ABSOLUTE GREEN ARROW beginnt wie ein Fall, der Vielen schlaflose Nächte bereiten wird. Die Super-Reichen schlafen schlecht, die Polizei sortiert Spuren und Dinah Lance steht als zentrale Figur mittendrin. Sie weiß, dass ein Mord ein Mord bleibt. Sie weiß aber auch, dass manche Opfer sehr viele Schatten werfen.

Genau darin liegt der Reiz dieses Auftakts. Pornsak Pichetshote (Szenario), Rafael Albuquerque (Zeichnungen) und Marcelo Maiolo (fabren) machen aus Green Arrow (k)einen Horror-Comic. Auch, wenn es sich für die Opfer dieses Serienkillers so anfühlen mag und die Community es so sieht. Für mich bauen sie einen harten Thriller mit deutlichen Krimi-Anleihen. Die Frage lautet nicht nur: Wer tötet hier? Sie lautet auch: Warum gerade jetzt? Warum gerade diese Opfer? Und was hat Oliver Queen mit all dem noch zu tun?

Ein neues Universum mit alten Wunden

Die ABSOLUTE-Reihe von DC ist als eigenständiger Neustart angelegt und gehört inzwischen zum Besten, was der US-Comic-Markt zu bieten hat. Vertraute Figuren werden aus ihren bekannten Erzählstrukturen herausgelöst. BATMAN, SUPERMAN und WONDER WOMAN tragen noch immer ihren jeweiligen Kern in sich. Doch die Welt um sie herum ist schroffer. Sie schenkt ihnen weniger und sie zwingt sie schneller zu Entscheidungen, die weh tun.

Für GREEN ARROW passt dieser Ansatz erstaunlich gut. Oliver Queen war nie nur ein Bogenschütze mit einer Maske. Die Figur lebte immer auch von ihrer sozialen Reibung und eindeutigen Moralvorstellung. Er war der Held, der bei den großen Fragen nicht höflich anklopfte.

Reichtum, Ungleichheit, Korruption, Machtmissbrauch waren immer schon seine Themen. All das gehörte seit Jahrzehnten zum Design dieser Figur. Gerade deshalb ist es reizvoll, dass ABSOLUTE GREEN ARROW nicht bei der Abenteuermaschine ansetzt, sondern mit einer Erschütterung: Oliver Queen ist tot! Sein Zeichen lebt jedoch weiter, aber es hat seine Unschuld verloren.

Der Untertitel THE LONGBOW KILLER weckt natürlich Erinnerungen an THE LONGBOW HUNTERS, jene Green-Arrow-Geschichte, die die Figur Ende der 1980er Jahre rauer und erwachsener machte. Dieser neue Auftakt kopiert das nicht. Er nimmt eher die Idee auf, dass ein Bogen auch in die dunkleren Ecken des Genres führen kann. Diesmal geht es jedoch weniger um romantische Gesetzlosigkeit. Es geht um Tatmuster, Spuren, um Verdächtigungen und um eine Heldin, die lernen muss, einem Symbol nicht mehr zu trauen.

Auch das Kreativteam macht Sinn. Pichetshote denkt in moralischen Spannungen. Albuquerque zeichnet Körper, Räume und Gewalt mit einer Direktheit, die selten glatt wirkt. Maiolo legt darüber Farben, die nicht schmücken, sondern Druck erzeugen. So entsteht ein Comic, der sich wie eine Ermittlungsakte liest, in der jemand immer wieder mit rotem Stift etwas markiert hat.

Dinah Lance und die Sache mit dem Vertrauen

Die Handlung von ABSOLUTE GREEN ARROW – THE LONGBOW KILLER setzt an einem Punkt ein, an dem die klassische Heldenordnung bereits zerbrochen ist. Oliver Queen ist ermordet worden. Sein Tod steht dabei jedoch nicht nur als ferne Vorgeschichte im Raum, sondern als offene Wunde.

Dinah Lance, in dieser Version ehemalige Polizistin und MMA-Kämpferin BLACK CANARY, arbeitet als Personenschützerin. Sie ist erfahren, kampferprobt und innerlich deutlich weniger stabil, als sie nach außen wirken möchte. Genau diese Spannung trägt das Heft.

Der neue Fall zieht sie in einen Kreis aus reichen, einflussreichen – und sehr nervösen – Menschen. Ein maskierter Täter jagt Milliardäre. Seine Opfer sind keine gewöhnlichen Zufallsziele. Sie gehören zu einer Schicht, die sich Schutz kaufen kann, Nähe zur offiziellen Macht pflegt und Probleme verschwinden lässt. Der Serienkiller hinterlässt grüne Pfeile. Damit wird aus Olivers altem Zeichen ein Beweisstück. Dies trifft Dinah doppelt. Sie muss einen Mörder aufhalten. Zugleich muss sie verstehen, warum ausgerechnet dieses Symbol plötzlich für Hinrichtungen steht.

Pichetshote erzählt das angenehm konzentriert. Die Geschichte kippt nicht in eine ausufernde Ursprungserzählung. Ich bekomme genug über Oliver, um seinen Schatten zu spüren. Ich bekomme aber nicht so viel, dass er Dinah ihre Bühne nimmt. Das ist klug konzipiert. Denn Dinah ist hier keine Nebenfigur, die dem toten Helden hinterherläuft. Sie ist der Blick, die Haltung und das Gewissen des Comics.

Albuquerque unterstützt diese Anlage mit klarer, ruppiger Bildführung. Die Actionszenen haben Tempo, aber sie protzen nicht. Ein Angriff kommt schnell, ein Körper fällt schwer, ein Blick bleibt einen Moment zu lang hängen. Das ist Thriller-Handwerk. Der Seitenrhythmus arbeitet mit Druck und Unterbrechung. Mal zieht die Erzählung an, dann bremst ein stilles Panel die Bewegung ab. Ich hatte beim Lesen immer wieder das Gefühl, dass Dinah nicht nur Beweise sammelt. Sie sortiert auch ihre eigenen Erinnerungen neu.

Der Bogenschütze bleibt zunächst mehr Funktion als Figur. Das ist für ein erstes Heft in Ordnung. Seine Maske, seine Präzision und seine Zielauswahl reichen, um Bedrohung aufzubauen. Wichtiger ist der Verdacht, den er sät. Wenn ein Symbol plötzlich an Tatorten auftaucht, wird jeder frühere Verbündete, jede alte Verbindung und jede offene Rechnung erst einmal verdächtig. Roy Harper und Mia Dearden schwingen als mögliche Spuren mit. Doch der Comic tut gut daran, nicht sofort alle seine Karten aufzudecken. Er will, dass ich weiterblättere. Und das tue ich gerne!

Ein Auftakt, der den Bogen spannt

Als Nummer 1 funktioniert ABSOLUTE GREEN ARROW sehr gut. Das Heft erklärt seinen Schauplatz knapp, setzt Dinah stark ins Zentrum und liefert ein klares Versprechen.

Hier wird nicht einfach eine bekannte Figur modernisiert. Hier wird ein Vermächtnis zur Gefahr. Das ist ein starkes Sujet, weil es ohne großes Vorwissen verständlich bleibt. Wer GREEN ARROW kennt, spürt die Verschiebung. Wer ihn nicht kennt, versteht trotzdem, dass dieses Zeichen einmal für etwas anderes gestanden hat.

Besonders überzeugend finde ich die Krimi-Struktur. Es gibt Opfer, Muster, Verdächtige, berufliche Zwänge und private Altlasten. Die Gewalt ist hart, aber sie steht im Dienst des Falls. Der Comic will nicht schocken, nur um laut zu sein. Er will zeigen, wie schnell moralische Gewissheit verrutscht, wenn die Toten selbst keine reinen Unschuldslämmer waren. Wer einen Schmetterling zertritt ist ein Mistkerl, wer eine Kakerlake zertritt … nun ja.

Genau hier liegt auch die größte Aufgabe für die kommenden Hefte. Die Serie darf sich nicht zu sehr auf ihre düstere Attitüde verlassen. Sie muss Dinah’s Konflikt vertiefen, den Täter schärfen und Oliver Queen’s Erbe mit echten Konsequenzen aufladen.

Die große Nachfrage vor der Veröffentlichung passt zu diesem starken Start. Die Erstauflage war über Vorbestellungen so schnell vergriffen, dass DC bereits eine Zweitauflage angekündigt hat. Wer lesen will, muss das also erst einmal online tun.

Für ein Auftaktheft ist das natürlich ein hübsches Ausrufezeichen. Wichtiger bleibt für mich aber, dass der Comic diese Aufmerksamkeit erzählerisch begründet. Er hat einen sauberen Haken, eine Figur, der ich folgen möchte und er hat Bilder, die nicht nach Hochglanz aussehen.

Ein Autor mit Gespür für Schuld

Pornsak Pichetshote ist ein thailändisch-amerikanischer Autor, der vor seiner eigenen Arbeit als Szenarist auch redaktionell bei DC’s Vertigo Imprint tätig war. Dort bewegte er sich in einem Umfeld, das viele erwachsene, literarisch geprägte Genrestoffe hervorbrachte.

Als Autor wurde er besonders mit INFIDEL und EXQUISITE CORPSES bekannt. Seine Geschichten verbinden oft Spannung mit Fragen nach Herkunft, Macht, Schuld und gesellschaftlicher Ausgrenzung. Das merkt ich auch hier. Pichetshote interessiert sich nicht nur dafür, was passiert. Ihn interessiert, welche Wunde eine Tat offenlegt.

Ein Zeichner für Druck und Bewegung

Rafael Albuquerque stammt aus Brasilien und arbeitet seit vielen Jahren für den amerikanischen Comicmarkt. Bekannt wurde er unter anderem durch BLUE BEETLE, SUPERMAN / BATMAN und vor allem AMERICAN VAMPIRE.

Seine Zeichnungen haben eine körperliche Energie, die gut zu Geschichten passt, in denen Figuren unter Druck geraten. Albuquerque kann Action klar erzählen, ohne sie glattzubügeln. Gesichter, Schatten und Bewegungen wirken bei ihm oft leicht angeraut. In ABSOLUTE GREEN ARROW – THE LONGBOW KILLER ist genau das wichtig. Die Welt sieht nicht edel aus, sondern benutzt.

Fazit

ABSOLUTE GREEN ARROW liefert viele Anspielungen auf aktuelle Ereignisse, Personen und Diskussionen. Gleichzeitig ist der erste Band ein starker, harter und sehr kontrollierter Auftakt, bei dem ich verstehen kann, weshalb die Community so heiß auf diese Ausgabe war.

Ich mochte vor allem, dass der Comic seine Hauptfigur nicht bequem über das Symbol Green Arrow definiert, sondern über den Verlust dieses Symbols. Dinah Lance trägt die Geschichte mit Wucht, Zweifel und genug Wärme, damit die Kälte des Falls nicht alles verschluckt. Die Ausgabe ist ein Thriller mit Krimi-Puls. Genau so funktioniert sie hier am besten.

Die Pfeile fliegen nicht mehr als reines Helden-Signe. Sie stecken in Beweisräumen örtlicher Polizeistationen fest. Und ich will wissen, wer sie dort hin geschossen hat.

Der Panini Verlag hat angekündigt, die Reihe auf Deutsch zu bringen. Falls die kommenden Hefte der Reihe das Niveau halten, wird der Sammelband mit Sicherheit seinen Weg in mein Regal finden.

• ABSOLUTE GREEN ARROW #1
• Pornsak Pichetshote und Rafael Albuquerque
• 28 Seiten | Farbe
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © DC Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Peter Mennigen und Ingo Römling liefern in dieser Erzählung keinen Blutrausch um des Effekts willen. Ich erhalte stattdessen eine viktorianischen Abenteuernarration, die sich mit sichtbarer Lust an Schauer, Krimi, Steampunk, Weltuntergangsflirt und sehr trockenen Humor durch ihre 64-seitige Geschichte hindurch laviert. Hierbei handelt es sich um den inzwischen sechsten Band der laufenden, sehr erfolgreichen Serie. Und – er endet mit einem fetten Cliffhanger. Der Folgeband AM ENDE DER ZEIT ist beim Splitter Verlag nun – endlich! – für September 2026 angekündigt.

Was ich an dieser Serie so mag, zeigt sich auch in diesem Werk wieder. Malcolm Max ist kein grummeliger Dämonenschlächter, der mit finsterem Gesicht durch die Seiten stapft. Er ist elegant, spöttisch, kontrolliert und oft genau dann am besten, wenn sich alles außerhalb seiner Kontrolle abspielt.

Seine Partnerin, Charisma Myskina, ist für mich dabei längst das emotionale Zentrum der Reihe. Halbvampirin hin oder her, ihre Mischung aus Direktheit, Stolz, Fremdheit und verletzlicher Neugier trägt diese Geschichten mindestens genauso stark wie Malcolm’s Gehabe als Gentleman mit Nerven aus Stahl.

Das Ganze spielt im London der späten viktorianischen Epoche. Also in einer Welt, die nach außen zwar voller Normen und Regeln aussieht, innerlich jedoch bereits vor sich hin fault. Genau an diesem Ort und zu dieser Zeit fühlt sich diese Serie seit Jahren am wohlsten.

London aus Nebel, Armut und Zukunftseuphorie

Bevor ich zur Handlung komme, lohnt sich ein kurzer Blick auf den Hintergrund, vor dem diese Serie läuft. Zunächst einmal: Malcolm Max begann nicht als Comic, sondern als Hörspiel. Peter Mennigen entwickelte die Figur 2008 im Umfeld einer geplanten Wiederbelebung von GESPENSTER GESCHICHTEN. Erst später wurde daraus diese Comicreihe beim Splitter Verlag.

Für die Chronologie ist das wichtig, denn die frühen Hörspiele erzählen die Vorgeschichten, während der erste Comic zeitlich danach einsetzt. Das erklärt auch, warum die Welt dieser Serie oft so wirkt, als läge schon ein ganzes Leben hinter ihren Figuren.

Noch spannender ist für mich aber der Schauplatz. Der Band führt tief ins East End und damit in jenen Teil Londons, der im späten 19. Jahrhundert wie ein Gegenbild zur imperialen Selbstverherrlichung wirkte. Charles Booth’s Londoner Armutskarte markierte Spitalfields und Whitechapel 1889 bis 1891 großflächig in Schwarz und Blau. Also als Gegenden mit besonders hoher Armut.

Gleichzeitig hängt dort noch der Schatten von JACK THE RIPPER in der Luft. Die Morde in Whitechapel von 1888 wurden zum Dauertrauma der Stadt und fraßen sich tief in die Popkultur hinein. Genau diese Mischung aus Elend, Angst und öffentlicher Obsession zapfen das Hörbuch und später auch der Comic sehr gezielt an.

Dazu kommt ein dritter Punkt, der für MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON fast ideal ist. London war damals eben nicht nur düster, sondern auch im wörtlichen Sinn elektrisiert. In den 1860er Jahren wuchs das Interesse an Séancen und modernem Spiritualismus. 1879 bekam der Lesesaal des British Museum elektrische Lampen und 1882 ging am Holborn Viaduct eine frühe öffentliche Stromversorgung in Betrieb.

