtet auf die überdrehte Ironie seiner Marvel-Zeit und setzt auf mehr Ernsthaftigkeit. Dennoch blitzen immer wieder sein Humor und seine Liebe zu Außenseitern durch. Aber genau das, was ihn hier und bei Marvel so erfolgreich machte, fehlt diesem Film.

SUPERMAN ist kein reines Gunn-Vehikel, sondern ein Versuch, dem DC-Universum eine neue Identität zu geben. Das merkt man ihm an. Gunn bleibt seinem Stil grundsätzlich treu, denn er liebt Ensemble-Casts, diese schnellen Dialoge und emotionalen Brüche. Auch merkt man ihm an, dass er sich dem Gewicht der Vorlage bewusst ist. Aber hat er die Figur SUPERMAN wirklich verstanden?

Im Vergleich zu seinen früheren Werken wirkt SUPERMAN gereift, weniger verspielt und von eigenen Zweifeln geplagt. Gunn will die Figur ernst nehmen, ohne den Spaß zu verlieren. Das gelingt ihm über weite Strecken, auch wenn der Spagat zwischen Comic-Treue und Blockbuster-Format nicht immer aufgeht. SUPERMAN ist Gunns Versuch, Superhelden wieder mit Herz und Haltung zu erzählen. Aber er tut dies mit einem auf dem Rücken festgebunden Arm. 

Viel Potenzial, wenig Entwicklung

Die Figuren in SUPERMAN sind das Herzstück des Films, zumindest auf dem Papier. Clark Kent alias SUPERMAN kämpft mit seiner Rolle als Außenseiter. Seine Menschlichkeit steht im Fokus.

Lois Lane ist mehr als nur die klassische „Damsel in Distress“. Sie agiert als kluge, eigenständige Journalistin, die SUPERMAN auf Augenhöhe begegnet.

Lex Luthor wird als eiskalter Strippenzieher inszeniert, der seine Macht im Hintergrund ausspielt.

Trotz der starken Besetzung bleiben viele Figuren erstaunlich blass. SUPERMAN erhält zwar emotionale Momente, doch die Entwicklung bleibt oft an der Oberfläche. Lois Lane bekommt einige starke Szenen, wirkt aber manchmal wie ein Nebencharakter in ihrer eigenen Geschichte. Lex Luthor ist bedrohlich, aber seine Motivation bleibt vage. Die Nebenfiguren – von Jimmy Olsen bis zu den anderen Helden – dienen mehr dem Worldbuilding und dem Ausblick auf – möglicherweise – Kommendes als der Charakterentwicklung.

Die Chemie zwischen Clark und Lois ist spürbar, aber nicht wirklich überzeugend. Besonders im ersten Akt zündet das Zusammenspiel. Später verliert sich die Dynamik im Actionrausch.

Luthor bleibt als Antagonist präsent, aber selten überraschend.

SUPERMAN bemüht sich, die Figuren vielschichtig zu zeichnen, scheitert aber oft an der eigenen Geschwindigkeit. Die Charakterentwicklung bleibt Stückwerk, weil die Story zu wenig Pausen gönnt.

Corenswet, Brosnahan, Hoult – Licht und Schatten

David Corenswet als SUPERMAN liefert eine überzeugende, charismatische Performance ab. Er bringt die klassische Güte und das Idealistische der Figur glaubhaft auf die Leinwand. Seine Darstellung erinnert an Christopher Reeve, bleibt aber eigenständig. Corenswet gelingt es, SUPERMAN als Hoffnungsträger zu zeigen, ohne ins Kitschige abzurutschen. Besonders in den stillen Momenten überzeugt er. Kritisch betrachtet fehlt seiner Figur manchmal die Tiefe, weil das Drehbuch zu wenig Raum für die inneren Konflikte lässt. Dennoch ist Corenswet ein Gewinn für das Franchise und dürfte für viele Fans zum neuen Gesicht von SUPERMAN werden.

Rachel Brosnahan als LOIS LANE bringt Energie und Intelligenz in die Rolle. Sie spielt die Reporterin als selbstbewusste, schlagfertige Frau. Ihre Szenen mit Corenswet gehören zu den Highlights des Films. Brosnahan gelingt es, der Figur eine eigene Stimme zu geben. Sie bleibt nicht im Schatten des Helden, sondern agiert als gleichwertige Partnerin. Kritisch fällt auf, dass Lois in der zweiten Hälfte des Films etwas in den Hintergrund rückt, auch wenn sie persönliche Risiken eingeht, um SUPERMAN aus dem Taschenuniversum zu retten. Brosnahan holt dennoch das Maximum aus ihrer Rolle heraus und verleiht LOIS LANE eine neue Relevanz. Mir hat sie in der Rolle persönlich sehr gut gefallen.

