Peter Mennigen und Ingo Römling liefern in dieser Erzählung keinen Blutrausch um des Effekts willen. Ich erhalte stattdessen eine viktorianischen Abenteuernarration, die sich mit sichtbarer Lust an Schauer, Krimi, Steampunk, Weltuntergangsflirt und sehr trockenen Humor durch ihre 64-seitige Geschichte hindurch laviert. Hierbei handelt es sich um den inzwischen sechsten Band der laufenden, sehr erfolgreichen Serie. Und – er endet mit einem fetten Cliffhanger. Der Folgeband AM ENDE DER ZEIT ist beim Splitter Verlag nun – endlich! – für September 2026 angekündigt.

Was ich an dieser Serie so mag, zeigt sich auch in diesem Werk wieder. Malcolm Max ist kein grummeliger Dämonenschlächter, der mit finsterem Gesicht durch die Seiten stapft. Er ist elegant, spöttisch, kontrolliert und oft genau dann am besten, wenn sich alles außerhalb seiner Kontrolle abspielt.

Seine Partnerin, Charisma Myskina, ist für mich dabei längst das emotionale Zentrum der Reihe. Halbvampirin hin oder her, ihre Mischung aus Direktheit, Stolz, Fremdheit und verletzlicher Neugier trägt diese Geschichten mindestens genauso stark wie Malcolm’s Gehabe als Gentleman mit Nerven aus Stahl.

Das Ganze spielt im London der späten viktorianischen Epoche. Also in einer Welt, die nach außen zwar voller Normen und Regeln aussieht, innerlich jedoch bereits vor sich hin fault. Genau an diesem Ort und zu dieser Zeit fühlt sich diese Serie seit Jahren am wohlsten.

London aus Nebel, Armut und Zukunftseuphorie

Bevor ich zur Handlung komme, lohnt sich ein kurzer Blick auf den Hintergrund, vor dem diese Serie läuft. Zunächst einmal: Malcolm Max begann nicht als Comic, sondern als Hörspiel. Peter Mennigen entwickelte die Figur 2008 im Umfeld einer geplanten Wiederbelebung von GESPENSTER GESCHICHTEN. Erst später wurde daraus diese Comicreihe beim Splitter Verlag.

Für die Chronologie ist das wichtig, denn die frühen Hörspiele erzählen die Vorgeschichten, während der erste Comic zeitlich danach einsetzt. Das erklärt auch, warum die Welt dieser Serie oft so wirkt, als läge schon ein ganzes Leben hinter ihren Figuren.

Noch spannender ist für mich aber der Schauplatz. Der Band führt tief ins East End und damit in jenen Teil Londons, der im späten 19. Jahrhundert wie ein Gegenbild zur imperialen Selbstverherrlichung wirkte. Charles Booth’s Londoner Armutskarte markierte Spitalfields und Whitechapel 1889 bis 1891 großflächig in Schwarz und Blau. Also als Gegenden mit besonders hoher Armut.

Gleichzeitig hängt dort noch der Schatten von JACK THE RIPPER in der Luft. Die Morde in Whitechapel von 1888 wurden zum Dauertrauma der Stadt und fraßen sich tief in die Popkultur hinein. Genau diese Mischung aus Elend, Angst und öffentlicher Obsession zapfen das Hörbuch und später auch der Comic sehr gezielt an.

Dazu kommt ein dritter Punkt, der für MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON fast ideal ist. London war damals eben nicht nur düster, sondern auch im wörtlichen Sinn elektrisiert. In den 1860er Jahren wuchs das Interesse an Séancen und modernem Spiritualismus. 1879 bekam der Lesesaal des British Museum elektrische Lampen und 1882 ging am Holborn Viaduct eine frühe öffentliche Stromversorgung in Betrieb.

Diese Stadt glaubte also gleichzeitig an „Geisterklopfen“ und an technische Erlösung. Ich finde, kaum ein deutscher Genre-Comic nutzt diese Spannung zwischen Okkultismus und Fortschrittsrausch so stimmig aus wie diese Reihe.

Zwei Ermittler wie ein altes Ehepaar

Im Zentrum dieses Bandes stehen – natürlich – wieder Malcolm Max und Charisma Myskina. Er ist der stilbewusste Spezialist für paranormale Fälle, sie die Halbvampirin an seiner Seite, gefährlich, scharfzüngig und deutlich weniger bereit, höflich um die Dinge herumzureden.

Dazu kommen die Schwestern Emmeline und Miranda Finch, die in dieser Welt längst mehr sind als putzige Nebenfiguren. Sie bringen Witz, Tempo und ein sehr eigenes detektivisches Gespür ein, das ihnen bereits einen eigenen Spin-Off-Band beschert hat.

Gerade diese Mischung aus erwachsener Schauerabenteuer-Serie und fast frecher Jungdetektiv-Energie gibt MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON seinen besonderen Ton.

