Der eigentliche Begriff ist etwas freundlicher, zumindest ein bisschen. Nekromantie bezeichnet ursprünglich die Beschwörung von Toten, um von ihnen Wissen oder Weissagungen zu erhalten. Ein Nekromant ist also zunächst jemand, der Kontakt zu Verstorbenen aufnimmt. So weit, so einfach.

Olivier Gay und Tina Valentino bauen aus dieser Definition ein hübsches Morgenland-Szenario. In NEKROMANTEN binden Magier die Geister Verstorbener an sich und nutzen deren Fähigkeiten. Wer also den richtigen Kämpfer erwischt, wird im Duell stärker, ein berühmter Gelehrter bringt Wissen ein und selbst ein gerissener Händler kann nach seinem Tod noch nützlich sein. Die Toten sind Helfer, Machtquelle und Statussymbol zugleich.

Düster? Könnte sein. Olivier Gay erzählt vielmehr eine flotte Fantasykomödie, während Tina Valentino sie in eine Welt aus detailreichen Grabmälern, Basaren, Kuppeln und Palästen umsetzt. Disney’s Aladdin lässt auf mehreren Ebenen grüßen.

Die deutsche Ausgabe liegt nun als Splitter Double vor und packt die vollständige Geschichte auf 96 Seiten in einen Hardcoverband. Das ist gut, denn dieses Abenteuer möchte ohnehin am liebsten ohne Pause durch das Tor zum Totenreich.

Das Grab unter der Bodenklappe

Also, Sesam, öffne Dich! Morla, eine junge Nekromantin, weiß genau, was sie will. Sie ist ehrgeizig, selbstbewusst und überzeugt, dass in einem verlassenen Grabmal ein besonders wertvoller Geist auf sie wartet. Ihr jüngerer Bruder Acher begleitet sie. Er ist ebenfalls Nekromant, allerdings ein ausgesprochen schlechter. Morla geht wie üblich voran, Acher folgt, stellt Fragen und hofft, dass niemand seine Unsicherheit bemerkt.

Das gesuchte Grab liegt überwuchert irgendwo im Wald, Pflanzen wachsen über Mauern und kaltes Licht schwebt durch muffige Räume. Morla hält all das eher für eine Einladung als für eine Warnung. Tief im Inneren stößt die kleine Gruppe aus Geschwistern und Helfern auf Boph-Êt. Der uralte Erzmagier war einst so mächtig, dass mehrere große Helden nötig waren, um ihn zu besiegen. Die ehrgeizige Morla versucht nun, seinen Geist an sich zu binden, was – natürlich – nicht funktioniert. Boph-Êt dreht das von ihm entwickelte Ritual einfach um und übernimmt stattdessen ihren Körper. Zwei Begleiter sterben, die Anlage stürzt ein und Acher entkommt dem Schlamassel nur mit knapper Not.

Das Schöne ist, dass damit sein Charackter-Arc feststeht: Acher muss seine Schwester retten und verhindern, dass Boph-Êt erneut die Macht ergreift. Dafür ist er ungefähr so gut gerüstet wie ein Kameltreiber für einen Seekrieg. Aber aus genau diesem Grund mochte ich ihn sofort. Acher ist kein verklemmter Überflieger. Er ist wirklich überfordert – trotzdem läuft er nicht davon! Das gibt seiner Reise von Beginn an Mut und viel Herz.

Drei Geister ziehen zum Basar

Ganz allein ist Acher bei dieser Reise natürlich nicht. Drei Geister sind an ihn gebunden. Teodor ist ein älterer Gelehrter, der viel weiß, sich aber im entscheidenden Augenblick gern im eigenen Gedächtnis verirrt. Teheris ist ein Krieger, der bereits in seiner ersten Schlacht starb und deshalb erschreckend wenig Kampferfahrung besitzt. Und Isia war eine Bauchtänzerin mit Temperament, einer schnellen Zunge und wenig Lust, sich wie ein Werkzeug behandeln zu lassen. Als Sammlung mächtiger Geister sind die drei eine Enttäuschung, als Reisegesellschaft großartig.

Boph-Êt zieht in Morla’s Körper nach Biblys. Die Hauptstadt breitet sich über die Hügel aus, während sich unten Marktstände, Stoffbahnen und schmale Häuser drängen. Darüber wachsen arabische Kuppeln und Türme in den Himmel. Ganz oben schließlich sitzt die Akademie der Magie. Dort beginnt der frisch erwachte Erzmagier seinen Einfluss auszubauen und nach jenen Personen zu suchen, die ihn vor Jahrtausenden besiegt hatten. Man will so ein Desaster ja kein zweites Mal erleben.

Acher folgt ihm und trifft auf Ayu. Sie gehört zur Elitetruppe der Garde und kann mit einer Waffe deutlich besser umgehen als ein Teheris-gepimpter Acher mit seinen Geistern. Sie packt zu und läuft nicht bloß bewundernd neben dem Helden her, sie widerspricht und entscheidet selbst. Ihr trockener Blick auf Acher’s Chaos hält dabei viele Szenen auf eine besondere Art zusammen.

Die Spur führt zu drei legendären Toten. Montserrat war einst eine brillante Strategin, Dmitris war der große Kämpfer und Varlam ein mächtiger Magier. Gemeinsam brachten sie Boph-Êt zu Fall. In der Gegenwart braucht Acher nun erneut ihre Hilfe. Dummerweise haben diese Geister ihre eigenen Wünsche und sehr, sehr alte Rechnungen offen.

Im Palast wartet ein alter Fluch

Montserrat bringt neue Unruhe in die Geschichte. Ihr Geist steckt im Körper eines Händlers, den sie als Wirt benutzt. Sie will Boph-Êt vernichten und bietet Acher ihre Hilfe an. Vertrauen ist dabei aber eine zweischneidige Angelegenheit. Montserrat verrät immer nur so viel, wie es ihrem Plan dient. Und Acher bemerkt langsam, dass er damit zwischen zwei uralten Gegnern steht, die andere gern wie Figuren auf einem Spielbrett hin- und herschieben.

Auch Morla bleibt wichtig, obwohl Boph-Êt ihren Körper beherrscht. Für Acher ist sie nicht einfach die Hülle des Bösewichts, sie ist – und bleibt – seine große Schwester. Jeder Angriff auf den Erzmagier kann deshalb auch sie treffen. Auf diese Weise wird das Abenteuer auch persönlich: Acher muss nicht nur gewinnen, sondern auch einen Weg finden, Morla zurückzuholen. Bereits hier zeichnen sich schmerzhafte Entscheidungen am Horizont ab.

Ich hätte Morla – die echte – gern öfter erlebt. Vor der Besessenheit zeigt sie Eigensinn, Mut und eine gute Portion Überheblichkeit. Danach verschwindet ihre Stimme lange hinter der Boph-Êt’s. Ja, das ist für die Handlung gut nachvollziehbar. Der Geschwisterbeziehung fehlt andererseits dadurch aber Raum und ihre Rettung wird für mich als Leser weniger emotional aufgeladen.

Olivier Gay gleicht das mit narrativem Tempo aus. Palastwachen, Fluchten, Magie und Geisterbeschwörungen folgen dicht aufeinander. Am stärksten bleibt für mich trotzdem die kleine Gruppe um Acher. Teodor liefert Wissen mit eingebautem Wackelkontakt, Teheris versucht tapfer, wenigstens gelegentlich wie ein Krieger auszusehen und Isia kommentiert das Chaos mit Spott und erstaunlicher Treue. Die vier müssen gar nicht über Freundschaft reden. Wie sie streiten und sich im nächsten Augenblick retten, sagt mehr als tausend Worte.

Karawane zum Grab des großen Magiers

Im zweiten Teil verschärft sich die Lage dramatisch. Kaiser Othman Al-Thariv, der Herrscher des Reiches, ist ermordet worden. Biblys steht unter Spannung, während Boph-Êt im Palast immer mehr Einfluss gewinnt.

Montserrat weist Acher den Weg zum Grab Varlam’s. Der tote Magier war entscheidend am ursprünglichen Sieg über Boph-Êt beteiligt und ohne seine Macht sieht es für ihre Mission schlecht aus.

Natürlich erfährt auch Boph-Êt von diesem Plan. Er schickt Luu hinterher. Luu ist sein Vollstrecker und führt bewaffnete Männer gegen Acher und seine Geister. Die Suche nach Varlam’s Grab wird zum Wettlauf durch Wüsten und Ruinen. Auf der einen Seite reist eine Heldengruppe, die eher zufällig zusammengefunden hat, auf der anderen Seite marschieren Leute, die genau wissen, wie Gewalt funktioniert.

Das Tempo der Erzählung steigt jetzt noch einmal kräftig. Enthüllungen, Kämpfe und Seitenwechsel folgen eng getaktet aufeinander. Das hält die Spannung hoch, lässt aber wenig Platz für die Vergangenheit von Montserrat, Dmitris und Varlam. Aus diesen alten Feindschaften hätte Gay locker mehr machen können.

Das Finale verrate ich nicht. Entscheidend ist ohnehin Acher’s Entwicklung. Er wird durch die Umstände nicht plötzlich zum mächtigsten Nekromanten des Reiches. Er lernt jedoch, seine Geister ernst zu nehmen. Teodor, Teheris und Isia sind keine schlechten Werkzeuge, nein, sie sind überhaupt keine Werkzeuge! Sie sind eigensinnige Gefährten und genau daraus zieht die Geschichte ihre Wärme.

Der Geschichtenerzähler am Tor der Unterwelt

Schauen wir gemeinsam noch auf die Autoren dieses Comic. Olivier Gay, unser Szenarist, wurde 1979 in Grenoble geboren. Bevor er vom Schreiben leben konnte, arbeitete er als Manager in einer Unternehmensberatung. Er veröffentlichte Kriminalromane, Fantasy sowie Kinder- und Jugendbücher. Zu seinen Reihen gehören LE NOIR EST MA COULEUR, LES ÉPÉES DE GLACE und LA MAIN DE L’EMPEREUR. 2019 schloss er sich dem Fantasy-Label Drakoo an. Dort schrieb er unter anderem DÉMONISTES, LES MALÉFICES DU DANTHRAKON und LES MAGES DE BONAPARTE.

Mit leichtem Schritt durch 1001 Gruft

Gay’s Art Geschichten zu erzählen macht mir den Einstieg angenehm leicht. Die Regeln der Nekromantie dieser Welt stehen nach wenigen Seiten fest. Ein Geist besitzt eine Fähigkeit, ein Nekromant bindet ihn an sich und aus dieser Verbindung entsteht Macht. Danach kann die Geschichte loslaufen. Ich musste nicht erst ein Glossar heranziehen oder eine Weltkarte studieren. Sehr schön.

Der Humor der Geschichte entsteht meist aus den Figuren selbst. Acher möchte souverän wirken, während seine Geister ihn öffentlich untergraben. Ayu durchschaut ihn ohnehin und Isia besitzt häufig die schärfste Zunge der Runde. Diese Rollen sind deutlich, kippen aber selten in bloße Nummern.

Andererseits sitzt nicht jeder Witz. Einige moderne Anspielungen passen nur bedingt in die Gassen von Biblys. Außerdem rennt der zweite Teil seinem Ende entgegen. Ruhigere Gespräche hätten Morla, Montserrat und den übrigen alten Helden mehr Gewicht geben können, trotzdem bleibt die Erzählung jederzeit verständlich. Ich weiß immer, wer etwas will und warum der nächste Schritt nötig ist.

Macht, Besitz und Stimmen aus dem Jenseits

Wenn ich es recht bedenke, steckt hinter dieser Komödie auch eine interessante Frage: Wem gehört die Erfahrung eines Menschen nach dessen Tod? Mächtige Nekromanten behandeln Geister wie Besitz. Ein berühmter Toter erhöht den Rang seines neuen Herrn. Wissen, Kampfkunst und Einfluss wechseln einfach den Besitzer. Auch dies erinnert mich an Aladdin: Dschinny ist dort ein Wesen mit eigenen Wünschen, obwohl er an seinen Meister gebunden ist. So auch hier.

Das Album verfolgt diesen Gedanken nicht bis in jede Ecke. Dafür ist das Buch zu gern Abenteuer. Acher bietet trotzdem einen Gegenentwurf. Seine Verbindung zu Teodor, Teheris und Isia beruht immer weniger auf Befehl und immer mehr auf Kooperation. Er gewinnt nicht durch bessere Unterwerfung, sondern weil aus vier Außenseitern eine sich ergänzende Gruppe wird.

Die Zeichnerin im blauen Geisterlicht

Wer ist nun für die schönen Zeichnungen verantwortlich? Tina Valentino wurde an der Scuola Internazionale di Comics in Rom in Zeichnung und Animation ausgebildet. Sie arbeitete an GERONIMO STILTON, gestaltete Cover und war an der Webserie IL CRESTOMAT beteiligt. 2021 begann sie bei Drakoo die Zusammenarbeit mit Olivier Gay.

Kuppeln, Knochen und flinke Blicke

Valentino eröffnet die Geschichte mit einem Grabmal, das sofort Lust auf Erkundung macht. Bäume, Wurzeln und Ruinen schieben sich in- und übereinander. Kleine Figuren laufen durch eine riesige grüne Anlage. Schon die erste Seite erklärt die Größe, die Stimmung und die Gefahr. Danach rückt die Zeichnerin näher an die Gruppe heran. Gesichter, Hände und Blicke fokussieren.

Ihre Figuren spielen sehr körperlich. Acher zieht die Schultern ein und schaut gern zur Seite. Morla steht fest und nimmt mehr Raum ein. Nach der Übernahme durch Boph-Êt wird ihr Gesicht härter. Ayu wirkt wach und kampfbereit, Isia schwebt zwar als Geist durch die Panels, besitzt aber mehr Haltung als viele Lebende.

Besonders schön ist das Geisterlicht. Teodor, Teheris und Isia erscheinen in kühlen Blautönen. Alice Scimia’s Kolorierung trennt sie deutlich von warmen Hautfarben, goldenen Kuppeln und rötlichen Stoffen. Gerät die Magie außer Kontrolle, strömen Grün und Gelb in die Seiten. Ich erkenne dadurch schnell, welche Kräfte gerade wirken.

Fazit

NEKROMANTEN ist keine finstere Abhandlung über verbotene Rituale. Es ist eine warmherzige Coming-of-Age-Fantasy-Komödie über einen jungen Zauberer, der mit drei wenig angesehenen Toten über sich hinauswächst. Olivier Gay erzählt diese Geschichte flott und verständlich, während Tina Valentino dem Abenteuer starke Gesichter und sehr viel Bewegung mitgibt.

