Bereits das Cover ist ein starkes Bild. Es ist sogar so stark, dass Beka und David Etien es nicht auswalzen müssen. Als Leser weiß ich sofort weiß, was auf dem Spiel steht. Der Band erzählt uns seine Geschichte in gewohnt ruhiger Weise, dafür aber mit einem dicken Kloß im Hals. Und das passt sehr gut zu diesem Grafen, der äußerlich noch immer die Haltung wahrt, während er innerlich aber längst nicht mehr so aufrecht steht, wie sein Schnurrbart glauben machen möchte.

Zwischen Spirou, Krieg und echter Geschichte

Pankratius Hieronymus Ladislaus Adalbert Graf von Rummelsdorf ist in der Welt von SPIROU UND FANTASIO kein Unbekannter – im Gegenteil. Er gehört zu jenen Figuren, die unter Franquin ihren festen Platz im großen Spirou-Kosmos bekommen haben. Beka und Etien holen ihn in ihrer eigenen Serie aus der zweiten Reihe ins Rampenlicht. Sie erzählen von einem jüngeren Grafen, der nicht nur Pilze wie Erfahrungen sammelt und ganz nebenbei Erfindungen baut, sondern der auch mit brennenden Fragen durch prägende Episoden des 20. Jahrhunderts stolpert. Oder besser noch, durch sie hindurch muss.

Schon bei RUMMELSDORF ENIGMA hat mich an diesem Kreativteam überzeugt, wie selbstverständlich es historische Stoffe mit klassischem Abenteuer verbindet. Der erste Band führte nach Bletchley Park und zur Entschlüsselung der Enigma-Codes. Das zweite Album griff die Kriegsjahre und medizinisch militärische Abgründe auf. Der dritte sprang in die Nachkriegszeit und zur Forschung rund um die Antibabypille. Der aktuelle Band geht nun wieder einen Schritt zurück nach Princeton und Los Alamos, also mitten hinein in das Manhattan Projekt.

Der Atompilz

Historisch ist das ein heikler Ort. In Los Alamos wurde ab 1943 unter Leitung von Julius Robert Oppenheimer an der Atombombe gearbeitet. Die Angst vor einem deutschen Vorsprung in der Kernforschung trieb das Projekt voran. Gleichzeitig wuchs in den USA das Misstrauen gegenüber linken Wissenschaftlern, kommunistischen Sympathisanten und die Angst vor möglicher Spionage.

Dies war keine bloß Paranoia. Die Sowjetunion versuchte tatsächlich, Informationen aus dem Atomprogramm zu gewinnen. Aber daraus entstand auch ein Klima der Verdächtigung, das viele Biografien nachhaltig beschädigte. Genau in diesen Riss setzt der Comic seinen Grafen. Er ist Wissenschaftler, Europäer, Humanist und plötzlich ein kleines Werkzeug in einer sehr großen Maschine.

Misstrauen allerorten

Die Handlung beginnt nicht mit einer Explosion. Sie beginnt leise. RUMMELSDORF ist in Princeton und steht unter Druck, denn das FBI hat ihn eingespannt. Er soll Kollegen beobachten, politische Neigungen melden und besonders auf kommunistische Umtriebe achten. Für den Grafen fühlt sich das falsch an und das nicht nur ein bisschen. Es nagt an ihm. Er spioniert schlecht, weil sein Gewissen besser funktioniert als sein Auftrag.

Und direkt an dieser Stelle habe ich einen Kritikpunkt. In den bisherigen Bänden war der Graf immer ein aufrechter Kämpfer für das Gute mit funktionierendem, moralischem Kompass. Wie – um Himmels Willen – hat das FBI diesen Mann dazu gebracht, für das Bureau zu spionieren? Dies wird einfach nicht deutlich.

Der Mann, der mit einem Geist Tee trinkt

Dazu kommt Blair MacKenzie, RUMMELSDORF’s Freundin und großer Liebe seit Band eins, die unter tragischen Umständen verstorben ist. Hier ist sie nicht einfach nur eine Erinnerung, nicht bloß ein romantischer Nachhall aus den vorherigen Bänden. Sie ist als der Verlust anwesend, der den Grafen immer noch umgibt. Rummelsdorf redet mit ihr, als sei sie noch da. An dieser Stelle beginnt seine Verschrobenheit, die von anderen bereits wahrgenommen wird.

Der Comic macht daraus keine billige Gespensternummer. Er zeigt Trauer als Alltag, als Gespräch, als zweite Tasse Tee, die aber niemand trinkt. Oder auch als Frage, die nicht aufhört: Warum blickte Orpheus in der griechischen Mythologie zurück und konnte seine Eurydike nicht aus dem Totenreich befreien?

Albert Einstein taucht als ruhender, kluger Pol auf. Er bringt keine Heldengeschichte mit, eher eine Müdigkeit gegenüber der eigenen Zeit. Er ist derjenige, den RUMMELSDORF ausspionieren soll.

Zugleich verschwinden Wissenschaftler aus Princeton. Köpfe werden abgezogen, ohne dass offen gesagt wird, wohin. RUMMELSDORF versteht genug, um beunruhigt zu sein. Und J. Edgar Hoover versteht genug, um ihn stärker einzubinden. So landet der Graf dort, wo aus der Theorie in den Köpfen der verschwunden Wissenschaftler endgültig Weltgeschichte werden soll – in Los Alamos!

Los Alamos und die Hölle mit Zugangsausweis

In Los Alamos schließlich verändert der Band seinen Rhythmus. Princeton wirkt noch wie ein der ruhige Campus mit Freiheiten. Los Alamos hingegen ist ein Lager aus Baracken, Staub, Wachposten und Geheimnissen. Etien zeichnet diesen Ort nicht als reine Kulisse. Ich spüre die Enge trotz der weiten Landschaft. Der Himmel ist groß, aber die Menschen darunter wirken eingesperrt.

RUMMELSDORF begegnet J. Robert Oppenheimer, aber der Band macht diesen nicht zur Hauptattraktion. Das gefällt mir. Oppenheimer ist wichtig, natürlich, doch die Geschichte interessiert sich stärker für den Blick des Grafen und für Richard Feynman.

Feynman bringt Bewegung und eine gewisse Anarchie in die Erzählung. Er ist brillant, verspielt, neugierig, manchmal fast zu lebendig für diesen Ort. Mit ihm kommt ein anderer Ton in die Geschichte. Nicht leichter im Sinn von harmloser, eher im Sinn von heller. Und gerade dadurch werden aber die Schatten dunkler.

Beka nutzten die wissenschaftlichen Erklärungen geschickt. Ich hatte nie das Gefühl, eine Unterrichtslektion zu Atomphysik zu bekommen. Und doch lerne ich viel über Kettenreaktionen, Uran-Anreicherungen oder Berechnungen. Wenn hierüber gesprochen wird, bleibt die Szene in Bewegung. Figuren stehen nicht einfach herum, um Wissen abzuladen. Sie denken, zweifeln, scherzen – und schweigen. Die Bombe entsteht nicht als abstraktes Objekt. Sie entsteht aus Arbeitstischen, Rechengeräten, Wachsamkeit und müden Gesichtern.

Der Comic verrät genug, um die moralische Richtung klarzumachen. Er muss nicht jeden historischen Schritt dezidiert nacherzählen. Ich weiß als Leser, wohin diese Arbeit führt. Gerade deshalb liegt über vielen Szenen eine beklemmende Vorahnung. Die Figuren sind in ihrer Welt noch vor dem 06. August 1945, ich lese den Comic danach. Und das Besondere: das Rezensionsexemplar liegt an dem Tag in meinem Briefkasten, an dem ich im Friedensgedächtnismuseum Hiroshima vor den Auswirkungen der ersten Bombe gestanden habe. Diese Nähe tut weh.

Abenteuer mit Gewissen und sehr schönen Schatten

RUMMELSDORF 4 – DIE DUNKLEN JAHRE ist am stärksten, wenn der Band seine Gegensätze aushält. Er bleibt ein klassisches, frankobelgisches Abenteuer. Ich finde Tempo, pointierte Figuren, Spionage und geheime Anlagen. Zugleich trägt er jedoch eine Trauer in sich, die für diese Reihe inzwischen fast zum inneren Motor geworden ist.

David Etien ist dabei enorm wichtig. Seine Zeichnungen haben diese klare, erzählerische Eleganz, die ich an frankobelgischen Alben liebe. Seine Figuren sind lesbar, seine Räume sauber gebaut. Der Graf muss gar nicht viel sagen. Augen, Schultern, Haltung und Bildausschnitt erzählen genug. Besonders schön finde ich, wie Etien RUMMELSDORF nicht als Karikatur seiner selbst behandelt. Der Schnurrbart bleibt, die Kauzigkeit auch. Doch darunter findet sich ein Mann, der sich selbst kaum noch erträgt.

Die Farben arbeiten unaufdringlich, aber wirksam. Princeton hat kühlere, gedämpfte Töne. Los Alamos bekommt staubige Wärme, die nicht gemütlich wirkt. Wenn das Orange der atomaren Bilder aufblitzt, wirkt es nicht triumphal. Im Gegenteil: es brennt. Das Cover bereitet diesen Eindruck schon vor. Der Graf vor dem atomaren Glühen, die Brille als Spiegel, das Gesicht zur Maske erstarrt. Da ist kein Gewinnerlächeln, da ist ein Blick der versteht, das etwas zu groß geworden ist.

Auch der Seitenrhythmus überzeugt. Etien lässt Gespräche atmen und zieht dann an, wenn Bewegung gebraucht wird. Kleine Panels fangen Blicke und Reaktionen ein. Größere Bilder öffnen die Landschaft oder die historische Wucht. Der Band ist mit 56 Seiten knapp, verdichtet, aber nie hastig.

Wo es ein wenig knirscht

Ganz frei von Schwächen ist der Comic nicht. Einige historische Namen rauschen kurz vorbei. Wer mit dem Manhattan Projekt wenig verbindet, wird hier und da eher den Klang großer Geschichte spüren als jede Figur wirklich zu greifen. Auch der Spagat zwischen Abenteuer, Trauerarbeit, Spionage und Wissenschaft ist ehrgeizig. Nicht jede Nebenfigur bekommt den Raum, den sie verdient hätte.

Trotzdem stört mich das weniger, als ich erwartet hätte. Der Band will keine komplette Geschichte der Atombombe erzählen. Er schlägt eine persönliche Bresche durch ein übermächtiges Thema. Dafür ist der persönliche Blick des Grafen genau richtig. Er ist klug genug, um zu verstehen und empfindsam genug, um darunter zu leiden.

Eine Reihe, die erwachsen bleibt

Im Kontext der RUMMELSDORF-Reihe wirkt dieser vierte Band wie eine düstere Zuspitzung. RUMMELSDORF ENIGMA hatte noch stärker den Reiz eines klugen Spionageabenteuers. DER PATIENT A ging tiefer in die Kriegsverbrechen und Körperpolitik der Weltkriegszeit. EINE HANDVOLL KOHLENSTOFFATOME öffnete den Blick auf Medizin, Selbstbestimmung und gesellschaftliche Veränderung. Nun steht die Wissenschaft selbst vor Gericht, ohne dass Beka daraus eine simple Anklage machen.

SPIROU PRÄSENTIERT besitzt mit RUMMELSDORF eine Reihe, die ihre Formel gefunden hat. Eine historische Erfindung, ein berühmter Schauplatz und ein Graf, der mehr erlebt, als ihm guttut. Das könnte mechanisch werden, bleibt aber lebendig, weil die emotionale Linie stimmt und die Autoren ihre Leser ernst nehmen.

Fazit

SPIROU PRÄSENTIERT 7: RUMMELSDORF 4 – DIE DUNKLEN JAHRE ist ein schöner, trauriger und erstaunlich ernster Abenteuercomic. Beka und David Etien verbinden Spirou-Tradition mit Zeitgeschichte, ohne den Charme der Figur zu opfern.

Der Band hat Witz, aber keinen Leichtsinn. Er hat Tempo, aber keine Flucht vor der Moral. Für mich ist das ein weiteres, starkes Kapitel dieser Reihe. Nicht makellos, aber warm, klug und lange nachglühend. Eine ganz klare Empfehlung.

P.S. Und warum Orpheus in der griechischen Mythologie zurückblickte – ja, auch diese Frage wird letztendlich beantwortet!

• SPIROU PRÄSENTIERT 7: RUMMELSDORF 4
• Beka und David Etien
• Softcover | 56 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-551-80750-2
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Carlsen Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

The post RUMMELSDORF 4 – Der Moment, in dem ein Pilz unheimlich wird first appeared on P A N E L W A L K E R - Ein Comic-Blog.

Stattdessen finde ich Hitze, Dreck, Angst und Blut und erhalte den Eindruck, dass auf dieser Insel jeder Atemzug schon einer zu viel sein kann. Die deutsche Ausgabe erschien bei Epsilon als 144 Seiten starke Hardcover-Gesamtausgabe und bündelt die ursprünglich in Frankreich einzeln veröffentlichten drei Alben zu einem Band. Und wie sich noch zeigt, ist das gut und richtig so!

Was mich beim Lesen sofort gepackt hat, war diese ruppige Direktheit. HELLDORADO macht keine Umwege. Der Comic lässt die Gewalt nicht geschönt aussehen und das Elend nicht edel. Das ist unkonventionell, manchmal auch anstrengend. Aber genau daraus zieht das Buch seine Wucht.

Ich hatte beim Lesen oft das Gefühl, mitten in etwas zu stecken, das längst außer Kontrolle geraten ist. Nicht nur ein Ort, sondern eine ganze Welt, die innerlich verfault noch bevor sie äußerlich zusammenbricht.

Und doch ist dies kein Comic, der nur auf Schock setzt. Zwischen all dem Grauen gibt es Figuren, an denen ich hängen bleibe. Junge Menschen, die keine Heldenposen brauchen, um interessant zu sein. Gerade das hat mich überzeugt.

Dieses Buch erzählt nicht von den „großen“ Männern, die Geschichte schreiben. Es erzählt von den einfachen, normalen Menschen, die irgendwie durch diese Geschichte hindurch müssen, obwohl sie keiner gefragt hat, ob sie das auch wollen.

Eine erfundene Insel mit sehr realem Schmerz

Die Insel, auf der die Handlung spielt, ist frei erfunden. Auch das Volk der Syyanas ist keine direkte Darstellung einer historisch existierenden Gemeinschaft. So erhalte ich emotional wenigstens ein bisschen Abstand.