Nicolas Hoult als LEX LUTHOR setzt auf Understatement. Er spielt den Schurken als kühlen, berechnenden Strippenzieher. Hoult verzichtet auf Überzeichnung und bringt eine gefährliche Ruhe in die Figur. Sein Luthor erinnert an die Comic-Vorlage, an einen Unternehmer, der seine Macht im Verborgenen ausspielt. Allerdings bleibt auch Luthor manchmal zu blass, weil das Drehbuch seine Motivation nur andeutet. Hoult gelingt es dennoch, seinen Charakter als ernst zunehmenden Gegenspieler zu etablieren, ohne in alte Klischees zu verfallen.

Zwischen Glanz und Schatten

Die Nebenrollen – von Mister Terrific über Green Lantern bis Hawkgirl – sorgen für Vielfalt, bleiben aber eigentlich eine Staffage, die kostbare Zeit kostet. Edi Gathegi als Mister Terrific sticht hervor und bringt frischen Wind ins Ensemble.

Demgegenüber schafft es Nathan Fillion in seiner Rolle als Guy Gardener nicht, eine GREEN LANTERN auf die Leinwand zu bringen, von der wir gerne einen eigenen Film sehen würden. 

Zwischen Innovation und Routine

SUPERMAN will vieles anders machen, macht aber zu wenig richtig.

James Gunn verzichtet auf eine Origin-Story und setzt stattdessen auf einen bereits etablierten Helden. Die Inszenierung ist farbenfroh, die Action besonders bei den Flugszenen spektakulär, aber nie Selbstzweck. Gunn integriert neue Figuren aus dem DC-Universum, ohne den Fokus auf SUPERMAN zu verlieren.

Besonders die Chemie zwischen Clark und Lois hebt den Film von vielen Vorgängern ab. Die Musik nutzt in einer modernisierten Version das großartige John Williams Theme, was gerade zu Beginn aber einen falschen Retro-Zungenschlag in die Sache bringt.

Einzelne Szenen wie beispielsweise das Gespräch zwischen Clark und seinem Vater sorgen für emotionale Höhepunkte. Und doch fragen wir uns: Wie treibt diese Szene die Handlung voran? 

Innovativ wirkt auch die Darstellung von LEX LUTHOR. Hoult spielt ihn als modernen Unternehmer, nicht als größenwahnsinnigen Superschurken. Die Action ist handwerklich solide, die Effekte überzeugen, auch wenn die vorgefertigten Kampf-Moves von ULTRAMAN und ihre Bezeichnungen (1A, 13B etc.) zwischenzeitlich skurril wirken. Hätte ein Genie wie Luthor nicht eine KI entwickeln können, die diese Abfolgen in einem Bruchteil der Zeit durchführt?

SUPERMAN bleibt trotz aller Neuerungen ein klassischer Superheldenfilm, der sich auf die Stärken der Vorlage besinnt. Kritisch bleibt, dass der Film manchmal zu viel will und dadurch an Tiefe verliert. Die Fülle an Figuren und Handlungssträngen wirkt wie ein Versprechen für kommende Filme. SUPERMAN ist ein Neustart mit Ambitionen, aber auch mit Kinderkrankheiten.

Altlasten und Aufbruch

SUPERMAN steht am Anfang eines neuen DC-Universums. Gunn will die Fehler der Vergangenheit vermeiden und setzt auf einen klaren Schnitt. Im Vergleich zu den Vorgängern – von den Reeve-Klassikern über MAN OF STEEL bis BATMAN V SUPERMAN – wirkt der neue SUPERMAN weniger düster, dafür hoffnungsvoller.

Gunn orientiert sich an den Comics, verzichtet aber auf die epische Schwere der Snyder-Ära. Dieser Film versteht sich als Auftakt für kommende Abenteuer, integriert aber bereits viele Figuren aus dem erweiterten DC-Kosmos. Dadurch zerfastert er allerdings.

Im Serienkontext wirkt SUPERMAN wie ein gewollter – m.E. aber erfolgloser – Befreiungsschlag. Gunn will zurück zu den Wurzeln (Hoffnung, Menschlichkeit, Optimismus). Das gelingt ihm über weite Strecken. Allerdings bräuchte es dafür eigentlich einen Film mit mehr ruhigen Momenten. Dafür ist diese Version aber viel zu actionlastig. Meiner Meinung nach scheitert der Film daher an den eigenen Ambitionen.