Diese Stadt glaubte also gleichzeitig an „Geisterklopfen“ und an technische Erlösung. Ich finde, kaum ein deutscher Genre-Comic nutzt diese Spannung zwischen Okkultismus und Fortschrittsrausch so stimmig aus wie diese Reihe.

Zwei Ermittler wie ein altes Ehepaar

Im Zentrum dieses Bandes stehen – natürlich – wieder Malcolm Max und Charisma Myskina. Er ist der stilbewusste Spezialist für paranormale Fälle, sie die Halbvampirin an seiner Seite, gefährlich, scharfzüngig und deutlich weniger bereit, höflich um die Dinge herumzureden.

Dazu kommen die Schwestern Emmeline und Miranda Finch, die in dieser Welt längst mehr sind als putzige Nebenfiguren. Sie bringen Witz, Tempo und ein sehr eigenes detektivisches Gespür ein, das ihnen bereits einen eigenen Spin-Off-Band beschert hat.

Gerade diese Mischung aus erwachsener Schauerabenteuer-Serie und fast frecher Jungdetektiv-Energie gibt MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON seinen besonderen Ton.

Ein vollgepacktes Album

Der Band steigt mit einem Hinterhalt ein. Malcolm und Charisma geraten in ein verlassenes Hospital und dort in eine Falle, die sehr schnell klarmacht, dass hier mehr am Werk ist als ein örtlicher Serienmörder. Dämonische Kopfgeldjäger, seltsame Steckbriefe, rätselhafte Gegner, dazu später die Spur eines Kannibalen, der Frauen aus dem Milieu zerfetzt zurücklässt, nehmen hier ihren Anfang.

Peter Mennigen eröffnet den Band gleich mit diversen Fäden. Das ist auf 64 Seiten riskant, funktioniert hier aber erstaunlich gut, weil er nie vergisst, die Figuren zusammenzuhalten. Selbst wenn die Handlung kurz in Richtung dimensionsoffener Irrsinn abkippt, bleibt die Frage wichtig, wie Malcolm und Charisma aufeinander reagieren, wie sie sich necken, reizen, retten und doch ständig einen halben Schritt zu weit voneinander weg bleiben. Schließlich gibt es da ja noch die Drohung von Charisma’s Vater, Malcolm den Garaus zu machen, sollte er seiner Tochter zu nahe kommen. Aber das ist ein anderes Thema.

Gerade dieses Duo ist für mich der eigentliche Grund, warum ich immer wieder zu der Serie zurückkehre. Zwischen diesen Beiden knistert es gewaltig und nicht in einem kitschigen Sinne. Eher so, als würden zwei Menschen seit Ewigkeiten denselben Satz umkreisen und ihn nie aussprechen.

Der Humor kommt genau aus dieser Bewegung. Ein schräger Blick hier, eine kühle Bemerkung dort, ein Satz, der halb Rettungsleine und halb Spitze ist. Das ist genau mein Ding. Ich habe beim Lesen oft den Eindruck, dass Mennigen den Rhythmus der Beziehung besser versteht als viele Autoren, die ihre Figuren nur auf eine Romanze zuschreiben. Hier bleibt das Spiel offen. Und genau deshalb bleibt es lebendig.

Das East End wird zum Schaufenster des Grauens

Der titelgebende Kannibale ist natürlich kein bloßer Vorwand. Der Fall bringt diese Geschichte mitten ins East End, also hinein in jene Straßen, in denen Frauenkörper schnell zur Ware und noch schneller zu Wegwerfmaterial wurden.

Der Band macht daraus keine plumpe Sozialgeschichte. Ich fand aber stark, wie deutlich die soziale Schieflage spürbar bleibt. Die Opfer sind nicht zufällig Frauen aus dem Milieu. Dieser Fall erzählt eben auch davon, wer in dieser Stadt am leichtesten verschwindet und wer erst dann zählt, wenn sich das Grauen nicht mehr vertuschen lässt. Besonders gut hat mir gefallen, wie Charisma von Menningen in diese Umgebung gestellt wird. Dass sie sich als Prostituierte verdingen soll, ist nicht bloß ein sensationeller Aufhänger, sondern ein kluger Perspektivwechsel innerhalb der Serie.

Plötzlich sieht London anders aus, nicht aus Malcolm’s ironischer Distanz, sondern aus einer gefährdeten, körperlich exponierten – wenn auch wehrhaften – Position einer Frau. Gleichzeitig nimmt sich der Band beim Humor nicht zurück. Diese Szenen haben Biss (Sorry, Wortspiel), aber eben auch Witz.

Charisma spielt keine wehrlose Rolle. Sie spielt mit ihrer Rolle. Und Malcolm muss dabei einsehen, wie wenig Kontrolle er wirklich hat. Genau daraus zieht der Comic einen guten Teil seiner Spannung.

Parallel dazu läuft die Geschichte um einen hochbegabten Physiker, der für seine todkranke Tochter an eine Grenze geht, hinter der Wissenschaft nicht mehr sauber von Hybris zu trennen ist. Auch das ist typisch für diese Serie. Sie liebt Laborfantasien, dampfende Apparaturen, große Versprechen und den Moment, in dem Fortschritt vielleicht in Größenwahn kippt.

Ich mag, dass Mennigen diese Ebene nicht trocken erklärt, sondern als emotionalen Motor nutzt. Es geht nie nur um diese Erfindung. Es geht um Verzweiflung, Liebe, Verlustangst und den alten Wunsch, den Tod irgendwie doch zu überlisten. Dadurch bleibt das Science-Fiction-Element im Band nicht bloß Dekor, sondern bekommt ein Herz.

Wenn Witz und Weltuntergang gleichzeitig anklopfen

Was dieser Band besonders gut kann, ist einen ganz bestimmten Ton zu treffen. Ich lese hier einen Geschichte, die Dinge zeigt, die eigentlich unerquicklich sind. Verstümmelte Opfer, dämonische Angriffe, apokalyptische Möglichkeiten. Und trotzdem kippt das Ganze nie in selbstgefällige Düsternis. Dafür sorgt der Humor, vor allem der, der aus den Figuren kommt und nicht aus aufgesetzten Gags. Ein schönes Beispiel ist das Gerücht über eine mögliche Verlobung von Malcolm und Charisma. So ein Einfall könnte albern werden. Hier lockert er die Geschichte auf und zeigt gleichzeitig, wie viel zwischen diesen beiden unausgesprochen herumsteht.

Gleichzeitig merkt ich dem Band an, dass er ein Kapitel in einer fortlaufenden Serie und kein völlig abgeschlossener Einzelband ist. Das ist Stärke und kleine Schwäche zugleich. Stärke, weil die Welt dicht ist, weil Nebenfiguren Gewicht haben, weil jedes neue Abenteuer auf etwas Größeres hinarbeitet. Kleine Schwäche, weil der Band sein Material sehr energisch zusammenhält und deshalb an einigen Stellen fast zu viel in zu kurzer Zeit erzählen muss. Die Übergänge zwischen Serienmörderfall, okkultem Angriff, Wissenschaftsdrama und kosmischer Bedrohung sind spannend, aber nicht immer ganz … „luftig“. Ich war beim Lesen nie verloren, habe aber gespürt, wie dicht Mennigen seine 64 Seiten packen musste.

Trotzdem sitzt der Cliffhanger. Und zwar nicht nur als lautes „To-be-continued“-Schild, sondern als echter Schub nach vorn. Ich habe das Album mit genau dem Gefühl geschlossen, das eine gute Fortsetzungsserie auslösen soll: nicht Sättigung, sondern Vorfreude und ungeduldige Erwartung des nächsten Bandes. Genau darin liegt für mich eine große Qualität von MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON. Der Band will nicht nur gefallen, sondern die Reihe unter Spannung halten. Das gelingt ihm.

Mehr Serienfolge als Einsteigeralbum

Wie schon erwähnt, ist für die Einordnung wichtig, dass die Comics chronologisch nach der Hörspielvorgeschichte spielen und längst ein größeres Netz aus Beziehungen, Mythen und Running Gags aufgebaut haben. Wer hier zum ersten Mal einsteigt, bekommt genug, um dem Fall zu folgen. Ich würde Band 6 trotzdem nicht als idealen Erstkontakt empfehlen.

Zu viel von seinem Charme entsteht aus Vertrautheit mit seinen Figuren und dem Wissen, wie Malcolm und Charisma seit Jahren umeinander kreisen. Oder aus dem Vergnügen, wenn die Finch-Schwestern auftauchen. Und aus dem Gefühl, dass diese Welt schon lange vor der ersten Seite atmet.

Innerhalb der Reihe wirkt der Band für mich wie eine Zuspitzung. Der Fall ist größer, die Bedrohung drastischer, der Blick stärker auf die Serie als Ganzes gerichtet. Darum wird er auch in zwei Alben erzählt. Dazu passt, dass der angekündigte Folgeband AM ENDE DER ZEIT die Linie von Raum, Zeit und Apokalypse ausdrücklich weiterführt.

Ich mag an dieser Entwicklung, dass sie die Serie nicht verrät. MALCOLM MAX bleibt auch dann Malcolm Max, wenn die Bühne wächst. Er bleibt der geschniegelte, grantige Geisterermittler, der lieber einen trockenen Satz setzt, als heroisch zu posieren. Und Charisma bleibt die Figur, die ihm mit Freude jede Attitüde aus dem Gesicht klatscht, sobald sie zu geschniegelt sitzt.

Kurz etwas zu den Machern

Peter Mennigen, Jahrgang 1952, studierte in Köln Kunst und Design und schrieb seit den späten 1970er Jahren für eine erstaunliche Zahl deutscher Comicreihen. Besonders prägend war seine Arbeit für Bastei Titel wie GESPENSTER GESCHICHTEN, SPUK GESCHICHTEN, PHANTOM, CONNY oder FELIX.

Später schrieb er auch für die Verlage Egmont, Panini und Ravensburger und verfasste internationale Stoffe zu Serien wie LUCKY LUKE, DIE SCHLÜMPFE, BESSY und ISNOGUD. Hinzu kommen Hörspiele, Bücher sowie Drehbücher für Fernsehproduktionen wie KÄPT’N BLAUBÄR, TIM THALER und RTL SAMSTAG NACHT. Bei MALCOLM MAX bündelt er viel von dem, was er über Pulp, Serienerzählung, Schauerstoffe und pointierte Dialoge gelernt hat.

Ingo Römling wurde 1969 in Frankfurt am Main geboren und kam aus Illustration, Grafik und Musik zum Comic. Früh arbeitete er für Verlage, Werbeagenturen und später sehr erfolgreich für die Musikbranche als Cover-Illustrator und Layouter. Mit DIE TOTEN machte er sich im deutschen Comic deutlich bemerkbar. Seine Comics METROPOLIA: BERLIN 2099 und DIE CHRONIKEN DES UNIVERSUMS habe ich an dieser Stelle bereits besprochen.

Seit 2013 prägt er gemeinsam mit Peter Mennigen die Welt von MALCOLM MAX. Parallel dazu wurde er mit STAR WARS REBELS zu einem der ersten offiziellen Disney Comiczeichner aus Deutschland. Auch international ist Römling längst unterwegs, etwa über den französischen Verlag Dargaud und Europe Comics. Sein Stil verbindet klassische Lesbarkeit mit digital gestützter Bildfülle und einem sicheren Gespür für Atmosphäre. Genau deshalb passt er so gut zu einer Serie, die zwischen Gasse, Labor und Dämonenportal ständig den Ton wechseln muss.

Fazit

MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON ist für mich ein fast perfekter Band. Fast – denn dafür ist er stellenweise etwas zu dicht und zu verliebt in die Menge seines Materials. Aber genau darin steckt auch seine Kraft.

Ich bekomme einen deutschen Genre-Comic, der seine viktorianische Bühne ernst nimmt, seine Figuren liebt, seinen Humor trocken serviert und sein Grauen nie bloß vordergründig benutzt. Vor allem bekomme ich aber wieder Malcolm und Charisma. Und ehrlich gesagt reicht mir das schon, um glücklich zu sein.

Ich bleibe also dran, obwohl mich – wie bereits erwähnt – Horror selten begeistert. Diese Reihe aber tut das schon. Und auf Band 7 im September 2026 freue ich mich sehr…

• MALCOLM MAX 6 – DER KANNIBALE VON LONDON
• Peter Mennigen und Ingo Römling
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-98721-297-0
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Plötzlich stehen Comics nicht nur in den hinteren Regalen von Buchhandlungen, hängen an Wänden von Nerds oder liegen auf Tischen – nein, sie ziehen durch Plätze, Theater, Museen, Schaufenster und Gespräche. Genau das macht den Reiz eines Festivals aus. Es ist groß genug, um beinah die ganze Branche zu versammeln und zugleich kompakt genug, damit man nach wenigen Stunden das Gefühl hat, mitten im Geschehen zu sein.

Für 2026 kündigt der Salon auf seiner Website wieder rund 300 Aussteller, mehr als 500 Künstlerinnen und Künstler und ein dichtes Programm aus Messe, Ausstellungen, Gesprächen und Signierstunden an. Die Zahlen der letzten Ausgabe zeigen, dass dies keine freundliche Übertreibung ist: 2024 kamen rund 30.000 Besucherinnen und Besucher, es gab 325 Aussteller, 582 gemeldete Künstlerinnen und Künstler, 278 Veranstaltungen und 25 Ausstellungen.

Was den INTERNATIONALEN COMIC-SALON ERLANGEN (ICSE) so erfolgreich macht, ist nicht bloß seine Größe. Andere Festivals haben mehr Pathos, mehr Glamour oder mehr pop-artige Begleitgeräusche. Erlangen dagegen hat eine seltene Mischung aus Ernsthaftigkeit, Neugier und Bodenhaftung. Hier treffen auf engem Raum Buchhandel und Verlage auf Hochschulen, Sammler und Familien auf Zeichner, Kritiker und Gelegenheitsleser auf Hardcore-Fans. Und manchmal gerät der eine oder Tourist in den Trubel, ohne zu wissen, wie ihm – oder ihr – geschieht.

Das Festival will Kunst zeigen, aber es will sich nicht von seinem Publikum abkoppeln. Es nimmt Comics als Kunstform ernst, ohne sie hinter Museumsglas einzusperren. Genau deshalb fühlt sich Erlangen nie wie ein Branchentermin unter Ausschluss der Öffentlichkeit an, sondern wie ein offenes Stadtfest für die Neunte Kunst. (Diesen Begriff prägte ursprünglich der Journalist und Schriftsteller Francis Lacassin. Eine passende Muse lieferte er uns jedoch nicht gleich mit. Schade eigentlich.)

Wie Erlangen zur festen Adresse wurde

Die Geschichte des Salons ist spannender, als der nüchterne Festival-Name zunächst vermuten lässt. Gegründet wurde er 1984, also in einer Zeit, in der Comics in Deutschland zwar längst gelesen wurden, kulturell aber noch deutlich weniger Ansehen genossen. (Und ja, auch heute ist das sogenannte Standing der bunten Hefte und Alben immer noch ausbaufähig.)