Der Comic gibt sich gar nicht erst als exakte Rekonstruktion für etwas aus. Er nimmt Motive aus der frühen kolonialen Expansion Spaniens, aus der Gewalt gegen indigene Gesellschaften und aus der Geschichte eingeschleppter Krankheiten und verdichtet all das zu einer wahrlich düsteren Erzählung.

Veröffentlicht wurde die Reihe in Frankreich zwischen 2006 und 2009 in drei Bänden. 2011 folgte dort auch die Gesamtausgabe. Die deutsche Ausgabe übernimmt genau dieses Format.

Gerade beim Thema Krankheit steht HELLDORADO auf einem historischen Fundament, das leider sehr belastbar ist. Im Zuge des Columbian Exchange gelangten nach 1492 Krankheiten aus Europa, Asien und Afrika in die Amerikas. In der Karibik waren die Folgen besonders verheerend.

Bis 1600 brachen die indigenen Bevölkerungen auf den meisten Inseln um mehr als 99 Prozent ein. Das lag nicht nur an den Erregern selbst, sondern auch an Krieg, Vertreibung, Zwängen und der körperlichen sowie seelischen Erschöpfung, die koloniale Gewalt grundsätzlich mit sich bringt.

Dazu kommt der koloniale Apparat, der in solchen Geschichten nie bloß Kulisse ist. Das Encomienda System sollte auf dem Papier die Stellung der indigenen Bevölkerung regeln. In der Praxis wurde daraus jedoch oft eine Form von Ausbeutung und Zwang. Genau diese Mischung aus Mission, Herrschaft, Gier und Gewalt liegt auch über diesem Comic.

Drei junge Menschen in einer kaputten Welt

Der Anfang von HELLDORADO ist brutal, sehr wirkungsvoll und kommt über weite Strecken ohne Worte aus.

Ein indigenes Dorf erwacht in der Ruhe des Morgens, nur um kurz darauf von spanischen Konquistadoren ausgelöscht zu werden. Ja, auch Frauen und Kinder, niemand wird geschont.

Dieser Auftakt hat mich nicht nur wegen seiner Härte gepackt, sondern auch wegen der Konsequenz mit der er den Ton setzt. Das Album macht sofort klar, dass hier jede Form von Ordnung nur eine dünne Firnis ist. Darunter lauern Gewalt, Brigantentum, Panik und blankes Überleben.

Aus den Rändern dieses Gemetzels treten zwei junge Männer hervor, Dathcino und Hutatsu. Später kommt mit dem Mädchen Initsii eine weitere Schlüsselfigur hinzu. Die Zukunft dieser Welt aus Feuer und Blut liegt in den Händen von zwei Jugendlichen und einem Mädchen, die vor allem eines miteinander verbindet: die Krankheit.

Die Seiten der Medaille

Genau diese narrative Entscheidung gefällt mir. Statt den Blick an Heerführern oder Priestern festzukleben, hält sich das Werk an Figuren, die wenig – bis gar keine – Macht haben und deshalb viel erleiden müssen.

Dathcino ist schnell, trotzig und zäh. Hutatsu wirkt vorsichtiger und oft auch verletzlicher. Initsii bringt noch einmal eine andere Perspektive hinein, weil sie zwar aus der Welt der Syyanas kommt und doch nicht einfach in deren starre Ordnung passen will.

Aus diesem Dreieck zieht die Geschichte ihre emotionale Spannung. Ich lese nicht weiter, weil ich wissen will, welcher General gewinnt. Ich lese weiter, weil ich wissen will, ob diese drei durchkommen, ohne innerlich dabei zerstört zu werden.

Spannend ist auch, dass der Comic die Syyanas nicht bloß als makellose Gegenseite zu den Spaniern zeichnet. Natürlich ist die Gewalt der Eroberer klar benannt. Daran lassen die Alben keinen Zweifel. Aber auch innerhalb der indigenen Gesellschaft gibt es Härte, Aberglauben, blutige Rituale und Machtmechanismen, die Menschen zerstören. Hier ist der Band sehr nahe an Mel Gibson’s Film Apocalypto (ebenfalls von 2006).

Das ist ein riskanter Aspekt, weil Stoffe dieser Art leicht in falsche Gleichmacherei kippen können. Im vorliegenden Fall fand ich die Herangehensweise jedoch meistens überzeugend, weil das Buch nicht verwischt, wer auf diese Insel gekommen ist, um zu herrschen, zu missionieren – und zu töten.

Wenn die Seuche um sich greift

Im weiteren Verlauf der Handlung spreizt sich die Geschichte weiter auf. Die Wege der drei jungen Figuren trennen sich, kreuzen sich wieder und zeigen dieselben Katastrophen, dann jedoch aus unterschiedlichen Blickwinkeln.

Dathcino gerät in die Nähe der Spanier und wird dort zu einem Körper, an dem herumprobiert wird. Hutatsu findet zwischen Angst und Opportunismus echten Überlebenswillen. Initsii wiederum wird zum Zentrum einer verzweifelten Suche nach Rettung, die jedoch immer grausamer wird.

Im dritten Band wird ausdrücklich beschrieben, dass die ganze Insel nun von der Krankheit verwüstet ist, Initsii schwer erkrankt, Dathcino als Versuchskörper dient und Hutatsu in die Hände der Eroberer fällt.

Schön ist anders. Mir hat jedoch daran gefallen, dass der Comic nicht nur größer, sondern auch schmutziger wird. Je weiter er voranschreitet, desto deutlicher zeigt er, wie Seuche und Krieg sich gegenseitig füttern. Niemand handelt hier mehr frei. Alle reagieren nur noch. Herrscher greifen zu Grausamkeit, weil sie ihre Macht verlieren. Religiöser Eifer wird zum Deckmantel für Panik. Medizin kippt in Missbrauch. Und inmitten davon versuchen junge Menschen, sich einen Rest ihrer Würde zu bewahren. Das ist manchmal wirklich schwer auszuhalten. Aber es ist erzählerisch stark, weil der Band nie so tut, als ließe sich diese Welt mit einer sauberen Pointe retten.

Ganz frei von Problemen ist das andererseits nicht. Vor allem im letzten Drittel hatte ich ein paarmal den Eindruck, dass einzelne Entwicklungen etwas zu schnell auf eine mögliche, gute Zukunft zulaufen könnten. Als wolle der Band nach all dem Elend doch noch einen schmalen Ausgang offenhalten. Ich verstehe das. Ich mochte sogar, dass er nicht völlig in Finsternis endet.

Nur spürte ich an manchen Stellen, wie sehr sich die Geschichte dafür umsortieren muss. Der Weg dorthin ist ein wenig kürzer, als diese vorher so unerbittlich gebaute Welt eigentlich nahelegt.

Kein Abenteuer für bequeme Leser

Genau darin liegt aber auch die Stärke von HELLDORADO. Dieser Comic will gar nicht gemütlich sein. Er nimmt sich Motive aus dem Abenteuercomic, aber nur, um sie bewusst dreckig zu machen: tropische Inseln, Konquistadoren, indigene Krieger, Fieber, Dschungel, Rituale und Kämpfe ums Überleben.

Das könnte in anderen Händen sehr schnell nach bravem Genre-Programm aussehen. Hier fühlt es sich eher wie ein Fiebertraum an, in dem jede romantische Vorstellung vom exotischen Abenteuer sofort verendet.

Ich mochte besonders, dass das Buch die Geschichte von unten erzählt. Es schaut nicht zuerst auf Eroberer als große Täterfiguren und auch nicht auf Könige als repräsentative Opferfiguren. Stattdessen bleibt es nah an körperlichen Erfahrungen: Hunger und Angst, Hitze und Ausschlag, Wunden und Schweiß. Das ist vielleicht der eigentliche Clou dieses Comics. Er denkt Gewalt nicht als abstraktes Thema, sondern als etwas, das in Muskeln, Haut und Schmerzen steckt. Daum liest er sich so unmittelbar.

Zugleich hat das Buch einen eigentümlich warmen Kern. Das klingt vielleicht seltsam bei so einem Stoff, aber ich meine es ernst. Zwischen all der Grausamkeit interessiert es sich für Bindungen, für spontane Loyalität und für die kleinen Gesten, in denen Menschen einander nicht völlig aufgeben. Gerade dadurch kippt der Band nie in bloßen Zynismus. Er ist hart, aber nicht kalt.

In einem Rutsch liest es sich am besten

Als Gesamtband hat HELLDORADO für mich einen echten Vorteil. Die drei ursprünglichen Alben SANTA MALADRIA, ESPERAR LA MUERTE und TODOS ENFERMOS! erschienen wie bereits erwähnt 2006, 2007 und 2009. 2011 wurden sie als Integral zusammengefasst.

Für mich gewinnt die Geschichte, wenn ich sie nicht in Einzelportionen konsumieren muss, sondern als langen, unruhigen Fluss. Der erste Teil haut mich um, der zweite verästelt das Geschehen und der dritte zieht die Schlinge zu. In einem Band wirkt das alles geschlossener, drängender und auch emotional schärfer.

Ignacio Noé zeigt keine nette Welt

Der größte Trumpf dieses Comics ist für mich Ignacio Noé. Ich kannte seine Arbeiten vorher schon, aber hier passt sein Stil besonders gut.

Noé zeichnet – nein, malt – Menschen nicht leicht, seine Körper haben Gewicht. Sie stehen nicht wie Figuren auf einer Bühne, sondern wirken, als müssten sie sich durch Luft, Hitze und Dreck hindurch bewegen. Ich spüre die Last der Waffen, den Sog des Schlamms, die Müdigkeit in den Schultern. Das klingt erst einmal nach einem kleinen Detail. Beim Lesen macht es aber enorm viel aus.

Besonders stark ist seine Mimik. Viele Historien-Comics erzählen Emotionen über große Gesten. Noé kann das auch, aber er verlässt sich nicht nur darauf. Ein schiefer Blick, ein verkrampfter Mund, eine zusammengesunkene Haltung reichen oft, damit eine Szene kippt. Dadurch bekommen selbst Figuren, die nicht viel Text haben, ein Eigenleben. Diese Insel ist nicht als Postkarte gezeichnet. Sie ist ein Ort, an dem Menschen sich festkrallen, auf ihr fliehen, auf ihr krank werden – und sterben.

Auf seiner offiziellen Seite beschreibt Noé sich als argentinischen Illustrator und Comiczeichner, der sowohl für Comics als auch für Magazine, Kinderbücher und Literatur gearbeitet hat. Für HELLDORADO ist das wichtig, weil ich hier spüre, wie sicher er zwischen Illustration und Erzählfluss wechseln kann.

Farben glühen und faulen zugleich

Weil Ignacio Noé auch die Farben übernommen hat, wirkt der Band wie aus einem Guss. Und das ist hier wirklich entscheidend. Die Farben machen diese Welt nicht schöner, sondern dichter: viel Ocker, viel Rot, schmutzige Grüntöne, schwere Schatten, fahle Haut, verdunkelte Innenräume. Das alles erzeugt einen Druck, der kaum nachlässt. Man hat beim Lesen fast das Gefühl, die Luft selbst sei krank.

Ich fand besonders stark, wie die Farben zwischen Fieber und Erde pendeln. Nichts wirkt frisch. Selbst dort, wo Pflanzen üppig wachsen und der Schauplatz theoretisch paradiesisch sein könnte, liegt immer schon etwas Fauliges darüber. Das gibt dem Comic seine ganz eigene Temperatur. Er sieht heiß und krank aus. Beides zusammen bleibt bei mir hängen.

Zwei Autoren mit Lust am Risiko

Jean David Morvan, Jahrgang 1969, stammt aus Reims, studierte Kunst am Institut Saint Luc in Brüssel und gehört seit Jahren zu den produktivsten frankobelgischen Szenaristen. Größere Bekanntheit erlangte er unter anderem mit SILLAGE sowie mit SPIROU UND FANTASIO, das er zusammen mit José Luis Munuera prägte.

Für HELLDORADO arbeitete er mit Miroslav Dragan zusammen. Hinter diesem Namen steht Michel Dufranne, ein belgischer Autor und Kritiker, der sich gelegentlich hinter diesem Pseudonym verbirgt.

Fazit

HELLDORADO ist kein makelloser Comic. Einige Übergänge im Schlussdrittel hätte ich mir etwas zwingender gewünscht. Auch bekommt nicht jede Figur die Tiefe, die sie verdient hätte.

Aber das ändert wenig daran, dass hier sehr viel gelingt. Vor allem gelingt diesem Band etwas, das ich immer schätze: er bleibt unbequem, ohne eitel zu werden, er ist roh, ohne nur auf Effekthascherei zu setzen. Und er hat Bilder, die nicht romantisierend nach Historie aussehen, sondern nach einer Welt, die gerade vor meinen Augen entgleist.

Ich bewundere diesen Comic nicht, weil er schlau doziert. Ich habe ihn aber gelesen, weil er mich vom ersten Moment reingezogen hat, wegen seiner Hitze, wegen seiner Wucht und wegen seiner drei jungen Figuren, die in all dem Irrsinn ums Überleben kämpfen.

Aus der Beschaulichkeit meines Lesesessels ist HELLDORADO harter Tobak, oh ja! Aber genau deshalb bleibt etwas davon hängen…

• HELLDORADO
• Jean David Morvan, Miroslav Dragan und Ignacio Noé
• Hardcover | 144 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-86693-089-6
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Epsilon Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

The post HELLDORADO – Gleich am Morgen ist die Hölle da first appeared on P A N E L W A L K E R - Ein Comic-Blog.

RUMMELSDORF – ENIGMA ist ein Spin-Off aus dem SPIROU-Universum, ein Teil der Reihe SPIROU PRÄSENTIERT und zugleich der Start einer eigenen Reihe um den jungen Grafen Pankratius Hieronymus Ladislaus Adalbert von Rummelsdorf.

Das Album will die bekannte Figur neu aufstellen. Es will ihr Jugend, Haltung und eine Geschichte mitgeben. Vor allem aber will es zeigen, dass der liebenswerte Sonderling der späteren Abenteuern früher einmal ein junger Mann war, der mit offenem Blick durch eine aus den Fugen geratene Welt ging.