Ich hätte mir manchmal mehr Platz für Morla, Montserrat und die alten Helden gewünscht. Auch Biblys bleibt eher schöne Bühne als vollständig ausgearbeitete Stadt. Das Double habe ich trotzdem mit großem Vergnügen gelesen, denn seine beste Idee liegt darin, dass Acher aufhört, seine Geister nach ihrem Nutzen zu beurteilen und ihre Freundschaft zu schätzen lernt. Am Ende schlagen in diesem Totenreich erstaunlich viele Herzen…

• NEKROMANTEN
• Olivier Gay und Tina Valentino
• Hardcover | 96 Seiten | Farbe | Double
• ISBN 978-3-96792-284-4
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Bereits das Cover ist ein starkes Bild. Es ist sogar so stark, dass Beka und David Etien es nicht auswalzen müssen. Als Leser weiß ich sofort weiß, was auf dem Spiel steht. Der Band erzählt uns seine Geschichte in gewohnt ruhiger Weise, dafür aber mit einem dicken Kloß im Hals. Und das passt sehr gut zu diesem Grafen, der äußerlich noch immer die Haltung wahrt, während er innerlich aber längst nicht mehr so aufrecht steht, wie sein Schnurrbart glauben machen möchte.

Zwischen Spirou, Krieg und echter Geschichte

Pankratius Hieronymus Ladislaus Adalbert Graf von Rummelsdorf ist in der Welt von SPIROU UND FANTASIO kein Unbekannter – im Gegenteil. Er gehört zu jenen Figuren, die unter Franquin ihren festen Platz im großen Spirou-Kosmos bekommen haben. Beka und Etien holen ihn in ihrer eigenen Serie aus der zweiten Reihe ins Rampenlicht. Sie erzählen von einem jüngeren Grafen, der nicht nur Pilze wie Erfahrungen sammelt und ganz nebenbei Erfindungen baut, sondern der auch mit brennenden Fragen durch prägende Episoden des 20. Jahrhunderts stolpert. Oder besser noch, durch sie hindurch muss.

Schon bei RUMMELSDORF ENIGMA hat mich an diesem Kreativteam überzeugt, wie selbstverständlich es historische Stoffe mit klassischem Abenteuer verbindet. Der erste Band führte nach Bletchley Park und zur Entschlüsselung der Enigma-Codes. Das zweite Album griff die Kriegsjahre und medizinisch militärische Abgründe auf. Der dritte sprang in die Nachkriegszeit und zur Forschung rund um die Antibabypille. Der aktuelle Band geht nun wieder einen Schritt zurück nach Princeton und Los Alamos, also mitten hinein in das Manhattan Projekt.

Der Atompilz

Historisch ist das ein heikler Ort. In Los Alamos wurde ab 1943 unter Leitung von Julius Robert Oppenheimer an der Atombombe gearbeitet. Die Angst vor einem deutschen Vorsprung in der Kernforschung trieb das Projekt voran. Gleichzeitig wuchs in den USA das Misstrauen gegenüber linken Wissenschaftlern, kommunistischen Sympathisanten und die Angst vor möglicher Spionage.

Dies war keine bloß Paranoia. Die Sowjetunion versuchte tatsächlich, Informationen aus dem Atomprogramm zu gewinnen. Aber daraus entstand auch ein Klima der Verdächtigung, das viele Biografien nachhaltig beschädigte. Genau in diesen Riss setzt der Comic seinen Grafen. Er ist Wissenschaftler, Europäer, Humanist und plötzlich ein kleines Werkzeug in einer sehr großen Maschine.

Misstrauen allerorten

Die Handlung beginnt nicht mit einer Explosion. Sie beginnt leise. RUMMELSDORF ist in Princeton und steht unter Druck, denn das FBI hat ihn eingespannt. Er soll Kollegen beobachten, politische Neigungen melden und besonders auf kommunistische Umtriebe achten. Für den Grafen fühlt sich das falsch an und das nicht nur ein bisschen. Es nagt an ihm. Er spioniert schlecht, weil sein Gewissen besser funktioniert als sein Auftrag.

Und direkt an dieser Stelle habe ich einen Kritikpunkt. In den bisherigen Bänden war der Graf immer ein aufrechter Kämpfer für das Gute mit funktionierendem, moralischem Kompass. Wie – um Himmels Willen – hat das FBI diesen Mann dazu gebracht, für das Bureau zu spionieren? Dies wird einfach nicht deutlich.

Der Mann, der mit einem Geist Tee trinkt

Dazu kommt Blair MacKenzie, RUMMELSDORF’s Freundin und großer Liebe seit Band eins, die unter tragischen Umständen verstorben ist. Hier ist sie nicht einfach nur eine Erinnerung, nicht bloß ein romantischer Nachhall aus den vorherigen Bänden. Sie ist als der Verlust anwesend, der den Grafen immer noch umgibt. Rummelsdorf redet mit ihr, als sei sie noch da. An dieser Stelle beginnt seine Verschrobenheit, die von anderen bereits wahrgenommen wird.

Der Comic macht daraus keine billige Gespensternummer. Er zeigt Trauer als Alltag, als Gespräch, als zweite Tasse Tee, die aber niemand trinkt. Oder auch als Frage, die nicht aufhört: Warum blickte Orpheus in der griechischen Mythologie zurück und konnte seine Eurydike nicht aus dem Totenreich befreien?

Albert Einstein taucht als ruhender, kluger Pol auf. Er bringt keine Heldengeschichte mit, eher eine Müdigkeit gegenüber der eigenen Zeit. Er ist derjenige, den RUMMELSDORF ausspionieren soll.

Zugleich verschwinden Wissenschaftler aus Princeton. Köpfe werden abgezogen, ohne dass offen gesagt wird, wohin. RUMMELSDORF versteht genug, um beunruhigt zu sein. Und J. Edgar Hoover versteht genug, um ihn stärker einzubinden. So landet der Graf dort, wo aus der Theorie in den Köpfen der verschwunden Wissenschaftler endgültig Weltgeschichte werden soll – in Los Alamos!

Los Alamos und die Hölle mit Zugangsausweis

In Los Alamos schließlich verändert der Band seinen Rhythmus. Princeton wirkt noch wie ein der ruhige Campus mit Freiheiten. Los Alamos hingegen ist ein Lager aus Baracken, Staub, Wachposten und Geheimnissen. Etien zeichnet diesen Ort nicht als reine Kulisse. Ich spüre die Enge trotz der weiten Landschaft. Der Himmel ist groß, aber die Menschen darunter wirken eingesperrt.

RUMMELSDORF begegnet J. Robert Oppenheimer, aber der Band macht diesen nicht zur Hauptattraktion. Das gefällt mir. Oppenheimer ist wichtig, natürlich, doch die Geschichte interessiert sich stärker für den Blick des Grafen und für Richard Feynman.

Feynman bringt Bewegung und eine gewisse Anarchie in die Erzählung. Er ist brillant, verspielt, neugierig, manchmal fast zu lebendig für diesen Ort. Mit ihm kommt ein anderer Ton in die Geschichte. Nicht leichter im Sinn von harmloser, eher im Sinn von heller. Und gerade dadurch werden aber die Schatten dunkler.

Beka nutzten die wissenschaftlichen Erklärungen geschickt. Ich hatte nie das Gefühl, eine Unterrichtslektion zu Atomphysik zu bekommen. Und doch lerne ich viel über Kettenreaktionen, Uran-Anreicherungen oder Berechnungen. Wenn hierüber gesprochen wird, bleibt die Szene in Bewegung. Figuren stehen nicht einfach herum, um Wissen abzuladen. Sie denken, zweifeln, scherzen – und schweigen. Die Bombe entsteht nicht als abstraktes Objekt. Sie entsteht aus Arbeitstischen, Rechengeräten, Wachsamkeit und müden Gesichtern.

Der Comic verrät genug, um die moralische Richtung klarzumachen. Er muss nicht jeden historischen Schritt dezidiert nacherzählen. Ich weiß als Leser, wohin diese Arbeit führt. Gerade deshalb liegt über vielen Szenen eine beklemmende Vorahnung. Die Figuren sind in ihrer Welt noch vor dem 06. August 1945, ich lese den Comic danach. Und das Besondere: das Rezensionsexemplar liegt an dem Tag in meinem Briefkasten, an dem ich im Friedensgedächtnismuseum Hiroshima vor den Auswirkungen der ersten Bombe gestanden habe. Diese Nähe tut weh.

Abenteuer mit Gewissen und sehr schönen Schatten

RUMMELSDORF 4 – DIE DUNKLEN JAHRE ist am stärksten, wenn der Band seine Gegensätze aushält. Er bleibt ein klassisches, frankobelgisches Abenteuer. Ich finde Tempo, pointierte Figuren, Spionage und geheime Anlagen. Zugleich trägt er jedoch eine Trauer in sich, die für diese Reihe inzwischen fast zum inneren Motor geworden ist.

David Etien ist dabei enorm wichtig. Seine Zeichnungen haben diese klare, erzählerische Eleganz, die ich an frankobelgischen Alben liebe. Seine Figuren sind lesbar, seine Räume sauber gebaut. Der Graf muss gar nicht viel sagen. Augen, Schultern, Haltung und Bildausschnitt erzählen genug. Besonders schön finde ich, wie Etien RUMMELSDORF nicht als Karikatur seiner selbst behandelt. Der Schnurrbart bleibt, die Kauzigkeit auch. Doch darunter findet sich ein Mann, der sich selbst kaum noch erträgt.

Die Farben arbeiten unaufdringlich, aber wirksam. Princeton hat kühlere, gedämpfte Töne. Los Alamos bekommt staubige Wärme, die nicht gemütlich wirkt. Wenn das Orange der atomaren Bilder aufblitzt, wirkt es nicht triumphal. Im Gegenteil: es brennt. Das Cover bereitet diesen Eindruck schon vor. Der Graf vor dem atomaren Glühen, die Brille als Spiegel, das Gesicht zur Maske erstarrt. Da ist kein Gewinnerlächeln, da ist ein Blick der versteht, das etwas zu groß geworden ist.

Auch der Seitenrhythmus überzeugt. Etien lässt Gespräche atmen und zieht dann an, wenn Bewegung gebraucht wird. Kleine Panels fangen Blicke und Reaktionen ein. Größere Bilder öffnen die Landschaft oder die historische Wucht. Der Band ist mit 56 Seiten knapp, verdichtet, aber nie hastig.

Wo es ein wenig knirscht

Ganz frei von Schwächen ist der Comic nicht. Einige historische Namen rauschen kurz vorbei. Wer mit dem Manhattan Projekt wenig verbindet, wird hier und da eher den Klang großer Geschichte spüren als jede Figur wirklich zu greifen. Auch der Spagat zwischen Abenteuer, Trauerarbeit, Spionage und Wissenschaft ist ehrgeizig. Nicht jede Nebenfigur bekommt den Raum, den sie verdient hätte.

Trotzdem stört mich das weniger, als ich erwartet hätte. Der Band will keine komplette Geschichte der Atombombe erzählen. Er schlägt eine persönliche Bresche durch ein übermächtiges Thema. Dafür ist der persönliche Blick des Grafen genau richtig. Er ist klug genug, um zu verstehen und empfindsam genug, um darunter zu leiden.

Eine Reihe, die erwachsen bleibt

Im Kontext der RUMMELSDORF-Reihe wirkt dieser vierte Band wie eine düstere Zuspitzung. RUMMELSDORF ENIGMA hatte noch stärker den Reiz eines klugen Spionageabenteuers. DER PATIENT A ging tiefer in die Kriegsverbrechen und Körperpolitik der Weltkriegszeit. EINE HANDVOLL KOHLENSTOFFATOME öffnete den Blick auf Medizin, Selbstbestimmung und gesellschaftliche Veränderung. Nun steht die Wissenschaft selbst vor Gericht, ohne dass Beka daraus eine simple Anklage machen.

SPIROU PRÄSENTIERT besitzt mit RUMMELSDORF eine Reihe, die ihre Formel gefunden hat. Eine historische Erfindung, ein berühmter Schauplatz und ein Graf, der mehr erlebt, als ihm guttut. Das könnte mechanisch werden, bleibt aber lebendig, weil die emotionale Linie stimmt und die Autoren ihre Leser ernst nehmen.

Fazit

SPIROU PRÄSENTIERT 7: RUMMELSDORF 4 – DIE DUNKLEN JAHRE ist ein schöner, trauriger und erstaunlich ernster Abenteuercomic. Beka und David Etien verbinden Spirou-Tradition mit Zeitgeschichte, ohne den Charme der Figur zu opfern.

Der Band hat Witz, aber keinen Leichtsinn. Er hat Tempo, aber keine Flucht vor der Moral. Für mich ist das ein weiteres, starkes Kapitel dieser Reihe. Nicht makellos, aber warm, klug und lange nachglühend. Eine ganz klare Empfehlung.

P.S. Und warum Orpheus in der griechischen Mythologie zurückblickte – ja, auch diese Frage wird letztendlich beantwortet!

• SPIROU PRÄSENTIERT 7: RUMMELSDORF 4
• Beka und David Etien
• Softcover | 56 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-551-80750-2
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Carlsen Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Seine Figuren stehen nie nur hübsch im Panel herum. Sie haben etwas vor, sie treibt etwas an oder sie verstecken etwas. Manchmal sind sie müde, manchmal stolz, dann wieder einfach nur lächerlich. Und genau deshalb bleiben sie bei mir hängen, seitdem ich Willem als Zeichner von DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG für mich entdeckt habe.

Diese Art seine Figuren zu präsentieren, ist für mich der Kern seiner Arbeit. Er zeichnete Abenteuer, aber nicht als Getöse. Er mochte Verkleidungen, er mochte Epochen, Maschinen, Salons und Degen, Luftschiffe und dunkle Gassen. All‘ dies alte Zeugs. Doch unter all dem Dekor interessierte ihn immer der Moment, in dem eine Figur (re)agieren muss. Ein Mundwinkel hier, ein gesenkter Kopf dort. Ein Katzenohr, das plötzlich mehr sagte als ein ganzer Absatz Text. Seine Comics funktionieren, weil sie erzählen wollen. Sie sind nicht laut, nicht eitel. Sondern mit einer Lust am Handwerk, die ich auf jeder Seite spüre.

Vom Storyboard zur großen Bühne

Etienne Willem wurde 1972 in Charleroi geboren. Er studierte in Lüttich Geschichte und arbeitete später beim Animationsstudio 352 in Luxemburg als Storyboarder. Das klingt erst einmal wie eine nüchterne, biografische Station, ist es aber nicht. Für seine Comics war es eine entscheidende Wegmarkierung!