In Erlanger Unterlagen zur geplanten Entwicklung eines Comic-Museums steht ziemlich deutlich, dass die Stadt damals ihrer Zeit voraus war. Der Salon habe über Jahrzehnte den Stellenwert der Comic-Kunst mitgeprägt und Erlangen zu einem weithin beachteten Ort der Neunten Kunst gemacht.

Zugleich erinnert eine städtische Publikation daran, dass der frühere Kulturreferent Wolf Peter Schnetz jene kommunale Kulturlandschaft mit aufgebaut hat, aus der neben dem Comic-Salon auch das Figurentheater-Festival und das Poetenfest hervorgingen. Man kann also sagen, dass der Salon keine Laune oder netter Zufall war, sondern Teil einer kulturpolitischen Strategie, die erstaunlich weitsichtig gewesen ist.

Das zweite spannende Detail liegt in der Stadt selbst. Erlangen ist eben nicht Berlin, nicht Hamburg oder Köln. Und gerade das hilft im Drei-Länder-Eck der deutschsprachigen Interessierten aus Deutschland, Österreich und der Schweiz.

Ein offizielles Eckpunktepapier der Stadt beschreibt, wie Ende der siebziger und Anfang der achtziger Jahre mehrere große Festivals den Ruf Erlangens als Festivalstadt begründeten.

Zwischen Angoulême, Lucca und Luzern

Der Vergleich mit anderen europäischen Festivals wird das Besondere von Erlangen erst richtig deutlich.

Angoulême (Frankreich) denkt den Comic stark vom Autor und vom vergebenen Preis her. Auf der offiziellen Seite des Festivals wird ausdrücklich betont, dass die Künstlerinnen und Künstler im Zentrum stehen.

Lucca (Italien) wiederum beschreibt sich gern selbst als eines der größten Community-Events der westlichen Welt und feiert ganz offen die Popkultur aus Comics, Games, Kino und mehr in aller Breite.

Fumetto in Luzern (Schweiz) setzt seit 1992 traditionell stärker auf Ausstellung, Kunst-Anspruch und Avantgarde, ausdrücklich ohne einen klassischen Messehintergrund.

Erlangen wiederum liegt irgendwo dazwischen, aber eben nicht unentschlossen, sondern ziemlich eigenständig. Gerade darin steckt seine Stärke. Das deutsche Festival ist konzentrierter als Lucca, zugänglicher als viele rein kunstorientierten Formate und weniger von Preislogik dominiert als Angoulême, obwohl in Erlangen der renommierte Max-und-Moritz-Preis vergeben wird.

Das Festival verbindet Kunst und Kommerz, Mainstream und Avantgarde – so beschreibt es die offizielle Selbstdarstellung selbst. Und anders als bei vielen Messen bleibt dieses Versprechen nicht bloß ein Slogan. Wer morgens in eine Ausstellung geht, mittags durch die Zelte streift, nachmittags einer Diskussion zuhört und abends im Markgrafentheater zur Preisverleihung landet, merkt schnell, wie sauber diese Bausteine ineinandergreifen.

Der ICSE wirkt nicht wie eine Ansammlung einzelner Programmpunkte, sondern wie ein aus der Stadt heraus gebautes Ganzes.

Kleine Stadt, ganz groß

Der Comic-Salon findet seit 1984 im zweijährigen Wechsel mit dem Internationalen Figurentheater-Festival und dem Poet*innenfestival statt. Wie viele andere, große europäische Comic-Festivals sitzt auch Erlangen in einer kleineren Stadt mit historischer Kulisse. Hier entsteht daraus ein geschlossener Kreislauf.

Man läuft sich dauernd über den Weg. Die Wege sind kurz, Begegnungen nicht künstlich arrangiert und die Stadt selbst spielt mit. Das klingt zuerst einmal simpel, ist aber ein echter Standortvorteil.

Ein drittes Detail erklärt, warum der Salon mehr als eine Messe mit Rahmenprogramm ist. Aus ihm sind Strukturen entstanden, die weit über das Festival hinausreichen. Die Idee eines Comic-Museums in Erlangen wird seit Jahren ernsthaft verfolgt, ausdrücklich mit Verweis auf die Bedeutung des Salons. Auch existiert das 1986 gegründete International Comic-Seminar. Dazu kommt das Festival im Festival KINDER LIEBEN COMICS, das 2016 gestartet ist und in diesem Jahr sein zehnjähriges Bestehen feiert.

Dies ist kein schmückendes Beiwerk. Es zeigt, wie bewusst in Erlangen an der nächsten Generation von Künstlerinnen und Künstlern, Leserinnen- und Lesern gearbeitet wird. Wer Comics nur als Nostalgie für ältere Fans versteht, bekommt hier seit Jahren das Gegenteil vorgeführt.

Wenn selbst ein Erfolgsfestival rechnen muss

So robust der Comic-Salon kulturell dasteht, so wenig ist er von den Finanzproblemen seiner Stadt abgekoppelt. Genau darin liegt derzeit der wunde Punkt.

Die Kommune Erlangen beschreibt ihre Haushaltslage für 2026 selbst als „schwierig“. Als Ursachen nennt sie hohe Gewerbesteuerrückzahlungen aus dem Jahr 2024, rückläufige Gewerbesteuereinnahmen, steigende Personal- und Sozialausgaben sowie hohe Baukosten. Das alles kennt man ja. In den offiziellen Haushalts-FAQs ist außerdem von Kassenkrediten, einer zuvor nötigen Haushaltssperre und einem Konsolidierungskonzept die Rede.

Ergänzend wurde im Herbst 2025 öffentlich, wie hart der Einbruch die Stadt getroffen hat. Nach Angaben aus dem Umfeld des Kulturamts mussten Gewerbesteuern in einer Größenordnung zurückgezahlt werden, die den finanziellen Spielraum der Kommune massiv schrumpfen ließ. Wer das nüchtern liest, versteht sofort, warum in Erlangen plötzlich auch über Festivalgrößen, Ticketmodelle und Prioritäten gesprochen wird. Für den Comic-Salon heißt das ganz konkret, dass auch er Teil des Sparens geworden ist.

Der Stadtrat hat den Haushalt 2026 zwar beschlossen und damit die Grundlage geschaffen, Kulturförderung und andere freiwillige Aufgaben weiter zu finanzieren. Aber der Konsolidierungskurs bleibt sichtbar. Beim Salon 2026 wurden die Eintrittspreise angehoben. Die (nicht ermäßigte) Tageskarte steigt von 12 auf 15 Euro, die Dauerkarte von 32 auf 40 Euro. Bemerkenswert ist auch die Begründung in den städtischen Unterlagen. Das Prinzip „Zahl, was du kannst“ wird beim Comic-Salon vorerst gerade nicht eingeführt, weil ein großer Teil des Publikums nicht aus Erlangen kommt. Das klingt trocken, sagt aber viel.

Der Salon ist für die Stadt ein Prestigeprojekt, ein Standortfaktor und ein Publikumsmagnet. Zugleich ist er jedoch kein geschützter Raum außerhalb der Haushaltsrealität. Erfolgreich zu sein heißt in Erlangen also gerade auch, sich den härteren Bedingungen zu stellen bzw. anzupassen, ohne dabei den eigenen, langjährig entwickelten Charakter zu verlieren.

Die Stadt als Ausstellungsraum

Mindestens so wichtig wie Preis und Messe sind in Erlangen die Ausstellungen. Dies ist der Teil des Festivals, den man von außen leicht unterschätzt.

Viele Comic-Veranstaltungen haben schöne Originalseiten an den Wänden. Erlangen macht daraus seit Jahren ein eigenes Netz, dass sich durch die ganze Stadt zieht. Der Salon arbeitet mit Museen und Ausstellungshäusern zusammen, verteilt Einzelschauen, Themenschauen und Nachwuchsprojekte über mehrere Orte und zwingt sein Publikum damit angenehm zum Spazieren, Schauen und Umschalten.

Für 2026 ist mit CHRISTOPH NIEMANN. AUF DEN PUNKT bereits früh eine große Einzelausstellung im Kunstpalais an den Start gegangen. Sie läuft vom 14. März bis 7. Juni und ist mit dem Salon-Ticket frei zugänglich. Schon daran sieht man, dass die Ausstellungslinie nicht bloß Begleitmusik ist, sondern ein eigener Pfeiler des Festivals. Weitere sind bereits in Arbeit.

Dazu kommt die konkrete Topografie. Die Messe sitzt üblicherweise in temporären Hallen am Schlossplatz und Schlossgarten, dazu kommen Redoutensaal, kubic – Das Kreativ-Kraftwerk und weitere Orte. Die Börse ergänzt am Samstag das Ganze mit ihrem eigenen Sammler- und Händlermilieu.

Das klingt erst einmal nach viel Betrieb, fühlt sich vor Ort aber erstaunlich übersichtlich an. Vielleicht ist das der eigentliche Trick von Erlangen. Der Salon ist groß genug, um an jeder Ecke etwas los zu haben und klein genug, um nicht im Eventlärm unterzugehen. Du kaufst ein Buch und landest zehn Minuten später in einer Ausstellung. Du gehst wegen eines Stars ins Markgrafentheater und bleibst an einem Hochschulstand hängen.

Genau aus solchen Wechseln entsteht der besondere Zug des Festivals. Hier wird der Comic nicht nur verkauft, sondern geehrt und „bewohnt“.

Warum Erlangen bleibt

Der COMIC-SALON ERLANGEN ist erfolgreich, weil er etwas kann, das schwer zu kopieren ist: Er ist Fachtreffen, Publikumsmagnet, Ausstellungsfestival und Gradmesser der Branche zugleich. Er hat Geschichte, ohne traditionsselig zu wirken. Er wächst, ohne seine Heimeligkeit zu verlieren. Und er zeigt gerade in wirtschaftlich harten Zeiten, dass Kultur nur dann Gewicht hat, wenn sie in einer Stadt wirklich verankert ist.

Ich mag an Erlangen besonders, dass es den Comic weder zum Nischenhobby verniedlicht noch zum feierlichen Heiligtum aufbläst. Es behandelt ihn als das, was er längst ist: eine lebendige Kunstform, die Leser braucht, die Orte braucht und ein Festival, das beides zusammenbringt.

Am 04. Juni ist es also wieder soweit. Und wir alle wünschen uns, das die Stadt Erlangen Mittel und Wege findet, uns auch in Zukunft mit ihrem Internationalen Comic-Salon so etwas wie Heimat zu bieten.

Zu guter Letzt:

Ein Preis, auf den alle schauen

Zum Kern des Salons gehört der MAX-UND-MORITZ-PREIS. Er wird von der Stadt Erlangen vergeben, von einer unabhängigen Fachjury entschieden und gilt seit Jahrzehnten als wichtigste Auszeichnung für grafische Literatur im deutschsprachigen Raum.

2026 sitzen mit Catherine Bazabas (Eigentümerin Comicbuchhandlung Petit Kami, Hamburg), Christian Gasser (Autor, Dozent an der Hochschule Luzern – Design & Kunst), Andrea Heinze (Journalistin, Berlin), Katinka Kornacker (Geschäftsführerin COMIX – Comicbuchhandlung Hannover), Isabel Kreitz (Comic-Zeichnerin, Hamburg), Christine Vogt (Leiterin der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen) und Bodo Birk (Leiter des Internationalen Comic-Salons Erlangen) erneut breit aufgestelltes Fachwissen zusammen.

Alleine das zeigt, welchen Rang der Preis in Erlangen hat. Er läuft nicht nebenbei mit, sondern bildet den festlichen Mittelpunkt des Wochenendes.

Die Nominierungen 2026

Die Nominierungen wurden auch in diesem Jahr relativ spät bekannt gegeben. Das ist journalistisch zwar unpraktisch, andererseits aber auch ziemlich aufschlussreich. Denn schon die Wartephase macht sichtbar, wie stark ein solcher Preis als Taktgeber funktioniert.

Sobald die Liste erscheint, beginnen in Verlagen, Buchhandlungen und Ateliers sowie unter Leserinnen und Lesern sofort die Debatten darüber, welche Art von Comic gerade nach vorn rückt.

Auch 2026 sind es erneut 25 Nominierungen. Die Bandbreite verrät, dass der Preis mehr tut, als nur einen Sieger zu küren. Er bildet die Szene ab, vom Kinder- bis zum Sachcomic, von Originalausgabe bis Übersetzung, von Einzelwerk bis Lebensleistung.

Dass auf der Liste vergangener Lebenswerk-Preisträger Namen wie Albert Uderzo, Jacques Tardi, Alan Moore, Pierre Christin, Claire Bretécher, Naoki Urasawa und zuletzt Joann Sfar stehen, zeigt zugleich den Anspruch, den sich die Stifter gegeben haben. Erlangen denkt auch hier nicht provinziell. Es misst die deutschsprachige Comic-Kultur immer auch an einem internationalen Horizont.

In diesem Jahr sind die Glücklichen (nach Verlagen geordnet):

Hinweis: Die Fotos unterliegen der Lizenzierung nach Creative Commons CC BY-SA 3.0.

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Da ist der Klang einer Sprache, die vertraut wirkt, obwohl nicht jedes Wort verstanden wird. Und da ist eine Reise, die nach Herkunft aussieht und sich dann immer stärker als Reise ins eigene Innere entpuppt. Genau das macht dieses Buch so stark. Es ist warm, offen und persönlich. Dabei wirkt es aber nie weichgespült, sondern intim und ständig unruhig.

Was hinter dieser Reise steht

Bevor ich auf die Handlung schaue, lohnt sich der Blick auf den Hintergrund der Erzählerin. Roya Soraya ist 1996 in Hannover geboren, hat an der Folkwang Universität der Künste studiert und lebt heute in Wuppertal.

Nach ihrem Debüt FAUST, einer modernen und neuen, queerfeministischen Annäherung an den alten Goethe, wendet sie sich im aktuellen Werk der eigenen Familiengeschichte zu. Das ist ein wichtiger Schritt. Hier geht es nicht mehr um die Überschreibung eines Klassikers, sondern um etwas, das näher liegt und verletzlicher ist. Auf ihrer Website beschreibt sie den Band ausdrücklich als autobiografische Graphic Novel über die Reise zu ihren Wurzeln im Iran.

Roya Soraya hat an diesem Buch über mehrere Jahre gearbeitet. Die Arbeit begann schon vor den großen Protesten von 2022 und bekam durch diese noch einmal ein anderes Gewicht.

Hinzu kommt der politische Kontext, der in diesem Comic nie wie ein angehefteter Infokasten wirkt, sondern ganz organisch in ihre Erzählung einsickert. Die Proteste der Bewegung „Frau, Leben, Freiheit“ brachen 2022 nach dem Tod von Jina Mahsa Amini aus, die nach ihrer Festnahme durch die iranische Sittenpolizei starb. Internationale Menschenrechtsberichte halten fest, dass Frauen und Mädchen im Iran noch immer systematisch verfolgt und in ihren Rechten beschnitten werden. Auch die Pflicht zur Verschleierung bleibt Teil eines Systems, das den weiblichen Körper kontrollieren will.

Wenn Roya Soraya also über das Kopftuch, über Blicke im öffentlichen Raum und über die Anspannung einer Reise schreibt, dann steht dahinter kein fernes Weltthema. Es ist gelebte Wirklichkeit.