Beka und David Etien setzen dafür nicht auf knallige Effekte. Sie setzen auf Neugier, auf Atmosphäre und auf Figuren, die klug genug sind, um interessant zu sein, aber menschlich genug, um nicht verkopft zu wirken. Und sie sind eindeutig von Morton Tyldum’s Film THE IMITATION GAME aus dem Jahr 2014 inspiriert, den ich persönlich für einen der besten Filme zum Thema Krieg und Spionage im 2. Weltkrieg halte.

Mich hat an diesem Album daher sofort gereizt und natürlich, dass es Krieg nicht als Kulisse für Heldentum benutzt. Der Krieg ist da, ja, und er drückt auf jede Szene. Aber im Mittelpunkt stehen keine Siegerposen, sondern Menschen, die denken, zweifeln, kombinieren und trotzdem handeln.

Genau das macht den Band für mich so sympathisch. Er will nicht bedeutungsschwer wirken. Er will eine gute, bekannte Geschichte noch einmal neu und aus einer anderer Richtung erzählen. Und er vertraut darauf, dass ein kluger Abenteuercomic völlig ausreicht, wenn Figuren und Rhythmus stimmen.

Bletchley Park und die Enigma

Der historische Kern dieses Albums ist präzise gewählt. Die Enigma war keine bloße Fantasie aus einem Kriegsroman, sondern eine echte Chiffriermaschine, die von Deutschland militärisch genutzt wurde. Bletchley Park war das britische Zentrum der Codeknacker, die versuchten ihre Verschlüsselung zu knacken. Dort arbeiteten männliche und weibliche Mathematiker, Linguisten, Logiker, Schachspieler, Funkleute und viele andere Spezialistinnen und Spezialisten daran, die Nachrichten der Achsenmächte zu lesen.

Gerade das macht diesen Ort bis heute so faszinierend. Er war kein Schlachtfeld im klassischen Sinn. Er war ein Ort, an dem Konzentration, Geduld und Kombinationsgabe über Leben und Tod entschieden. Und auch hier führten Fehler möglicherweise zum Verlust von Menschenleben. Für einen Comic ist das fast schon ideal, weil sich hier Spannung nicht aus Explosionen ergibt, sondern aus Gedankenarbeit unter enormem Druck.

Besonders interessant finde ich, dass Bletchley Park eben nicht nur mit Alan Turing verbunden werden darf. Dieser Ort funktionierte stets als Teamleistung. Viele der Beschäftigten waren Frauen. Sie arbeiteten als Übersetzerinnen, Analytikerinnen und Bedienerinnen der Maschinen.

Auch die berühmten Bombes waren keine magischen Wunderkästen, sondern Werkzeuge, die mit der harten Denkarbeit ihrer Erbauer zusammenspielten. Der Band greift genau diese Mischung auf. Er macht aus dem Stoff kein Schulbuch, sondern ein Abenteuer über kluge Köpfe, über Muster und über die seltsame Schönheit eines Rätsels, das sich erst Stück für Stück dem Rätselnden öffnet. Das gefällt mir sehr, weil der Comic spürbar Respekt vor dem Thema hat, ohne sich davon erdrücken zu lassen.

Ein Held, der noch keiner sein will

Die eigentliche Handlung beginnt 1940. Belgien ist besetzt. (Ganz Belgien? Ja, ganz Belgien!) Schloss Rummelsdorf steht unter dem Druck des Krieges. In diese Lage hinein flattert eine verschlüsselte Botschaft, die den jungen Grafen sofort elektrisiert.

RUMMELSDORF ist hier noch nicht die skurrile Vaterfigur, die viele aus den SPIROU UND FANTASIO-Comics kennen. Er ist wach, wissbegierig und ein wenig rastlos. Genau das funktioniert wunderbar. Der Band zeigt ihn nicht als geborenen Helden, der tollkühn irgendwo hinein stolpert. Er folgt einer Spur, weil sie seinen Verstand herausfordert und weil er spürt, dass hinter allem mehr steckt als ein nettes Denkspiel. Die Botschaft enthält eine Einladung, welche ihn nach England führt und damit in ein Abenteuer, das sehr schnell größer wird als er selbst.

Schon dieser erste Abschnitt liest sich angenehm flüssig. Ich mag, wie locker der Comic seine Ausgangslage baut. Das Schloss, die Besatzung, die chiffrierte Nachricht und die Reise nach London greifen sauber ineinander. Nichts wirkt übererklärt, nichts wirkt hektisch.

Stattdessen entsteht das schöne Gefühl, dass sich vor meinen Augen eine Tür öffnet. Hinter dieser Tür wartet kein übliches Kriegsabenteuer, sondern ein Rätselspaß mit Tempo und Charme. RUMMELSDORF ist dafür die richtige Figur, weil er weder Soldat noch Draufgänger ist. Er bringt etwas viel Passenderes mit: Neugier! In England findet der Band dann seine eigentliche Geschichte. 

Blair, Turing und das Rätsel hinter dem Rätsel

RUMMELSDORF trifft im Folgenden auf auf die Welt von Bletchley Park und eine Frau, Blair McKenzie. Blair ist für mich eine der größten Stärken dieses Comics. Sie ist nicht nur eine clevere Begleiterin. Sie gibt der Geschichte Wärme, Witz und Reibung. Zwischen ihr und RUMMELSDORF entsteht schnell eine Spannung, die den Band emotional auch trägt.

Zugleich wird Alan Turing als wichtige Figur eingeführt. Dies hätte leicht daneben gehen und in Ehrfurcht erstarren können. Tut es aber nicht. Der Comic nutzt Turing als Teil eines Teams, nicht als Denkmal. Dadurch bleibt die Geschichte lebendig und der Blick frei für das Zusammenspiel ihrer Figuren.

Die Handlung bleibt dabei angenehm konzentriert. Es geht um das Knacken der Enigma-Codes, um Zeitdruck und Vertrauen. Und es geht um die Frage, wer in so einem Moment eigentlich handeln darf und handeln muss.

Das alles bleibt verständlich, auch wenn man mit Bletchley Park oder kryptografischen Themen vorher kaum Berührung hatte. Genau das rechne ich dem Band hoch an. Er ist klug, aber nie glatt, historisch interessiert, aber nie trocken. Und er schafft etwas, das gar nicht so leicht ist: er macht Denkarbeit spannend, ohne sie künstlich mit Action aufzupeppen.

Mehr als einmal hatte ich beim Lesen das Gefühl, dass hier nicht bloß eine Geschichte erzählt wird, sondern ein ganz eigener Ton gefunden wird, der weit über den Zungenschlag des SPIROU-Universums hinausgeht.

Wo dieser Band seinen Platz hat

Als erster Band der Reihe muss RUMMELSDORF – ENIGMA viel leisten. Er muss seine Hauptfigur noch einmal neu vorstellen und den historischen Rahmen setzen. Auch muss er die emotionale Verbindung zu Blair aufbauen und zugleich den Grundstein für die Folgebände legen.

Genau deshalb verzeihe ich ihm auch kleinere Unebenheiten. Manche Szene erklärt halt doch ein wenig mehr, als sie vielleicht müsste. Manche reale Figur bleibt etwas stärker Funktion als voller Charakter. Trotzdem entwickelt sich der Band erstaunlich gut. Gerade im Rückblick sehe ich, wie sauber hier gearbeitet wurde, weil spätere Bände genau an einzelnen Punkten ansetzen können und die Reihe Schritt für Schritt weiter entwickeln – allerdings dunkler und persönlicher.

Für mich ist das die vielleicht schönste Qualität dieses Auftakts. Er will nicht alles schon im ersten Anlauf überbieten. Er legt an, pflanzt Motive, baut Beziehungen. Und er sorgt dafür, dass man nach der letzten Seite nicht das Gefühl hat, einen abgeschlossenen Einfall gelesen zu haben, sondern am den Beginn einer größeren Lebensgeschichte steht.

PATIENT A führt die Reihe in deutlich dunklere Zonen

Der zweite Band knüpft direkt an Bletchley Park an. RUMMELSDORF und Blair arbeiten weiter an der Entschlüsselung deutscher Kommunikation. Zwischen beiden ist inzwischen mehr gewachsen als Freundschaft. Genau das macht den Einstieg hier angenehm, weil die Reihe ihre Figuren nicht neu sortieren muss.

Dann kommt ein codierter Hilferuf. Wissenschaftler werden von den Nazis gezwungen, an einem Forschungsprogramm mitzuwirken. Dieses Mal führt die Spur nach Berlin. Aus dem Denkabenteuer des ersten Bandes wird damit ein deutlich riskanteres Unternehmen mitten im Machtbereich des verfeindeten Regimes. Der Ton kippt spürbar, die Serie wird dunkler, härter. Sie bleibt zwar zugänglich, wirkt aber nun ernster und dichter.

Gerade diese Verschiebung finde ich stark. Der erste Band lebt von Entdeckung, Tempo und dem Zauber eines großen Rätsels. Der zweite Band zwingt RUMMELSDORF viel direkter in die moralische Wirklichkeit des Krieges. Das gibt der Figur weiter Gewicht.

Blair wird dabei noch wichtiger. Sie läuft nicht bloß mit oder wird als Damsel-in-Distress verwendet. Sie greift ein, sie denkt mit und sie hält die Geschichte menschlich. Dadurch wächst auch mein Blick auf RUMMELSDORF. Er ist jetzt nicht mehr nur der kluge junge Graf, der spannende Probleme löst. Er wird zu jemandem, dessen Intelligenz in einer brutalen Welt bestehen muss. Genau an diesem Punkt zeigt sich, dass die Reihe mehr sein will als ein hübsches Historien-Abenteuer.

EINE HANDVOLL KOHLENSTOFFATOME öffnet die Reihe in eine neue Richtung

Der dritte Band springt in den Herbst 1951. Schon dieser Zeitsprung tut der Serie gut, weil er das Konzept weitet. Eine etwas exzentrische Amerikanerin namens Margaret Sanger taucht auf Schloss Rummelsdorf auf. Sie hat von den Forschungen des Grafen zur Empfängnisverhütung gehört und nimmt ihn mit nach Boston. Dort soll ein Labor helfen, eine Pille zu entwickeln.

Das ist ein überraschender, aber sehr kluger Schritt. Die Reihe bleibt bei Wissenschaftsgeschichte, nur verschiebt sich der Schwerpunkt weg vom Krieg und hin zu Fragen von Körper, Selbstbestimmung und Verantwortung.

Ich finde diesen Band als Fortsetzung besonders spannend, weil er zeigt, dass die Serie nicht in ihrem Kriegsstoff gefangen bleiben muss. Sie will mehr, will RUMMELSDORF als Figur des 20. Jahrhunderts erzählen. Jemanden, der an entscheidenden Momenten wissenschaftlicher Entwicklung beteiligt ist und daran zugleich persönlich leidet.

Genau dadurch gewinnt auch der Auftakt rückwirkend an Tiefe. Was in RUMMELSDORF – ENIGMA noch wie ein kluges Abenteuer mit historischem Kern beginnt, wächst in den Folgebänden zu einer Reihe, die Wissenschaft und Moral zu einer Einheit verbindet.

Wo der erste Band überzeugt und bremst

Was mir an RUMMELSDORF – ENIGMA wirklich gut gefällt, ist seine Art, Spannung aus Intelligenz zu holen. Der Comic hat Vertrauen in seine Leserinnen und Leser. Er glaubt daran, dass ein chiffrierter Brief, ein kluger Einfall und eine gut geschriebene Begegnung reichen können, um Spannung zu erzeugen. Vor allem reicht es, weil Blair und RUMMELSDORF als Paarung so gut funktionieren. Zwischen beiden liegt etwas Zartes, Neugieriges und Unfertiges. Genau das macht sie glaubhaft. Ich habe den Band nicht nur wegen seiner historischen Kulisse gern gelesen, sondern auch, weil ich diesen beiden Figuren beim Denken und Annähern gern zugesehen habe.

Ganz ohne Einschränkung komme ich trotzdem nicht aus. An manchen Stellen merkt man dem Album an, dass es ein erster Band ist. Er muss die Welt erklären, Namen einführen und historische Dinge – zumindest knapp – einordnen. Dadurch fehlt ihm gelegentlich der letzte Hauch Leichtigkeit, den spätere Fortsetzungen an einigen Stellen sogar stärker entwickeln. Das ist aber kein schweres Problem.

Es ist eher die kleine Reibung eines sehr ambitionierten Auftakts. Für mich überwiegt ganz klar der Gewinn. Der Band ist klug gebaut, lesbar, warm und deutlich charakterstärker, als man es von einem historischen Spin-Off vielleicht zunächst erwarten würde.

Zeichnungen, die Rätsel greifbar machen

David Etien ist genau der richtige Zeichner für diesen Stoff. Sein Strich bleibt beweglich und klar. Die Figuren haben Ausdruck, ohne zur Karikatur zu werden. Räume, Maschinen und historische Details wirken konkret, nie steif oder künstlich. Schloss, Arbeitsräume, Züge und Bletchley Park haben in diesem Comic nicht bloß einen Dekorwert. Man spürt, wie dort gedacht, beobachtet und gearbeitet wird. Das hilft der Geschichte enorm, weil ein Stoff über Codeknacker nur dann funktioniert, wenn die Welt drumherum glaubwürdig bleibt.

Dazu kommt ein gutes Gefühl für Tempo. Etien kann eine Szene leicht halten, wenn der Band spielen will. Er kann sie verdichten, wenn Gefahr aufzieht. Das passt hervorragend zu einem Album, das zwischen Charme, Romantik und Kriegsdruck balanciert. Ich würde sogar sagen, dass ein Teil der Zugänglichkeit dieser Reihe direkt aus den Zeichnungen kommt. Sie laden ein. Sie schrecken nicht ab. Und genau deshalb erreicht der Comic sowohl erfahrene Leser als auch Menschen, die mit frankobelgischen Reihen sonst wenig anfangen können.

Fazit

RUMMELSDORF – ENIGMA ist für mich ein sehr gelungener Reihenauftakt. Der Band ist klug, warm und spannend, ohne laut zu werden. Er erzählt von Krieg, Wissenschaft und Verschlüsselung. Vor allem aber erzählt er von Menschen, die mit ihrem Kopf und ihrem Herzen gegen eine dunkle Zeit anarbeiten. Gerade das macht ihn so lesenswert.