Wer Storyboards zeichnet, lernt, wie Blickrichtungen laufen. Er lernte, wann eine Bewegung beginnt und wann sie enden muss. Willem lernte auch, dass ein Bild nicht alles zeigen muss, wenn der nächste Ausschnitt den Rest erledigt.

2004 erschien bei Paquet sein Comicdebüt VIEILLE BRUYÈRE ET BAS DE SOIE (auf deutsch: PFEIFENRAUCH UND SEIDENSTRÜMPFE; derzeit im Zack-Magazin ab Heft 324). Die Serie spielt im England der 1930er Jahre und verbindet Kriminalfall, Gesellschaftssatire und eine feine Lust am Genre. Hier ist von Willem noch nicht alles so geschmeidig wie später. Trotzdem sehe ich schon, worauf er hinauswill. Willem baut keine bloßen Kulissen. Er richtet einzelne Zimmer ein, lässt Menschen darin atmen und gibt Gesprächen ihre Körpersprache. Türen, Treppen, Sofas, Mäntel und Hüte sind bei ihm nie nur Schmuck. Sie helfen, eine Szene zu sortieren. Ausstattung war ihm wichtig.

Der Durchbruch seiner eigenen Handschrift kommt mit L’ÉPÉE D’ARDENOIS (DAS SCHWERT VON ARDENOIS; bislang nicht auf Deutsch erschienen). Vier Bände, erschienen zwischen 2010 und 2015. Dieser Comic ist eine mittelalterliche Fantasy mit Tierfiguren, Ritterstoffen, alter Schuld und junger Hoffnung. Auf dem Papier könnte das schnell nach vertrauter Abenteuerware klingen. Auf den Innenseiten des Comic ist es viel mehr. Hier findet Willem zu jenem Ton, den ich mit ihm verbinde: warm, klassisch, beweglich, aber mit Schatten an den Rändern.

Mittelalter ohne Märchen

L’ÉPÉE D’ARDENOIS ist ein Tiercomic, aber keiner, der sich hinter Niedlichkeit versteckt. Das macht die Serie so stark. Garen, der junge Hase, trägt die ganze Unsicherheit eines Helden, der erst noch begreifen muss, was Heldentum bedeutet – und was es kostet. Seine Körperhaltung erzählt oft mehr als seine Worte. Er ist klein in Räumen, die größer sind als er und er wirkt verletzlich unter Rüstungen, die andere Figuren selbstverständlich tragen.

Willem nutzt Tierarten nicht als vordergründigen Gag. Er nutzt sie als schnelle, aber auch als klare Zeichensprache. Ein anthropomorpher Fuchs weckt andere Erwartungen als ein Bär, ein Hase reagiert auf Gefahr anders als ein Wolf. Doch die Figuren bleiben nicht bei dieser ersten Lesart stehen. Sie bekommen Ecken und Kanten, Schwächen, aber auch Würde. Die besten Seiten der Serie leben von dieser Mischung. Ich erkenne sofort, wer vor mir steht – und werde dann doch überrascht.

Zeichnerisch ist das sehr gut gemacht. Die Panels bleiben lesbar, auch wenn mehrere Figuren handeln. Kampfszenen haben Richtung, während Waldwege, Burgen und Dörfer nicht nur als Tapete hinter der Handlung liegen. Sie bestimmen, wie sich Figuren bewegen.

Besonders schön sind die stilleren Momente. Dann merkt ich, wie sehr Willem auf Mimik vertraut. Eine Schnauze wird schmaler, Schultern sinken ab, Augen suchen einen Ausweg. Das ist keine große Kunstgeste, sondern sauberes Erzählen. Und ja, manchmal liebt er seine Ausstattung so sehr, dass eine Seite etwas voller wird als nötig. Sei’s d’rum! Lieber diese überbordende Freude an Welt als eine leere Eleganz ohne Blut.

Amerika mit Propellergeräusch

Nach dem mittelalterlichen Tierabenteuer wechselt Willem mit EIN AFFE AM HIMMEL in die USA der 1930er Jahre. Aus dem Wald wird der offene Himmel. Aus Rittermythos werden Flugzeuge, Gangster, Wolkenkratzer, Depression und Showgeschäft. Die Hauptfigur Harry Faulkner, ein früherer Pilot der Lafayette-Staffel, passt wunderbar in diese Welt. Er ist ein Affe und allein das gibt den Flug- und Kletterszenen eine körperliche Energie, die ein menschlicher Held kaum hätte.

Hier zeigt sich eine andere Seite des Zeichners. Er kann Tempo und Maschinen, er kann Höhe und Sturz. Die Flugzeuge wirken nicht wie aus einem technischen Handbuch abgepaust, sondern wie erzählerische Geräte. Sie bringen ihre Eigenarten mit in die Seite. Sie zwingen Körper in Bewegung, öffnen den Himmel und machen ihn zugleich gefährlich.

Trotzdem wird EIN AFFE AM HIMMEL nicht zur reinen Schau. Die 1930er Jahre sind in dieser Serie mehr als ein hübscher Filter. Die wirtschaftliche Not, der Traum von Ruhm, das Misstrauen gegenüber Macht und Technik liegen spürbar darunter.

Willem selbst bleibt dabei ein klassischer Abenteurer. Er will unterhalten, er will Schwung nutzen. Doch er weiß, dass Abenteuer besser schmeckt, wenn der Boden darunter nicht ganz sicher ist.

Paris, Fortschritt und Schwindel

Mit DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG öffnet sich sein Werk in Richtung historischer Gesellschaftscomic. Jack Manini schreibt, Willem zeichnet. Und wie er zeichnet.

Im Zentrum steht Julie Kleinnagel, eine junge Frau, die zwischen Geisterwelt, Verbrechen und den Pariser Weltausstellungen steht. Das ist ein Geschenk für einen Zeichner mit seinem Sinn für Räume. Weltausstellungen sind ja keine normalen Schauplätze. Sie sind Versprechen aus Glas, Stahl, Licht und Lärm. Und sie erzählen vom Fortschritt, aber auch von Eitelkeit und Macht.

Willem zeichnet Paris hier als die Bühne, auf der alle etwas darstellen wollen. Die Architektur drückt nicht nur schiere Größe aus, sie kann auch einschüchtern. Menschenmengen erzeugen Staunen, aber auch Enge. Julie bleibt darin erkennbar, weil der Zeichner sie nicht im Drumherum verliert. Sie ist klein gegen diese Bauten, aber nie nebensächlich. Genau diese Balance macht die Serie reizvoll. Ich bekomme Spektakel, aber ich verliere den Menschen nicht aus dem Blick.

Noch passender wird es später bei DIE FLINTENWEIBER und DAS PARIS DER WUNDER, seinen Arbeiten nach den Geschichten von Pierre Pevel. Wir sind in der Belle Époque, sehen Magie, Feen und Drachen, Diebinnen und elegante Herren. Da hätte alles leicht zu süß, zu verspielt, zu dekorativ und fantastisch werden können. Willem rettet die Sache durch klare Figurenführung. Seine Bilder schwelgen, aber sie zerfließen nicht. Selbst wenn die Welt funkelt, bleibt die Handlung auf Kurs.

Farbe als Temperatur der Geschichte

Die Farbe ist bei Willem’s Werk ebenfalls kein Nebenthema. In L’ÉPÉE D’ARDENOIS kolorierte er ab dem zweiten Band selbst. Das veränderte den Ton der Reihe spürbar. Die Welt wirkt erdiger, wärmer und zugleich ernster. Wälder bekommen Feuchtigkeit. Innenräume bekommen Kerzenlicht. Rüstungen glänzen nicht sauber, sondern tragen Gewicht. Die Farbe macht die mittelalterliche Welt nicht realistischer im strengen Sinn, aber glaubwürdiger im Gefühl.

In EIN AFFE AM HIMMEL braucht die Farbe für ein anderes Tempo. Himmel, Metall, Staub und Nachtlicht treiben das Abenteuer voran. Die Seiten riechen nach Benzin, Bühne und Großstadt.

Bei DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG, DIE FLINTENWEIBER und DAS PARIS DER WUNDER prägt Tanja Wenisch den Ton entscheidend mit. Ihre Farbgebung gibt dem Historischen Glanz und dem Fantastischen Wärme. Sie lässt Salons leuchten, ohne sie in Zuckerguß zu tauchen. Sie gibt dunklen Gassen Gefahr, ohne alles im Braun verschwinden zu lassen. Das passt sehr gut zu Willem, weil seine Zeichnung Licht verträgt, aber Klarheit braucht.

Was bleibt, wenn der Vorhang fällt

Etienne Willem starb am 16. Juni 2024, unerwartet und mit 52 Jahren viel zu früh. Die Community hat mit ihm – heute vor zwei Jahren – einen besonderen Künstler und liebenswerten Kollegen verloren.

Sein Werk ist überschaubar, aber erstaunlich geschlossen. PFEIFENRAUCH UND SEIDENSTRÜMPFE, L’ÉPÉE D’ARDENOIS, EIN AFFE AM HIMMEL, DAS MÄDCHEN VON DER WELTAUSSTELLUNG, DIE FLINTENWEIBER und DAS PARIS DER WUNDER erzählen von einem Zeichner, der gern Welten in anderen Epochen baute. Doch die Welten waren nie der eigentliche Grund, bei ihm zu bleiben. Ich bleibe wegen seiner Figuren, wegen ihrer Gesichter, wegen der Art, wie sie durch Geschichte, Abenteuer und Fantasie gehen, als hätten sie wirklich etwas zu verlieren.

Seine Kunst war nicht revolutionär und das musste sie auch nicht sein. Sie stand in einer großen, frankobelgischen Tradition und führte sie mit eigener Wärme fort. Willem glaubte an die Kraft der gut erzählten Seiten, an analoges Handwerk, an Rhythmus, Atmosphäre und vor allem an Figuren, die mit einem Blick mehr sagen können als mit einer Erklärung in einem Caption.

In einer Zeit, in der Comics oft über Konzepte, Themen oder Effekte wahrgenommen werden, ist es dies alles andere als eine Kleinigkeit. Sein Werk erinnert daran, wie viel in einer sauber gesetzten Szene stecken kann. Ein Tier hebt den Kopf, ein Flugzeug kippt Richtung Oberfläche oder Paris glitzert. Und irgendwo hinter jedem dieser Bilder lauert Gefahr.

Genau das konnte Etienne Willem, der Mann im Schottenrock. Und genau darum lese ich seine Werke immer wieder gerne …

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DIE ADOPTION 1: QINAYA geht da einen anderen Weg. Schon auf den ersten Seiten ist klar, dass Zidrou und Arno Monin keine Wohlfühl-Story erzählen wollen. Sie erzählen von einer Adoption aus Peru nach Frankreich und von einem älteren Mann namens Gabriel, der plötzlich Großvater sein soll, obwohl er schon früher mit der Vaterrolle nie warm geworden ist. Genau daraus zieht der Band seine Kraft. Er will berühren, ja. Aber er will mich vorher an die richtigen Stellen kitzeln: an Stolz, an Ungeschick, Scham, Trotz und an diese kleinen, sehr menschlichen Abwehrbewegungen, die Nähe oft erst einmal aktiv verhindern.

Was mich an DIE ADOPTION 1: QINAYA sofort gereizt hat, ist der Tonfall. Der Comic ist warm, aber nicht süßlich. Er ist humorvoll, aber nie auf Pointe geschrieben. Und er hat ein Gespür für den Alltag, das ich in solchen frankobelgischen Stoffen besonders schätze. Nicht das große Programm „Familie“ interessiert Zidrou hier zuerst, sondern das leise Chaos, das entsteht, wenn ein neues Kind in ein längst eingerichtetes Leben einbricht.

Da steht dann kein Pathos im Raum, sondern ein alter Sessel, ein genervter Blick, eine ungeschickte Bemerkung und irgendwann ein Moment, in dem der Widerstand langsam bröckelt. Genau dort wird dieser Band stark. Zidrou weiß, wie er solche Geschichten erzählen muss.

Woher dieser Stoff seine Wärme nimmt

Ein Blick auf die Entstehung hilft. Zidrou – bürgerlich: Benoît Drousie – kommt nicht aus einem literarisch kühlen Autorenmilieu, sondern war zunächst Lehrer und schrieb in den frühen neunziger Jahren erst Kinderbücher, dann Lieder und dann Comics. Er hat also ein Gespür für kindliche Perspektiven, ohne Kinder selbst zu verniedlichen.

Zugleich hat er sich im Lauf seiner Karriere immer stärker in Richtung realistischer, empfindsamer Erzählungen bewegt. Dass ausgerechnet er einen Stoff wie QINAYA schreibt, passt also gut. Ihn interessiert nicht die Idee einer Familie als Sonntagsbild. Ihn interessieren Reibung, Fehler und das, was Menschen – trotz ihrer Schwächen – füreinander tun.

Arno Monin bringt dafür die richtige Bildsprache mit. Laut seiner Autorenbiografie kam er über Kunstgeschichte, angewandte Kunst, Zeichnung, Animation und Comic zum Erzählen in Bildern. Diese Mischung spürt ich hier deutlich. Seine Seiten denken nicht nur in schönen Einzelbildern. Sie denken in Blickrichtungen, in Körperhaltungen, in kleinen Abfolgen von Gesten. In QINAYA federt die Sanftheit des Zeichenstils die Härte des Stoffes nicht ab, sondern macht sie umso deutlicher.

Spannend ist auch der Serienrahmen. Im französischen Original startete QINAYA 2016 als erster Teil vom ersten Zyklus und war ausdrücklich als Band 1 von 2 angelegt. Der deutsche Splitter Band erschien 2017. Heute führt die Reihe weitere Zyklen fort, aber dieser erste Auftakt gehört noch zu einem Zweiteiler, der mit DIE ADOPTION 2: LA GARÚA endet. Das merke ich beim Lesen deutlich, denn der erste Band endet mit einem Kracher.

Der Band erzählt genug, um eigenständig zu berühren. Gleichzeitig legt er Spuren, deren Gewicht erst im zweiten Teil voll sichtbar werden. Als Auftakt ist das klug, weil der Comic Nähe aufbaut und dabei nie so tut, als wäre eine Adoption nach der Ankunft schon erledigt.

Ein neues Kind im Haus

Die Ausgangslage ist schnell umrissen, aber Zidrou nutzt sie sehr geschickt. Alain und Lynette, ein kinderloses Paar Mitte vierzig, adoptieren nach einem verheerenden Erdbeben in Peru die vierjährige QINAYA.