SUPERMAN ist kein radikaler Bruch, sondern eine Rückbesinnung auf das, was die Figur ursprünglich einmal ausgemacht hat. Die Einbindung von Nebenfiguren deutet auf ein vernetztes Universum hin, bleibt dabei aber (noch) dezent. SUPERMAN ist ein Film, der für sich steht, ohne sich in endlosen Referenzen zu verlieren.

Hoffnungsträger mit Startschwierigkeiten

SUPERMAN ist vieles: Der Versuch eines Neuanfangs, ein Statement, ein Versuch, das Superheldengenre im DC Universe neu zu beleben. James Gunn liefert einen sicherlich unterhaltsamen Blockbuster, der die Stärken der Vorlage respektiert und dennoch eigene Akzente setzt. Allerdings wird er den geweckten, hohen Erwartungen in keinster Weise gerecht.

Die Hauptdarsteller überzeugen, die Action stimmt. Kritisch bleibt, dass der Film zu viel auf einmal will und dadurch an Tiefe verliert. Die Story ist überladen, die Charakterentwicklung bleibt auf der Strecke.

Und dann ist da ja noch der Humor. Gunn kann Humor. Als Beispiel ließen sich endlose Beispiele mit Drax oder Groot aus GUARDIANS OF THE GALAXY anführen. Doch in SUPERMAN hat eine andere CGI-Figur ihren Auftritt: Krypto, der Superhund! 

Krypto ist im DC-Universe SUPERMAN’s treuer Freund, der ihm aus so mancher Patsche hilft. Im Film wurde er offensichtlich eher als Comic-Relief eingeplant. Nur leider funktioniert dieser Kniff überhaupt nicht.

Krypto ist vom ersten Augenblick an eine Nervensäge und macht den Eindruck eines verspielten Welpen mit Superkräften, dem selbst ein SUPERMAN nicht Herr werden kann.

Die Freude über sein Erscheinen schlug bei mir jedefalls innerhalb kürzester Zeit in eine genervte Erwartungshaltung um, was der Köter wohl als Nächstes wieder anstellen würde. Echter Fan-Service sieht anders aus!

Fazit – Zwischen Aufbruch und Altlast

Trotz aller Schwächen ist SUPERMAN ein Film, welcher der einen Hälfte der Fans Spaß machen und Hoffnung schenken wird. Er bietet genug Neues für Comic-Fans und bleibt zugänglich für Einsteiger. Wer Superhelden mag, bekommt hier einen modernen, farbenfrohen und emotionalen SUPERMAN, der Lust auf mehr macht. DC Studios hat den Grundstein gelegt.

Die andere Hälfte der Kinogänger wird verwundert den Kopf schütteln, wieso James Gunn ausgerechnet diesen Film machen musste. Hätte man ihm doch bloß zu einem späterem Zeitpunkt einen BIZZARO angetragen. Der wäre ganz sein Ding geworden.

Leider hat es DC seit dem großartigen WONDER WOMAN – Film mit Gal Godot (2017) nicht mehr geschafft, wirklich faszinierend erzählte Geschichten auf die Leinwand zu bringen. Darum ist meine Erwartung auch gering, dass DC mit ihren Filmen zukünftig zu die Erfolgen von Marvel aufschließen können wird.

Ich hätte mir mehr Mut gewünscht. Mut, etwas komplett Neues zu schaffen. Am Beispiel der vor Kurzem erschienen Comics aus dem ABSOLUTE UNIVERSE (ABSOLUTE BATMAN, ABSOLUTE SUPERMAN, …), in dem auch die Origin-Geschichten der bekannten DC-Superhelden neu und frisch erzählt werden, hätten sich die Verantwortlichen ein Beispiel nehmen können. 

James Gunn’s SUPERMAN atmet aus jeder Pore Angstschweiß, Fehler zu machen. Diese Angst wäre unbegründet gewesen, wenn sie eine komplett neue Geschichte um SUPERMAN ins Kino gebracht hätten. Auch in dieser Neuversion hätte das Streben nach Menschlichkeit und Hoffnung ein zentraler Aspekt sein können. Ein weiterer Vorteil wäre dabei gewesen, dass es keine wirkliche Vergleichsmöglichkeit mit der bisherigen Storyline gegeben hätte. Aber dann hätten sie uns ja wohl eine (neue) Origin-Story zeigen müssen…

SUPERMAN

© DC Studios | Movie | 129 Minuten 

Storyline:   ★☆☆☆☆
Pacing:  ★☆☆☆☆
Cast:  ★★☆☆☆
Humor:  ★☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung:  ★☆☆☆☆

Die Bildrechte liegen bei DC Studios

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