Wer nur ein historisches Abenteuer sucht, bekommt hier schon viel. Wer etwas mehr will, bekommt zusätzlich eine Figur, die im Lauf der Reihe sichtbar an Tiefe gewinnt und eine interessante Vorgeschichte erhält. Und genau deshalb bleibt RUMMELSDORF – ENIGMA für mich nicht bloß der erste Band einer Serie, sondern ein Band, der ihr ein Gesicht verleiht.

P.S. Mit RUMMELSDORF – DIE DUNKLEN JAHRE erscheint beim Carlsen Verlag in Kürze der vierte Band der Reihe, der dem Cover-Bild zu Folge den Weg zu den Schattenseiten des technologischen Fortschritts beschreitet. Ich freue mich schon darauf…

• SPIROU PRÄSENTIERT: RUMMELSDORF 1 – ENIGMA
• Beka und David Etien
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-551-77676-1
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★★☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Carlsen Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

The post RUMMELSDORF hilft die ENIGMA-Codes zu knacken first appeared on P A N E L W A L K E R - Ein Comic-Blog.

Rodolphe erzählt uns von einem Küstendorf, das sich mit Absicht am Unglück anderer bereichert. Laurent Gnoni setzt dies in Bilder um, die nach Salz riechen und nach verregnetem, kaltem Stein aussehen. Das Ergebnis ist ein historischer Thriller, der sich zügig liest und trotzdem lange nachhallt. Nicht, weil er besonders kompliziert wäre, sondern weil er eine zentrale Frage gnadenlos stellt: Was bleibt von der Moral, wenn ein ganzes Dorf sie gemeinsam nicht mehr für wichtig erachtet?

Die Schule der Kälte

Das Örtchen Greenway liegt an der englischen Küste. Es ist der 14. Oktober 1704. Die Menschen dort leben ein hartes Leben. Sie schauen auf’s Meer wie andere auf’s Feld. Nur wächst hier nichts, außer Angst und die Hoffnung auf ein wenig Reichtum. Ein Reichtum jedoch, der immer zu Lasten Anderer geht.

Jim ist vierzehn. Sein Vater führt ihn in das Geheimnis des Dorfes ein, das kein Kind kennen sollte. Aber Jim ist nun alt genug dafür. Nachts zünden die Erwachsenen auf dem Strand Feuer an. Sie wollen damit Schiffe in die Irre führen, sie wollen Wracks, wollen deren Ladung. Diese Praxis bildet den unmoralischen Kern der Geschichte, gezeigt als Dorfalltag, nicht als Ausnahme. Genau das macht den Einstieg direkt unangenehm.

Jim steht dabei im Mittelpunkt. Er ist alt genug, um benutzt zu werden und jung genug, um noch ein wenig Widerstand zu spüren. Die Erwachsenen behandeln ihn wie Material. Sie reden von Elend, von Notwendigkeit. Das alles stimmt. Und doch kippen die Szenen nicht ins Entschuldigende.

Der Autor lässt mich fühlen, wie schnell aus Armut ein opportunistisches System werden kann. Dabei bleibt der Text schnörkellos und die Handlung treibt voran, ohne sich in Nebenwegen zu verlieren. Man hat hier keine Zeit für Nebensächlichkeiten.

Ein Schiff wird kommen

Das kommende Schiff heißt Meredith. Es hat die Feuer entdeckt und nähert sich in höchster Not. Für Greenway ist es ein Schiff zu viel, denn an Bord befindet sich ein geheimnisvoller Passagier. Ein Lord erwartet ihn und dieser Passagier trägt einen wertvollen Schatz bei sich. Damit steigt für alle Beteiligten der Einsatz. Aus dem düsteren Dorfverbrechen wird ein Fall, der plötzlich ungewollte Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Rodolphe nutzt diesen Kniff klug. Er verknüpft den sozialen Horror am Strand mit einem klassischen Abenteuer. Aus einer Beute wird plötzlich eine Gefahr für die Ausbeuter.

Nach der Havarie verschwinden der Chevalier de Saint Martin und seine Leute. Soldaten beginnen zu suchen und das Dorf muss nun eine ganz andere Rolle spielen. Es muss unschuldig wirken, während es alle Beweise versteckt.

Diese doppelte Bühne ist einer der stärksten Teile des Albums. Ich siehe, wie eine Gemeinschaft funktioniert, wenn Schuld sie zusammenhält. Jeder Blick wird kontrolliert, jede Antwort wird abgewogen. Jim erlebt dies als Dauerstress und seine innere Zerrissenheit hält die Spannung der Erzählung hoch.

Ein blutiger Pakt

Je näher die Soldaten kommen, desto enger rückt das kleine Dorf zusammen. Rodolphe lässt Greenway wie eine Falle wirken. Niemand darf aus der Reihe tanzen. Genau hier setzt die stärkste Idee der Geschichte an. Der Pakt der Strandräuber verlangt Opfer. Und das Dorf ist bereit, einen der eigenen Leute zu opfern, um das Geheimnis zu bewahren.

Dieser Punkt macht aus dem Abenteuer auch eine Parabel über Mitläufertum. Der Schrecken liegt nicht in einzelnen Monstern, er liegt in der gemeinsamen Abmachung, dass der Zweck eben jedes Mittel heiligt.

Das Dorf folgt dieser Logik wie in einem Uhrwerk. Nuancen könnten noch mehr schmerzen. Ein paar Nebenfiguren stehen eher für Funktionen als für Menschen. Trotzdem funktioniert die narrative Konstruktion. Sie erzeugt Druck und Tempo.

Vor allem gibt sie Jim eine klare innere Linie. Eigentlich will er nicht dazugehören und doch ist er ein Teil des Dorfes und wird er hineingezogen. Und genau dieses Hineinziehen beschreibt Rodolphe sehr präzise.

Piraten aus Weymouth

Dann kommt eine weitere Bedrohung ins Spiel. Piraten aus Weymouth erfahren vom erbeuteten Schatz und sie betreten das Dorf nicht als Bittsteller. Sie kommen als Raubtiere.

Damit legt das Album zwei Formen von Gewalt nebeneinander. Die Dorfbewohner reden sich ihre Taten schön, die Piraten brauchen für ihre keine Ausrede. Sie nehmen, was sie wollen und töten, wenn es sein muss. Diese Zuspitzung wirkt dramaturgisch erwartbar, passt aber gut zum Thema. Wer einmal mit Plündern beginnt, lädt irgendwann die größere Räuber ein.

Für Jim wird diese Entwicklung zum Wendepunkt. Er zieht sich – begleitet von einem Hund – in den Wald zurück. Dazu kommt ein Affe, der das Unglück überlebt hat und eine prächtige Uniform trägt. Jim findet ihn und kümmert sich.

Außerdem sucht Jenny seine Nähe. Sie ist die blinde Tochter des Dorfchefs. Diese kleine Gruppe ist der zarte Gegenentwurf zum Kollektiv der Täter. Rodolphe trifft hier eine gute Entscheidung. Er erzählt Hoffnung, ohne die bereits gezeigte Grausamkeit fortzuwischen. Am Ende bleibt jedoch ein bitterer Nachgeschmack. Der Schatz landet nicht dort, wo die Gewalt ihn haben will.

Zeichnungen wie nasser Stein

STRANDRÄUBER lebt stark von seiner Inszenierung. Laurent Gnoni zeichnet semirealistisch. Er sucht keine glatte Schönheit, sondern zeigt Gesichter, die von Wind und Wellen gezeichnet sind. Er zeigt Körper, die müde sind. Aber besonders überzeugt mich sein Umgang mit dem Wetter.

Regen ist hier nicht nur ein Hintergrundrauschen. Regen ist Rhythmus. Die schrägen Linien treiben die Seiten voran, machen die kalten, nassen Nächte körperlich erfahrbar. Dazu kommt das Licht. Feuer brennt am Strand und steht in den Fenstern. Diese Feuer wärmen nicht, sie markieren, sie verraten. Das ist visuelles Erzählen auf den Punkt.

Ein wenig kritisch sehe ich die Darstellung im Handeln der Figuren. Einige mimische Momente könnten präziser sein. Manchmal wirkt Zorn wie eine Standardpose. In einem so moralisch aufgeladenen Stoff würde ich mir gelegentlich feinere Übergänge wünschen.

Gleichzeitig muss ich anerkennen, wie stimmig hier Zeichnung und Farbe zusammenlaufen. Gnoni koloriert selbst. Das spüre ich. Alles sitzt in einer Palette aus Blau, Grau und schmutzigem Gelb. Diese Entscheidung hält die dargestellte Welt geschlossen und sie lässt Jim’s Jugend stärker herausstechen. Er wirkt inmitten der allgemeinen Dunkelheit wie ein letzter Rest des Tageslichts.

Rodolphe und Gnoni im Spiegel ihrer prägenden Arbeiten

Rodolphe Daniel Jacquette (Rodolphe) gehört zu den Szenaristen, die über viele Jahre ein enormes Genre Spektrum abdecken. Seine Bibliografie umfasst weit viele, viele Alben. Dabei tauchen immer wieder Reihen auf, die in Europa viele Leser geprägt haben.

Zu den wichtigsten zählen KENYA und NAMIBIA, außerdem SCOTLAND, SPRAGUE, MORGEN oder DER MANN DER DIE WELT ERFAND. Diese Titel zeigen, wie Rodolphe häufig arbeitet. Er baut ein Milieu, setzt eine klare Bedrohung hinein. Dann testet er Figuren an Moral, Loyalität und Angst. In STRANDRÄUBER schrumpft das große Serienformat auf einen Band. Das tut ihm gut.

Laurent Gnoni ist als Zeichner und Kolorist ebenfalls vielseitig. Seine Bibliografie führt Projekte wie RADCLIFF und PUMP. Entscheidend ist weniger das Genre als sein engagierter Blick für Atmosphäre. Er kann Historie, Thriller und düstere Räume. STRANDRÄUBER nutzt genau diese Stärke. Es ist ein Album, das nicht von Dialog-Feuerwerken lebt, sondern von Blicken, sturmbedrohten Himmeln und tödlicher Brandung. Gnoni liefert mit seinen Zeichnungen dafür die passende Bühne.

Wrecking: der Mythos und das harte Recht der Küste

Die Idee der Strandräuber ist historisch aufgeladen. Küstenbewohner haben über Jahrhunderte Wrackgut geborgen und auch geplündert. Das ist keine reine Legende. Die berühmte Erzählung von falschen Lichtern, die Schiffe absichtlich auf Felsen locken, ist dagegen historisch viel unsicherer.

Eine wissenschaftliche Zusammenfassung zu Cornish wrecking betont, dass es für das gezielte Locken mit falschen Lichtern keine Belege gibt. Der Mythos hat sich mit realen Wrackpraktiken vermischt.

Spannend ist außerdem der rechtliche Druck im 18. Jahrhundert. Eine Studie bei Oxford Academic beschreibt, dass 1714 Gesetze drohten, die das Betreten von Wracks ohne Erlaubnis und das Behindern von Rettung mit Strafen belegten. Später verschärfte sich das nochmals deutlich.

Das erklärt die permanente Angst in Geschichten wie dieser. Wer am Strand plündert, riskiert nicht nur Streit. Er riskiert das Einschreiten des Staates. Rodolphe macht daraus keinen Vortrag. Er baut es aber als Atmosphäre ein. Soldaten sind nicht nur Gegner. Sie sind die Erinnerung daran, dass ein Dorf nicht ewig im Schatten handeln kann.

Fazit

STRANDRÄUBER ist ein starkes Album, weil es die Perspektive verschiebt. Es zeigt das „Abenteuer“ der Piraterie von der vermeintlich sicheren Küste aus. Es zeigt Beute als soziale Krankheit und einen Jugendlichen, der nicht zum Helden stilisiert wird, sondern zum moralischen Seismografen. Gnoni liefert die Bilder, die das Wetter erzählen lassen, während Rodolphe eine Handlung schreibt, die straff und konsequent bleibt.

Der Gesamteindruck ist ansprechend positiv. Das Album trifft Ton und Tempo. Es ist düster, klassisch, aber nicht bequem. Und es beweist, dass STRANDRÄUBER mehr kann als Küsten-Folklore. Es ist eine Geschichte darüber, wie leicht Menschen sich gemeinsam die Hände schmutzig machen.

• STRANDRÄUBER
• Rodolphe und Laurent Gnoni
• Hardcover | 72 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-949987-36-6
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★☆☆☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Zack Edition
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

The post STRANDRÄUBER – Piraten finden sich auch an Land first appeared on P A N E L W A L K E R - Ein Comic-Blog.

Jérôme Félix, der Szenarist, erzählt keinen klassischen Nostalgieritt. Er schreibt eine Geschichte über das Ende eines Berufs, über das Ende von Gewissheiten.

Paul Gastine setzt dies mit einem Blick um, der zugleich weit ist, aber auch intim bleibt. Große Landschaften stehen neben Gesichtern, in denen jede Falte eine Entscheidung verrät. Der Splitter Verlag veröffentlichte den Band 2021 als abgeschlossenen Einzelband im Hardcover, der schnell vergriffen war. 2026 erscheint nun die erweiterte Neuausgabe. Freunde des Genres und dieses Comics wird es freuen.

Letzter Treck, letzter Traum

Russell, unser Protagonist, weiß, dass er auf Verschleiß reitet. Die Arbeit der Viehtreiber verliert ihren Wert. Züge und neue Bahnstationen machen den Transport schneller, effizienter und damit auch kostengünstiger. Russell reagiert pragmatisch. Er will raus aus dem Staub und rein in ein kleines Stück Zukunft.

Sein Ziel liegt in Montana. Dort hofft er auf Land, Ruhe und eine Art Familie. An seiner Seite ist Bennett, ein junger Mann, den Russell früh zu sich genommen hat und den er schützt, auch wenn Bennett oft anders reagiert als die Leute es erwarten. Mit ihnen zieht Kirby. Er ist Partner, Freund und stille Stütze. Diese drei bilden eine fragile Gemeinschaft. Sie funktioniert, weil jeder weiß, was der andere nicht sagen kann.

Auf dem Weg legen sie in Sundance einen Halt ein. Die Stadt steht unter Druck. Neue Infrastruktur lockt Geld und verspricht Aufstieg. Gleichzeitig klebt an diesem Versprechen Angst. Wer jetzt als gefährlich gilt, wird zum Risiko für den Ruf des Ortes und damit für dessen Zukunft.