Schon dieser Anfang hat eine gewisse Wucht, weil er nicht lange bei der Katastrophe stehen bleibt. Der Comic zeigt stattdessen, was danach kommt. Ein Kind reist in eine fremde Sprache, in ein neues Land, ein neues Haus und in eine neue Familie. Alles ändert sich und alle wollen alles richtig machen. Genau dadurch entsteht schon die erste Unsicherheit. Zu viel Aufmerksamkeit kann auch zu viel Druck werden. Denn auch zu viel Zärtlichkeit kann für ein Kind, das gerade alles verloren hat, wie ein weiterer Übergriff wirken.

Im Zentrum steht dann überraschend nicht das Elternpaar, sondern Gabriel, der Griesgram von einem Großvater. Das finde ich eine sehr gute Entscheidung. Denn Gabriel ist kein sentimentaler Bilderbuchopa. Er ist störrisch, abweisend, stolz auf eine Weise, die sofort nervt und gerade deshalb so glaubwürdig ist. Seine Frau geht viel offener auf QINAYA zu.

Alain und Lynette sind voller Hoffnung. Gabriel dagegen steht quer im Bild. Er sagt die falschen Dinge, zieht sich zurück und wirkt, als habe ihn das ganze Unternehmen in seiner Ruhe beleidigt. Ich mochte daran, dass Zidrou ihn nicht künstlich sympathisch macht. Gabriel ist am Anfang wirklich … unerquicklich. Genau deshalb fühlt sich die langsame Veränderung, seine Heldenreise, später verdient an.

Wie aus Widerstand vorsichtige Nähe wird

Die eigentliche Bewegung des Bandes liegt in den kleinen Alltagsverschiebungen. QINAYA ist nicht einfach nur das niedliche Kind, das alle Herzen im Sturm nimmt. Sie bringt Freude mit, ja, aber auch Irritation, Trauer, Missverständnisse und diese stille Unruhe, die Kinder aus einer Gewalterfahrung nicht einfach an der Garderobe abgeben.

Der Comic macht daraus keinen Problemkatalog, sondern zeigt lieber exemplarische Situationen: hier ein Blick zu lang, dort eine Geste, die nicht erwidert wird, wieder eine peinliche Bemerkung von Gabriel. Oder doch einen gemeinsamen Moment, der versehentlich schön wird. So wächst zwischen dem alten Mann und dem Mädchen langsam etwas, das zuerst gar keinen Namen braucht. Anfängliches Vertrauen reicht als Wort zunächst völlig aus.

Dabei gefällt mir besonders, wie offen der Band mit Unbeholfenheit umgeht. Gabriel hat keine pädagogische Sprache, während QINAYA ihre Verluste nicht in reifen Sätzen äußern kann. Auch die Erwachsenen ringsum handeln oft aus Überforderung. Dadurch bekommt die Geschichte etwas sehr Geerdetes. Ich habe hier nie das Gefühl, dass Figuren nur eine These bebildern. Sie stolpern, wiederholen Fehler und lernen (zu) spät.

Genau so entsteht Glaubwürdigkeit. Und genau so entgeht der Comic dem Kitsch. Selbst dann, wenn er mich emotional klar in Richtung Herz drückt, bleibt er an seinen Figuren dran und lässt ihnen ihre Macken. Dass der Band am Ende nicht in Harmonie ausläuft, sondern einen schmerzhaften Einschnitt setzt, macht diesen ersten Teil nur stärker. Ich war danach nicht angenehm beruhigt, sondern aufgewühlt. Das ist mehr wert.

Familiengeschichte statt Thesenpapier

Erzählerisch leistet der Comic vor allem eines sehr gut: er erzählt über Adoption, ohne den Stoff auf das Thema zu reduzieren. Natürlich geht es um Herkunft, Zugehörigkeit und um die Frage, ob Liebe einfach da ist oder mit der Zeit wachsen muss. Aber Zidrou macht daraus keinen erklärenden Problem-Comic. Er bleibt bei einer Familie und zeigt, wie unterschiedlich dieselbe Situation erlebt wird.

Für die Eltern ist QINAYA Erfüllung und Herausforderung zugleich. Für Gabriel ist sie Zumutung, Spiegel und späte Chance. QINAYA selbst ist vor allem ein Kind, das in einer neuen Welt zurechtkommen muss. Dadurch bekommt der Band eine Mehrstimmigkeit, die ich sehr schätze.

DIE ADOPTION 1: QINAYA ist kein Abenteueralbum und keine klassische Graphic Novel der großen Gesten. Der Band lebt von Zwischentönen, von nicht ausgesprochenen Schuldgefühlen und von der Ahnung, dass Eltern- und Großelternschaft nicht einfach biologische Zustände sind. Sie müssen ge- bzw. erlebt werden.

Gerade als Auftaktband funktioniert das hervorragend. Ich lerne die Figuren schnell kennen, ich verstehe die emotionale Grundspannung und spüre am Ende sehr klar, warum es noch einen zweiten Teil braucht. Das ist für einen Serienstart beinahe die beste Mischung.

Eine kleine Schwäche sehe ich trotzdem. Einige emotionale Übergänge sind sehr effektiv gebaut und dadurch fast schon zu sauber, bevor der Band in seine große emotionale Zuspitzung geht. Nicht weil ich Distanz gesucht hätte. Eher weil die Figuren so gut sind, dass ich ihnen weitere, sperrige Zwischentöne zugetraut hätte. Das ist kein echter Makel, wahrlich nicht. Es ist eher der Punkt, an dem ich merke, wie hoch der Comic sein eigenes Niveau hängt.

Arno Monin erzählt mit Blicken

Zeichnerisch ist das Album für mich der eigentliche Trumpf. Monin kann Gesichter leben lassen. Gabriel lebt nicht von großen Monologen, sondern von Augenbrauen, Schulterhaltung, Mundwinkeln und dieser etwas steifen Körperlichkeit eines Mannes, der Gefühle lieber in einen hinteren Winkel seines Wesens verstaut.

QINAYA wiederum ist nie bloß süß gezeichnet. Sie wirkt klein, wach, neugierig, manchmal offen, manchmal verschlossen. Gerade darin liegt die zeichnerische Leistung. Monin behandelt Kinder nicht mit cartoonesker Verniedlichung, sondern als eigenständige Präsenz im Raum. Dies verändert den ganzen Band.

Dazu kommt ein sehr gutes Gespür für Rhythmus. Die Seiten wechseln zwischen ruhig gesetzten Alltagsszenen und kleinen Montagen, in denen Zeit vergeht, ohne dass viel erklärt werden muss. Ich sehe Wohnzimmer, Garten, Küche, Wege durchs Haus, kurze Begegnungen draußen. Nichts davon ist spektakulär, aber alles ist erzählerisch sauber. Räume werden nicht dekoriert, sondern bewohnt. Dadurch entsteht eine Vertrautheit, die wichtig ist. Denn QINAYA muss sich in dieser Welt ebenso erst einfinden, wie ich als Leser.

Besonders stark ist Monin, wenn er Text zurücknimmt und Gesichter oder Abläufe sprechen lässt. Da wird der Comic leise und zugleich sehr präzise.

Arno Monin gehört zu den Zeichnern, die starke Gefühle nicht mit Lautstärke verwechseln. Nach einem literarischen Abitur und einem Jahr Kunstgeschichte wechselte er an eine Schule für angewandte Kunst mit Schwerpunkt Zeichnung, Animation und Comic. Bei Grand Angle machte er früh mit L’ENVOLÉE SAUVAGE und L’ENFANT MAUDIT auf sich aufmerksam. Später folgten unter anderem MERCI, MONSIEUR JULES und eben diese verschiedenen Zyklen von L’ADOPTION.

Sein Markenzeichen ist ein weicher, empathischer Strich, der ernste Stoffe zugänglich macht, ohne sie zu verharmlosen. Gerade in Familiengeschichten ist das eine seltene Stärke.

Warmes Licht, kalte Blautöne

Auch die Farbe trägt viel. Monin koloriert selbst und das merke ich positiv. Die warmen Innenräume geben der Geschichte zunächst etwas Geborgenes, das fast trügerisch wirken kann. Dem stehen kühlere, blaue Töne gegenüber, sobald Einsamkeit, Nacht oder innere Distanz ins Bild rücken.

Diese Farbdramaturgie ist nicht aufdringlich. Sie arbeitet eher unter der Oberfläche. Gerade deshalb funktioniert sie. Ich habe selten das Gefühl, hier wolle mich jemand mit Bedeutung anstrahlen. Stattdessen ziehen die Farben die Stimmung ganz sanft enger oder weiter. Für einen Comic, der so stark auf Nähe und Unsicherheit baut, ist das genau richtig.

Fazit

DIE ADOPTION 1: QINAYA ist für mich ein starkes, klug gebautes Familienalbum. Nicht weil es mich bloß rührt, sondern weil es sehr genau weiß, wie Nähe entsteht, wie unerquicklich Menschen dabei sein können und wie viel in einem Blick zwischen einem Kind und einem alten Mann stecken kann.

Zidrou schreibt warm und mit sicherem Gespür für Reibung. Arno Monin hebt das Ganze mit seiner leisen, menschlichen Bildsprache noch einmal an. Ein Auftakt, der mir nicht einfach gefallen hat. Er ist mir nahe gegangen…

• DIE ADOPTION 1: QINAYA
• Zidrou und Arno Monin
• Hardcover | 112 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-95839-529-9
• Storyline: ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★★
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Ganz wichtig ist auch sein Platz in der Comic-Szene selbst. Marczinczik ist eng mit dem Internationalen Comic-Seminar Erlangen verbunden, der Künstlerinnen und Künstlern Raum für gegenseitigen Austausch und Weiterbildung bietet. Er hat dort seit 2019 eine zentrale, organisatorische Rolle. Somit kennt er also nicht nur das Zeichnen selbst, sondern auch das Ringen um gute Geschichten, liebenswerte Figuren und Spannungsbögen. Genau dies, die Vielschichtigkeit seiner Erfahrungen, merke ich seinem Buch an.

DIGGER wirkt auf mich nicht wie eine hübsche Idee, die schnell mal auf Album-Länge aufgeplustert wurde. Es erscheint wie ein Fundstück, das lange im Hinterkopf aufbewahrt und dann herausgeholt wurde. Dann wurde gegraben, gesiebt, verdichtet. Am Ende blieb eine Gefängnisgeschichte, die auch vom Eingesperrtsein handelt. Auch, denn eigentlich geht es darum, was Isolation mit Dir macht und was es braucht, um wahre Veränderungen unter den widrigsten Umständen anzugehen.

Besuchszeit in Erlangen

Ich wollte diesen Comic schon länger lesen. Die erste Auflage war jedoch sehr schnell weg und bei Comics löst so etwas bei mir eine kindische, aber ehrliche Reaktion aus. Plötzlich steht das Buch innerlich ganz vorne im Regal, obwohl es dort eben noch nicht steht. Gibt es so etwas wie einen negativen Pile-of-Shame? Auf dem Internationalen Comic-Salon Erlangen habe ich meine Ausgabe dann direkt vom Ralf bekommen, inklusive einer kleinen, feinen Illustration. Das war ein schöner, persönlicher Moment. Nicht wichtig für die Bewertung, aber wichtig für die erste Berührung mit dem Buch.

Geschehnisse hinter dicken Wänden

DIGGER begrüßt mich nicht mit einem Spektakel. Kein Knast-Drama mit Eisen stemmenden Muskelprotzen, keine harte Milieu-Parade, kein Ausbruchsthriller, der schon auf Seite drei den Löffel an der Wand wetzt. Marczinczik setzt seinen schweren, runden, melancholischen Helden in ein Gefängnis an der Küste und lässt ihn tatsächlich erst einmal – „sitzen“.

Das klingt erst einmal schlicht, ist andererseits aber ziemlich raffiniert. Denn DIGGER sitzt nicht nur seine Strafe ab. Er hat sich in ihr eingerichtet, glaubt, dorthin zu gehören in dieses Gefängnis. Und genau da beginnt der Schmerz dieses Comics. Nicht bei den Gittern, sondern bei der Zustimmung des Gefangenen zu diesen Gittern.

Einschluss am Meer

DIGGER kommt in ein Gefängnis, das zugleich konkret und märchenhaft wirkt, THE GREEN MILE trifft hier auf das Château d’If aus Alexandre Dumas‘ DER GRAF VON MONTE CHRISTO: ein Riese, eine Insel am Meer, der ferne Himmel, Zellen und ihre Routinen. Alles hat seinen Platz. DIGGER auch.

Er ist groß, massig, kräftig und auffällig. Trotzdem sucht er keine Aufmerksamkeit. Er rebelliert nicht, er beteuert nie seine Unschuld und er macht, was von ihm verlangt wird. DIGGER fügt sich in seinen Alltag, der mit der Struktur aus Arbeit, Zelle, Essen und Schlaf beinahe beruhigend gleichförmig ist. Dazwischen ein paar Blicke nach draußen. Aber diese Ruhe ist keine echte Ruhe, sondern vielmehr ein Deckel auf dem Topf.

Marczinczik erzählt diesen Anfang mit erstaunlicher Geduld. Ich lerne DIGGER – dessen bürgerlichen Namen wir nie erfahren – nicht über seine Tat kennen, sondern über sein Verhalten. Seine unbekannte Vergangenheit baumelt mir nicht als Köder vor meiner Nase herum. Aber sie bleibt ein Gewicht, das DIGGER mit sich herumträgt. Der Comic muss mir nicht erklären, was genau geschehen ist, damit ich seine Schuld spüre. Zugleich verweigert dieser Kniff mir aber den bequemen Weg, die Figur einfach in eine Schublade zu schieben. Gut so! Denn DIGGER ist kein unschuldiges Herzchen im falschen System, aber auch kein Monster. Er ist ein Mensch, der sich selbst auf ein Urteil reduziert hat.

Ein Kumpel hinter der Wand

In dieser engen Ordnung bekommt DIGGER Kontakt zu Manolo, genannt Manny. Diese Freundschaft ist einer der schönsten Züge des Buches. Sie entsteht nicht als große Bühne. Sie wächst eher wie etwas, das zwischen zwei Steinen einen Spalt findet. Manny ist lebendiger, wacher, vielleicht auch lockerer. Er bringt etwas in DIGGER’s Welt, das dort nicht mehr vorgesehen ist: Austausch, Wärme, Neugier und ein Gegenüber.