Ein Zuhause, das nicht ganz aufgeht

Die Handlung beginnt dort, wo viele Fragen nach Herkunft anfangen, nämlich im ganz normalen Familienalltag. Roya Soraya wächst in Deutschland auf. Sie fühlt sich deutsch und merkt zugleich früh, dass da noch eine andere Seite in ihr arbeitet.

Am Tisch der iranischen Verwandtschaft versteht sie kaum etwas. Trotzdem sind Sprache, Essen, Musik und Gesten nicht fremd. Sie gehören zu ihr, ohne dass sie diese ganz greifen kann. Ich finde genau diese Ausgangslage sehr gut getroffen. Soraya beschreibt ihren Identitätskonflikt ohne Pathos. Sie zeigt etwas viel Alltäglicheres: das Gefühl, dass etwas Eigenes immer knapp außer Reichweite bleibt.

Aus dieser Lücke wächst ihre Sehnsucht nach dem Iran. Nicht als touristischer Traum, sondern als Versuch, sich selbst etwas genauer kennenzulernen. Dass sie den Vater erst überreden muss, mit ihr zu reisen, gibt der Sache gleich noch eine zweite Spannung. Die Fahrt in den Iran ist auch eine Annäherung zwischen Tochter und Vater.

Sobald Roya dann tatsächlich im Iran ist, verschiebt sich die Erzählung spürbar. Aus der Sehnsucht wird Erfahrung, aus Vorstellung wird Alltag. Der Comic schaut dabei sehr aufmerksam auf kleine Situationen. Ein Gang durch die Stadt, ein Blick auf die Menschen, ein Essen oder ein Moment vor dem Spiegel mit dem Kopftuch: Nichts davon wird künstlich aufgeblasen, aber fast alles trägt Gewicht.

Ich mochte besonders, wie Soraya die erste Begeisterung für Gerüche, Farben und Nähe nie gegen die wachsende Unsicherheit ausspielt. Beides ist gleichzeitig da. Die Reise erfüllt einen Wunsch und unterläuft ihn im selben Moment. Roya erkennt, dass Herkunft nicht einfach Geborgenheit bedeutet. Sie kann auch Enge, Unübersichtlichkeit und Angst mitbringen. Gerade deshalb kippt die Nacherzählung nie ins bloße Abhaken von Stationen. Hinter jeder Alltagsszene arbeitet die Frage, wer Roya in diesem Land eigentlich ist. Tochter? Besucherin? Iranerin? Die Deutsche? Queere Frau? Das Buch erzwingt keine schnelle Antwort. Das gefällt mir sehr.

Ein Bus, ein Vater, ein kurzer Schock

Besonders stark fand ich die Szenen, in denen der öffentliche Raum plötzlich zur Prüfung wird. Die Leseprobe mit der Busfahrt ist dafür ein schönes Beispiel. Roya und ihr Vater wollen Bus fahren, wie Einheimische. Erst wirkt das fast leicht, beinahe neugierig. Dann greift die Geschlechtertrennung. Männer nach vorn, Frauen nach hinten.

Aus einem simplen Umsteigen wird für Roya ein Moment echter Panik. Sie verliert den Vater aus dem Blick, hängt zwischen Stangen, fremden Körpern und Regeln fest, die ihr vorher niemand erklärt hat. Auf wenigen Seiten erzählt Soraya damit sehr viel. Nicht nur die konkrete Situation. Auch das Gefühl, in einer Ordnung zu stecken, deren Logik man nicht kennt und die doch sofort über den eigenen Körper verfügt. Ich habe diese Passage als Kernszene gelesen. Hier wird das Reisen im Iran vom Abenteuer zur nervösen Selbstprüfung.

Noch besser ist, dass der Vater dabei nicht einfach als rettende Figur gezeichnet wird. Er ist Nähe und Sicherheit, klar. Aber er ist auch Teil einer Welt, die Roya nicht ganz versteht. Zwischen beiden liegt Zuneigung, manchmal auch Reibung, jedenfalls nie glatte Harmonie.

Gerade diese Zwiespältigkeiten macht den Comic stark. Ich glaube der Beziehung, weil Soraya nichts glättet. Kleine komische Momente bleiben ebenso stehen wie peinliche oder anstrengende. Auch deshalb trifft mich der Gedanke, dass dies ihre letzte Reise mit dem Vater sein wird.

Das Buch macht daraus kein sentimentales Programm. Es legt nur einen leichten Schatten über viele Szenen. Ein verlorener Blick hier, ein Zuruf dort, eine Umarmung. Solche Dinge bekommen im Rückblick mehr Wucht. Vielleicht hätte ich an ein, zwei Stellen gern noch etwas mehr Raum für andere Familienmitglieder gehabt, andererseits wirkt der Comic dadurch sehr fokussiert. Manchmal ist weniger eben mehr.

Der Comic bleibt sehr eng an Soraya’s Perspektive. Auch das ist stimmig, nimmt dem Umfeld aber etwas Luft. Der emotionale Kern trägt trotzdem gut.

Kein Debattencomic, keine einfachen Antworten

Was ich an diesem Buch am meisten schätze, ist seine Weigerung, einfache Antworten zu liefern. Gerade darin ist WIND IN MEINEM KOPFTUCH bemerkenswert. Das Kopftuch erscheint hier nicht als plattes Symbol, das nur in eine Richtung zeigt. Es steht für Zwang, Gefahr und Kontrolle. Zugleich beschreibt Soraya sehr offen, dass sie das Tuch an sich selbst auch schön finden kann, wenn es aus den Kämpfen um Unterdrückung und Selbstbestimmung herausgelöst wäre.

Diese Ambivalenz macht den Comic klüger als vieles, was ich sonst zu diesem Themenfeld sehe und lese. Soraya lässt Widersprüche stehen und vertraut darauf, dass sie sich im orientalischen Erzählen selbst erklären. Dadurch wird aus dem Buch weder ein Lehrstück noch eine politische Parole. Es bleibt eine autobiografische Graphic Novel, die aus der eigenen Erfahrung ihre Kraft zieht.

Als Einzelband steht das Werk sehr geschlossen für sich. Im Vergleich zu FAUST wirkt es wie ein konsequenter nächster Schritt. Weg von der literarischen Bearbeitung, hin zu einer eigenen, sehr persönlichen Form des Erzählens.

Gesichter, Hände, Blicke

Zeichnerisch hat mich Soraya ebenfalls überzeugt. Ihr Stil ist farbig, beweglich und deutlich handgemacht. Ihr ist der präzise Ausdruck von Gefühlen in Gesichtern besonders wichtig ist. Genau das sieht man den Seiten an. Die Figuren sind leicht vereinfacht, aber nie leer. Ich kann an einem Blick ablesen, ob Roya neugierig, überfordert, trotzig oder kurz vor der Panik ist.

Auch die Körpersprache sitzt. Wenn sie sich im Bus klein macht oder sich an einer Stange festklammert, trägt die Haltung schon die halbe Szene. Dazu kommen Räume, die klar lesbar bleiben, ohne geschniegelt zu wirken. Der Markt, die Haltestelle, das Restaurant, der Businnenraum. Alles ist schnell zu erfassen und hat trotzdem Eigenleben. Gerade die Busseiten zeigen, wie gut Soraya Bildrhythmus beherrscht. Enge Panels, Stangen, Blickachsen und Wiederholungen erzeugen dort fast körperlich spürbare Beklemmung.

Farbe gegen das reine Grau

Auch die Farbe spielt eine große Rolle. Soraya beschreibt ihren Stil selbst als farbenfroh. Ja, das passt. Nur arbeitet sie nie mit greller Lautstärke.

Ich sehe viele weiche Grün, Ocker, Beige und Rosa. Das hält die Erinnerung offen und freundlich, selbst wenn die Situationen kippen. Besonders stark ist das violette Kopftuch der Hauptfigur. Es macht Roya sichtbar, fast wie ein bewegter Marker im Bild und trägt zugleich die ganze Spannung des Buchs in sich. Schönheit und Belastung liegen darin nah beieinander.

Ich mag diese Farbdramaturgie, weil sie dem Comic Leichtigkeit gibt, ohne den Druck der Erzählung … wegzufärben. WIND IN MEINEM KOPFTUCH wirkt dadurch nie bleischwer. Das Buch bleibt zugänglich, obwohl es von Verlust, Unterdrückung und innerer Unruhe erzählt.

Ein wenig Geschichte

Für mich gewinnt WIND IN MEINEM KOPFTUCH noch einmal an Tiefe, wenn ich den langen Weg der Frauenrechte im Iran mitdenke. Schon in den 1920er Jahren gab es dort Frauenzeitschriften, Bildungsinitiativen und politische Gruppen, die mehr Mitsprache, besseren Zugang zu Bildung und ein freieres Leben forderten. Diese frühen Bewegungen waren mutig, aber oft klein und verletzlich.

Unter Reza Schah wurden unabhängige Frauenorganisationen in den frühen 1930er Jahren weitgehend ausgeschaltet. 1936 folgte dann das staatlich verordnete Verbot des traditionellen Schleiers. Das klingt auf den ersten Blick modern, war aber ebenfalls ein Eingriff von oben. Frauen sollten nicht selbst entscheiden, ob sie ein Tuch tragen oder nicht. Der Staat griff so schon damals direkt in ihren Alltag und in ihre Körperbilder ein. Fortschritt und Zwang lagen also schon früh dicht nebeneinander.

In den 1960er und 1970er Jahren verbesserten sich die rechtlichen Möglichkeiten vieler Frauen spürbar. 1963 erhielten Frauen das Wahlrecht. Mit dem Familienrecht von 1967 und den Reformen von 1975 wurden Eherecht, Scheidung, Sorgerecht und die Begrenzung von Polygamie neu geregelt. Vieles blieb auch damals ungleich und die Modernisierung kam stark vom Staat her.

Trotzdem waren diese Jahre für viele Frauen ein echter Ausbau von Rechten und Handlungsspielräumen. Gerade dieser Punkt ist wichtig, weil er zeigt, dass die Geschichte nicht geradlinig verläuft. Rechte können wachsen. Sie können aber auch wieder zurückgenommen werden. Genau das geschah nach der Revolution von 1979.

Die Reformen im Familienrecht wurden weitgehend kassiert. Frauen gingen schon im März 1979 dagegen auf die Straße, als neue Kleidervorschriften angekündigt wurden. Wenige Jahre später wurde der Hijab-Zwang gesetzlich fest verankert. Seitdem ist das Tuch im Iran eben nicht nur Kleidung, sondern Teil einer staatlichen Ordnung, die weibliche Präsenz im öffentlichen Raum regelt und kontrolliert.

Trotzdem endet die Geschichte nicht bei der Rücknahme von Rechten. Iranische Frauen haben über Jahrzehnte weiter gekämpft. 2006 sammelte die Kampagne One Million Signatures Unterschriften gegen diskriminierende Gesetze. Sie machte deutlich, dass es nicht nur um Kleidung ging, sondern auch um Ehe, Scheidung, Erbschaft, Vormundschaft und rechtliche Gleichstellung.

Nach dem Tod von Jina Mahsa Amini 2022 bekam dieser Kampf eine neue, weltweite Sichtbarkeit. Die Proteste von Frau, Leben, Freiheit richteten sich gegen den Hijab-Zwang aber auch gegen ein ganzes System der Bevormundung. Aktuelle Berichte der Vereinten Nationen zeigen, dass Frauen und Mädchen im Iran bis heute systematisch benachteiligt werden und der Staat weiter mit Überwachung, Festnahmen und Strafverfahren arbeitet. Gerade deshalb wirkt Soraya’s Comic so stark. Er erzählt diese Geschichte nicht als Lehrstunde, sondern als gelebte Spannung zwischen Sehnsucht, Zugehörigkeit und Kontrolle.

Fazit

Für mich ist WIND IN MEINEM KOPFTUCH ein sehr schönes, sehr kluges und sehr ehrliches Buch. Ich habe selten einen Comic gelesen, der so unaufgeregt von Zugehörigkeit erzählt und dabei so präzise bleibt.

Ein paar Figuren am Rand hätte ich gerne näher kennengelernt. Mein Eindruck bleibt trotzdem stark. Roya Soraya verbindet persönliche Erinnerung, politische Wirklichkeit und zeichnerische Wärme zu einem Band, der länger nachhallt. Genau solche Comics bleiben.

Wer noch ein Wenig mehr erfahren möchte, kann gerne einen Blick auf den lesenswerten Beitrag meines Kollegen Alex Jakubowski werfen.

• WIND IN MEINEM KOPFTUCH
• Roya Soraya
• Hardcover | 192 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-551-01590-7
• Storyline:  ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★☆☆☆
• Lettering: ★★☆☆☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Carlsen Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Ich liebe diese Mischung aus strenger Ordnung, gedämpften Farben, hölzernen Häusern, heißen Badehäusern, höfischer Etikette und plötzlicher Gewalt. Da reicht bei mir schon ein verschneiter Weg zwischen Papierwänden und Laternenlicht und ich sitze etwas gerader vor dem Bildschirm. Bei BLUE EYE SAMURAI kam noch etwas dazu. Diese Serie sieht nicht einfach nur schön aus, sie starrt geradezu zurück.

Schon die ersten Minuten haben mich gepackt, weil hier nichts harmlos eingeführt wird. Mizu, die Hauptfigur, tritt nicht als Heldin auf, die um Zuneigung bittet. Sie kommt aus der Kälte und trägt ihre Wut wie eine zweite Haut mit sich herum. Und sie hat diese blauen Augen, die in ihrer Welt nicht als Besonderheit gelesen werden, sondern als Makel. Als Beweis, dass sie nicht hineinpasst, nicht hineinpassen darf.

Die erste Staffel erschien 2023 auf Netflix, umfasst acht Folgen und stammt von Amber Noizumi und Michael Green. Netflix führt die Serie als erwachsene Action-Animation, angesiedelt im Japan der Edo-Zeit. Die zweite Staffel befindet sich derzeit offiziell in Produktion.

Die Stroyline klingt nach Rachegeschichte und das ist es auch. Aber es ist die gute, gefährliche Sorte Rachegeschichte. Eine, bei der ich zwar auf den nächsten Kampf warte, aber zugleich immer stärker spüre, was die bisherigen Kämpfe aus der Figur gemacht haben. Mizu schneidet sich durch Gegner, Mauern und Lügen. Doch der tiefste Schnitt geht nach innen.

Ein verschlossenes Land, ein unerlaubtes Gesicht

Der historische Rahmen ist hier kein Postkarten-Japan. BLUE EYE SAMURAI spielt im 17. Jahrhundert, in einer Zeit, in der Japan den Kontakt zur Außenwelt streng begrenzte. Netflix’s eigenes Hintergrundmaterial zur Serie verweist auf diese Abschottung und auf die starke Kontrolle westlicher Einflüsse. Genau daraus zieht die Serie ihre Härte. Mizu’s blaue Augen sind nicht bloß ein auffälliges Detail. Sie machen ihren Körper zum Vorwurf. Jeder Blick auf sie kann zur Anklage werden.