Ein vollgepacktes Album

Der Band steigt mit einem Hinterhalt ein. Malcolm und Charisma geraten in ein verlassenes Hospital und dort in eine Falle, die sehr schnell klarmacht, dass hier mehr am Werk ist als ein örtlicher Serienmörder. Dämonische Kopfgeldjäger, seltsame Steckbriefe, rätselhafte Gegner, dazu später die Spur eines Kannibalen, der Frauen aus dem Milieu zerfetzt zurücklässt, nehmen hier ihren Anfang.

Peter Mennigen eröffnet den Band gleich mit diversen Fäden. Das ist auf 64 Seiten riskant, funktioniert hier aber erstaunlich gut, weil er nie vergisst, die Figuren zusammenzuhalten. Selbst wenn die Handlung kurz in Richtung dimensionsoffener Irrsinn abkippt, bleibt die Frage wichtig, wie Malcolm und Charisma aufeinander reagieren, wie sie sich necken, reizen, retten und doch ständig einen halben Schritt zu weit voneinander weg bleiben. Schließlich gibt es da ja noch die Drohung von Charisma’s Vater, Malcolm den Garaus zu machen, sollte er seiner Tochter zu nahe kommen. Aber das ist ein anderes Thema.

Gerade dieses Duo ist für mich der eigentliche Grund, warum ich immer wieder zu der Serie zurückkehre. Zwischen diesen Beiden knistert es gewaltig und nicht in einem kitschigen Sinne. Eher so, als würden zwei Menschen seit Ewigkeiten denselben Satz umkreisen und ihn nie aussprechen.

Der Humor kommt genau aus dieser Bewegung. Ein schräger Blick hier, eine kühle Bemerkung dort, ein Satz, der halb Rettungsleine und halb Spitze ist. Das ist genau mein Ding. Ich habe beim Lesen oft den Eindruck, dass Mennigen den Rhythmus der Beziehung besser versteht als viele Autoren, die ihre Figuren nur auf eine Romanze zuschreiben. Hier bleibt das Spiel offen. Und genau deshalb bleibt es lebendig.

Das East End wird zum Schaufenster des Grauens

Der titelgebende Kannibale ist natürlich kein bloßer Vorwand. Der Fall bringt diese Geschichte mitten ins East End, also hinein in jene Straßen, in denen Frauenkörper schnell zur Ware und noch schneller zu Wegwerfmaterial wurden.

Der Band macht daraus keine plumpe Sozialgeschichte. Ich fand aber stark, wie deutlich die soziale Schieflage spürbar bleibt. Die Opfer sind nicht zufällig Frauen aus dem Milieu. Dieser Fall erzählt eben auch davon, wer in dieser Stadt am leichtesten verschwindet und wer erst dann zählt, wenn sich das Grauen nicht mehr vertuschen lässt. Besonders gut hat mir gefallen, wie Charisma von Menningen in diese Umgebung gestellt wird. Dass sie sich als Prostituierte verdingen soll, ist nicht bloß ein sensationeller Aufhänger, sondern ein kluger Perspektivwechsel innerhalb der Serie.

Plötzlich sieht London anders aus, nicht aus Malcolm’s ironischer Distanz, sondern aus einer gefährdeten, körperlich exponierten – wenn auch wehrhaften – Position einer Frau. Gleichzeitig nimmt sich der Band beim Humor nicht zurück. Diese Szenen haben Biss (Sorry, Wortspiel), aber eben auch Witz.

Charisma spielt keine wehrlose Rolle. Sie spielt mit ihrer Rolle. Und Malcolm muss dabei einsehen, wie wenig Kontrolle er wirklich hat. Genau daraus zieht der Comic einen guten Teil seiner Spannung.

Parallel dazu läuft die Geschichte um einen hochbegabten Physiker, der für seine todkranke Tochter an eine Grenze geht, hinter der Wissenschaft nicht mehr sauber von Hybris zu trennen ist. Auch das ist typisch für diese Serie. Sie liebt Laborfantasien, dampfende Apparaturen, große Versprechen und den Moment, in dem Fortschritt vielleicht in Größenwahn kippt.

Ich mag, dass Mennigen diese Ebene nicht trocken erklärt, sondern als emotionalen Motor nutzt. Es geht nie nur um diese Erfindung. Es geht um Verzweiflung, Liebe, Verlustangst und den alten Wunsch, den Tod irgendwie doch zu überlisten. Dadurch bleibt das Science-Fiction-Element im Band nicht bloß Dekor, sondern bekommt ein Herz.

Wenn Witz und Weltuntergang gleichzeitig anklopfen

Was dieser Band besonders gut kann, ist einen ganz bestimmten Ton zu treffen. Ich lese hier einen Geschichte, die Dinge zeigt, die eigentlich unerquicklich sind. Verstümmelte Opfer, dämonische Angriffe, apokalyptische Möglichkeiten. Und trotzdem kippt das Ganze nie in selbstgefällige Düsternis. Dafür sorgt der Humor, vor allem der, der aus den Figuren kommt und nicht aus aufgesetzten Gags. Ein schönes Beispiel ist das Gerücht über eine mögliche Verlobung von Malcolm und Charisma. So ein Einfall könnte albern werden. Hier lockert er die Geschichte auf und zeigt gleichzeitig, wie viel zwischen diesen beiden unausgesprochen herumsteht.