Dann wird DIGGER in der Dusche angegriffen – ja, ein Knast-Cliché! – und landet verletzt in der Krankenstation. Danach fehlt ihm etwas, das für ihn kostbarer ist als jeder Besitz. Sein Geheimnis ist verschwunden. An dieser Stelle könnte die Geschichte dann doch leicht in eine simple Rache-Geschichte kippen. Tut sie aber nicht.

Marczinczik interessiert sich stärker für die Wunde unter der Wunde. DIGGER verliert nicht nur einen Gegenstand und damit ein verborgenes Stück seiner Innenwelt. Er verliert neben dem Selbstwertgefühl auch die kleine Ordnung, die ihn hier noch zusammengehalten hat.

Manny wird nun wichtiger. Nicht als Retter, sondern als jemand, der eine Entscheidung trifft. Eine Freundschaft beweist sich hier nicht durch große Worte. Sie zeigt sich in einem Risiko, das eingegangen wird. Damit setzt das Buch seine eigentliche Energie frei. Die Handlung wird letztendlich zwar zur Fluchtgeschichte, doch der spannendste Ausbruch ist nicht der aus dem Gefängnis, sondern der aus DIGGER’s eigener Erstarrung. Alles braucht Zeit und hier hat alles und jeder Zeit, ganz besonders hier.

Tunnelplan für die Seele

Die Stärke von DIGGER liegt darin, dass Marczinczik seine Bilder sehr ernst nimmt, ohne das der Comic schwerfällig wird. Der Titel spielt mit mehreren Ebenen. DIGGER gräbt, DIGGER sucht, DIGGER wird vielleicht selbst zu dem, was ihn aus seiner Lage befreit.

Ein Lockdown als Prämisse passt zu diesem Stoff, weil Marczinczik die Erfahrung von Enge nicht platt überträgt. Er schreibt keinen Corona-Comic! Aber er nimmt dieses Gefühl ernst. Jenes Gefühl, dass ich beim Lesen sofort wiedererkenne. Die Tage werden … waren gleich. Der Blick ging zum Fenster und die Zeit bekam ein seltsames Gewicht. Im Gefängnis wird daraus eine Fabel über Einsamkeit, Schuld und die Frage, ob ein Mensch sich selbst wieder erlauben darf, nach draußen zu wollen.

Manche Zeichen sind sehr deutlich platziert. Die wenigen Farbtupfer sind blau wie der freie Himmel. Marczinczik vertraut hier manchmal mehr auf einfache, aber klare Symbolik als auf Zwischentöne. Das kann einen Moment lang sehr geradeaus wirken, doch ich nehme es diesem Comic nicht übel. Seine Welt ist bewusst schlicht gebaut. Sie braucht keine Tarnkappe aus Raffinesse. Sie will das Herz nicht überlisten, sie klopft an und wartet dann.

Gitterstäbe aus Tusche

Visuell ist das Buch viel sicherer, als sein leiser Ton zunächst erwarten lässt. DIGGER ist eine wunderbare Comicfigur. Sein Körper ist beinahe eine eigene Landschaft. Groß, rund, schwer, mit einer Silhouette, die ihre Umgebung sofort einnimmt.

Marczinczik nutzt diese Form aber nicht nur für Niedlichkeit. DIGGER kann bedrohlich wirken, gleichzeitig hilflos, stur, verletzt, manchmal sogar ein wenig komisch. Seine Masse erzählt jedoch immer mit. In engen Räumen wirkt er zu groß für diese Welt, während er stillen Momenten wirkt, als würde er unter sich selbst verschwinden.

Die Mimik ist sparsam, aber präzise. Oft reicht ein Blick. Ein gesenkter Kopf sagt mehr als eine Seite voll narrativer Selbstanklage. Auch Manny lebt durch kleine Haltungen. Marczinczik zeichnet keine ausufernden Charakter-Posen. Er setzt stattdessen auf klare, einfache Körpersprache. Das hilft der Lesbarkeit enorm. Die Seiten sind übersichtlich, der Rhythmus ist ruhig, oft fast in kleinen Portionen erzählt. Der Ursprung als Webcomic ist spürbar. Viele Sequenzen haben etwas Episodisches. Auch im Buchformat funktioniert das überraschend gut, weil es zum Gefängnisalltag passt. Jeder Abschnitt ist wie ein weiterer Strich an der Wand.

Besonders stark wird Marczinczik, wenn er Enge und Weite gegeneinander setzt. Innenräume sind knapp, funktional und gedrückt. Der Blick nach draußen hat dagegen Leichtigkeit. Fenster, Himmel, Meer und Vögel sind keine reine Dekoration. Sie sind die Stellen, an denen das Buch wahrnehmbar durchatmet. Ich habe beim Lesen oft gemerkt, wie sehr die Seitengestaltung mein Tempo lenkt. Nicht durch Tricks, vielmehr durch diese öffnenden Pausen.

Blau unter der Pritsche

Die Farbe ist in DIGGER kein hübsches Extra, sondern Teil der Erzählung. Anfangs herrscht ein strenges Schwarz-Grau-Weiß. Dieses Grau liegt über den Seiten wie Staub. Das Gefängnis wirkt dadurch nicht schmutzig im realistischen Sinn, aber abgenutzt, verbraucht. Die Welt ist nicht finster, sie ist leer und ausgewaschen, allen Ablenkungen entblößt. Das passt zu DIGGER. Er hat sein Leben auf wenige erlaubte Regungen reduziert. Schönheit gestattet er sich nicht (mehr).

Dann kommt das Blau. Erst klein, dann deutlicher. Es ist kein Zufall, dass diese Farbe mit Blicken, Sehnsucht und einem Stück Fürsorge verbunden ist. Blau macht diese Welt freier. Nicht sofort, aber es zeigt, dass in dieser Welt noch etwas anderes existiert als Strafe und Gewohnheit.

Später öffnet sich die Farbigkeit weiter. Das ist nicht subtil bis zur Unsichtbarkeit, aber wirksam. Ich mochte gerade diese langsame Veränderung. Der Comic wird nicht bunt, weil die Geschichte plötzlich leichter wäre. Er wird farbiger, weil DIGGER wieder mehr wahrnehmen kann.

Fazit

DIGGER ist ein kleiner Comic mit großem Atem. Er erzählt von Schuld, von Freundschaft und Freiheit. DIGGER hat Humor, aber versprüht keinen Klamauk. Er hat Gefühl, er hat eine Symbolik, die manchmal sehr klar vor mir liegt und eine Wärme, die das Bleiben an diesem Ort erträglich macht.

Für mich ist dies ein Buch, das vor allem in seinen stillen Passagen gewinnt. Es schreit nicht nach Bedeutung. Es sitzt erst einmal neben mir auf der Pritsche, dann zeigt es auf das Fenster. Und irgendwann merke ich, dass ich in Gedanken längst mitgegrabe.

Der Interessenverband Comic e.V. (ICOM) hat Ralf Marczinczik / DIGGER den Independent Comic Preis 2024 in der Kategorie Bester Independent Comic (Selbstveröffentlichung) für seine meisterhafte Verbindung von Kunst und Menschlichkeit verliehen. Häufig lassen mich Jury-Entscheidungen etwas ratlos zurück. In diesem Fall jedoch haben die Juroren alle richtig gemacht. Ja, es hat sich für mich gelohnt, auf diesen Comic zu warten…

• DIGGER
• Ralf Marczinczik
• Hardcover | 190 Seiten | Schwarz-Weiss (und Blau)
• ISBN 978-3-96430-320-2
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★☆☆☆
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Kult Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Bei ihm beginnt der Witz nie beim Gag allein. Er beginnt bei der Form. Eine Figur kippt den Kopf, der Schnabel zieht nach vorn, die Beine stehen ein wenig zu dünn in der Welt und schon ist da eine Persönlichkeit. Ich sehe bei seinen Arbeiten nicht einfach Enten. Ich sehe kleine Schauspieler, die mit jedem Federbüschel übertreiben dürfen und trotzdem erstaunlich glaubwürdig bleiben. Das ist eine seltene Gabe.

Graz, Vancouver und der lange Schatten der Trickfilmmeister

Der Weg von Florian Satzinger führt von Graz weit hinein in die internationale Animationswelt. Er arbeitete zunächst als Illustrator, studierte später Cartoon-Film in Vancouver und wurde dort von Ken Southworth geprägt, einem Animator mit Stationen bei Disney, MGM und Hanna-Barbera. Dazu kamen Studien und Einflüsse aus London, aus der klassischen Malerei, aus europäischem Comic und Trickfilm.

Diese Mischung erklärt viel. Sie erklärt aber nicht alles. Denn entscheidend ist, was Satzinger daraus macht. Er übernimmt keine Nostalgie als fertiges Rezept. Er nimmt das elastische Denken des alten Zeichentricks und zieht es in eine Gegenwart, in der Figuren wieder mehr sein dürfen als saubere Markenbilder. Sie dürfen kratzen, schielen, schwitzen, knurren und herrlich beleidigt aussehen.

Enten mit Innenleben

Bei DONALD DUCK, MICKEY MOUSE, LOONEY TUNES, PINKY AND THE BRAIN oder SCOOBY-DOO arbeitet Satzinger an Figuren, die längst im kollektiven Gedächtnis sitzen. Gerade deshalb ist seine Arbeit interessant. Er muss nicht nur erkennen, wie eine Figur aussieht. Er muss erkennen, wann sie atmet. Ein kleiner Knick in der Augenbraue, eine Drehung des Schnabels, ein zu großer Hut oder eine absurde Handhaltung reichen und ein bekanntes Gesicht wirkt plötzlich wieder wach.

Daneben stehen seine eigenen Welten. DUCKLAND, DUCK AWESOME, TOBY SKYBUCKLE und JOHN STARDUCK sind keine bloßen Fingerübungen in Entenform. Sie wirken wie Versuche, den alten Cartoonkörper noch einmal loszuschicken. Diesmal in Richtung Abenteuer, Weltraum, Satire und ganz persönlicher Zeichenlust.

Linien, die schon laufen

Zeichnerisch lebt diese Kunst vom Schwung. Satzinger zeichnet nicht erst eine Figur und setzt sie dann in Bewegung. Die Bewegung steckt bereits in der Linie. Die Körper wirken gebaut, nicht flach auf die Seite gelegt. Schnäbel haben Gewicht. Füße setzen auf. Augen liegen tief genug im Kopf, um Mimik zu tragen. Seine Skizzen zeigen oft den schönsten Moment vor der endgültigen Glättung. Da ist noch Suche drin, noch Kratzigkeit, noch Atem. Genau das macht sie so lesbar.

Ich kann der Figur folgen, bevor sie überhaupt handelt. Räume entstehen bei ihm selten als nüchterne Kulisse. Sie schieben, drücken und biegen sich um die Figur. In DUCKLAND kann ein Stapel Papier zur Bühne werden. In JOHN STARDUCK wird die Rakete nicht nur Fahrzeug, sondern Weggefährte. Der Seitenaufbau, soweit die Arbeiten als Comic oder Storyboard sichtbar werden, bleibt vom Animationsdenken geprägt. Er führt den Blick klar durch Pose, Blickrichtung und Rhythmus. Große Gesten wechseln mit kleinen Pausen. Das gibt den Bildern Tempo, ohne sie hektisch zu machen.

Farbe mit Biss

Auch die Farben erzählen mit. Satzinger setzt gern auf klare, kräftige Akzente. Gelb, Blau, Rot und Orange stehen oft so deutlich im Bild, dass sie sofort den Ton setzen. Das kann nach klassischem Kinderzimmer klingen, wirkt aber selten harmlos. Das Blau einer übergroßen Matrosenmütze kann fast absurd leuchten. Ein gelber Schnabel zieht den Blick wie ein Ausrufezeichen. Rote Details bringen Unruhe hinein.

Um diese Farbtupfer herum lässt er viel Skizzenhaftes stehen. Grau, Braun und gebrochenes Weiß halten die Figuren erdig. So entsteht ein schöner Zug zwischen Zucker und Ruß. Die Bilder dürfen knallen, verlieren aber ihre Kanten nicht. Gerade das passt zu seinen Enten. Sie sind niedlich genug, um Vertrauen zu wecken und schräg genug, um dieses Vertrauen sofort ein wenig zu stören.

Ausstellungen, Preise und der Sprung nach Erlangen

2009 erhielt Florian Satzinger in Florenz den Nemoland Award für Character Design, 2023 den Erich Sokol Preis in Österreich. 2024 gestaltete er als erster nicht italienischer Zeichner eine Titelillustration für das italienische MICKEY MOUSE Magazin TOPOLINO.

Beim 22. Internationalen Comic-Salon Erlangen rückte nun die Ausstellung ENTEN, DIE SICH IN RAKETEN RETTEN den Arbeitsprozess, die Einflüsse, frühere Arbeiten und aktuelle Projekte in den Mittelpunkt. Sie läuft vom 4. Juni bis zum 26. Juli 2026 im Aktions- und Schauraum des Comicmuseum Erlangen.

Dazu passen die aktuellen Ausblicke auf das Computerspiel JOHN STARDUCK und auf PARSIFAL MURRAY, das Buchprojekt mit Kyle Allen. Ich mag an diesem Ausstellungstitel besonders, dass er Satzinger’s Welt sehr genau trifft. Diese Enten retten sich nicht aus der Absurdität. Sie retten sich mitten hinein.

Wo die Skizze stärker ist als die fertige Welt

Bei aller Bewunderung bleibt für mich eine kleine Reibung. Satzinger’s Kunst ist oft so stark im Entwurf, dass die fertige Erzählung erst einmal Schritt halten muss. Die Skizze verspricht sofort Bewegung, Charakter und eine ganze Welt. Ein abgeschlossenes Album oder ein längerer Comic müsste diese Energie über viele Seiten tragen. Das ist die hohe Messlatte, die seine besten Bilder selbst aufstellen.

Wenn eine Arbeit schwächer wirkt, dann nicht wegen mangelnder Form. Eher, weil das Erzählen hinter der unbändigen Lust am Charakter-Design zurücksteht. Doch selbst diese Schwäche hat etwas Sympathisches. Sie zeigt, wie sehr alles bei ihm aus dem Zeichnen kommt, aus dem Probieren und aus dem Drang, eine Figur so lange zu drehen, bis sie „Aua“ schreit..