Das ist erzählerisch stark, weil die Serie aus einem historischen Zustand eine ganz persönliche Bedrohung formt. Ich muss kein Fachbuch über die Edo-Zeit gelesen haben, um zu verstehen, warum Mizu sich versteckt. Die Welt erklärt es mir durch zuschlagende Türen, durch Blicke, durch Tusche, Stoffe, Waffen und gelebte soziale Regeln. Sie erklärt es mir auch durch das Schweigen. Diese Gesellschaft ist eng gebaut. Wer nicht passt, wird nicht vorsichtig beiseitegeschoben. Wer nicht passt, wird markiert.

Zur Entstehung gehört außerdem ein spürbarer Anspruch der Macher an Genauigkeit. Für Kleidung, Orte, Esskultur, Schrift und soziale Details wurden Fachleute einbezogen. Das merkt ich weniger an einzelnen Dingen als am Gesamtgefühl. Die Serie wirkt nicht wie ein dekorierter Actionspielplatz. Sie hat Schwere, Räume fühlen sich bewohnt an, Küchen, Werkstätten und Bordelle, Burgen und Straßen erzählen etwas über Rang, Begehren und Angst.

Auch die Produktionsform ist interessant. Das französische Studio Blue Spirit beschreibt die Serie als CGI-Animation mit 2D-Hintergründen. Die Figuren bewegen sich körperlich und wuchtig, während die Hintergründe oft eine malerische Ruhe haben. Diese Spannung zwischen Bewegung und Bildfläche gibt dieser Serie ihren eigenen Ton.

Mizu oder wie aus Scham eine Klinge wird

Mizu sucht vier weiße Männer, die zur Zeit ihrer Geburt illegal in Japan waren. Einer von ihnen ist ihr Vater. Für sie ist das jedoch kein Stammbaum, sondern ein Fluch. Sie sieht ihr eigenes Gesicht als Beweis einer Schuld, die sie nie begangen hat. Daraus entsteht ihr Ziel. Sie will diese Männer finden. Sie will sie töten und damit den Ursprung ihres Lebens auslöschen, weil dieses Leben ihr von Anfang an als Schande vorgeworfen wurde.

Die Serie erzählt diesen Wunsch nicht als sauberen Motor. Mizu wirkt nicht frei, weil sie kämpft. Sie wirkt gebunden, tarnt ihre Augen, lebt als Mann und sie versteckt ihren Körper, ihre Herkunft und jede weiche Stelle. Ich habe schnell verstanden, warum sie das tut. Trotzdem tut es weh, ihr dabei zuzusehen. Sie hat sich eine mentale Rüstung gebaut, die sie schützt und zugleich einsperrt.

Besonders stark ist, dass Mizu nicht sympathisch sein muss, um mich zu interessieren. Sie ist hart, abweisend, manchmal sogar grausam. Sie stößt Menschen weg, die ihr helfen wollen und benutzt andere, wenn sie ihrem Ziel dienen. Doch die Serie lässt mich nie vergessen, dass diese Härte erlernt ist. Mizu wurde nicht als Legende geboren. Sie wurde klein gemacht, gejagt, verhöhnt und ausgeschlossen. Aus diesem Abfall der Gesellschaft schmiedet sie sich selbst.

Ringo bringt Wärme in die Kälte

Dann ist da Ringo. Er könnte leicht zum Comic-Relief verkommen. Ein junger Mann ohne Hände, mit großem Herzen, großem Hunger und dem Wunsch, ein großer Koch zu werden. Er hängt sich an Mizu, weil er in ihr eine Meisterin sieht. Vielleicht sieht er sogar mehr als das. Vielleicht sieht er die Möglichkeit, dass Größe nicht so aussehen muss, wie andere sie erwarten.

Ringo ist wichtig, weil er die Serie zwischendurch aufatmen lässt. Durch ihn kommt eine gewisse Wärme hinein, ohne dass die Geschichte weichgespült dadurch wirkt. Seine Begeisterung hat etwas Kindliches, aber nicht Dummes. Er glaubt an Ehre, Lernen und Freundschaft, obwohl die Welt ihm ebenfalls wenig Grund dazu gibt. Neben Mizu wirkt er wie eine Laterne in einem Schneesturm. Nicht hell genug, um alles zu erleuchten. Aber hell genug, damit ich sehe, wie dunkel es wirklich ist.

Auch Taigen gehört in dieses Geflecht. Er war einst Teil von Mizus Demütigung und wird später selbst gedemütigt. Sein Stolz ist fast komisch groß, bis die Serie zeigt, wie verletzlich er unter seiner Fassade ist. Taigen will Ruhm, Anerkennung, Rang – und Akemi. Er will der Mann sein, für den andere ihn halten sollen. Im Kontakt mit Mizu bricht dieses Bild immer wieder auf. Gerade dadurch wird er spannender als der übliche Rivale mit Schwert und schlechter Laune.

Akemi kämpft mit Seide statt Stahl

Akemi lebt in einer anderen Welt als Mizu. Sie ist reich, schön, begehrt – und eingesperrt. Ihr Käfig ist kein schmutziger Hinterhof, sondern ein vornehmes Haus. Die Stäbe bestehen aus Erwartungen, Heiratsplänen und höflicher Gewalt. Ihr Vater will sie politisch verheiraten. Sie selbst will Taigen. Vor allem aber will sie entscheiden dürfen, was aus ihr wird.

Ich mochte Akemi von Folge zu Folge mehr. Zuerst scheint sie wie eine Nebenfigur aus einem höfischen Handlungsstrang, der als Kontrast zu Misu’s Welt erzählt wird. Dann wächst sie. Nicht, weil sie plötzlich mit dem Schwert alles niedermäht. Die Serie macht etwas Besseres. Sie zeigt, wie Akemi Macht dort sucht, wo sie für eine junge Frau erreichbar ist: in Gesprächen, in Blicken, in ihrer Wirkung auf andere und in Momenten, in denen sie selbst unterschätzt wird.

Dadurch entsteht ein schöner Gegenpol zu Mizu. Beide Frauen sind Gefangene ihrer Rollen. Mizu muss sich als Mann ausgeben, um überhaupt handlungsfähig zu sein. Akemi soll als Frau vor allem wertvoll aussehen. Beide begreifen, dass Gehorsam ihnen keinen Schutz bringt. Ihre Wege unterscheiden sich folglich radikal. Trotzdem erzählen sie von demselben Hunger nach „Ich will selbst bestimmen, wer ich bin!“.

Im Laufe der Staffel verschränken sich diese Wege mit Fowler’s Plänen, mit Taigens verletztem Ehrgefühl und mit Mizu’s unerbittlicher Jagd. Dabei kippt die Serie nie in eine reine Abfolge von Kämpfen. Jede Station verändert eine Figur. Jeder Kampf hinterlässt mehr als Leichen. Am Ende steht Mizu vor Fowler, Edo brennt und die Rache, die so klar schien, wird schmutziger. Sie tötet ihn nicht, sie braucht ihn. Der Weg führt weiter, hinaus aus einem abgesperrten Japan, Richtung London. Das ist ein starkes Ende, weil es nicht erlöst. Vielmehr wird die Mizu auch dort nicht dazugehören, denn sie wird wieder zu einer Fremden, nur diesmal zusätzlich in einer fremden Umgebung.

Ist das nun Anime?

Die Frage, ob BLUE EYE SAMURAI ein Anime ist, wirkt zunächst wie ein Streit für Menschen, die ihre Regale sehr genau sortieren. Trotzdem lohnt sie sich, denn sie führt mitten hinein in das, was diese Serie ausmacht.

Im engeren Sinn meint Anime Animation aus Japan. Nach dieser Herkunftsdefinition ist die Serie kein klassischer Vertreter dieses Genres. Sie wurde von Amber Noizumi und Michael Green geschaffen, für Netflix produziert und mit maßgeblicher Arbeit des französischen Studios Blue Spirit umgesetzt. Ich würde sie als Actionserie, Abenteuerserie und Animation für Erwachsene beschreiben.

Gleichzeitig wäre eine knappe Ablehnung dann doch zu einfach. Denn die Serie steht sichtbar im Austausch mit japanischer Erzähltradition, Samurai-Filmen, Manga-Bildgefühl und erwachsener Animationskunst. Sie übernimmt aber nicht nur Oberflächen, keine großen Kulleraugen, keine schnellen Stilzitate, kein Kostümfest mit Katana. Stattdessen sucht sie – wie Mizu – ihren eigenen Weg. Ihre Bilder erinnern mal an Holzschnitt und Tusche, mal an großes Kino, mal an gemalte Bühnenräume. Ihre Gewalt ist choreografiert wie ein Actionfilm, aber rhythmisiert wie Animation. Ihr Blick auf Mizu hat etwas sehr Körperliches, beinahe Live-Action-Nahes.

Ich sage deshalb, dass die Serie kein Anime im strengen Produktionssinn ist. Im weiteren kulturellen Sinn kann ich sie aber verstehen, wenn jemand sie in die Anime-Nachbarschaft stellt. Sie wohnt nur nicht brav in einem einzigen Haus. Sie geht zwischen den Formen umher. Genau dort liegt ihr Reiz. Sie ist westliche Erwachsenenanimation mit japanischem Schauplatz, starkem Samurai-Erbe und einer Bildsprache, die sich nicht entschuldigt, weil sie sich aus mehreren Quellen speißt. Für mich ist das keine Schwäche sondern der Grund, warum sie so frisch wirkt.

Wenn jede Einstellung nach Entscheidung aussieht

Formal ist diese Serie ein Fest. Nicht im Sinne von schönem Hintergrundrauschen. Eher im Sinne von Bildern, die wissen, warum sie existieren. Schnee macht Szenen stiller, Feuer macht Körper verletzlicher, Glas trennt die Menschen und Türen rahmen Macht. Schatten verstecken nicht nur, sie erzählen. Ich hatte oft das Gefühl, dass die Kamera, obwohl es keine echte Kamera gibt, genau weiß, wo sie stehen muss.

Die Action ist hart und präzise. Mizu kämpft nicht wie eine schwerelose Superheldin. Sie stemmt, rutscht, fällt, stößt, nutzt Wände, Kanten, Dreck und Schmerz. Ein Schlag hat Gewicht, ein Schnitt hat Folgen. Live-Action-Stuntarbeit diente als Grundlage für Choreografie und Storyboards. Das erklärt diesen körperlichen Zug, der viele Szenen so greifbar macht.

Action trifft auf Ruhe

Besonders schön finde ich, dass BLUE EYE SAMURAI trotz all seiner Härte Sinn für Ruhe hat. Eine Schwertschmiede kann hier wichtiger wirken als ein Massaker. Eine Mahlzeit kann mehr erzählen als ein Duell und die Episode um Mizu’s mögliche Ehe mit Mikio gehört für mich zu den stärksten Momenten der Staffel. Da wird die Rache für kurze Zeit leiser. Plötzlich scheint ein anderes Leben denkbar. Genau deshalb schmerzt es, als diese Möglichkeit zerbricht.

Die Serie arbeitet dabei sehr bewusst mit Themen, die leicht platt wirken könnten: Identität, Körper, Herkunft, Geschlecht, Scham und Macht. Hier hängen Themen an konkreten Figuren und Situationen. Mizu muss nicht erklären, dass sie zerrissen ist. Ich sehe es an ihren Augen, an ihrer Haltung, an dem kurzen Zögern, bevor sie wieder brutal wird. Akemi muss keine Rede über Freiheit halten. Ich sehe ihren Wunsch nach Freiheit daran, wie sie lernt, Räume zu lesen, in denen andere sie nur als Ware betrachten.

Natürlich ist nicht alles perfekt. Das Finale packt sehr viel auf einmal zusammen. Feuer, Intrige, Rache, politische Umwälzung und die Vorbereitung der nächsten Reise drängen dicht an dicht. Für ein paar Minuten fühle ich mich fast überfüttert. Doch selbst dort bleibt die Serie emotional bei ihren Figuren. Sie verliert Mizu nicht aus dem Blick. Das rettet die große Geste vor dem bloßen Spektakel.

Fazit

BLUE EYE SAMURAI ist für mich eine der eindrucksvollsten Serien der letzten Jahre, weil sie Schönheit und Schmerz zusammenbringt, ohne eines davon zu verraten. Diese Serie ist brutal, wie das Leben im feudalen Japan dieser Zeit. Sie ist stilvoll, aber nicht eitel. Die Macher lieben das Samurai-Genre, doch sie erzählen nicht nur von Schwertern. Sie erzählen von einem Menschen, der so lange als Fehler behandelt wurde, bis aus diesem Fehler eine Waffe entstand.

Ich habe Mizu nicht immer gemocht. Ich habe sie aber fast immer verstanden. Das ist mehr wert, denn diese Serie nimmt ihre Hauptfigur ernst genug. Sie zeigt, wie Wut antreibt, was es sie kostet und warum sie trotzdem so verführerisch bleibt.

Am Ende sitzt Mizu auf einem Schiff nach London. Die Rache ist nicht vorbei. Vielleicht beginnt sie dort erst richtig. Ich bin weiterhin dabei. Nicht nur wegen der Kämpfe, nicht nur wegen der Bilder, nicht nur wegen dieser eisigen Schönheit. Ich bin dabei, weil diese Serie eine Figur erschaffen hat, deren Blick ich nicht vergesse… Also sage ich さようなら (Sayōnara!)

• BLUE EYE SAMURAI
• Amber Noizumi und Michael Green
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © NETFLIX
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Was mich an diesem Auftakt der abgeschlossenen Reihe reizt, ist der narrative Tonfall. Die Autoren, José Manuel Robledo und Marcial Toledano gehen mit mir nicht auf eine exotische Postkartenreise. Sie setzen Japan mit seinen Traditionen zwar als exotische Bühne, aber sie erzählen von sehr menschlichen Dingen. Jemand will neu anfangen und jemand anderes nutzt genau das aus. Dazwischen steht ein Ladengeschäft, das nach Tinte riecht und nach Regeln funktioniert, die älter sind als jede Ausrede dafür, etwas nicht zu tun.

Motorenlärm und Wut im Bauch

Die Ausgangslage ist zunächst klassisch. Ein junger Rebell bekommt eine letzte Chance. Natürlich kippt das Ganze. Plötzlich hat jede Linie auf einem Stück Haut eine Bedeutung. Und plötzlich ist ein Tattoo nicht mehr nur Körperschmuck, sondern Beweisstück, Drohung und Mythos zugleich. Yoshi ist zu Beginn der Geschichte kein Held. Er ist ein Teenager, der sich an eine Bande klammert, weil dort Zugehörigkeit und so etwas wie Familiengefühl billig zu haben ist. Er fährt Motorrad, sucht Streit und sammelt schlechte Entscheidungen.

Sein persönliches Umfeld kennt ihn längst als einen Problemfall. Seine Familie sieht, dass es so nicht weitergeht. Also landet Yoshi nicht vor Gericht, sondern bei Seijun. Seijun ist ein hochangesehener Tätowierer und führt ein Studio, das auf Disziplin setzt, auf Routine und damit alles besitzt, um einen jungen Mann „auf den Pfad der Tugend“ zurückzuversetzen.