In dieser Stimmung findet man am Morgen eine Leiche. Der Bürgermeister sucht nach einer schnellen Erklärung. Er will Ordnung, bevor die Gerüchte größer werden. Russell spürt sofort, dass hier mehr brodelt als ein Unglück. Er bleibt, fragt nach, schaut genauer hin. Sundance reagiert abweisend. Aus dem Durchreiseort wird ein Knoten, an dem sich ihre Schicksale verwirren.

Eine Stadt, die sich selbst verteidigt

Der erste Tote bleibt nicht der letzte. Ausgerechnet Bennett gerät ins Visier der Ermittlungen. Man schiebt ihm Schuld zu. Die Logik ist brutal einfach: ein Fremder passt als Täter, ein zurückhaltender junger Mann als Sündenbock. So kann die Stadt einfach weitermachen. Ein junger Zeuge streut dabei zusätzlich Unruhe. Plötzlich steht nicht nur ein Unglück im Raum, sondern die Möglichkeit, dass jemand bewusst etwas vertuscht.

Für Russell bricht damit etwas. Er hat Bennett nicht als Besitz an seiner Seite, sondern als Verantwortung. Als Bennett kurz darauf ebenfalls tot aufgefunden wird, legt die Obrigkeit erneut einen Fall schnell zu den Akten. Der Bürgermeister drängt Russell aus Sundance. Er hofft, damit die Wellen zu glätten. Russell lässt sich vertreiben, aber – er vergisst nicht. Félix zieht die Schraube jetzt konsequent weiter an.

Russell kommt zurück, nicht als Bittsteller, sondern mit einer Gruppe Outlaws. Er will Antworten und er will sie sofort. Damit kippt die Dynamik. Sundance wird zur Bühne für eine Belagerung ohne Mauern. Jeder Schritt wird zu einem Statement, jeder Blick kann eine Lüge sein.

In dieses Geflecht tritt Miss Collins, die Lehrerin der Stadt. Sie wirkt wie ein Gegenentwurf zur rauen Männerlogik. Sie handelt mutig und bleibt dabei menschlich. Ihre Rolle ist mehr als die einer Nebenfigur. Sie gibt dem Geschehen einen moralischen Anker. Sie zeigt, dass Zivilisation nicht nur aus Schienen und Verträgen besteht muss.

Wenn Rache zum Gesetz wird

Ab hier erzählt BIS ZUM BITTEREN ENDE in Spiralen. Russell sucht Wahrheit, verliert jedoch gleichzeitig den Boden unter den Füßen. Die Outlaws bringen Gewalt mit, die Stadt Verdrängung. Beides passt erschreckend gut zusammen. Félix arbeitet immer wieder mit Überraschungen, aber nicht als Trick. Er zeigt, wie schnell ein Ort seine Regeln verbiegt, wenn Geld und Zukunft auf dem Spiel stehen. Die Eisenbahn hängt über Sundance wie ein Versprechen, das alle korrumpiert.

Russell und seine Männer pressen Antworten aus einer Gemeinschaft, die sich im Alltag aneinander festhält. Es gibt Schankräume, Flure, Hinterzimmer. Überall stehen Menschen, die zu lange geschwiegen haben. Dann kippt das Spiel.

Eine Beichte taucht auf. Sie wirkt wie ein sauberer Schlussstrich. Genau da wird es aber gefährlich. Russell muss entscheiden, ob er die einfache Erklärung annimmt, oder ob er weiter stochert und damit noch mehr Leben zerstört. Miss Collins versucht, den Kern des Problems sichtbar zu machen. Sie stößt dabei auf ein Netz aus Mitwisserschaft. Kirby dient bei Allem als Erdung. Er sieht, wie Rache den Blick verengt, selbst wenn sie aus Liebe geboren wird.

Am Ende zwingt die Geschichte ihren Helden zu Entscheidungen, die keinen sauberen Ausweg erlauben. Der Band spart sich einen romantischen Schluss. Er zeigt, wie teuer Wahrheit sein kann, wenn sie zu spät kommt.

Figuren im Gegenlicht der Moderne

Das Western-Genre lebt oft von seiner Klarheit. Der Band hier lebt von Unschärfe. Félix schreibt Menschen, keine Abziehbilder. Ein Bürgermeister kann zugleich panisch und berechnend wirken. Outlaws können wie Werkzeuge erscheinen und doch eigene Grenzen haben. Russell trägt Würde in sich, aber auch eine Gewöhnung an die Gewalt an sich. Das macht jede seiner Handlungen doppeldeutig.

Besonders stark finde ich, wie der Comic das Ende einer Epoche nicht nur andeutet, sondern in die Beziehungen einarbeitet. Fortschritt bedeutet hier nicht Komfort, Fortschritt bedeutet Entwertung. Wer sein Leben lang geritten ist, steht plötzlich im Weg.

Die Erzählung bleibt trotz moralischer Grauzonen gut lesbar. Félix setzt auf klare Motive wie Familie, Loyalität, guten Ruf und Angst. Er verschachtelt diese Motive in Szenen, die schnell wechseln, aber verständlich bleiben. Die Kürze des Einzelbandes zwingt zu Verdichtung. Das funktioniert meistens, weil der Autor die Emotionen seiner Figuren präzise trifft. In manchen Passagen spürt man den Druck: Figuren müssen zügig Position beziehen. Mir fehlt gelegentlich ein Atemzug mehr, bevor die nächste Eskalation startet. Gleichzeitig passt dieser Sog zum Thema. Wenn diese Stadt kippt, kippt sie nicht in Zeitlupe.

Paul Gastine’s Westernblick

Gastine zeichnet mit einer Lust am Detail, die nie geschniegelt wirkt. Landschaften bekommen Raum. Felsen, Himmel und Staub stehen nicht nur als Kulisse herum. Sie formen Stimmungen. In den Stadtansichten sieht man, wie eine neue Zeit anrollt. Gleise schneiden Linien in die Weite, Holzfassaden wirken provisorisch. Es sind Orte, die morgen schon anders aussehen können. Dazu kommen Gesichter, die Gastine mit markanten Zügen baut. Mimik und Körperhaltung erzählen oft schneller als die Dialoge. Das macht den Band einsteigerfreundlich. Man versteht, wer gerade lügt, wer zweifelt, wer nur spielt.

Auffällig sind die Farben. Gastine koloriert kräftig. Er greift tief in warme Erd- und Abendtöne. Dann setzt er kalte Akzente, wenn die Stimmung kippt. Das wirkt manchmal moderner, als man es bei einem Western erwartet. Aber mich stört das nicht, im Gegenteil. Es unterstreicht den Gedanken, dass diese Welt gerade umgebaut wird.

Auch die Seitenregie überzeugt. Gastine denkt in Kamerablicken. Er wechselt zwischen Panorama und Nahaufnahme. Er führt die Action klar und kinematografisch. Er kann aber auch Stille stehen lassen. Der Band fühlt sich dadurch oft wie Kino an, nur ohne die Ausrede, dass Bilder vorbeiziehen. Hier muss man hinschauen.

Zwei historische Fäden, die der Comic aufnimmt

Der Kern des Comics illustriert einen realen Strukturwandel. Trail Drives brachten Rinder von den Weiden direkt zu den Märkten oder zu einem Railhead, von dem aus Züge die Tiere weiter transportierten. Solche Trecks konnten Monate dauern. Ein Weg von Texas zu Railheads in Kansas dauerte nach Angaben des National Park Service oft zwei bis drei Monate. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts trieben Cowboys Millionen Tiere über offene Weideflächen Richtung Norden.

Die Stadt Chicago spielte dabei eine Schlüsselrolle. Die Union Stock Yards öffneten 1865 und bündelten Viehhandel und Fleischindustrie in einem riesigen Komplex. Die Stadt wurde so zum Magneten für Tiere, Geld und Logistik. Wer das Transportproblem löste, veränderte ganze Berufe. Genau diese Entwertung spürt man in Russells Welt. Die Arbeit auf dem Pferd verliert gegen Fahrpläne. (Mit diesem Ansatz ist dieses Album gerade wieder hochaktuell.)

Die Konsequenz war das Ende der offenen Weidewirtschaft. Die Railroads und eingezäunte Ranchgrenzen schränkten den Beruf des Cowboys bis etwa 1890 deutlich ein. Aus freier Weite wird Parzelle, aus Handschlag wird Vertrag. Félix nimmt diesen Umbruch als unsichtbaren Gegenspieler und Antrieb.

Dazu kommt ein zweiter Faden. Die neuen Linien erzeugten neue Orte und neue Abhängigkeiten. In BIS ZUM BITTEREN ENDE wartet Sundance auf den Zug wie auf den Heilsbringer. Der Bürgermeister fürchtet, ein Skandal könnte anstehende Investitionen vertreiben. Denn Eisenbahngesellschaften entschieden, wo Haltepunkte und Umschlagplätze entstehen und wo Boomtowns wachsen oder Verliererorte entstehen.

Der Ortsname selbst trägt zusätzlich Geschichte. In Wyoming existiert Sundance als Stadt. Sie entstand Ende der 1870er Jahre und wurde später Verwaltungssitz des Crook County. Bekannt wurde sie auch über Harry Alonzo Longabaugh, den Outlaw „Sundance Kid“.

Diese Fakten zeigen, wie sehr der Westen in jener Zeit neu vermessen wurde. Orte entstanden, weil Handel, Durchreise und Infrastruktur sie brauchten. Félix und Gastine fangen dieses Klima ein. Sie erzählen es nicht als Chronik. Sie machen es als den Druck spürbar, der Menschen zu schnellen, schlechten Entscheidungen treibt.

Fazit

BIS ZUM BITTEREN ENDE ist ein Western, der die Colts nicht vergisst. Jérôme Félix schreibt eine Rachegeschichte, welche die Menschen dahinter ernst nimmt. Paul Gastine liefert Bilder, die ich nicht nur lese, sondern in denen ich verweile. Wer Western liebt, bekommt hier Staub, Schüsse und Weite. Wer selten Western liest, bekommt einen klar erzählten Einstieg in ein Genre. Der Comic bleibt wohlwollend hart. Er fragt nach Verantwortung, zeigt, wie schnell Moral zur Verhandlungsmasse wird. Am Ende bleibt ein Gefühl von Verlust, aber auch von erzählerischer Konsequenz. Und genau das macht diesen Einzelband so überzeugend.

• BIS ZUM BITTEREN ENDE
• Jérôme Félix und Paul Gastine
• Hardcover | 88 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-68950-142-6
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

The post Ein Mann geht seinen Weg BIS ZUM BITTEREN ENDE first appeared on P A N E L W A L K E R - Ein Comic-Blog.

Meyer wiederum ist einer dieser Zeichner, die Figuren nicht nur in Bewegung setzt, sondern ganze Welten atmen lässt. Sein Strich ist präzise, schwer, voller Gravur wie ins Papier gemeißelt. Seit seinem Durchbruch mit IAN (zusammen mit Fabien Vehlmann) zeichnet er sich durch eine seltene Mischung aus Dynamik und archaischer Wucht aus.

Wer sich ASGARD vornimmt, ahnt gleich, dass hier zwei Kreative zusammengefunden haben, die dasselbe Vokabular teilen. Dorison liebt es, mit nordischer Mythologie zu spielen, ohne in Fantasy-Klischees abzudriften. Meyer liebt es, kräftige Körper und harsche Umgebungen zu zeichnen. Ein Treffen zwischen Autor und Zeichner, bei dem die Temperatur irgendwo zwischen eisiger Fjordluft und glühender Schmiedekohle liegt. Ganz ähnlich wie schon bei einem anderen nordisch-mythischen Comic, dem bereits besprochenen Hel’Blar.

Wenn Strich und Wort dieselbe Sprache sprechen

Meyer übernimmt diesmal auch die Kolorierung, was dem Ganzen zusätzlich einen geschlossenen Charakter gibt. Farblich bewegt er sich in zurückhaltenden Paletten von grauem Eis, tiefem Blau, Ocker und Blutrot. Keine Effekthascherei, eher eine Schichtung, die Textur gibt und Raum öffnet. Meyer’s Farben erzählen mindestens so viel wie die Dialoge selbst. ASGARD wirkt wie ein Film im Breitwandformat, nur dass man hier in jedem einzelnen Bild länger verweilen möchte.

Dorison wiederum hält sich sprachlich zurück, setzt kurze Texte, knappe Dialoge, die den Figuren Charakter verleihen statt sie zu zudecken. Gerade weil er schweigsam bleiben lässt, entsteht Sog. Es gibt keinen überflüssigen Ballast. In einem Medium, das manchmal zu geschwätzig sein kann, ist das eine Wohltat.

Fjorde, Kälte, Jagd

Worum geht es in ASGARD? Kurz gesagt: Um eine Reise in eine feindselige Welt. Wir folgen einem Exilanten, einem Jäger, einem Mann, der von den eigenen Leuten verstoßen wurde, weil er ein Skraeling – ein Krüppel – ist und gegen das Schönheitsideal der Gemeinschaft verstößt. Doch anders, als es die Wikinger-Gesetze es vorschreiben, tötet ihn sein Vater nicht nach der Geburt. Sein Name: ASGARD.

Passenderweise trägt er denselben Namen wie die mythologische Welt der Götter. Das macht ihn, kaum dass wir ihn kennen lernen, zu einer wandelnden Versinnbildlichung. Doch Dorison wäre kein ernst zu nehmender Erzähler, wenn er daraus eine platte Allegorie machen würde. ASGARD bleibt Mensch, mit Hunger, mit Schwächen und mit Stolz.

Die Handlung setzt ein, als eine riesige Kreatur aus der Tiefe der Nordmeere auftaucht. Sie wird zur Bedrohung für ganze Dörfer, für den Handel und besonders für die Seefahrer. Es gibt also etwas, das jagbar ist, das zugleich größer ist als der Mensch und damit eine Projektionsfläche für Heldenmut oder Feigheit.

Und je länger die Jagd dauert, umso mehr verstärkt sich der Eindruck, dass es sich hierbei um Jörmungandr, die Midgardschlange, handeln könnte, die dem Weltuntergang Ragnarök vorausgeht.

Die einsame Jagd des Verstoßenen

ASGARD, der Verstoßene, nimmt den Auftrag an, dieses Wesen zu töten. Nicht weil er die Welt retten, sondern weil er sich gegen sein Schicksal stemmen will und weil er diese und ähnliche Jagden zu seiner Aufgabe gemacht hat.