Ein Werk mit Federn, Zähnen und Schwung

Florian Satzinger ist kein Zeichner, den ich nur mit dem Kopf anschaue. Ich reagiere sofort emotional auf diese Linien. Ich spüre den Schwung aus dem Handgelenk, die Übertreibung im Gesicht, den kleinen Krach im Bild. Seine Arbeit erinnert daran, dass Comics und Animation eng verwandt sind, ohne gleich dasselbe zu sein. Er bringt den Cartoon zurück an den Punkt, an dem jede Figur zuerst eine Haltung ist. Dann erst kommt die Geschichte.

Vielleicht begeistert mich das seit Jahren so sehr, weil seine Zeichnungen nie behaupten, fertig aus dem Nichts zu kommen. Sie zeigen ihre Suche sie zeigen die Lust am Machen. Und sie zeigen, dass eine Ente manchmal völlig reicht, um eine ganze Welt in Bewegung zu setzen.

Wer mehr von ihm sehen möchte, kann dies auf seinem Blog PAPERWALKER tun. Und ja, dass ich meinen Comic-Blog „Panelwalker“ getauft habe, kam nicht von ungefähr und ist von Satzinger inspiriert. Danke, Florian, für jede Ente, die Du uns geschenkt hast.

P.S. Die Bilder für diesen Beitrag wurden der Website https://canvas.nma.art/2020/10/28/florian-satzinger-of-mice-and-ducks/ entnommen.

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Auch wenn sich der Titel auf den ersten Blick wie SKYWARD (von Joe Henderson und Lee Garbett) anhört, geht es in dieser Geschichte um etwas ganz anderes. Hier ist nicht die Physik der Grund dafür, die die Protagonisten die Bodenhaftung verlieren, sondern vielmehr die Psychologie.

Startbahn im eigenen Zimmer

Vielleicht passt Schwenke’s Biografie so gut an den Anfang, weil DRIFTING ein Comic ist, der sehr genau aus einer jungen, urbanen Lebenswelt heraus erzählt. Nicht im Sinne eines Milieu-Protokolls. Eher wie ein Blick in eine Wohnung, in der zu viele unausgesprochene Dinge herumliegen. Da sind WG-Zimmer, Küchenwege, schlechte Laune am Rand der Spüle, vorsichtige Fragen und Menschen, die sich so gut eingerichtet haben, dass sie gar nicht mehr merken, wie seltsam ihr Alltag eigentlich geworden ist.

Der Einfall ist herrlich einfach. Felix, einer der Mitbewohner, fliegt davon, sobald es ernst wird. Er steigt aus dem Fenster und schwebt in den Himmel. Das könnte ein hübscher Cartoon-Gag à la Karlsson auf dem Dach sein. Bei Schwenke ist es jedoch mehr. Es ist eine sehr direkte, sehr klare Bildidee für Konfliktvermeidung. Wer nicht antworten will, verlässt nicht nur den Raum: er verlässt gleich die Schwerkraft, damit ihm wirklich niemand hinterher laufen kann.

Gerade deshalb wirkt der Comic so zugänglich. Ich muss keine metaphorischen Rätsel lösen. Ich sehe, was los ist. Und doch wird die Sache mit jeder Seite … unangenehmer. Denn die eigentliche Frage lautet nicht nur, warum Felix davonfliegt. Sie lautet auch, warum die anderen ihn immer wieder zurückkommen lassen.

Gegenwind in der WG-Küche

Annie zieht neu in die Wohngemeinschaft. Damit beginnt die Geschichte mit einem Blick von außen. Das ist wichtig, denn für die anderen gehört Felix’ Verhalten längst zur „Hausordnung“. Wenn es schwierig wird, ist er weg. Wenn er wieder auftaucht, geht es irgendwie weiter. Ein bisschen genervt sind alle, wirklich durchbrechen will die Routine zunächst aber niemand.

Annie nimmt diese seltsame Normalität anders wahr. Sie hat noch keinen Anteil an den kleinen Kapitulationen der Gruppe. Sie hat Felix nicht über Monate oder Jahre entschuldigt, eingeordnet und ertragen. Dadurch sieht sie schneller, wie verletzend sein Verhalten ist. Nicht weil sie moralisch über den anderen steht. Sondern weil sie neu genug ist, um die Mechanik zu erkennen.

Felix selbst bleibt dabei keine bloße Pointe. Er wirkt nicht wie ein Bösewicht, der andere bewusst quälen will. Eher wie jemand, der gelernt hat, dem entscheidenden Moment immer einen Schritt voraus zu sein – oder einen Flug. Sobald Nähe eine Antwort verlangt, hebt er ab.
Für die Zurückbleibenden ist das bequem und grausam zugleich. Bequem, weil niemand den Streit wirklich führen muss und grausam, weil alle mit dem Rest allein bleiben.

Thermik der Gewöhnung

Die Gruppe lässt sich von Felix so behandeln, weil sie längst Teil seines Ausweichens geworden ist. Das ist eine der stärksten Beobachtungen des Comics. Eine WG ist ja nicht nur ein Ort, an dem Menschen wohnen. Sie ist ein kleines Abkommen. Alle halten bestimmte Dinge aus, damit das Ganze weiterläuft. Ein dreckiger Topf bleibt stehen, ein Spruch wird geschluckt, eine seltsame Angewohnheit wird zur Eigenart erklärt. Irgendwann nennt keiner mehr das Problem beim Namen, weil der Name Arbeit bringen würde.

Genau hier setzt DRIFTING schmerzhaft an. Felix’ Flucht funktioniert nur, weil die anderen am Boden mitspielen. Sie warten, sie schimpfen vielleicht, sie verdrehen die Augen. Aber sie geben keine echte Grenzen vor. Das klingt härter, als der Comic es erzählt.

Schwenke verurteilt diese Gruppe nicht. Sie zeigt eher, wie Erschöpfung aussieht. Konflikte kosten Kraft. Besonders dann, wenn jemand sich jedem Gespräch entzieht und alle anderen danach entscheiden müssen, ob sie das Fass wirklich wieder aufmachen wollen.

Ich finde diesen Punkt bemerkenswert lebensnah. Felix ist nicht nur das Problem, sondern auch das Ergebnis einer stillen Gruppeneinigung. Alle wissen, was passiert, alle richten sich darauf ein. Niemand fühlt sich ganz zuständig. So entsteht eine seltsame Schonung, die am Ende niemandem gut tut. Nicht Felix, weil er nie landen muss, nicht den anderen, weil sie immer wieder die Landebahn freihalten.

Im Anflug: eine Fremde

Dass ausgerechnet Annie Felix näher kommt, ist deshalb kein Zufall. Es braucht eine externe Dritte, weil die Gruppe bereits zu viel weiß und trotzdem zu wenig fragt. Die anderen sind durch Wiederholung befangen. Sie kennen Felix’ Muster, aber nicht unbedingt Felix. Das ist ein feiner Unterschied. Wer lange mit einem Verhalten lebt, hält es irgendwann für die Person selbst. Annie kann noch trennen. Sie sieht den Ärger, sie spürt die Zumutung. Aber sie hat auch genug Abstand, um hinter der Flucht einen Menschen zu vermuten.

Der Comic macht daraus keine Rettungsfantasie. Annie kommt nicht herein und heilt alle. Das wäre dann doch zu einfach. Sie nähert sich Felix eher über Neugier, Irritation und vorsichtige Empathie. Zugleich bringt sie eigene Erfahrungen mit. Dadurch entsteht eine Verbindung, die nicht auf WG-Pflicht beruht. Annie muss Felix nicht mögen und ihn auch nicht decken. Gerade das macht ihren Blick freier.

Diese Anlage gibt der Geschichte ihre emotionale Spannung. Ich wollte beim Lesen nicht einfach wissen, ob Felix wieder herunterkommt. Ich wollte wissen, ob jemand in dieser Wohnung einen Satz findet, der sich nicht sofort in Luft auflöst.

Schwenke erzählt das leise. Sie setzt nicht auf große Ausbrüche. Ihre Dramaturgie besteht eher aus Annäherungen, Pausen und kleinen Verschiebungen. Das passt gut zum Thema. Wer jahrelang ausgewichen ist, landet nicht mit einem großen Knall.

Fluglinien auf Papier

Zeichnerisch ist DRIFTING locker, klar und sehr beweglich. Schwenke’s Figuren haben Körper, die sofort erzählen. Ein abgesenkter Kopf sagt hier oft mehr als eine Erklärung. Arme hängen schief im Raum. Gesichter öffnen und schließen sich innerhalb weniger Panels. Diese Mimik ist kein Selbstzweck. Sie trägt die Szenen, weil so viel zwischen den Figuren unausgesprochen bleibt.

Die Räume wirken angenehm konkret. Die WG ist nicht bloß Kulisse. Sie hat Enge, Ecken, Blickachsen. Ich spüre beim Lesen, wie schwer es ist, einander auszuweichen, wenn alle doch dieselbe Küche benutzen. Sobald Felix abhebt, verändert sich das Bild. Die Seite bekommt Luft. Der Himmel öffnet sich. Die Bewegung hat etwas Komisches, fast Leichtfüßiges. Gleichzeitig bleibt darunter die Schwere der Situation zurück. Auf diese Weise verschafft die Struktur des Werkes auch Felix Sympathien.

Der Seitenrhythmus ist übersichtlich und ruhig genug, um den Zwischentönen Platz zu lassen. Schwenke hetzt nicht. Sie vertraut darauf, dass ein Blick, ein Abstand oder ein leerer Moment wirken darf. Die Zweifarbigkeit unterstützt diesen Ton sehr. Sie hält den Comic nah am Alltag, ohne ihn grau wirken zu lassen. Die Farben geben Wärme – obwohl sie blau verwendet – und eine leichte Fremdheit zugleich. So bleibt das Fantastische glaubhaft, weil es nicht wie ein Effekt auftritt. Es wächst aus dem Alltäglichen heraus.

Kleinere Turbulenzen

Ein paar Schwächen bleiben. Manche Nebenfigur hätte ich gern deutlicher gespürt. Gerade weil die WG-Dynamik so wichtig ist, wäre noch etwas mehr Zeit mit den anderen Figuren reizvoll gewesen. Warum hält genau diese Person still? Wer ist wütend? Wer hat aufgegeben? Oder auch: Wer profitiert davon, dass Felix immer wieder verschwindet? Der Comic deutet diese Fragen an, aber er spielt sie nicht alle aus. Wie gesagt – schade.

Auch Felix bleibt an manchen Stellen bewusst knapp gefasst. Das passt zwar zur Figur, weil er sich entzieht. Trotzdem hätte eine weitere Szene seine innere Not noch greifbarer machen können. Schwenke entscheidet sich für Verdichtung. Das ist sauber erzählt, nimmt dem Comic aber hier und da die Chance, noch tiefer in die Figuren zu sinken. Aber vielleicht ist dies alles auch dem ursprünglichen Online-Medium auf ShortBox geschuldet.

Fazit

DRIFTING ist ein schlanker, warmherziger und genauer Comic über Menschen, die Konflikten ausweichen, bis das Ausweichen selbst zur gemeinsamen Sprache wird. Madita Schwenke findet dafür ein Bild, das mir sofort einleuchtet. Ein junger Mann fliegt davon, weil er nicht bleiben kann. Eine Gruppe lässt ihn fliegen, weil Landungen für sie anstrengend sind. Und eine Neue sieht plötzlich, dass Normalität manchmal nur ein anderes Wort für Müdigkeit ist.

Ich mochte an diesem Comic besonders, dass er seine Figuren nicht vorführt. Er schaut genau hin, aber ohne kalten Blick. Er bleibt leicht, obwohl er von verletzendem Verhalten erzählt. Am Ende ist DRIFTING keine große Abrechnung mit einem schwierigen Menschen. Es ist eine leise Geschichte über Verantwortung, Nähe und den Mut, nicht aus dem Fenster zu steigen, wenn ein schwieriges Gespräch beginnt.

• DRIFTING
• Madita Schwenke
• Softcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-95640-516-7
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★☆☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Reprodukt Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Peter Mennigen und Ingo Römling liefern in dieser Erzählung keinen Blutrausch um des Effekts willen. Ich erhalte stattdessen eine viktorianischen Abenteuernarration, die sich mit sichtbarer Lust an Schauer, Krimi, Steampunk, Weltuntergangsflirt und sehr trockenen Humor durch ihre 64-seitige Geschichte hindurch laviert. Hierbei handelt es sich um den inzwischen sechsten Band der laufenden, sehr erfolgreichen Serie. Und – er endet mit einem fetten Cliffhanger. Der Folgeband AM ENDE DER ZEIT ist beim Splitter Verlag nun – endlich! – für September 2026 angekündigt.

Was ich an dieser Serie so mag, zeigt sich auch in diesem Werk wieder. Malcolm Max ist kein grummeliger Dämonenschlächter, der mit finsterem Gesicht durch die Seiten stapft. Er ist elegant, spöttisch, kontrolliert und oft genau dann am besten, wenn sich alles außerhalb seiner Kontrolle abspielt.

Seine Partnerin, Charisma Myskina, ist für mich dabei längst das emotionale Zentrum der Reihe. Halbvampirin hin oder her, ihre Mischung aus Direktheit, Stolz, Fremdheit und verletzlicher Neugier trägt diese Geschichten mindestens genauso stark wie Malcolm’s Gehabe als Gentleman mit Nerven aus Stahl.

Das Ganze spielt im London der späten viktorianischen Epoche. Also in einer Welt, die nach außen zwar voller Normen und Regeln aussieht, innerlich jedoch bereits vor sich hin fault. Genau an diesem Ort und zu dieser Zeit fühlt sich diese Serie seit Jahren am wohlsten.

London aus Nebel, Armut und Zukunftseuphorie

Bevor ich zur Handlung komme, lohnt sich ein kurzer Blick auf den Hintergrund, vor dem diese Serie läuft. Zunächst einmal: Malcolm Max begann nicht als Comic, sondern als Hörspiel. Peter Mennigen entwickelte die Figur 2008 im Umfeld einer geplanten Wiederbelebung von GESPENSTER GESCHICHTEN. Erst später wurde daraus diese Comicreihe beim Splitter Verlag.

Für die Chronologie ist das wichtig, denn die frühen Hörspiele erzählen die Vorgeschichten, während der erste Comic zeitlich danach einsetzt. Das erklärt auch, warum die Welt dieser Serie oft so wirkt, als läge schon ein ganzes Leben hinter ihren Figuren.

Noch spannender ist für mich aber der Schauplatz. Der Band führt tief ins East End und damit in jenen Teil Londons, der im späten 19. Jahrhundert wie ein Gegenbild zur imperialen Selbstverherrlichung wirkte. Charles Booth’s Londoner Armutskarte markierte Spitalfields und Whitechapel 1889 bis 1891 großflächig in Schwarz und Blau. Also als Gegenden mit besonders hoher Armut.