Der Wechsel wirkt auf Yoshi brutal. Aus Lärm wird Stille, aus Übermut wird Wiederholung. Er lernt, was Hände können, wenn sie nicht zuschlagen, sondern arbeiten. Er entdeckt ein Talent in sich, das ihn selbst überrascht. Genau hier baut der Band eine seiner besten Spannungen auf. Yoshi will wieder dazugehören, diesmal jedoch wirklich. Das Handwerk bietet ihm einerseits einen eigenen Weg, andererseits bleibt in ihm etwas Unruhiges.

Seijun’s Laden hat zudem eine zweite Ebene, im wörtlichen Sinn. Unten läuft das, was man sich unter einem Tattoo Studio vorstellt. Oben passiert jedoch das, was niemand sehen soll. Der Comic streut diese Ahnung früh ein. Ich mag das, weil es nicht mit einem Holzhammer kommt. Ich spüre die Geheimnisse, lange bevor ich sie benennen kann.

Der zweite Stock und ein Rücken voller Unheil

Dann macht die Geschichte einen Sprung. Zehn Jahre sind vergangen, ohne dass der Band daraus ein großes Drama macht. Yoshi ist inzwischen in seinem Handwerk bewandert. Er beherrscht sogar die traditionelle Tebori-Technik. Genau in diesem Moment zieht Seijun die letzte Abdeckung fort, denn seine wahren Kunden sind japanische Mafiosi: Yakuza. Und jede Tätowierung beinhaltet eine konkrete Bedeutung. Sie hängt mit den Taten ihrer Träger zusammen, Taten, die niemand laut ausspricht.

Der Band führt Takeshi Mitsumune als Kunden ein. Sein Rücken zeigt eine seltsame Kreatur. Dieses Motiv hängt wie ein dunkler Schatten über allem und jedem. Das Tattoo fühlt sich an wie ein Vorzeichen. Gleichzeitig bleibt es greifbar, weil es an Menschen gebunden ist, nicht nur an abstrakte Bedrohungen. Yoshi steht vor einem Dilemma, das ihm keiner abnimmt. Er kann den Auftrag verweigern und damit sein neues Leben riskieren. Oder er kann ihn annehmen und in eine Welt hinübergleiten, die nur nach außen durchgestylt wirkt, innerlich jedoch brutal ist.

Der Auftakt der Reihe endet nicht mit einem abgeschlossenen Fall, sondern mit einem Cliffhanger. Fragen bleiben offen, Beziehungen sind nur angedeutet. Der Band will nicht schon alles ausspielen. Er legt Fäden, die später straffgezogen werden. Wer beim Lesen gern das Gefühl hat, dass ein größerer Plan existiert, bekommt ihn hier bereits angedeutet.

Figuren aus Fleisch, nicht aus Mythos

Am stärksten wirkt TEBORI BAND 1, wenn er seine Figuren nicht erklärt, sondern sie handeln lässt. Show don’t tell. Yoshi sucht Anerkennung. Er findet sie zuerst bei den Falschen. Danach sucht er sie bei Seijun und lernt, dass Anerkennung verdient sein will. Dieses Motiv macht ihn zugänglich. Es macht ihn auch gefährdet, denn wer sich seine Zugehörigkeit verdienen will, lässt sich leichter binden.

Seijun selbst bleibt bewusst ambivalent. Er ist Mentor und Gatekeeper. Er schützt Yoshi und benutzt ihn zugleich. Der Comic zeigt das in seinen Gesten. Ein Lob kommt selten, ein Auftrag plötzlich. Ein Blick nach oben auf die zweite Ebene sagt mehr als eine Drohung. Das ist gutes Erzählen, weil es die Machtverhältnisse im Raum hält.

Auch die Yakuza Figuren wirken nicht wie Karikaturen. Takeshi ist kein reiner Bösewicht. Er wirkt wie jemand, der selbst in seinem eigenen Körper eine Geschichte trägt. Genau deshalb bekommt das Tattoo-Motiv eine solche Präsenz. Das Bild auf seinem Rücken ist nicht nur schön, sondern auch eine Last.

Robledo nutzt zudem den Kontrast zwischen Außenwelt und Innenwelt. Außen steht eine moderne Großstadt, innen herrscht das Ritual. Dieser Widerspruch treibt die Spannung, weil er Yoshi’s neue Identität ständig testet.

Wenn Handwerk zur Falle wird

Das stärkste Element von TEBORI BAND 1 ist für mich die Verbindung aus Arbeitsschritten und Gefahr. Der Comic zeigt das Tätowieren nicht als cooles Accessoire, sondern als Prozess aus  Konzentration, Schmerz, Nähe und Vertrauen. Und genau diese Nähe macht die Geschichte so unangenehm spannend. Wer dir seine Haut öffnet, bekommt etwas von dir. Wer dir die Haut öffnet, kann dich auch besitzen.

Robledo nutzt dieses Setting, um zwei Erzählrichtungen gegeneinander zu schneiden. Auf der einen Seite steht Yoshi, der sich aus Gewalt lösen will. Auf der anderen Seite steht eine Unterwelt, die Gewalt als Geschäft und Mittel zum Zweck versteht. Das Studio wird zur Schnittstelle zwischen den Welten. Dort treffen Tradition und Moderne aufeinander, dort prallen Ehre, Geld und Angst zusammen.

Clever finde ich auch, wie der Band mit zeitlichen Aspekten arbeitet. Der Sprung über zehn Jahre wirkt nicht wie eine Abkürzung. Er wirkt wie ein Kommentar. Ich sehe, dass Lernen Zeit braucht. Ich sehe auch, dass Vergangenheit zäh bleiben kann. Und ich merke, dass ein neues Können nicht automatisch ein neues Leben bedeutet.

Dazu kommt ein Ton, der gelegentlich in Richtung des Unheimlichen kippt. Das Motiv der Kreatur auf Takeshi’s Rücken öffnet eine Tür zu Mythos und Vorzeichen. Der Comic bleibt dabei in einer Schwebe. Er verspricht nicht sofort Magie als Erklärung, stattdessen nutzt er das Fantastische als die wabernde Gefahr im Hintergrund. Das passt, weil Tattoos selbst auch immer Erzählungen sind, die man glauben oder anzweifeln kann.

Farben wie Neon auf nasser Straße

Marcial Toledano’s Zeichnungen wirken auf den ersten Blick glatt. Klare Linien, saubere Flächen, leicht mangaesk. Dann sehe ich, wie viel Arbeit in den Details steckt. Gesichter tragen Nuancen, Körperhaltungen erzählen Stimmungen. Besonders bei Tattoos zeigt Toledano viel Geduld. Die Motive sitzen nicht einfach auf der Haut. Sie wirken eingebettet, als hätten sie selbst Gewicht.

Die Farbgebung spielt dabei eine eigene Hauptrolle. Der Band setzt auf starke Kontraste und auf eine Palette, welche die Szenen emotional codiert. Gelb und Blau tauchen als dominante Pole auf. Das ergibt einen Look, der modern wirkt und trotzdem nicht steril bleibt. Ich hatte mehrfach das Gefühl, dass die Farben den Puls der Seite steuern. Sie beruhigen, sie treiben, sie warnen.

Spannend ist auch die Mischform der Erzählweise. Der Band liest sich dynamisch, teilweise mit einer Rhythmik, die an Manga erinnert. Gleichzeitig bleibt die Gestaltung klar im frankobelgischen Album verankert: mangaeskes Coming-of-Age trifft frankobelgische Ästhetik. Genau diese Kombination macht das Buch zugänglich für unterschiedliche Lesegewohnheiten.

Dass Cross Cult der deutschen Ausgabe Zusatzseiten mitgibt, passt ins Konzept. Der Band will nicht nur unterhalten. Er will auch zeigen, wie stark Recherche und Design zusammenarbeiten.

Das Duo hinter dem Thriller

José Manuel Robledo und Marcial Toledano arbeiten seit Jahren als Team. Beide haben an der Universidad Complutense in Madrid Bildende Kunst studiert und sich dort Anfang der 2000er kennengelernt. Von Anfang an scheint sie das gleiche Interesse zu verbinden, wie Spannung, klare Figuren oder ein Sinn für popkulturelle Dynamik. Dies wird ihr Markenzeichen: Sie bauen Spannung über Figuren und über Geheimnisse.

Ihr bekanntestes gemeinsames Projekt vor TEBORI BAND 1 ist KEN GAMES. Die Serie startete bei Dargaud und machte sie im frankobelgischen Raum bekannt. Für KEN GAMES erhielten sie zudem eine Nominierung beim Barcelona International Comics Festival. Interessant ist, dass beide später auch an CITYZEN beteiligt waren, einem Projekt, das andere Autorinnen und Autoren mit einbindet. Das zeigt eine Offenheit für kollaboratives Erzählen.

Tebori und Tattoo Tabu

Der Begriff Tebori meint traditionelles Tätowieren per Hand, ohne Maschine. Tätowierer arbeiten dabei mit einem Werkzeug, das Nadeln bündelt und die Farbe rhythmisch in die Haut sticht. Das klingt technisch, ist jedoch auch kulturell aufgeladen, weil in Japan Tätowierungen lange zwischen Kunst, Stigma und Verbot pendelten. Auch heute sind sie außerhalb gewisser Kreise nicht gerne gesehen.

Historisch gilt, dass die japanische Regierung im Zuge der Meiji Modernisierung dekoratives Tätowieren 1872 verbot. Das Verbot drängte die Praxis in den Untergrund. Erst 1948 wurde es unter dem Einfluss der amerikanischen Besatzung wieder aufgehoben.

Trotz Legalisierung blieb ein Stigma. Viele öffentliche Bäder und Onsen verweigern bis heute Menschen mit Tattoos den Zutritt. Der Grund ist weniger Gesetz als soziale Codierung. Tattoos wurden im 20. Jahrhundert stark mit organisierter Kriminalität verbunden, besonders mit der japanischen Mafia, den Yakuza.

Genau in dieses Spannungsfeld stößt der Comic hinein. Er nutzt die Welt der Tattoos nicht nur als Kulisse. Er macht sie zum Konfliktkern. In einer Welt, in der ein Tattoo zugleich Meisterschaft und Makel sein kann, bekommt jede Nadelbewegung eine zweite Bedeutung. Das macht den Reiz von TEBORI BAND 1 aus. Der Comic erzählt oberflächlich über Körper, aber er meint auch die Gesellschaft darunter.

Fazit

TEBORI BAND 1 ist ein Auftakt, der bewusst nicht alles auspackt. Er setzt lieber auf Atmosphäre, auf Figurenentwicklung und auf eine Bedrohung, die erst langsam ihre Konturen zeigt. Wer einen abgeschlossenen Krimi erwartet, wird das offene Ende spüren. Wer dagegen Lust auf einen Thriller hat, der sein Milieu ernst nimmt und dabei visuell intensiv bleibt, bekommt hier einen sehr stimmigen Einstieg.

Ich mag besonders, wie organisch das Tattoo-Handwerk in die Spannung hineinwächst. Nichts wirkt wie Dekoration, alles wirkt wie Konsequenz. Und wenn am Ende offene Fragen bleiben, dann nicht, weil der Band schlampig wäre. Sondern weil er dich genau dort haben will, wo Yoshi steht. Einen Schritt vor der Tür, die man besser nicht öffnet.

Ein Kritikpunkt für mich ist, dass die Folgebände mit jeweils nur 48 Seiten erheblich dünner sind, als der Auftakt-Band.

P.S. Leider war kein deutschsprachiges Bildmaterial (mehr) zu bekommen.

• TEBORI Band 1
• José Manuel Robledo und Marcial Toledano
• Hardcover | 72 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96658-354-1
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Cross Cult Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Auch hatte ich schon viel Gutes von der Fantasy-Welt Arran gehört. Dass diese beiden Welten mit DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME nun eine Art Cross-Over erhalten haben, nehme ich zum Anlass, endlich einmal selbst einen Blick ins Arran-Universum zu werfen. Piraten-Fantasy mit Orks, Magie und Rache klingt erst einmal nach einer bekannten Mischung, die sehr schnell nur laut und rumppelig werden könnte, es dann aber doch nicht ist. Genau deshalb hat mich DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME so begeistert!

Der Band denkt groß. Er wirft mir ein ganzes Seeimperium vor die Füße, erzählt von Macht, Intrigen und Herrschaft über die Meere. Dann bleibt er aber im Kern bei einer jungen Figur, deren erlittene Verletzung und ihre sich hieraus ergebende Wut den Takt vorgeben. Das ist für mich die eigentliche Stärke dieses Auftaktbandes.

Was ich an diesem Einstieg sofort mag, ist sein fehlender Zynismus. Der Comic will düster sein, keine Frage. Er kennt Mord, Verrat und Machtspiele. Aber er badet nicht selbstgefällig darin. Stattdessen setzt er auf Tempo, klare Konflikte und auf das alte, robuste Versprechen eines Abenteuers alle Stevenson’s „Die Schatzinsel„.

Ich schlage die erste Seite auf und bin sofort in einer Hafenstadt, in der die Schiffe dicht an dicht liegen, die Häuser sich in die Höhe stapeln und die Luft nach Arbeit, Wasser und Ärger riecht. Diese Welt entsteht schnell und sie ist glaubhaft.

Ein Mädchen und ein Medaillon

Im Zentrum steht aber nicht der titelgebende Ork, Thoorak, sondern das Mädchen, Agora. Sie ist zwölf Jahre alt, voller Fernweh und in ihrer eigenen Familie praktisch auf verlorenem Posten. Die ersten Seiten machen daraus keinen geheimnisvollen Seelendialog, sondern bauen eine sehr handfeste Ausgangslage. Agora wird von Mutter und Schwestern klein gehalten, nur der Vater begegnet ihr mit Wärme. Er schenkt ihr ein kostbares Medaillon. Es ist nicht bloß Schmuck, sondern Zuneigung in greifbarer Form. Genau dadurch bekommt der folgende Schlag seine unmittelbare Wucht.

Auftragsmörder dringen abends in ihr Haus ein, richten ein Blutbad an und jagen zuletzt auch Agora. Diese Eröffnung arbeitet sehr direkt. Der Band will kein stilles Familiendrama ausrollen. Er braucht einen Bruch, einen Moment, der das Leben seiner Protagonistin sofort aus der Bahn wirft. Und genau das liefert er.

In dieser Notsituation tritt Thoorak auf. Er ist ein Ork, Mitglied der Bruderschaft der Stürme und alles andere als ein Edelkorsar. Eher das genaue Gegenteil. Er ist grob, schwer, präsent. Einer von jenen Leuten, die in solchen Welten schon durch ihre Silhouette klarmachen, dass sie Ärger nicht aus dem Weg gehen.

Er rettet Agora und nimmt sie mit. Dieser Wechsel vom engen, muffigen und feindseligen Zuhause auf ein Schiff öffnet den Band mit einer steifen Brise. Plötzlich wird aus einer bitteren Kindheitsgeschichte ein Seestück. Genau hier nimmt der Band Fahrt auf. Denn er begnügt sich nicht mit der schönen Vorstellung vom Leben an Bord. Vielmehr zeigt er schnell, dass das Abenteuer, von dem Agora immer geträumt hat, keineswegs warm oder heroisch ist. Es riecht nach Salz, Misstrauen und Gewalt. Schon auf dieser Ebene funktioniert der Band gut, weil er den kindlichen Traum vom Aufbruch gegen die harte Wirklichkeit genau dieses Aufbruchs stellt.