Was Dorison hier aufspannt, ist aber mehr als eine klassische Jagdgeschichte. Es ist eine Reise tief in die Ikonografie nordischer Mythen. Wir sehen Dörfer, Schlachtfeste, lange Schiffe und archaische Waffen. Doch der Ton der Geschichte ist nicht der eines Märchens, eher ein archaisches, reales Drama. Der Comic verzichtet weitgehend auf Götterfiguren und kaut keine Mythen wieder. Er interessiert sich für die Menschen, die zu überleben versuchen, für den Einzelnen gegenüber der Natur, für die Gewalt, die in jeder Begegnung steckt.

Meyer übersetzt dies alles in Bildfolgen, die kalt wirken und gleichzeitig voller Spannung sind. Man spürt die Kälte auf der Haut, man riecht förmlich den Atem der Rinderherden, man hört das Knirschen des Schnees. Gerade in Stillen entfaltet der Comic seine Wucht. Ich finde mich in einem nordischen Noir wieder, bei dem die Natur kein Ornament, sondern Gegner ist.

Moby Dick trifft Nordmeer

Diese Geschichte ist ein MOBY DICK im Nordmeer. Keine Jagd nach einem weißem Wal, sondern nach einer Art Seeungeheuer. Doch anders als bei Melville steht hier nicht die Obsession des Kapitäns im Vordergrund, sondern die Konfrontation eines Ausgestoßenen mit einer Aufgabe, die größer ist als er selbst, viel größer. Diese Balance macht den Kern der Erzählung aus.

Ich bleibe dabei, weil mich nicht allein die Frage „Wird er das Monster besiegen?“ am Ball bleiben lässt, sondern weil jede Seite enthüllt, wie viel Menschlichkeit in einer brutalen Welt übrig bleibt.

Ein Kiel, drei Konflikte

Betrachten wir, wie die Geschichte gebaut ist. Dorison wählt keinen linearen Heldenbogen im klassischen Sinne. Stattdessen folgt er einer episodischen Struktur, die zugleich stringent bleibt. Die Mission, das Seeungeheuer zu jagen, liefert eine klare Richtung. Doch unterwegs gibt es Brüche, Umwege und Begegnungen, die scheinbar nebensächlich sind, aber Tiefe einflechten.

Man könnte sagen: ASGARD funktioniert wie ein Wikinger-Langschiff. Der Kiel gibt Richtung, die Planken sind Einzelmomente. Am Ende halten sie ein Schiff zusammen, das nur fährt, weil alles zusammenspielt. Die Dramaturgie balanciert Stille und Action, innere Kämpfe und äußere Duelle.

Struktur wie eine Schiffsplanke

Dorison’s Stärke liegt darin, dass er Konflikte auf verschiedenen Ebenen verschachtelt. Da ist ein äußerer Kampf gegen die Kreatur, ein sozialer Konflikt mit den Dorfbewohnern und ein innerer Konflikt ASGARD’s mit sich selbst. Diese drei Stränge laufen parallel und verstärken sich gegenseitig.

Interessant ist zudem, dass Dorison die Storyline oft abrupt bricht. Kein Übergang von einem Bild zum nächsten, sondern harte Schnitte. Damit wirkt die Erzählung filmisch, fast wie im modernen Kino. Dabei entsteht jedoch keine Ziellosigkeit, sondern Spannung. Gerade diese Rhythmuswechsel heben ASGARD ab von konventionellen Fantasy-Comics, die häufig eine gleichmäßige Erzählmelodie anstimmen.

Der Mann, der kein Held sein darf

ASGARD ist zunächst kein Held zum Liebhaben. Er ist entstellt, misanthropisch und schweigsam. Er trägt Verbitterung, aber auch Stolz in sich. Dorison gönnt ihm keine sofortige Entwicklung zum guten Menschen, sondern zeichnet ihn rau und abweisend. Und das macht ihn für mich glaubwürdig. Wir begleiten keinen glatten Übermenschen, sondern jemanden, der mehr mit Wunden kämpft als mit Schwertern.

Diese Entwicklung ist das Herzstück des Comics. Denn während die Jagd auf See den äußeren Rahmen gibt, entsteht die wahre Spannung im Inneren dieser Figur.

ASGARD ist ein Mann, der permanent beweisen muss, dass er mehr ist als seine Narbe, mehr als sein Makel. Seine Beziehung zu anderen Figuren bleibt schwierig, oft konfliktreich, manchmal von Misstrauen überschattet. Genau das zieht uns hinein, weil der Comic keine typische Heldenreise erzählt, sondern eine Geschichte der Selbstbehauptung.

Kampf aus Trotz, nicht aus Ruhm

Nebenfiguren erfüllen wichtige Funktionen. Sie sind Projektionsflächen für Vertrauen, Feindseligkeit oder Spiegelungen seines Inneren. Sie tauchen auf, verankern Szenen, verschwinden wieder. Anders als in typischen Fantasygruppen treten sie nicht als eingespielte Truppe auf, sondern eher als Wegmarken, die uns die Dimension von Isolation und Gemeinschaft noch stärker fühlen lassen.

Man könnte fast sagen, dass Dorison hier nicht nur einen Antihelden, sondern einen „Nicht-Helden“ entwirft. Er kämpft, ja. Aber er kämpft nicht für Ruhm, nicht für Götter, nicht für eine Gemeinschaft. Er kämpft, weil er atmet, und weil ein weiterer Tag Leben eben Kampf bedeutet. Diese kompromisslose Nüchternheit macht die Figur stärker als jedes Heldenpathos.

Geschichte als Hintergrundrauschen

Spannend ist auch, wie ASGARD historische Signale setzt. Natürlich bewegen wir uns in einer fiktionalisierten Wikingerwelt, irgendwo zwischen Legende und dokumentarischer Härte. Das Seeungeheuer, das erlegt werden soll, hat Parallelen zu skandinavischen Mythen über Meeresdrachen. Zugleich kann man es lesen als Symbol für die Ängste einer Küstengesellschaft, die vom Meer lebt und es fürchtet.

Dorison und Meyer greifen dabei nicht auf exakt belegte historische Tatsachen zurück. Sie weben vielmehr ein Ambiente, das sich anfühlt, als könnte es so einmal gewesen sein. Skelette von Schiffen stehen am Strand, Runen zieren Holz, Masken und Helme wirken handwerklich authentisch. Einige Details erinnern an archäologische Funde, andere wiederum sind frei interpretiert.

Runen, Drachen, Realität

Dieser Umgang mit Geschichte ist wohltuend. Es entsteht keine peinliche Rekonstruktion, die pedantisch wirken könnte, aber auch kein beliebiges Fantasy-Setting. Stattdessen ist ASGARD geerdet, roh und glaubwürdig. Wer sich ein wenig in der altnordischen Literatur auskennt, entdeckt Nachklänge an Sagas, an das Gefühl existenzieller Bedrohung in einer Welt ohne Sicherheit. Aber die Geschichte bleibt trotzdem ein Comic, kein Lehrbuch.

Ein Herzschlag im Eis

Wer sich ASGARD aufschlägt, hält einen Band in den Händen, der nicht bloß von Monstern und Kriegern erzählt. Vielmehr entfaltet sich ein Drama über Außenseiter, über den Kampf gegen Naturgewalt, über die Frage, was ein Mensch wert ist, wenn er aus der Gemeinschaft fällt.

Man könnte meinen, Dorison und Meyer hätten eine kalte Saga geschrieben. Doch diese Saga brennt. Sie brennt, weil die Bilder von Meyer heiß pochen, weil die Dialoge von Dorison scharf wie Äxte schneiden, weil jeder Schnitt im Storyboard bewusst gesetzt ist.

Nein, dieser Comic ist nichts für jemanden, der gemütliche Abenteuergeschichten sucht. Er ist nichts für den Markt, der Fantasy gern als Eskapismus konsumiert. Es ist ein Comic für Leserinnen und Leser, die spüren wollen, wie sehr das Medium Comic die Kraft von Kino, Theater und Mythos in sich vereinen kann.

Fazit

Ein klarer Tipp: ASGARD lesen. Hinsetzen, die Seiten atmen lassen, sich einlassen auf Dunkelheit, Härte, Blut und Schönheit. Und wenn man das Buch schließt, bleibt am Ende nicht einfach der Eindruck einer erledigten Lektüre, sondern das Gefühl, ein Stück kalten Nordens tief in die eigene Brust gesetzt bekommen zu haben. Das ist mehr, als man von einem einzelnen Comic erwarten kann…

• ASGARD (Splitter Double)
• Ralph Meyer und Xavier Dorison
• Hardcover | 112 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-86869-678-3
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

The post ASGARD jagt im Eis des Nordmeeres seine Dämonen first appeared on P A N E L W A L K E R - Ein Comic-Blog.

Yves Sente ist bekannt für komplexe Charakterzeichnungen und raffinierte Handlungsstränge. Sein Partner, der Zeichner Steve Cuzor, setzt mit seinen dynamische, atmosphärische Illustrationen regelmäßig neue Maßstäbe. Die Beiden vereinen nun im vorliegenden Album erzählerische Kraft mit grafischer Kunstfertigkeit.

Revolutionäre Ideen und geheime Symbole

Bereits die zeitliche Eröffnung von EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE markiert das Werk als historischen Thriller mit außergewöhnlicher Tiefe. Im Jahr 1776 wird Elisabeth „Betsy“ Ross von George Washington – ja, genau dem! – beauftragt, die erste Flagge der Vereinigten Staaten anzufertigen. Die Legende um die Flagge, deren Wahrheit bis heute umstritten bleibt, wird von Sente kreativ fortgesponnen.

Im Zentrum steht Angela Brown, eine afroamerikanische Hausangestellte, deren Brüder Opfer weißer Gewalt werden. Brown setzt mit einem schwarzen Baumwollstern – versteckt unter einem weißen Symbol des zukünftigen Amerika – ein geheimes Zeichen gegen Unterdrückung und Rassismus. Ja, wir sind ein Teil dieser neuen Welt, auch wenn man uns nicht sieht.

Die Handlung springt dann ins Jahr 1944, mitten hinein in eine vom zweiten Weltkrieg erschütterte Welt. Johanna Bolton entdeckt in den vereinigten Staaten das Tagebuch von Angela Brown. Die Fahne, um die sich ein Mythos rankt, befindet sich mittlerweile im Besitz eines Nazi-Offiziers. (Hätte dieses Szenario in einem Indiana-Jones-Film stattfinden können? Gewiss, aber genau wie im JÄGER DES VERLORENEN SCHATZES spielt es auch hier keine Rolle, ob ein gewisser Archäologe mit Fedora-Hut und Bullen-Peitsche durch die Szenerie reitet.)

Durch einen Trick gelingt es Johanna, einen alliierten Einsatz zu initiieren. Obwohl Schwarze in dieser Zeit nicht den kämpfenden Truppen zugeordnet sind, erhält Ihr Bruder Lincoln, ein afroamerikanischer Soldat, den riskanten Auftrag, die legendäre Flagge hinter den feindlichen Linien zu bergen. Er und seine Kameraden werden Teil der berühmten Monuments Men.

Der Plot folgt damit zwei Zeitebenen, die geschickt miteinander verbunden sind und stets die historischen Hintergründe im Blick behalten.

Die Figur Angela Brown steht für den unsichtbaren Widerstand, indem sie ihre Trauer und ihren Protest in die Symbolik der entstehenden Nation einwebt. Gleichzeitig entwickelt sich Lincoln Bolton zum modernen Helden. Seine gesellschaftliche Stellung als „Nicht-Kombattant“ resultiert aus der damals alles beherrschenden Diskriminierung. Doch Lincoln widersetzt sich und wächst an seiner Aufgabe.

Zwischen Front und Familie

Das Herzstück von EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE ist Lincoln’s missionarische Reise, welche das fragile Band zwischen Idealen und Realität, zwischen individueller Hoffnung und kollektivem Trauma spürbar macht.

Lincoln ist von Beginn an ein Außenseiter in der Armee. Er wird zum unfreiwilligen Anführer einer kleinen Gruppe, die sich durch das besetzte Europa schlägt. Im Schatten von Wehrmacht und SS entwickelt die Erzählung einen unwiderstehlichen Sog, der sich nicht nur aus der Spannung des Krieges, sondern auch aus der persönlichen Motivation der Hauptfigur speist.

Die Beziehung zwischen Lincoln und Johanna, seiner temperamentvollen Schwester, ist gleichzeitig Rückgrat und Antrieb des gesamten Plots. Johanna agiert als Brückenfigur zwischen Vergangenheit und Gegenwart, da sie mit der Entdeckung des Tagebuchs die Kette der Ereignisse in Gang setzt und die Erinnerung an den „schwarzen Stern“ wach hält. Ihr Charakter ist geprägt von Mut und Durchsetzungskraft, wobei sie als Frau im Amerika der 1940er ebenso gegen Vorurteile und patriarchale Strukturen kämpft wie ihr Bruder in Europa.

Die Nebenfiguren – Kameraden, Hinterbliebene und Antagonisten aus beiden Zeitebenen – sind mit wenigen Strichen treffend charakterisiert. Sie unterstützen Lincoln in seiner Entwicklung oder fungieren als Spiegel seiner inneren Konflikte. Sie verkörpern Gestalten aus verschiedenen Generationen amerikanischer Geschichte und lassen die Unterschiede zwischen Ideal und Wirklichkeit umso schärfer hervortreten. Dabei bleibt die Handlung immer emotional dicht und spannend, ohne ins Melodramatische oder Kitschige zu verfallen.

Dynamik und Düsternis

Die Illustrationen von Steve Cuzor bilden das zweite, gleichberechtigte Standbein von EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE. Sie fallen durch kräftige Schwarzflächen und einen expressiven Strich auf, der durch eine sehr reduzierte Farbwelt unterstützt wird. Stimmungen und Atmosphäre werden gezielt gesteuert.

Cuzor’s künstlerischer Kraft sorgt dafür, dass die Panels nie überladen wirken. Die Bildsprache bleibt stets nachvollziehbar und klar, unterstützt das historische Thema und hebt das Pathos des Textes hervor, ohne ihn zu überlagern.