Gleichzeitig hängt dort noch der Schatten von JACK THE RIPPER in der Luft. Die Morde in Whitechapel von 1888 wurden zum Dauertrauma der Stadt und fraßen sich tief in die Popkultur hinein. Genau diese Mischung aus Elend, Angst und öffentlicher Obsession zapfen das Hörbuch und später auch der Comic sehr gezielt an.

Dazu kommt ein dritter Punkt, der für MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON fast ideal ist. London war damals eben nicht nur düster, sondern auch im wörtlichen Sinn elektrisiert. In den 1860er Jahren wuchs das Interesse an Séancen und modernem Spiritualismus. 1879 bekam der Lesesaal des British Museum elektrische Lampen und 1882 ging am Holborn Viaduct eine frühe öffentliche Stromversorgung in Betrieb.

Diese Stadt glaubte also gleichzeitig an „Geisterklopfen“ und an technische Erlösung. Ich finde, kaum ein deutscher Genre-Comic nutzt diese Spannung zwischen Okkultismus und Fortschrittsrausch so stimmig aus wie diese Reihe.

Zwei Ermittler wie ein altes Ehepaar

Im Zentrum dieses Bandes stehen – natürlich – wieder Malcolm Max und Charisma Myskina. Er ist der stilbewusste Spezialist für paranormale Fälle, sie die Halbvampirin an seiner Seite, gefährlich, scharfzüngig und deutlich weniger bereit, höflich um die Dinge herumzureden.

Dazu kommen die Schwestern Emmeline und Miranda Finch, die in dieser Welt längst mehr sind als putzige Nebenfiguren. Sie bringen Witz, Tempo und ein sehr eigenes detektivisches Gespür ein, das ihnen bereits einen eigenen Spin-Off-Band beschert hat.

Gerade diese Mischung aus erwachsener Schauerabenteuer-Serie und fast frecher Jungdetektiv-Energie gibt MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON seinen besonderen Ton.

Ein vollgepacktes Album

Der Band steigt mit einem Hinterhalt ein. Malcolm und Charisma geraten in ein verlassenes Hospital und dort in eine Falle, die sehr schnell klarmacht, dass hier mehr am Werk ist als ein örtlicher Serienmörder. Dämonische Kopfgeldjäger, seltsame Steckbriefe, rätselhafte Gegner, dazu später die Spur eines Kannibalen, der Frauen aus dem Milieu zerfetzt zurücklässt, nehmen hier ihren Anfang.

Peter Mennigen eröffnet den Band gleich mit diversen Fäden. Das ist auf 64 Seiten riskant, funktioniert hier aber erstaunlich gut, weil er nie vergisst, die Figuren zusammenzuhalten. Selbst wenn die Handlung kurz in Richtung dimensionsoffener Irrsinn abkippt, bleibt die Frage wichtig, wie Malcolm und Charisma aufeinander reagieren, wie sie sich necken, reizen, retten und doch ständig einen halben Schritt zu weit voneinander weg bleiben. Schließlich gibt es da ja noch die Drohung von Charisma’s Vater, Malcolm den Garaus zu machen, sollte er seiner Tochter zu nahe kommen. Aber das ist ein anderes Thema.

Gerade dieses Duo ist für mich der eigentliche Grund, warum ich immer wieder zu der Serie zurückkehre. Zwischen diesen Beiden knistert es gewaltig und nicht in einem kitschigen Sinne. Eher so, als würden zwei Menschen seit Ewigkeiten denselben Satz umkreisen und ihn nie aussprechen.

Der Humor kommt genau aus dieser Bewegung. Ein schräger Blick hier, eine kühle Bemerkung dort, ein Satz, der halb Rettungsleine und halb Spitze ist. Das ist genau mein Ding. Ich habe beim Lesen oft den Eindruck, dass Mennigen den Rhythmus der Beziehung besser versteht als viele Autoren, die ihre Figuren nur auf eine Romanze zuschreiben. Hier bleibt das Spiel offen. Und genau deshalb bleibt es lebendig.

Das East End wird zum Schaufenster des Grauens

Der titelgebende Kannibale ist natürlich kein bloßer Vorwand. Der Fall bringt diese Geschichte mitten ins East End, also hinein in jene Straßen, in denen Frauenkörper schnell zur Ware und noch schneller zu Wegwerfmaterial wurden.

Der Band macht daraus keine plumpe Sozialgeschichte. Ich fand aber stark, wie deutlich die soziale Schieflage spürbar bleibt. Die Opfer sind nicht zufällig Frauen aus dem Milieu. Dieser Fall erzählt eben auch davon, wer in dieser Stadt am leichtesten verschwindet und wer erst dann zählt, wenn sich das Grauen nicht mehr vertuschen lässt. Besonders gut hat mir gefallen, wie Charisma von Menningen in diese Umgebung gestellt wird. Dass sie sich als Prostituierte verdingen soll, ist nicht bloß ein sensationeller Aufhänger, sondern ein kluger Perspektivwechsel innerhalb der Serie.

Plötzlich sieht London anders aus, nicht aus Malcolm’s ironischer Distanz, sondern aus einer gefährdeten, körperlich exponierten – wenn auch wehrhaften – Position einer Frau. Gleichzeitig nimmt sich der Band beim Humor nicht zurück. Diese Szenen haben Biss (Sorry, Wortspiel), aber eben auch Witz.

Charisma spielt keine wehrlose Rolle. Sie spielt mit ihrer Rolle. Und Malcolm muss dabei einsehen, wie wenig Kontrolle er wirklich hat. Genau daraus zieht der Comic einen guten Teil seiner Spannung.

Parallel dazu läuft die Geschichte um einen hochbegabten Physiker, der für seine todkranke Tochter an eine Grenze geht, hinter der Wissenschaft nicht mehr sauber von Hybris zu trennen ist. Auch das ist typisch für diese Serie. Sie liebt Laborfantasien, dampfende Apparaturen, große Versprechen und den Moment, in dem Fortschritt vielleicht in Größenwahn kippt.

Ich mag, dass Mennigen diese Ebene nicht trocken erklärt, sondern als emotionalen Motor nutzt. Es geht nie nur um diese Erfindung. Es geht um Verzweiflung, Liebe, Verlustangst und den alten Wunsch, den Tod irgendwie doch zu überlisten. Dadurch bleibt das Science-Fiction-Element im Band nicht bloß Dekor, sondern bekommt ein Herz.

Wenn Witz und Weltuntergang gleichzeitig anklopfen

Was dieser Band besonders gut kann, ist einen ganz bestimmten Ton zu treffen. Ich lese hier einen Geschichte, die Dinge zeigt, die eigentlich unerquicklich sind. Verstümmelte Opfer, dämonische Angriffe, apokalyptische Möglichkeiten. Und trotzdem kippt das Ganze nie in selbstgefällige Düsternis. Dafür sorgt der Humor, vor allem der, der aus den Figuren kommt und nicht aus aufgesetzten Gags. Ein schönes Beispiel ist das Gerücht über eine mögliche Verlobung von Malcolm und Charisma. So ein Einfall könnte albern werden. Hier lockert er die Geschichte auf und zeigt gleichzeitig, wie viel zwischen diesen beiden unausgesprochen herumsteht.

Gleichzeitig merkt ich dem Band an, dass er ein Kapitel in einer fortlaufenden Serie und kein völlig abgeschlossener Einzelband ist. Das ist Stärke und kleine Schwäche zugleich. Stärke, weil die Welt dicht ist, weil Nebenfiguren Gewicht haben, weil jedes neue Abenteuer auf etwas Größeres hinarbeitet. Kleine Schwäche, weil der Band sein Material sehr energisch zusammenhält und deshalb an einigen Stellen fast zu viel in zu kurzer Zeit erzählen muss. Die Übergänge zwischen Serienmörderfall, okkultem Angriff, Wissenschaftsdrama und kosmischer Bedrohung sind spannend, aber nicht immer ganz … „luftig“. Ich war beim Lesen nie verloren, habe aber gespürt, wie dicht Mennigen seine 64 Seiten packen musste.

Trotzdem sitzt der Cliffhanger. Und zwar nicht nur als lautes „To-be-continued“-Schild, sondern als echter Schub nach vorn. Ich habe das Album mit genau dem Gefühl geschlossen, das eine gute Fortsetzungsserie auslösen soll: nicht Sättigung, sondern Vorfreude und ungeduldige Erwartung des nächsten Bandes. Genau darin liegt für mich eine große Qualität von MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON. Der Band will nicht nur gefallen, sondern die Reihe unter Spannung halten. Das gelingt ihm.

Mehr Serienfolge als Einsteigeralbum

Wie schon erwähnt, ist für die Einordnung wichtig, dass die Comics chronologisch nach der Hörspielvorgeschichte spielen und längst ein größeres Netz aus Beziehungen, Mythen und Running Gags aufgebaut haben. Wer hier zum ersten Mal einsteigt, bekommt genug, um dem Fall zu folgen. Ich würde Band 6 trotzdem nicht als idealen Erstkontakt empfehlen.

Zu viel von seinem Charme entsteht aus Vertrautheit mit seinen Figuren und dem Wissen, wie Malcolm und Charisma seit Jahren umeinander kreisen. Oder aus dem Vergnügen, wenn die Finch-Schwestern auftauchen. Und aus dem Gefühl, dass diese Welt schon lange vor der ersten Seite atmet.

Innerhalb der Reihe wirkt der Band für mich wie eine Zuspitzung. Der Fall ist größer, die Bedrohung drastischer, der Blick stärker auf die Serie als Ganzes gerichtet. Darum wird er auch in zwei Alben erzählt. Dazu passt, dass der angekündigte Folgeband AM ENDE DER ZEIT die Linie von Raum, Zeit und Apokalypse ausdrücklich weiterführt.

Ich mag an dieser Entwicklung, dass sie die Serie nicht verrät. MALCOLM MAX bleibt auch dann Malcolm Max, wenn die Bühne wächst. Er bleibt der geschniegelte, grantige Geisterermittler, der lieber einen trockenen Satz setzt, als heroisch zu posieren. Und Charisma bleibt die Figur, die ihm mit Freude jede Attitüde aus dem Gesicht klatscht, sobald sie zu geschniegelt sitzt.

Kurz etwas zu den Machern

Peter Mennigen, Jahrgang 1952, studierte in Köln Kunst und Design und schrieb seit den späten 1970er Jahren für eine erstaunliche Zahl deutscher Comicreihen. Besonders prägend war seine Arbeit für Bastei Titel wie GESPENSTER GESCHICHTEN, SPUK GESCHICHTEN, PHANTOM, CONNY oder FELIX.

Später schrieb er auch für die Verlage Egmont, Panini und Ravensburger und verfasste internationale Stoffe zu Serien wie LUCKY LUKE, DIE SCHLÜMPFE, BESSY und ISNOGUD. Hinzu kommen Hörspiele, Bücher sowie Drehbücher für Fernsehproduktionen wie KÄPT’N BLAUBÄR, TIM THALER und RTL SAMSTAG NACHT. Bei MALCOLM MAX bündelt er viel von dem, was er über Pulp, Serienerzählung, Schauerstoffe und pointierte Dialoge gelernt hat.

Ingo Römling wurde 1969 in Frankfurt am Main geboren und kam aus Illustration, Grafik und Musik zum Comic. Früh arbeitete er für Verlage, Werbeagenturen und später sehr erfolgreich für die Musikbranche als Cover-Illustrator und Layouter. Mit DIE TOTEN machte er sich im deutschen Comic deutlich bemerkbar. Seine Comics METROPOLIA: BERLIN 2099 und DIE CHRONIKEN DES UNIVERSUMS habe ich an dieser Stelle bereits besprochen.

Seit 2013 prägt er gemeinsam mit Peter Mennigen die Welt von MALCOLM MAX. Parallel dazu wurde er mit STAR WARS REBELS zu einem der ersten offiziellen Disney Comiczeichner aus Deutschland. Auch international ist Römling längst unterwegs, etwa über den französischen Verlag Dargaud und Europe Comics. Sein Stil verbindet klassische Lesbarkeit mit digital gestützter Bildfülle und einem sicheren Gespür für Atmosphäre. Genau deshalb passt er so gut zu einer Serie, die zwischen Gasse, Labor und Dämonenportal ständig den Ton wechseln muss.

Fazit

MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON ist für mich ein fast perfekter Band. Fast – denn dafür ist er stellenweise etwas zu dicht und zu verliebt in die Menge seines Materials. Aber genau darin steckt auch seine Kraft.

Ich bekomme einen deutschen Genre-Comic, der seine viktorianische Bühne ernst nimmt, seine Figuren liebt, seinen Humor trocken serviert und sein Grauen nie bloß vordergründig benutzt. Vor allem bekomme ich aber wieder Malcolm und Charisma. Und ehrlich gesagt reicht mir das schon, um glücklich zu sein.

Ich bleibe also dran, obwohl mich – wie bereits erwähnt – Horror selten begeistert. Diese Reihe aber tut das schon. Und auf Band 7 im September 2026 freue ich mich sehr…

• MALCOLM MAX 6 – DER KANNIBALE VON LONDON
• Peter Mennigen und Ingo Römling
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-98721-297-0
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Ich liebe diese Mischung aus strenger Ordnung, gedämpften Farben, hölzernen Häusern, heißen Badehäusern, höfischer Etikette und plötzlicher Gewalt. Da reicht bei mir schon ein verschneiter Weg zwischen Papierwänden und Laternenlicht und ich sitze etwas gerader vor dem Bildschirm. Bei BLUE EYE SAMURAI kam noch etwas dazu. Diese Serie sieht nicht einfach nur schön aus, sie starrt geradezu zurück.

Schon die ersten Minuten haben mich gepackt, weil hier nichts harmlos eingeführt wird. Mizu, die Hauptfigur, tritt nicht als Heldin auf, die um Zuneigung bittet. Sie kommt aus der Kälte und trägt ihre Wut wie eine zweite Haut mit sich herum. Und sie hat diese blauen Augen, die in ihrer Welt nicht als Besonderheit gelesen werden, sondern als Makel. Als Beweis, dass sie nicht hineinpasst, nicht hineinpassen darf.

Die erste Staffel erschien 2023 auf Netflix, umfasst acht Folgen und stammt von Amber Noizumi und Michael Green. Netflix führt die Serie als erwachsene Action-Animation, angesiedelt im Japan der Edo-Zeit. Die zweite Staffel befindet sich derzeit offiziell in Produktion.