An Bord der „Laterne“

Von da an verlagert sich DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME in jene Zone, in der Fantasy und Piratenstoff sauber ineinandergreifen. Agora kommt auf die „Laterne“, also mitten hinein in eine Welt, die sie immer ersehnt hat und die sich nun als deutlich giftiger erweist, als ihre Sehnsucht es ihr versprochen hatte.

Intrigen ziehen auf, Verrat liegt in der Luft, Magie bleibt kein fernes Gerücht und das Medaillon gewinnt spürbar Gewicht. Ich mochte besonders, dass der Band diese Elemente nicht wie einzelne Punkte einer Checkliste abarbeitet. Sie verhaken sich sehr gut miteinander. Die private Geschichte des Mädchens verknüpft sich plötzlich mit größeren Machtlinien. So wächst das Album unter meinen Füßen, ohne dass es seine Hauptfigur verliert.

Thoorak selbst ist dabei weniger klassischer Held als Türsteher zu dieser Welt. Das ist auch einer der interessanten Kniffe des Bandes. Wer vom Titel her erwartet, dass hier allein ein Ork-Pirat die Bühne dominiert, wird schief gewickelt in diese Geschichte gehen. Hier ist nichts so, wie es im ersten Augenblick scheint.

Tatsächlich ist Thoorak wichtig, sehr sogar, aber der emotionale Schwerpunkt liegt eindeutig auf Agora. Ihr Blick, ihre Verletzung und ihr wachsender Zorn halten alles zusammen. Das fand ich einerseits stark, weil es dem Band eine saubere innere Linie gibt.

Kleinere Schwächen

Gleichzeitig ist es aber auch ein kleiner Haken. Denn ich hätte durchaus nichts dagegen gehabt, noch mehr über Thoorak selbst zu erfahren. Das Album und dessen Titel machen auf ihn neugierig. Der Comic gibt mir aber nur so viel, wie die Geschichte für Agora gerade braucht.

Der Band legt seine Karten nie komplett offen, aber er lässt keinen Zweifel daran, dass Agora von nun an durch ihre Wut und Rachegedanken angetrieben wird. Das ist kein besonders neues Motiv. Vielmehr sehe ich eine sehr alte Dramaturgie, die entschlossen und ohne unnötige Verrenkungen ausgespielt wird. Und ich finde, das reicht in diesem Fall. Nicht jede Fantasy-Reihe muss erst ihre eigene Mythologie in Großbuchstaben in den Himmel schreiben. Manchmal genügt es, wenn ein Album genau weiß, welche Geschichte es erzählen will und sie dann mit entsprechender Energie auflädt. Und das gelingt hier ziemlich gut.

Große Welt, klare Schneise

Erzählerisch lebt der Comic für mich von einem einfachen aber wirksamen Prinzip. Er baut ein großes Setting auf, ohne gleich am eigenen Umfang zu ersticken. Aratheon ist eine Welt der Reiche, der Seerouten, der Machtblöcke und der Magie. Im Hintergrund steht immer der Konflikt zwischen Kaiserreich und Bruderschaft. Im Vordergrund steht ein Mädchen, das alles verloren hat, in – und an – dieser Welt aber wächst. Ich bekomme den Einstieg in eine weite Welt, ohne dass das Album sein Herz im Geek-Lexikon versteckt. Gerade das ist bei solcher Fantasy Gold wert. Ein guter Einstieg!

Dazu passt, dass der Band seine Funktion als Serienauftakt ordentlich erfüllt. Die nächsten deutschen Alben tragen mit ORVANN und ANKONN wieder Eigennamen im Titel und auch sie erzählen jeweils abgeschlossene Geschichten. Das deutet auf eine Reihe hin, die ihre Welt über einzelne Figuren und jeweils eigene Bögen entfaltet. THOORAK funktioniert in diesem Modell sehr gut als Türöffner. Ich bekomme genug, um die Ordnung dieser Welt zu verstehen und genug offenen Horizont, damit ich weiterlesen möchte. Genau so soll ein Auftakt arbeiten.

Ganz ohne kleine Schwächen kommt das Album für mich trotzdem nicht aus. Der Einstieg in Agora’s Familienlage ist wirksam, aber etwas märchenhaft grob zusammen gezimmert. Die Feindseligkeit in ihrem Zuhause hat wenig Zwischentöne. Das ist erzählerisch praktisch, wirkt aber eben auch etwas schematisch.

Hinzu kommt, dass einige Wendungen im weiteren Verlauf nicht besonders überraschend kommen. Der Band setzt eher auf Vorwärtsdrang als auf raffiniertes Hakenschlagen. Ich empfinde das nicht als großen Schwäche. Ich habe nur gemerkt, dass der Comic seine besten Momente dort hat, wo ihn seine Figuren und die Atmosphäre tragen, weniger dort, wo er unbedingt noch eine zusätzliche Volte einbauen möchte.

Wenn die Seite atmet und knarrzt

Am stärksten wird der Band für mich immer dann, wenn Giovanni Lorusso Räume und Gesichter gegeneinander ausspielt. Schon die frühe Hafenansicht macht klar, was dieser Zeichner kann. Da steht erst die ganze Stadt mit ihren Türmen, Kränen, Kais und Booten vor mir. Dann zieht die Inszenierung näher heran und landet bei Agora, bei ihrem Blick, bei der Frage, was sie in dieser Welt eigentlich sucht.

Auf einer späteren Seite schwenkt Lorusso komplett ins Intime und baut über Hände, Tischkante, Medaillon und Gesichter eine Szene, die fast nur aus Close-Ups besteht. Genau diese Spreizung gibt dem Album seinen schönen Rhythmus. Er kann Fernsicht, aber auch den Moment, in dem ein Gegenstand plötzlich mehr sagt als ein Kasten mit Erklärungen. Seine Panel-Aufteilung ist abwechslungsreich und dynamisch.

Ich mag außerdem, wie gut Lorusso Figuren in die jeweiligen Räume stellt. Seine Seiten sind voll, aber nicht unlesbar. Häuser, Treppen, Kaimauern, Schiffsteile, Stoffe und Waffen haben Gewicht. Ich merke beim Lesen, dass diese Welt wirklich gebaut ist und nicht bloß aus einer Kulissenwand besteht. Das hilft besonders in einem Band, der so schnell von Gassen zu Hafen, von Innenraum zu Decks und von Nahaufnahme zu Überblick springt. Die Figuren verschwinden darin nicht. Agora hat eine klare Präsenz, Thoorak hat Masse und selbst kleinere Szenen gewinnen durch die Umgebung an Spannung, weil der Ort immer mitspielt.

Zwei Autoren, ein Kurs

Jean-Luc Istin wurde 1970 in Pontivy in der Bretagne geboren und veröffentlichte seine ersten Comicseiten 1997 im Kollektiv BD Clip. Später prägte er als Szenarist und Serienarchitekt zahlreiche Fantasyprojekte, darunter DAS FÜNFTE EVANGELIUM, DIE KRIEGE VON ARRAN und DIE DRUIDEN.

Sylvain Cordurié, geboren 1968 in Neuilly sur Seine, kam über die Beaux Arts und die Rollenspielszene zum Schreiben. Zu seinen bekannten Arbeiten gehören unter anderem MAGIER, DIE HERREN VON CORNWALL und mehrere SHERLOCK HOLMES Bände.

Für mich merkt man diesem Duo an, dass hier zwei unterschiedliche Stärken zusammenspielen: Istin bringt das Gespür für große Welten mit, während Cordurié Szenenbau, Tempo und Genrehandwerk liefert.

Ein Zeichner, der Weite und Nähe beherrscht

Und dann ist da noch Giovanni Lorusso, ein italienischer Comiczeichner. Er arbeitete zunächst an DER KRIEG DER ORKS und wurde danach vor allem in der frankobelgischen Fantasy bekannt, etwa mit ELFEN, MAGIER, LÄNDER VON OGON, DIE KRIEGE VON ARRAN aber auch mit MYTHEN DER ANTIKE: PERSEUS UND MEDUSA und MYTHEN DER ANTIKE: DIE ODYSSEE.

Diese Laufbahn passt hervorragend zu einem Band wie DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME. Lorusso beherrscht den großen Weltentwurf ebenso wie das präzise Spiel der Gesichter, mit Blicken und Requisiten. Genau das braucht ein Comic, der gleichzeitig Seefahrerabenteuer, Fantasyepos und persönliches Rachedrama sein will.

Die Farben dieser Welt

Sehr gut gefällt mir auch die Farbdramaturgie von Olivier Héban. Draußen dominieren oft kalte, feuchte Töne. Blau, Grau und stumpfes Tageslicht lassen Hafen und Meer nie wirklich romantisch wirken. Innenräume arbeiten häufiger mit wärmeren Brauns und gelblichem Lampenlicht. Das erzeugt aber keine Geborgenheit auf Knopfdruck, im Gegenteil. Oft wird es gerade in diesen wärmeren Szenen emotional unangenehm.

Das ist ein schöner Kontrast. Das Heimelige kippt ins Bedrückende, die Behaglichkeit ist nur Schein. So trägt die Farbe viel zur Grundstimmung bei. Gleichzeitig nimmt sie der Zeichnung nie die Kontur. Ich konnte die Seiten immer gut lesen, auch wenn viel auf ihnen passiert. Nur gelegentlich wirkt die Fülle an Details so massiv, dass ein stiller Moment Intimität verliert. Das bleibt aber eine kleine Sache in einem visuell insgesamt sehr starken Album.

Fazit

Ich habe DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME gern gelesen, weil der Band etwas sehr Solides und zugleich sehr Lustvolles macht: er erzählt mir stilvoll ein klassisches Abenteuer. Er weiß, dass Rache, Verrat, Magie und ein Schiff voller gefährlicher Leute noch lange tragen können, wenn die Tonlage stimmt. Neu ist daran nicht alles, aber vieles sitzt, vr allem die Bildgestaltung. Giovanni Lorusso verleiht dieser Welt Weite, Schwere und genügend Gefühl für ihre Gesichter, damit das Album nie nur nach Kulisse aussieht.

Was bei mir hängen bleibt, sind deshalb nicht bloß der Ork aus dem Titel oder Agora. Ihr verletzter Trotz hält den Band natürlich zusammen. Aber insgesamt ist dieser Start großartig.

Wenn die Reihe dieses Verhältnis von großer Welt und Persönlichkeit beibehält, dann liegt sie echt auf Kurs. Als Auftakt ist THOORAK jedenfalls stark genug, um mich bereitwillig wieder an Bord zu holen – auch wenn in den Folgebänden andere Zeichner (Stéphane Créty und Nico Tamburo) für die Optik verantwortlich sind.

P.S. Auf der letzten Seite lautet ein Hinweis „Thoorak und Agora kehren zurück in Band 6!“ Nun, lassen wir uns überraschen…

• DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME 01: THOORAK
• Jean-Luc Istin, Sylvain Cordurié und Giovanni Lorusso
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-68950-149-5
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★★
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Genau darin liegt der Reiz dieses Bandes. Appollo und Brüno nehmen Morris’ Cowboy ernst, aber sie knien nicht vor ihm nieder. Sie spielen mit ihm, setzen ihn in erste Bewegungen. Sie lassen ihn in sieben kurzen Geschichten Menschen begegnen, die mehr als eindimensionale, dekorative Westernschablonen sind. Luke trifft befreite Sklaven, Frauen mit eigenen Plänen, einen Fotografen, streitlustige Poeten, Revolverhelden und indigene Charaktere. Das ergibt nicht wie sonst ein klassisches Abenteuer mit einem einzigen großen Ziel. Es fühlt sich eher wie eine Reise an, bei der jede Station eine kleine Kerbe im Charakter des Hauptdarstellers hinterlässt – und genau das ist es dann auch.

Achtzig Jahre schneller als der eigene Schatten

LUCKY LUKE gehört zu den Figuren, die längst aussehen, als seien sie immer dagewesen. Dabei hat auch dieser Cowboy einmal klein angefangen.

Morris, eigentlich Maurice De Bevere, brachte ihn 1946 zur Welt. Also heute, vor ziemlich genau 80 Jahre. Die erste Geschichte hieß ARIZONA 1880 und erschien im Umfeld des SPIROU Almanachs. Schon der Titel ist wichtig, weil DAKOTA 1880 sich hörbar und sichtbar daran anlehnt. Aus Arizona wird Dakota, aus dem bekannten Helden wird ein jüngerer LUKE (noch ohne den Beinamen LUCKY) und aus der Parodie des Westerns wird ein Western, der noch den kalten Wind im Gesicht hat.

Spannend ist auch, wie sehr LUCKY LUKE im Laufe der Jahrzehnte seine Form gefunden hat. Morris zeichnete die Figur von 1946 bis zu seinem Tod 2001. Ab Mitte der fünfziger Jahre kam René Goscinny hinzu, der dem Serienhumor eine besondere Schlagkraft gab und viele der klassischen Abenteuer prägte. Diese Mischung aus klarer Linie, Timing, Westernliebe und liebevoller Überzeichnung machte LUCKY LUKE zu einer der großen Figuren der frankobelgischen Comicgeschichte.

Dass 2026 der 80. Geburtstag gefeiert wird, passt deshalb wunderbar zu diesem Band. EGMONT EHAPA begleitet das Jubiläum im deutschsprachigen Raum mit neuen Veröffentlichungen und Ausstellungen, unter anderem ab dem 02. Oktober 2026 mit einer Morris-Schau „Lucky Luke – Moris’ einsa-
mer Westernheld“ im Museum für Kommunikation, Berlin.

DAKOTA 1880 erschien auf Deutsch im März 2026 und reiht sich als Hommage in diese Geburtstagsbewegung ein. Das ist kein bloßer Marketingrahmen. Es ist der passende Moment für eine Frage, die gute Hommagen stellen müssen. Was bleibt lebendig, wenn eine berühmte Figur kurz aus ihrer eigenen Routine herausgeführt wird?

Sieben Wege durch einen raueren Westen

Erzählerisch funktioniert der Band am besten, wenn ich ihn nicht als normalen Lucky-Luke-Band lese. Appollo inszeniert keine große Daltons-Jagd und keinen durchgehenden Gag-Mechanismus. Er nutzt die Postkutschenreise nach Kalifornien als lockere Klammer. Jede Episode bringt einen anderen Zungenschlag hinein. Mal wirkt der Band abenteuerlich, mal trocken komisch, mal fast melancholisch. Das Tempo bleibt angenehm zügig. Trotzdem hetzt nichts. Diese kurzen Geschichten haben Platz für Blicke, Pausen und kleine Pointen.

Formal ist das smart. Der Seitenrhythmus erinnert an die klassische Alben, aber Brüno zeichnet nicht im Morris-Modus. Seine Figuren sind kantiger, moderner. Die Gesichter stehen klar im Raum. Die Körper wirken manchmal fast wie ausgeschnitten, wenn auch präzise gesetzt. Das macht die Seiten sehr lesbar. Ich hatte nie das Gefühl, mich durch Dekor kämpfen zu müssen. Brüno liebt die Fläche, die Haltung, die Silhouette. Seine Bilder stopfen den Westen nicht voll, sie räumen ihn auf, bis jede Bewegung sitzt.