Die Bildgestaltung verzichtet auf unnötigen Bombast und orientiert sich eher am französisch-belgischen und realistisch-harten Comic. Einzelne Doppelseiten zeigen oft nur ein markantes Detail oder ein emotionales Porträt, was Raum für Reflexion schafft.

Die Farbgebung von Meephe Versaevel setzt dabei unterstützende Akzente. Sie benutzt dominante, monochrome Kolorierungen. Erdige Brauntöne symbolisieren Sicherheit und Tradition im Amerika, während düstere Blauschattierungen und schmutzige Grau- und Grünschimmer die Unsicherheit und Gefahr im Kriegsjahr 1944 heraufbeschwören.

Figuren zwischen Erbe und Aufbruch

Die zentralen Entwicklungen von Angela Brown und Lincoln Bolton sind das Rückgrat des Comics. Angela, anfangs eine Randfigur der amerikanischen Revolution, wächst im Lauf der Erzählung zur eigentlichen Symbolträgerin heran. Ihr geheimer Protest hat über Generationen hinweg Konsequenzen und setzt ein Zeichen, das durch die Jahrhunderte nachwirkt. Angela muss sich in einer feindlichen Welt behaupten. Ihr Akt der Rebellion ist nicht spektakulär, sondern still und nachhaltig.

Lincoln Bolton beginnt als gebrochener, gedemütigter Soldat. Die Mission bringt ihn nicht nur an geografische, sondern auch emotionale Grenzen. Im Verlauf der Geschichte gewinnt er an Selbstbewusstsein und entwickelt sich zum Anführer, zum Brückenbauer zwischen den Kulturen. Lincoln ist ein moderner Außenseiter und Visionär, dessen Entwicklung von Ohnmacht zu eigener Stärke und Solidarität führt.

Johanna Bolton ist die intellektuelle Seele im Gefüge. Ihre Neugier, Eigenständigkeit und ihr Glaube an Gerechtigkeit tragen entscheidend dazu bei, dass die geheime Symbolik überhaupt ans Licht kommt. Sie verkörpert den versöhnenden Geist, der Vergangenheit und Zukunft verbindet.

Die Dialektik zwischen historischem Trauma und individueller Entwicklung wird dabei bereits in wenigen Panels und Dialogen sichtbar. Dadurch bleibt die Handlung vielschichtig und auch für heutige Debatten um Identität, Erinnerung und Widerstand relevant.

Geschichte als roter Faden

EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE hat einen ausgeprägt historischen Rahmen, der weit über eine reine Abenteuergeschichte hinausgeht. Die US-amerikanische Revolution, die Rolle von afroamerikanischen Bürgern im frühen Staat und die Verstrickungen während des Zweiten Weltkriegs sind zentrale Achsen dieser Comic-Erzählung. Der Album nutzt historische Fakten und spekulative Elemente, um die Frage nach Erinnerung und Gerechtigkeit immer wieder neu auszuloten.

Der Szenarist Yves Sente ist bekannt für seine Arbeit an anspruchsvollen Serien wie BLAKE UND MORTIMER. Seine erzählerische Raffinesse zeigt sich insbesondere in der Fähigkeit, komplexe Handlungsstränge und Zeitebenen miteinander zu verweben. In EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE kommen diese Stärken voll zur Geltung.

Die Erzählung ermöglicht tiefe Einblicke in das Innenleben der Figuren und schafft lebendige Übergänge zwischen den Zeiten. Bereits in THORGAL und in XIII hat Sente bewiesen, dass er historische Recherche geschickt mit fiktionalen Elementen verbindet, um vielschichtige Narrative zu erschaffen.

Steve Cuzor, als Zeichner mehrfach preisgekrönt, setzt bei EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE auf einen klaren, dynamischen Strich. Seine Arbeit in BLACK JACK, QUINTETT und XIII MYSTERY ist immer von einer enormen Dichte geprägt, wobei die Panels meist wie Momentaufnahmen wirken. Schön sind im vorliegenden Album auch seine zeichnerischen Referenzen zu schwarzen Schauspielern wie Sammy Davis Jr., Denzel Washington oder Forest Whitaker.

Im aktuellen Band kommt Cuzor’s Fähigkeit zur stimmungsvollen Inszenierung besonders gut zur Geltung, versetzt das Geschehen in einen filmischen Modus und gibt den Figuren Tiefe und Ausdruckskraft.

Fazit

EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE ist ein ambitionierter, erzählerisch anspruchsvoll komponierter Comic über die Macht der Erinnerung, den Kampf gegen Unterdrückung und die Kraft des individuellen Widerstands.

Die verschränkten Zeitebenen, die klug charakterisierten Haupt- und Nebenfiguren sowie die visuelle Kraft der Zeichnungen machen das Werk zu einem Muss für alle Comic-Fans, die sich für Geschichte, Menschen und große Emotionen begeistern.

Der Band bietet großformatig eine spannende Lektüre für Comic-Feinschmecker, ist aber aufgrund klarer Bildsprache und pointierter Erzählung auch für gelegentliche Leser überzeugend.

Das Buch ist nicht nur ein schönes Sammlerstück, sondern ein Statement gegen Rassismus und für gesellschaftlichen Wandel. Wer Geschichte liebt und Comics als Medium der Reflexion und Unterhaltung begreift, sollte EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE unbedingt lesen.

EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE

© All Verlag | Hardcover | 176 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★★☆

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-96804-315-9

The post EIN STERN AUS SCHWARZER BAUMWOLLE – Ein Comic wie ein Film first appeared on P A N E L W A L K E R - Ein Comic-Blog.

August 2013, Uttar Pradesh, Nordindien. Im mehrheitlich muslimischen Kawal erstechen zwei junge Hindus einen gleichaltrigen Muslim auf offener Straße. Die Täter werden daraufhin von einer aufgebrachten Menge ermordet. Nach Massenprotesten eskalieren die Ereignisse und es kommt zu wiederholten Überfällen der Angehörigen beider Religionsgemeinschaften aufeinander, die mehrere Dutzend Tote fordern und die Flucht Zehntausender Muslime zur Folge haben. [Verlagstext]

Im Zentrum dieses Reportage-Comics stehen die Muzaffarnagar Unruhen und ein Ort, den Sacco mit journalistischem Blick aufsucht: der fragliche Ort liegt im Norden Indiens und ist geprägt von Landflucht, Identitätsfragen und Machtverschiebungen. Der Autor und Zeichner führt uns zu staubigen Straßen, religiösen Dorfbewohnern und gegenseitiger Ausgrenzung, von einem überschaubaren Auslöser hin zu einer Kette von Reaktionen. Alle kommen zu Wort: die Opfer, die Zeugen, die Gemeindeältesten und die Politfunktionäre. Sie bekommen Raum und erzählen ihre Sicht der Dinge, ihre Verletzung, ihre Sicht auf Schuld und Verantwortung. Und wie nicht anders zu erwarten war, ist die Wahrheit wieder eine Frage des Standpunktes.

Sacco schildert dabei streng dokumentarisch. Wir begleiten ihn und seinen Dolmetscher bei seiner Recherche, wie eine Alltagssituation, ein zwischen Hindus und Muslimen eskalierender Konflikt, in eine Verabredung von Gewalt münden konnte. Wie sich die Stimmung verdichtet und explodiert ist. Zwischen den Seiten gibt es keine Helden, aber eine Vielzahl von Protagonistinnen und Protagonisten, deren Leben sich verändern.

Zwischen Alltag und Aufruhr

Der Comic bleibt bewusst chronologisch, doch immer wieder setzt Sacco Rückblenden ein, beschreibt vergangene Traumata von Familienschicksalen und verweist auf kollektive Erinnerung. Der Titel INDIEN – ÖL INS FEUER spiegelt das Bild gut. Öl hier steht metaphorisch für den explosiven Mix aus Ressentiments, gesellschaftlichen Brüchen und politisch gezielten Triggern. Das Feuer entzündet die Spirale der Gewalt, die mit einem Mal eskaliert.

Sacco führt uns von den geschichtlichen Hintergründen einer indischen Staatsgründung zu ersten Warnzeichen aus Gerüchten und Gruppen, die sich formieren, hin zur Mobilisierung von Macht und Gegenmacht. Die Folgen der Tat sind brennende Häuser, geteilte Familien, verschobene Leben. Er verzichtet auf einen Showdown im klassischen Sinne. Dies ist eine Dokumentation, kein Drei-Akter-Drama.

Das Ende des Comics ist eine Art Pause, ein Moment der Stille, ohne dramatischen Schluss, aber mit einer offener Frage: Wie wird es weitergehen? Wann sind die nächsten Öl-Fässer so voll, das der kleinste Funke sie wieder in Brand setzen kann?

Diese Entscheidung ist klug. Sie macht deutlich, dass der Konflikt nicht endgültig ruht, sondern latent ist und weiter  gefährlich bleibt.

Wenn Funken auf Brennbares fallen

Innerhalb der knapp 140-Seiten versteht Sacco es, komplexe Prozesse wie die Untergrabung von Macht, Glaubensspaltungen oder medial aufbereitete Narrative glaubhaft zu skizzieren. Er bietet keine einfache Schwarz-Weiß-Erzählung, auch wenn der Comic in Schwarz-Weiß gehalten ist. Weder sind Muslime nur die Opfer noch Hindus nur die Täter. Machthaber erscheinen nicht nur böse und die Ohnmächtigen nicht nur machtlos.

Vielmehr wird sichtbar, wie alle Beteiligten Teil eines Systems sind, in dem Ressentiments, Angst, ökonomische Not und politische Instrumentalisierung wie Zahnräder ineinander greifen. Sacco verweilt bei den Menschen, entschleunigt, zeigt ihr Umfeld, ihre kleinen Momente. Dieser Fokus gibt der Geschichte Tiefe und verhindert eine plakative Inszenierung.

Dabei variiert er das Tempo. Phasen mit dichter Atmosphäre wechseln mit ruhigen Beobachtungen, welche die Gewalt nicht glorifizieren, aber ihre Vor- und Nachwirkungen eindrücklich zeigen. So entsteht eine dichte, bedrückende Stimmung. Der Einstieg gelingt leicht, weil Sacco auf erklärende Bildtexte verzichtet und solides Hintergrundwissen einfließen lässt. Zugleich bewahrt er den dokumentarischen Anspruch. Er lässt unterschiedliche Stimmen zu Wort kommen und räumt Widersprüche ein und unterstreicht. Wie bereits gesagt: Wahrheit ist eine Frage des Standpunktes.

Der Chronist der Konflikte

Joe Sacco ist kein klassischer Comic-Szenarist. Er ist Zeitzeuge, Reporter und Zeichner zugleich. Geboren 1960 auf Malta und aufgewachsen in Australien und den USA, studierte er Journalismus und entwickelte früh ein Faible für Comics mit Aussagekraft. Sein Name steht synonym für guten Comics-Journalismus.

In seinen bisherigen Werke PALÄSTINA, GAZA oder WIR GEHÖREN DEM LAND erzählt er von Konflikten, Ungerechtigkeit und globale Machtmechanismen. In INDIEN – ÖL INS FEUER knüpft Sacco genau an diese Tradition an. Er begibt sich selbst vor Ort, spricht mit Betroffenen und zeigt uns seinen eigenen Weg durch die Recherche. Diese Selbstpositionierung als Journalist und Zeichner ist sein Markenzeichen. Er bleibt er nicht bei einer Opfer-Täter-Erzählung, sondern bettet persönliche Schicksale in größere Zusammenhänge ein.

Der Reporter mit dem Zeichenstift

Sacco arbeitet handwerklich sehr traditionell. Er setzt auf analoge Techniken, reduziert Kolorierung und gibt den Skizzen noch Raum. Die Zeichnungen haben dokumentarischen Anspruch, aber keine glamourösen Action-Sequenzen. Dadurch entsteht Authentizität. Zugleich zeigt sein Ansatz, dass Comics mehr sein können als Unterhaltung. Sie sind auch Medium für Debatten. Er zeigt uns nicht alles spektakulär und das ist gut so. Seine erzählerische Stärke liegt im Verweilen, im Beobachten, im Strukturieren von Stimmen und Daten, nicht im marvelesken Effektfeuerwerk.

Handfest und doch feinfühlig

Die grafische Umsetzung von INDIEN – ÖL INS FEUER folgt seinem etablierten Stil des Zeichnens: schwarz-weiß bzw. reduziert koloriert, mit klaren Linien, vielen Texturen, Schaffuren und einem dokumentarischen Look. Er visualisiert keine übertriebenen Bewegungen, keine Pop-Effekte, sondern hat den Alltag im Fokus. Dabei wirken die Panels teils wie eingefrorene Fotografien, teils wie belebte Skizzen.

Besonders auffällig ist die Panelstruktur. Sacco arbeitet häufig mit großformatigen Bildern, überschreitet Panelgrenzen, wechselt dann geschickt zu kleineren Ausschnitten um etwa ein Gespräch oder individuelle Emotionen zu zeigen. Dies erzeugt Rhythmus. Wir bleiben beim Umfeld, dann zoomen wir in ein Gesicht oder auf eine Hand, wechseln von der Intimität wieder zurück zum Überblick. Diese visuelle Dynamik trägt entscheidend zur Wirkung seiner Erzählung bei.

Grafik mit Beobachtung

Technisch zeigt Sacco große Reife und Erfahrung. Seine Zeichnungen sind detailliert, ohne überfrachtet zu wirken. Figuren wiederholen sich nicht monoton, Hintergründe geben Kontext. Der Leser kann abschweifen, schauen, spüren. Wer sich auf diesen Stil einlässt, erhält eine visuelle Reise, die atmosphärisch und fordernd zugleich ist.

Ein Hintergrund mit Breitenwirkung

Der Konflikt, den INDIEN – ÖL INS FEUER behandelt, steht nicht isoliert. Im Umfeld von Wunsch nach Land, Macht und Zugehörigkeit trifft Indiens koloniale Vergangenheit auf moderne Schwächen des politischen Systems Demokratie. Sacco erklärt den aktuellen Ausschlag in historischen Narrativen: mit der Teilung der ehemaligen britischen Kronkolonie, mit Flucht und Migration, Landreformen und der politischen Mobilisierung entlang religiöser Linien. Hinzu kommen Mechanismen der Medien- und Machtpolitik. Welcher Gruppe gehört man an? Wer erzählt die Geschichte? Wer definiert Opfer und Täter? Diese Fragen zieht sich wie rote Fäden durch den Comic.