Die Stroyline klingt nach Rachegeschichte und das ist es auch. Aber es ist die gute, gefährliche Sorte Rachegeschichte. Eine, bei der ich zwar auf den nächsten Kampf warte, aber zugleich immer stärker spüre, was die bisherigen Kämpfe aus der Figur gemacht haben. Mizu schneidet sich durch Gegner, Mauern und Lügen. Doch der tiefste Schnitt geht nach innen.

Ein verschlossenes Land, ein unerlaubtes Gesicht

Der historische Rahmen ist hier kein Postkarten-Japan. BLUE EYE SAMURAI spielt im 17. Jahrhundert, in einer Zeit, in der Japan den Kontakt zur Außenwelt streng begrenzte. Netflix’s eigenes Hintergrundmaterial zur Serie verweist auf diese Abschottung und auf die starke Kontrolle westlicher Einflüsse. Genau daraus zieht die Serie ihre Härte. Mizu’s blaue Augen sind nicht bloß ein auffälliges Detail. Sie machen ihren Körper zum Vorwurf. Jeder Blick auf sie kann zur Anklage werden.

Das ist erzählerisch stark, weil die Serie aus einem historischen Zustand eine ganz persönliche Bedrohung formt. Ich muss kein Fachbuch über die Edo-Zeit gelesen haben, um zu verstehen, warum Mizu sich versteckt. Die Welt erklärt es mir durch zuschlagende Türen, durch Blicke, durch Tusche, Stoffe, Waffen und gelebte soziale Regeln. Sie erklärt es mir auch durch das Schweigen. Diese Gesellschaft ist eng gebaut. Wer nicht passt, wird nicht vorsichtig beiseitegeschoben. Wer nicht passt, wird markiert.

Zur Entstehung gehört außerdem ein spürbarer Anspruch der Macher an Genauigkeit. Für Kleidung, Orte, Esskultur, Schrift und soziale Details wurden Fachleute einbezogen. Das merkt ich weniger an einzelnen Dingen als am Gesamtgefühl. Die Serie wirkt nicht wie ein dekorierter Actionspielplatz. Sie hat Schwere, Räume fühlen sich bewohnt an, Küchen, Werkstätten und Bordelle, Burgen und Straßen erzählen etwas über Rang, Begehren und Angst.

Auch die Produktionsform ist interessant. Das französische Studio Blue Spirit beschreibt die Serie als CGI-Animation mit 2D-Hintergründen. Die Figuren bewegen sich körperlich und wuchtig, während die Hintergründe oft eine malerische Ruhe haben. Diese Spannung zwischen Bewegung und Bildfläche gibt dieser Serie ihren eigenen Ton.

Mizu oder wie aus Scham eine Klinge wird

Mizu sucht vier weiße Männer, die zur Zeit ihrer Geburt illegal in Japan waren. Einer von ihnen ist ihr Vater. Für sie ist das jedoch kein Stammbaum, sondern ein Fluch. Sie sieht ihr eigenes Gesicht als Beweis einer Schuld, die sie nie begangen hat. Daraus entsteht ihr Ziel. Sie will diese Männer finden. Sie will sie töten und damit den Ursprung ihres Lebens auslöschen, weil dieses Leben ihr von Anfang an als Schande vorgeworfen wurde.

Die Serie erzählt diesen Wunsch nicht als sauberen Motor. Mizu wirkt nicht frei, weil sie kämpft. Sie wirkt gebunden, tarnt ihre Augen, lebt als Mann und sie versteckt ihren Körper, ihre Herkunft und jede weiche Stelle. Ich habe schnell verstanden, warum sie das tut. Trotzdem tut es weh, ihr dabei zuzusehen. Sie hat sich eine mentale Rüstung gebaut, die sie schützt und zugleich einsperrt.

Besonders stark ist, dass Mizu nicht sympathisch sein muss, um mich zu interessieren. Sie ist hart, abweisend, manchmal sogar grausam. Sie stößt Menschen weg, die ihr helfen wollen und benutzt andere, wenn sie ihrem Ziel dienen. Doch die Serie lässt mich nie vergessen, dass diese Härte erlernt ist. Mizu wurde nicht als Legende geboren. Sie wurde klein gemacht, gejagt, verhöhnt und ausgeschlossen. Aus diesem Abfall der Gesellschaft schmiedet sie sich selbst.

Ringo bringt Wärme in die Kälte

Dann ist da Ringo. Er könnte leicht zum Comic-Relief verkommen. Ein junger Mann ohne Hände, mit großem Herzen, großem Hunger und dem Wunsch, ein großer Koch zu werden. Er hängt sich an Mizu, weil er in ihr eine Meisterin sieht. Vielleicht sieht er sogar mehr als das. Vielleicht sieht er die Möglichkeit, dass Größe nicht so aussehen muss, wie andere sie erwarten.

Ringo ist wichtig, weil er die Serie zwischendurch aufatmen lässt. Durch ihn kommt eine gewisse Wärme hinein, ohne dass die Geschichte weichgespült dadurch wirkt. Seine Begeisterung hat etwas Kindliches, aber nicht Dummes. Er glaubt an Ehre, Lernen und Freundschaft, obwohl die Welt ihm ebenfalls wenig Grund dazu gibt. Neben Mizu wirkt er wie eine Laterne in einem Schneesturm. Nicht hell genug, um alles zu erleuchten. Aber hell genug, damit ich sehe, wie dunkel es wirklich ist.

Auch Taigen gehört in dieses Geflecht. Er war einst Teil von Mizus Demütigung und wird später selbst gedemütigt. Sein Stolz ist fast komisch groß, bis die Serie zeigt, wie verletzlich er unter seiner Fassade ist. Taigen will Ruhm, Anerkennung, Rang – und Akemi. Er will der Mann sein, für den andere ihn halten sollen. Im Kontakt mit Mizu bricht dieses Bild immer wieder auf. Gerade dadurch wird er spannender als der übliche Rivale mit Schwert und schlechter Laune.

Akemi kämpft mit Seide statt Stahl

Akemi lebt in einer anderen Welt als Mizu. Sie ist reich, schön, begehrt – und eingesperrt. Ihr Käfig ist kein schmutziger Hinterhof, sondern ein vornehmes Haus. Die Stäbe bestehen aus Erwartungen, Heiratsplänen und höflicher Gewalt. Ihr Vater will sie politisch verheiraten. Sie selbst will Taigen. Vor allem aber will sie entscheiden dürfen, was aus ihr wird.

Ich mochte Akemi von Folge zu Folge mehr. Zuerst scheint sie wie eine Nebenfigur aus einem höfischen Handlungsstrang, der als Kontrast zu Misu’s Welt erzählt wird. Dann wächst sie. Nicht, weil sie plötzlich mit dem Schwert alles niedermäht. Die Serie macht etwas Besseres. Sie zeigt, wie Akemi Macht dort sucht, wo sie für eine junge Frau erreichbar ist: in Gesprächen, in Blicken, in ihrer Wirkung auf andere und in Momenten, in denen sie selbst unterschätzt wird.

Dadurch entsteht ein schöner Gegenpol zu Mizu. Beide Frauen sind Gefangene ihrer Rollen. Mizu muss sich als Mann ausgeben, um überhaupt handlungsfähig zu sein. Akemi soll als Frau vor allem wertvoll aussehen. Beide begreifen, dass Gehorsam ihnen keinen Schutz bringt. Ihre Wege unterscheiden sich folglich radikal. Trotzdem erzählen sie von demselben Hunger nach „Ich will selbst bestimmen, wer ich bin!“.

Im Laufe der Staffel verschränken sich diese Wege mit Fowler’s Plänen, mit Taigens verletztem Ehrgefühl und mit Mizu’s unerbittlicher Jagd. Dabei kippt die Serie nie in eine reine Abfolge von Kämpfen. Jede Station verändert eine Figur. Jeder Kampf hinterlässt mehr als Leichen. Am Ende steht Mizu vor Fowler, Edo brennt und die Rache, die so klar schien, wird schmutziger. Sie tötet ihn nicht, sie braucht ihn. Der Weg führt weiter, hinaus aus einem abgesperrten Japan, Richtung London. Das ist ein starkes Ende, weil es nicht erlöst. Vielmehr wird die Mizu auch dort nicht dazugehören, denn sie wird wieder zu einer Fremden, nur diesmal zusätzlich in einer fremden Umgebung.

Ist das nun Anime?

Die Frage, ob BLUE EYE SAMURAI ein Anime ist, wirkt zunächst wie ein Streit für Menschen, die ihre Regale sehr genau sortieren. Trotzdem lohnt sie sich, denn sie führt mitten hinein in das, was diese Serie ausmacht.

Im engeren Sinn meint Anime Animation aus Japan. Nach dieser Herkunftsdefinition ist die Serie kein klassischer Vertreter dieses Genres. Sie wurde von Amber Noizumi und Michael Green geschaffen, für Netflix produziert und mit maßgeblicher Arbeit des französischen Studios Blue Spirit umgesetzt. Ich würde sie als Actionserie, Abenteuerserie und Animation für Erwachsene beschreiben.

Gleichzeitig wäre eine knappe Ablehnung dann doch zu einfach. Denn die Serie steht sichtbar im Austausch mit japanischer Erzähltradition, Samurai-Filmen, Manga-Bildgefühl und erwachsener Animationskunst. Sie übernimmt aber nicht nur Oberflächen, keine großen Kulleraugen, keine schnellen Stilzitate, kein Kostümfest mit Katana. Stattdessen sucht sie – wie Mizu – ihren eigenen Weg. Ihre Bilder erinnern mal an Holzschnitt und Tusche, mal an großes Kino, mal an gemalte Bühnenräume. Ihre Gewalt ist choreografiert wie ein Actionfilm, aber rhythmisiert wie Animation. Ihr Blick auf Mizu hat etwas sehr Körperliches, beinahe Live-Action-Nahes.

Ich sage deshalb, dass die Serie kein Anime im strengen Produktionssinn ist. Im weiteren kulturellen Sinn kann ich sie aber verstehen, wenn jemand sie in die Anime-Nachbarschaft stellt. Sie wohnt nur nicht brav in einem einzigen Haus. Sie geht zwischen den Formen umher. Genau dort liegt ihr Reiz. Sie ist westliche Erwachsenenanimation mit japanischem Schauplatz, starkem Samurai-Erbe und einer Bildsprache, die sich nicht entschuldigt, weil sie sich aus mehreren Quellen speißt. Für mich ist das keine Schwäche sondern der Grund, warum sie so frisch wirkt.

Wenn jede Einstellung nach Entscheidung aussieht

Formal ist diese Serie ein Fest. Nicht im Sinne von schönem Hintergrundrauschen. Eher im Sinne von Bildern, die wissen, warum sie existieren. Schnee macht Szenen stiller, Feuer macht Körper verletzlicher, Glas trennt die Menschen und Türen rahmen Macht. Schatten verstecken nicht nur, sie erzählen. Ich hatte oft das Gefühl, dass die Kamera, obwohl es keine echte Kamera gibt, genau weiß, wo sie stehen muss.

Die Action ist hart und präzise. Mizu kämpft nicht wie eine schwerelose Superheldin. Sie stemmt, rutscht, fällt, stößt, nutzt Wände, Kanten, Dreck und Schmerz. Ein Schlag hat Gewicht, ein Schnitt hat Folgen. Live-Action-Stuntarbeit diente als Grundlage für Choreografie und Storyboards. Das erklärt diesen körperlichen Zug, der viele Szenen so greifbar macht.

Action trifft auf Ruhe

Besonders schön finde ich, dass BLUE EYE SAMURAI trotz all seiner Härte Sinn für Ruhe hat. Eine Schwertschmiede kann hier wichtiger wirken als ein Massaker. Eine Mahlzeit kann mehr erzählen als ein Duell und die Episode um Mizu’s mögliche Ehe mit Mikio gehört für mich zu den stärksten Momenten der Staffel. Da wird die Rache für kurze Zeit leiser. Plötzlich scheint ein anderes Leben denkbar. Genau deshalb schmerzt es, als diese Möglichkeit zerbricht.

Die Serie arbeitet dabei sehr bewusst mit Themen, die leicht platt wirken könnten: Identität, Körper, Herkunft, Geschlecht, Scham und Macht. Hier hängen Themen an konkreten Figuren und Situationen. Mizu muss nicht erklären, dass sie zerrissen ist. Ich sehe es an ihren Augen, an ihrer Haltung, an dem kurzen Zögern, bevor sie wieder brutal wird. Akemi muss keine Rede über Freiheit halten. Ich sehe ihren Wunsch nach Freiheit daran, wie sie lernt, Räume zu lesen, in denen andere sie nur als Ware betrachten.

Natürlich ist nicht alles perfekt. Das Finale packt sehr viel auf einmal zusammen. Feuer, Intrige, Rache, politische Umwälzung und die Vorbereitung der nächsten Reise drängen dicht an dicht. Für ein paar Minuten fühle ich mich fast überfüttert. Doch selbst dort bleibt die Serie emotional bei ihren Figuren. Sie verliert Mizu nicht aus dem Blick. Das rettet die große Geste vor dem bloßen Spektakel.

Fazit

BLUE EYE SAMURAI ist für mich eine der eindrucksvollsten Serien der letzten Jahre, weil sie Schönheit und Schmerz zusammenbringt, ohne eines davon zu verraten. Diese Serie ist brutal, wie das Leben im feudalen Japan dieser Zeit. Sie ist stilvoll, aber nicht eitel. Die Macher lieben das Samurai-Genre, doch sie erzählen nicht nur von Schwertern. Sie erzählen von einem Menschen, der so lange als Fehler behandelt wurde, bis aus diesem Fehler eine Waffe entstand.

Ich habe Mizu nicht immer gemocht. Ich habe sie aber fast immer verstanden. Das ist mehr wert, denn diese Serie nimmt ihre Hauptfigur ernst genug. Sie zeigt, wie Wut antreibt, was es sie kostet und warum sie trotzdem so verführerisch bleibt.

Am Ende sitzt Mizu auf einem Schiff nach London. Die Rache ist nicht vorbei. Vielleicht beginnt sie dort erst richtig. Ich bin weiterhin dabei. Nicht nur wegen der Kämpfe, nicht nur wegen der Bilder, nicht nur wegen dieser eisigen Schönheit. Ich bin dabei, weil diese Serie eine Figur erschaffen hat, deren Blick ich nicht vergesse… Also sage ich さようなら (Sayōnara!)

• BLUE EYE SAMURAI
• Amber Noizumi und Michael Green
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © NETFLIX
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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