Laurence Croix unterstützt das mit Farben, die den Band nicht auf lustig trimmen. Es gibt eine gewisse Wärme. Schnee, Erde, Holz, Abendlicht und Kleidung greifen ruhig ineinander. Dadurch wirkt DAKOTA 1880 erwachsener als die klassische Serie, ohne dem Vorbild die Freude auszutreiben. Die Schwäche liegt eher in der Form selbst. Nicht jede Begegnung kann gleich tief gehen. Manche Figur verschwindet genau dann, wenn ich gern noch zwei Seiten geblieben wäre. Aber dann rollt die Kutsche halt weiter. Doch diese Knappheit gehört zum Konzept. Der Band erzählt von Spuren, nicht von Lebensläufen.

Kurzbiografie: Appollo

Appollo heißt bürgerlich Olivier Appollodorus und wurde 1969 in Tunesien geboren. Er wuchs in Nordafrika und auf La Réunion auf. Schon als Schüler gründete er mit Freunden ein Comicmagazin, später studierte er in Paris und begann als Szenarist zu arbeiten. Zu seinen bekannten Arbeiten zählen unter anderem DIE DIEBE VON KARTHAGO, BOURBON ISLAND 1730 mit Lewis Trondheim und BIOTOPE mit Brüno. Gerade diese Laufbahn erklärt viel an diesem Band. Appollo interessiert sich für Geschichte, Randfiguren und dafür, wie große Erzählungen aus kleinen Begegnungen entstehen. In DAKOTA 1880 passt das sehr gut zu einem LUCKY LUKE, der noch nicht ganz das Denkmal ist, dass wir alle kennen.

Kurzbiografie: Brüno

Brüno, mit bürgerlichem Namen Bruno Thielleux, wurde 1975 in Deutschland geboren. Nach Stationen an der École Estienne in Paris und einem Studium der bildenden Kunst in Rennes veröffentlichte er ab den späten neunziger Jahren erste Arbeiten. Mit ATAR GULL, BLACK AND PROUD und besonders TYLER CROSS hat er sich einen Namen als Zeichner gemacht, der Genrestoffe ernst nimmt und zugleich radikal vereinfacht. Sein Strich ist klar, hart und elegant. Er zeigt gern Männer in gefährlichen Landschaften, aber er verliert sich nicht in Muskelshow oder Dekor. Für LUCKY LUKE ist das ein Glücksfall. Brüno macht aus dem Cowboy keine Kopie. Er macht ihn wieder – anders –  sichtbar.

Fazit

DAKOTA 1880 ist eine sehr gelungene Hommage, weil sie nicht nur erinnert, sondern ausprobiert. Appollo und Brüno behandeln LUCKY LUKE wie eine Figur mit Vergangenheit, nicht wie ein Museumsstück. Der Band ist teils rauer, teils stiller und nachdenklicher als viele klassische Abenteuer. Zugleich bleibt er zugänglich, flott und charmant.

Ich hätte mir an einzelnen Stellen etwas mehr Atem für Nebenfiguren gewünscht. Doch der Gesamteindruck trägt. Diese Reise zeigt einen jungen Cowboy auf dem Weg zur Legende. Und genau das macht beim Lesen überraschend viel Freude.

Ach ja – und ganz nebenbei wir erfahren, warum Luke seinen Beinamen „Lucky“ erhält.

• LUCKY LUKE – DAKOTA 1880
• Appollo und Brüno
• Softcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-77041-031-6 (des Hardcovers)
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Egmont Ehapa Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Mein BATMAN war der von Neal Adams: moderat muskulös, aber drahtig, mit einer hochgewachsenen Silhouette und spitzen, aber nicht zu langen Fledermausohren. Ein BATMAN der seine menschlichen Schwächen noch nicht verloren hatte, der auch einmal urlaubsreif sein durfte und der nicht nur wie eine getriebene Maschine ruhelos durch die Straßenschluchten seiner Stadt streifte.

Bei ihm hatte ich damals das Gefühl, dass eine Comicfigur nicht bloß gezeichnet ist, sondern wirklich auf dem Boden stehen könnte. Ich sehe Gewicht auf seinen Schultern, Spannung in den Händen, Müdigkeit unter den Augen und Gefahr in der Haltung. Das klingt erst einmal schlicht. Genau darin lag aber seine Wucht.

Neal Adams brachte den amerikanischen Superhelden-Comic aus einer bequemen, oft flachen Bildsprache in eine Welt, die nach Körper, Stoff, Schatten und echtem Raum aussah. Für mich war – und ist – das keine kleine Korrektur. Das ist ein Einschnitt. Ohne ihn sähen BATMAN, DEADMAN oder GREEN LANTERN / GREEN ARROW in meiner inneren Comicgeschichte anders aus. Vielleicht hätte ich auch nie wirklich für Comics interessiert.

Lehrjahre zwischen Zeitung, Werbung und Trotz

Neal Adam’s Weg in die Branche war nicht die elegante Heldengeschichte, die man gern nachträglich daraus macht.

Adams wurde 1941 in New York geboren, wuchs in einer Militärfamilie auf und besuchte die School of Industrial Art in Manhattan. Früh wollte er ins Comic-Business hinein, früh bekam er dort auch Gegenwind.

Der Markt war schwach, die Verlage vorsichtig und der direkte Einstieg gelang ihm nicht. Also arbeitete er in der Werbung, zeichnete Storyboards und fand mit dem Zeitungsstrip BEN CASEY eine Schule, die für ihn am Ende fast genauso wichtig wurde wie jeder Verlag.

Ich merke diesen Hintergrund seinen späteren Arbeiten an. Dort sitzt jeder Blick und jede Geste hat ein Ziel. Wer täglich für einen Strip arbeitet, lernt Ökonomie in die eigene Arbeitsweise einzubringen. Und wer aus der Werbegrafik kommt, lernt Wirkung. Adams brachte beides mit, als er in den späten sechziger Jahren erneut bei DC aufschlug.

Die Kunst, Körper wirken zu lassen

Was mich an seinen Zeichnungen bis heute fasziniert, ist die Mischung aus konzeptioneller Wucht und Klarheit. Viele Zeichner können Dynamik, viele können Lesbarkeit. Bei ihm greift beides ineinander.

Ich kann einem Arm folgen, einem Sprung, einer Drehung des Oberkörpers. Ich verliere dabei nie die Orientierung auf der Seite. Seine Figuren posieren nicht leer in die Gegend herum. Sie reagieren, sie verspannen sich, sie drohen und sie leiden. Die Gestaltung und Positionierung seiner Panel hatte etwas Besonderes.

Gerade in der Darstellung von unterschiedlichen Gesichtern war er stark. Ich sehe bei ihm keine austauschbaren Heldenschädel. Ich sehe Zorn, Erschöpfung, Arroganz und Trotz. Selbst Faltenwurf arbeitet bei ihm mit. Ein Cape fällt nicht einfach dekorativ. Es schneidet durch den Raum. Ein Schatten liegt nicht bloß herum, sondern baut Stimmung auf.

DEADMAN und der große Durchbruch

Für mich zeigt sich diese Qualität besonders schön in DEADMAN. Boston Brand, der Held der Reihe, ist ein seltsamer Stoff, weil die Figur zugleich körperlos und hoch emotional ist. Genau hier wird Adams richtig gut.

Er zeichnet einen Toten, der trotzdem ein Gesicht voller Schmerz hat. Er macht aus übernatürlichem Material keine wattierte Geistershow, sondern ein Drama mit Tempo, gezielter Blickführung und einer fast greifbaren Traurigkeit.

DC führt die frühen Geschichten aus STRANGE ADVENTURES bis heute als Kern seines Durchbruchs an und ich kann das sehr gut nachvollziehen. Hier sehe ich schon alles, was später groß werden würde wie z.B. die sicheren Perspektiven, die starke Mimik, die Lust an der Bewegung. Und vor allem diesen Willen, eine Seite so zu bauen, dass Leserinnen und Leser beinahe automatisch hineingezogen werden.

Als Gotham nach Nacht aussah

Noch wichtiger für sein Vermächtnis wurde jedoch jemand anderer: BATMAN.

Ich lese seine Arbeiten zum dunklen Ritter bis heute mit dem Gefühl, dass hier jemand eine Figur wieder auf ihre dunklen Wurzeln zurückführt. Der BATMAN bei Adams ist aufrecht, wachsam, gewollt unheimlich. Er betritt einen Raum nicht geschniegelt durch die Tür. Er hängt irgendwo in den Schatten, kommt wie ein Raubvogel aus der Höhe herab geschossen oder steht schon da, bevor die Gegenseite richtig begriffen hat, was eigentlich los ist.

Zusammen mit Dennis O’Neil formte er in BATMAN, DETECTIVE COMICS und THE BRAVE AND THE BOLD eine Version der Figur, die bis heute in mir nachwirkt. In diese Phase seines Schaffens fallen auch wichtige Neuzugänge wie MAN-BAT und RA’S AL GHUL.

Ich mag daran besonders, dass die Düsternis nie bloße Behauptung blieb. Sie sitzt in jeder Silhouette, im Seitenrhythmus und in den Blickachsen. Gotham wirkt bei ihm wieder wie ein Ort, in dem es kalt ist und an dem ich nachts zu Hause sein wollte.

Die Straße kommt ins Heft

Ein eigener Blick auf den historischen Hintergrund lohnt sich bei GREEN LANTERN / GREEN ARROW – HARD TRAVELLING HEROES. Anfang der siebziger Jahre war der amerikanische Superheldencomic noch längst nicht dort, wo er zu einem späteren Zeitpunkt mit politischen oder sozialen Stoffen ganz selbstverständlich hantierte.

Diese Serie schickte Hal Jordan (Green Lantern) und Oliver Queen (Green Arrow) durch ein Amerika, das von Rassismus, Armut, Drogen und wachsendem Misstrauen gegen die eigene Gesellschaft geprägt war. DC betont bei den Sammlungen bis heute, dass diese Hefte genau solche Themen offen angingen. Für mich macht aber nicht nur der Stoff diese Reihe stark.

Entscheidend ist, wie Adams mit seinen Zeichnungen die Geschichten erdet. Straßenecken wirken benutzt, Gesichter müde oder wütend. Green Arrow bekam in dieser Zeit sein modernes Aussehen mit charakteristischem Bart und härterer Kante. Auch John Stewart, einer der ersten dunkelhäutigen Superhelden (ebenfalls als Green Lantern), gehört Anfang der 1970er zu diesem Umfeld des allgemeinen Aufbruchs im jungen Bronze-Zeitalter der US-Comics.

Ich lese diese Seiten nicht als trockene Lektion, sondern als Versuch, Superhelden mit echtem Straßenstaub zu versehen. Das klappt erstaunlich gut.

MARVEL und neue Möglichkeiten

Bei MARVEL, wo er ab 1969 als Freiberufler arbeitet, funktionierte sein Stil etwas anders, aber nicht weniger eindrucksvoll.

In UNCANNY X-MEN Ausgabe 56 bis 63 brachte er zusammen mit Roy Thomas eine Dringlichkeit in die Serie, die ich selbst heute noch sofort spüre. Das Team wirkt plötzlich nicht mehr wie eine freundliche Reihe bunter Kostüme, sondern wie eine nervöse, junge Truppe, die mit jeder Bewegung gegen ihre Umwelt anrennt.

MARVEL führt diese Phase zu Recht als wichtige Station des Verlagshauses auf. Später kam THE AVENGERS hinzu, vor allem der KREE SKRULL WAR. Dort zeigt sich eine andere von Adam’s Stärke. Er konnte Größe, konnte viele Figuren, viel Bewegung und Pathos. Und trotzdem bleiben seine Panel verständlich.

Das ist schwerer, als es aussieht. Seine MARVEL-Arbeiten waren nicht so dauerhaft mit einer einzelnen Figur verschmolzen wie bei DC’s BATMAN. Sie zeigen aber sehr klar, wie seine Fähigkeiten und wie breit aufgestellt seine Möglichkeiten waren.

Nicht nur Zeichner, auch Antreiber

Was ich an Neal Adams fast genauso interessant und wichtig finde wie die Kunst, ist sein Einfluss auf die gesamte Comic-Branche. 1971 gründete er mit Dick Giordano CONTINUITY ASSOCIATES, ein Studio, das Comics, Illustration, Werbung und Storyboards miteinander verband und für viele jüngere Zeichner ein wichtiger Ort wurde.

Dazu kam sein Einsatz für Urheberrechte und Originalseiten. Besonders prägend war sein Anteil daran, dass Jerry Siegel und Joe Shuster wieder Anerkennung und eine finanzielle Absicherung bekamen. Ich spreche darüber nicht als nette Randnotiz. Dies gehört genauso zu ihm, wie seine Zeichenkunst und damit in die Mitte seiner Biografie.

Ich sehe darin denselben Charakterzug wie in seinen Zeichnungen: Druck machen, Platz beanspruchen, nicht klein beigeben. Diese Einstellung passte nicht jedem. Und doch hat es der Branche gutgetan.

Wo ich auch mal die Stirn runzle

Ganz ohne Kritik möchte ich diesen Artikel aber auch nicht beenden. Gerade spätere Arbeiten haben für mich stellenweise zu viel Nachdruck. Dann wird aus Energie Lautstärke. Dann kippt starke Anatomie in Überbetonung. Dann stehen Muskeln und Grimassen einen Tick zu entschlossen in einem Panel.

Natürlich lagen die Latten hoch und ich kann mir gut vorstellen, dass seitens der Verlage ein Immer-Höher, Immer-Weiter und Immer-Bombastischer gefordert wurde. Und doch ist diese Entwicklung bemerkenswert.

Auch als Autor war er nicht immer so präzise, wie ich ihn als Zeichner empfunden habe. BATMAN ODYSSEY oder manches andere Spätwerk haben Momente, in denen ich eher die Willenskraft als die Eleganz bewundere. Aber selbst dort sehe ich keine Müdigkeit. Ich sehe einen Künstler, der immer auf volle Präsenz aus war. Das ist nicht immer fein, aber fast immer unverwechselbar.

Was von ihm bleibt

Adams starb am 28. April 2022 in New York, also genau heute vor vier Jahren.

Geblieben ist weit mehr als eine Reihe berühmter Cover und kanonischer Comic-Hefte. Geblieben ist ein neuer Blick auf unsere Superhelden. Sie durften Schatten werfen, wieder verletzlich aussehen – und sein – und sie durften Größe haben, ohne den Boden unter ihren Füßen zu verlieren.

Wenn ich heute ältere BATMAN, DEADMAN, GREEN LANTERN, GREEN ARROW oder X-MEN-Seiten von ihm aufschlage, sehe ich deshalb nie bloß einen Klassiker. Ich sehe einen Zeichner, der dem Genre beigebracht hat, wie sich Spannung im Körper der gezeigten Personen anfühlt. Darum kehre ich immer wieder zu Neal Adams zurück. Nicht aus Ehrfurcht. Eher aus Freude darüber, wie lebendig Comics werden können, sobald einer sie wirklich atmen lässt.

Die gezeigten Beispielseiten sind ursprünglich © DC

Profilfoto / Beitragsbild by Gage Skidmore, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=79171268

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