Sacco schildert die Gewalt als Moment in einer langen Reihe historischer Ereignisse und Wunden, zeigt die sich daraus ergebenden Probleme, aber entschuldigt damit nicht das hier und jetzt. Damit wird INDIEN – ÖL INS FEUER auch für Leser außerhalb Indiens relevant, denn die Mechanismen von Spaltung, Manipulation der Erinnerung und Mobilisierung großer Menschenmengen lassen sich schwer nur auf den indischen Subkontinent begrenzen.

Warum dieses Comic herausragt

Was macht INDIEN – ÖL INS FEUER nun besonders? Zunächst einmal ist es selten, dass ein Comic so kompromisslos Reportage ist. Sacco bringt die Dokumentation in Zeichenform. Diese Verbindung aus Vor-Ort-Recherche, journalistischem Anspruch und visueller Erzählung macht aus dem Comic mehr als eine bloße Unterhaltung. Gleichzeitig bleibt das Thema zugänglich. Der Einstieg gelingt ohne Vorwissen über Indien oder Konfliktforschung.

Joe Sacco fokussiert sich auf Fragen statt auf sofortige Antworten. Er zeigt uns die Mechanismen, wir werfen die Fragen selbst auf. Wie entsteht Erinnerung? Wer profitiert von Gewalt? Wie manipulieren Medien und Politik Narrative? Durch diese Haltung bleiben wir aktiv und nicht nur Konsument.

Auch stilistisch ist der Band relevant: Der dokumentarische Comic – wie z.B. DIE FRAU ALS MENSCH von Ulli Lust oder GAMES von Patrick Oberholzer – hat sich inzwischen etabliert, aber selten wird er im Kontext südasiatischer Konflikte so stringent ausgeführt. Das macht das Werk für Comic-Begeisterte spannend und für Gelegenheitsleser als Einstieg in das Thema interessant.

Das einzige, was mir anfangs persönlich nicht so gut gefallen hat ist, dass manche Kapitel etwas komprimiert wirken, fast zu dicht. Wer jede Figur nach verfolgen will, braucht Konzentration. Aber das ist kein Fehler, sondern Folge der Sparsamkeit im Mittel. Aber als Leser soll ich mich ja auch intensiv mit dem Thema beschäftigen und nicht hindurch fliegen.

Fazit

In der Gesamtschau funktioniert INDIEN – ÖL INS FEUER als vielschichtiger Reportage-Comic sehr gut. Er erzählt nicht nur was passiert ist, sondern auch wie. Wer also eine klassische Heldenerzählung erwartet, wird enttäuscht, zumindest aber überrascht. Und wer bereit ist, sich auf Irritation und Nachdenken einzulassen, erhält Zugang zur menschlichen Seite politischer Gewalt.

Wer Sacco kennt, weiß, worauf er sich einlässt. Wer neu in seinem Werk ist, bekommt einen guten Einstieg in anspruchsvolles Comic-Storytelling und wird sich seinen anderen Werken ebenfalls zuwenden. In INDIEN – ÖL INS FEUER zeigt Sacco, dass die Konflikte zwar lokal erscheinen, aber universelle Muster bedienen. Genau hieraus ergibt sich anschließend ein starker Bezug für eine internationale Leserschaft.

Ja, INDIEN – ÖL INS FEUER ist kein leichter Snack. Er verlangt Aufmerksamkeit, aber er belohnt mit Tiefe, Klarheit und einem Stil, der sowohl informiert als auch bewegt. Joe Sacco gelingt es, lokale Gewalt als Spiegel für globale Phänomene zu zeigen, ohne zu simplifizieren.

Wer sich fragt, warum Politik, Medien und Geschichte so oft miteinander verbunden sind, der sollte INDIEN – ÖL INS FEUER lesen.

INDIEN – ÖL INS FEUER

© Reprodukt Verlag | Hardcover | 144 Seiten | Schwarz-Weiß

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★☆☆

Farben: ★☆☆☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ☆☆☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-95640-493-1

The post INDIEN gibt ÖL INS FEUER first appeared on P A N E L W A L K E R - Ein Comic-Blog.

Die Geschichte beginnt genau da, wo große Geschichten einfach hingehören: in einem brodelnden Paris! Wir treffen Julie Kleinnagel, eine junge Frau mit echtem Talent für Wahrsagerei und für das unvermeidliche Chaos, das so ein Talent Mitte des 19. Jahrhunderts zwangsläufig mit sich bringt.

Klingt nach Abenteuer? Ist es auch. Julie gehört zum fahrenden Volk und lebt mit ihrer etwas exzentrischen Mutter in einer Welt, in der zwischen Hochglanz, Dreck und Skandalen kein Platz für Langeweile bleibt.

Drei Weltausstellungen, eine Heldin

Schon zum Auftakt (zur Weltausstellung 1855, vier Jahre nach der Londoner Weltausstellung aus SHI – AM ANFANG WAR DIE WUT) wird klar: Hier geht es wahrlich nicht nur um Pariser Glitzerträume, sondern auch um Intrigen, Spionage und eine Heldin, die ganz genau weiß, was sie will.

Die 12-jährige Julie gerät zu Beginn mitten in einen Diebstahl, der Kreise bis in die Pariser High Society zieht. Dabei trifft sie auf ein wildes Kabinett aus Figuren selbstverliebter Technokraten, Gauner und schnöseliger Adliger. Während halb Paris die Zukunft bestaunt, versucht Julie, ihre eigene in die Hand zu nehmen.

Im zweiten Teil (Weltausstellung 1867) ist Paris selbstbewusster denn je und die inzwischen 25-jährige Julie mit ihr. Sie weiß jetzt, wie fragil ihr Platz in der Gesellschaft und im Leben ist und wird dieses Mal zur begehrten Informationsquelle für Revolutionäre, russische Geheimgesandte und Typen, deren Motive zumeist ziemlich undurchsichtig sind. Hier prallen Globalisierung, Politik und persönliches Drama aufeinander, als wäre es das Staffelfinale einer guten Serie. Ein Finale ist es jedoch nicht. Im Gegenteil.

Der Abschluss dieses Triptychons (Weltausstellung 1878) zeigt uns Julie als 36-jährige, erwachsene Frau, mit allen Ecken und Kanten. Zwischen Mordfällen im Schatten der Expo, l’amour, die nicht so einfach zu haben ist und ihrer zunehmend ehrlichen Mutter wird klar: Die Welt ist an der Schwelle zur Moderne und Julie ist ganz vorn mit dabei. Wer auf smarte Plot-Twists, doppelbödige Beziehungen und eine Heldin mit echter Eigenwilligkeit steht, kommt hier voll auf seine Kosten.

Diese Gesamtausgabe holt beim Thema Weltausstellung alles heraus und bietet ein dickes, 20-seitigen Pakets an Hintergrundinformationen. Man merkt, dass hier mehr passiert als “nur” ein Abenteuertrip durch die Weltausstellungen.

Die große Drei

DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG hat seine Story-Architektur gut im Griff. Drei große Epochen, drei klare Etappen und ständig neue Wendungen. Jack Manini setzt als Szenarist auf Tempo und Überraschungen. Er bietet uns einen idealen Mix aus historischem Sittengemälde und cleverem Krimi.

Die Stories springen zwischen den Orten, den Zeiten und den Stimmungen, aber wir bleiben immer im Thema. Jede Ausstellung bringt neue Probleme, neue Freunde und neue Gegner. Mal wird es politisch, dann wieder unmittelbar privat, aber irgendwo wird immer eine angespannte Erwartungshaltung geweckt.

Storytelling mit Tempo

Was daran richtig Spaß macht: Der Comic versteckt seine Kniffe nicht. Rückblenden, trockene Kommentare aus dem Off, bissige Dialoge – alles sitzt und gibt dem Plot seinen Schwung. Die einzelnen Kapitel jonglieren mit Action und ruhigen Momenten, aber so, dass nie wirklich Leerlauf entsteht.

Man merkt den Bänden an, wie viel Lust Manini und Willem an ihren Figuren, den Details und diesem Paris-Gefühl hatten. Fiese Cliffhanger gibt es natürlich auch, aber sie wirken nie aufgesetzt, sie passen zur Dramatik der Zeit und zu Julie’s Weg zur Selbstständigkeit. Alles bleibt irgendwie angenehm unvorhersehbar, die historische Kulisse macht Spaß und vermittelt uns ganz nebenbei geschichtliches Halbwissen.

Wer gern als Detektiv Comics liest und Drama mag, darf sich hier voll austoben.

Zwischen Mutterwitz und Spionage

Julie ist keine Deko-Figur im Poster-Paris. Sie ist klug, manchmal bockig, aber immer sympathisch. Mit ihr will man durch die engen Straßen streifen und hinter den nächsten Ecken Neues erleben. Ihre Mutter? Ein Charakter mit viel Herz, eben soviel Schnauze und jeder Menge Sprüche. Die Chemie zwischen den Beiden sorgt für Wärme und dafür, dass es zwischendurch menschelt, wenn es in der Stadt – und der Storyline – wieder einmal dramatisch wird.

Das Figurenkarussell dreht sich

Die Nebenrollen strotzen vor wahrem Leben. Bösewichte sind hier nicht einfach nur böse – nein, sie haben ihre eigenen Motive. Niemand ist in diesen Alben ausschließlich zweidimensional. Freunde und Feinde wechseln schon mal die Seiten. Niemand wirkt flach oder wird als reiner Gegenspieler eingebaut. Die Frauenfiguren sind mehr als einfache Sidekicks oder Love-Interests. Manini nimmt sie ernst. Sie dürfen clever, gehässig, hier und da auch solidarisch sein.

Die Dialoge klingen frisch und je nach Lage der Dinge rotzig, poetisch oder voller Galgenhumor. Man merkt einfach, da haben Leute geschrieben, die Spaß an ihrere Geschichte hatten. Das gibt der Serie ihren besonderen Ton. Sie erinnert damit natürlich an legendäre Reihen wie DIE FLINTENWEIBER oder DAS PARIS DER WUNDER.

Wo Humor auf Atmosphäre trifft

Jack Manini textet hier so frei nach Schnauze, wie man es sich nur wünschen kann. Wer seine anderen Comics kennt, weiß, dass dieser Mann schräge Charaktere, bissige Beobachtungen und schlaue Twists liebt. So auch hier: Keine Szene ohne Pointen, aber immer mit genug Gefühl für ernste Töne.

Währenddessen zeichnet Étienne Willem, als hätte er im Paris der Jahrhundertwende gelebt. Seine Panels atmen die Geschichte dieser Stadt. Sie sind dabei aber frisch und lebendig wie klassische Abenteuercomics. Willem ist detailverliebt, effektvoll, dann aber auch mal skizzenhaft und dynamisch. Leider ist er im Juni 2024 viel zu früh verstorben, aber mit diesen Geschichten hat er sich ein bezauberndes Denkmal gesetzt, mit dem er uns noch lange in Erinnerung bleiben wird.

Wer DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG aufschlägt, kann sich auf echt starke Kunst freuen. In seiner cartoonesken Art zeigt uns Willem ein Paris in all seinen Facetten, von pitoresken Boulevards über schicke Ausstellungspavillons bis zu seinen dunklen Hinterhöfen. Jede Kulisse, jede Gasse wirkt lebendig und einladend, jede ratternde Kutschen zeitgemäß.

Tanja Wenish taucht das Ganze zusätzlich in Farben, die Laune machen und die die Atmosphäre des Comics unterstützen – mal nostalgisch, mal bunt wie eine Zuckerwattebude, aber niemals flach. Zusammen liefern die Drei frankobelgische Comic-Power, wie sie sein muss.

Atmosphäre auf allen Seiten

Die Panels sind wie kleine Filmszenen aufgebaut. Es gibt genug Details, damit man ein zweites Mal hinschauen möchte und doch sind sie die Kästchen nie überladen. Perspektivwechsel, coole Ansichten und stimmige Farben sorgen dafür, dass die Welt zwischen Romantik und Realismus wild hin und her pendelt, genau wie die Stimmung der jeweiligen Story.

Das Zusammenspiel von Text und Bild funktioniert blendend. Man spürt, dass wirklich jede Figur, jeder Raum durchdacht wurde. Die Kolorierung tut ihr Übriges. Sie macht das Paris der Belle Époque zu einem schönen Erlebnis, voller Licht, Schatten und versteckter Zitate.

Wer Comics – wie ich – vor allem wegen ihrer Zeichnungen liest, wird hier fündig.

Von der Realität in die Panel-Welt

Was DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG auszeichnet? Die Mischung! Hier werden reale Expo-Fakten und echte Zeitgeschichte nicht einfach plump eingestreut, sondern fließen geradezu lässig in die Handlung ein. Die 20 Seiten Extra-Material mit informativen Hintergrundtexten nehmen uns mit hinter die Kulissen und lassen uns die erzählten Geschichten noch intensiver erleben.

Die Comic-Reihe mischt Krimi, Abenteuer, Frauenpower und historische Recherche. Diese Kombi gibt es selten in dieser Qualität. Frauen und Geschichte funktioniert hier als starkes Doppel: Julie ist alles, außer einer passiv herum sitzenden Beobachterin und die Story – verwebt Fiktion mit echten Pariser Schauplätzen – macht Spaß und bleibt relevant. Besonders, wenn man Comic und Historie zusammen genießen will.

Fazit

DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG ist ein lässiger, schlauer und sehr unterhaltsamer Comic, der Historie auf moderne, zugängliche Weise erzählt. Die Gesamtausgabe aus der ZACK-Edition macht besonders Spaß, weil sie Action, Witz, Drama und ein Stück echtes Paris-Gefühl in einem schönen Format vereint.

Wer Comics mag, die visuell überzeugen und inhaltlich klug sind, ist hier genau richtig. Kurzum: Einfach mal loslesen, abtauchen und das Flair genießen.

Bienvenue à l’Exposition Universelle de Paris!

DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG

© ZACK Edition | Hardcover | 196 Seiten | Farbe

Storyline:  ★★★★☆

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★★☆

Lettering: ★★☆☆☆

Humor: ★★☆☆☆

Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆

ISBN: 978-3-949987-73-1

Informationen zu den Bildrechten findest Du hier.

Die ursprünglichen Cover der Reihe

The post DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG – Zwischen Glanz und Wahrsagerei first appeared on P A N E L W A L K E R - Ein Comic-Blog.