Gleichzeitig merkt ich dem Band an, dass er ein Kapitel in einer fortlaufenden Serie und kein völlig abgeschlossener Einzelband ist. Das ist Stärke und kleine Schwäche zugleich. Stärke, weil die Welt dicht ist, weil Nebenfiguren Gewicht haben, weil jedes neue Abenteuer auf etwas Größeres hinarbeitet. Kleine Schwäche, weil der Band sein Material sehr energisch zusammenhält und deshalb an einigen Stellen fast zu viel in zu kurzer Zeit erzählen muss. Die Übergänge zwischen Serienmörderfall, okkultem Angriff, Wissenschaftsdrama und kosmischer Bedrohung sind spannend, aber nicht immer ganz … „luftig“. Ich war beim Lesen nie verloren, habe aber gespürt, wie dicht Mennigen seine 64 Seiten packen musste.

Trotzdem sitzt der Cliffhanger. Und zwar nicht nur als lautes „To-be-continued“-Schild, sondern als echter Schub nach vorn. Ich habe das Album mit genau dem Gefühl geschlossen, das eine gute Fortsetzungsserie auslösen soll: nicht Sättigung, sondern Vorfreude und ungeduldige Erwartung des nächsten Bandes. Genau darin liegt für mich eine große Qualität von MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON. Der Band will nicht nur gefallen, sondern die Reihe unter Spannung halten. Das gelingt ihm.

Mehr Serienfolge als Einsteigeralbum

Wie schon erwähnt, ist für die Einordnung wichtig, dass die Comics chronologisch nach der Hörspielvorgeschichte spielen und längst ein größeres Netz aus Beziehungen, Mythen und Running Gags aufgebaut haben. Wer hier zum ersten Mal einsteigt, bekommt genug, um dem Fall zu folgen. Ich würde Band 6 trotzdem nicht als idealen Erstkontakt empfehlen.

Zu viel von seinem Charme entsteht aus Vertrautheit mit seinen Figuren und dem Wissen, wie Malcolm und Charisma seit Jahren umeinander kreisen. Oder aus dem Vergnügen, wenn die Finch-Schwestern auftauchen. Und aus dem Gefühl, dass diese Welt schon lange vor der ersten Seite atmet.

Innerhalb der Reihe wirkt der Band für mich wie eine Zuspitzung. Der Fall ist größer, die Bedrohung drastischer, der Blick stärker auf die Serie als Ganzes gerichtet. Darum wird er auch in zwei Alben erzählt. Dazu passt, dass der angekündigte Folgeband AM ENDE DER ZEIT die Linie von Raum, Zeit und Apokalypse ausdrücklich weiterführt.

Ich mag an dieser Entwicklung, dass sie die Serie nicht verrät. MALCOLM MAX bleibt auch dann Malcolm Max, wenn die Bühne wächst. Er bleibt der geschniegelte, grantige Geisterermittler, der lieber einen trockenen Satz setzt, als heroisch zu posieren. Und Charisma bleibt die Figur, die ihm mit Freude jede Attitüde aus dem Gesicht klatscht, sobald sie zu geschniegelt sitzt.

Kurz etwas zu den Machern

Peter Mennigen, Jahrgang 1952, studierte in Köln Kunst und Design und schrieb seit den späten 1970er Jahren für eine erstaunliche Zahl deutscher Comicreihen. Besonders prägend war seine Arbeit für Bastei Titel wie GESPENSTER GESCHICHTEN, SPUK GESCHICHTEN, PHANTOM, CONNY oder FELIX.

Später schrieb er auch für die Verlage Egmont, Panini und Ravensburger und verfasste internationale Stoffe zu Serien wie LUCKY LUKE, DIE SCHLÜMPFE, BESSY und ISNOGUD. Hinzu kommen Hörspiele, Bücher sowie Drehbücher für Fernsehproduktionen wie KÄPT’N BLAUBÄR, TIM THALER und RTL SAMSTAG NACHT. Bei MALCOLM MAX bündelt er viel von dem, was er über Pulp, Serienerzählung, Schauerstoffe und pointierte Dialoge gelernt hat.

Ingo Römling wurde 1969 in Frankfurt am Main geboren und kam aus Illustration, Grafik und Musik zum Comic. Früh arbeitete er für Verlage, Werbeagenturen und später sehr erfolgreich für die Musikbranche als Cover-Illustrator und Layouter. Mit DIE TOTEN machte er sich im deutschen Comic deutlich bemerkbar. Seine Comics METROPOLIA: BERLIN 2099 und DIE CHRONIKEN DES UNIVERSUMS habe ich an dieser Stelle bereits besprochen.

Seit 2013 prägt er gemeinsam mit Peter Mennigen die Welt von MALCOLM MAX. Parallel dazu wurde er mit STAR WARS REBELS zu einem der ersten offiziellen Disney Comiczeichner aus Deutschland. Auch international ist Römling längst unterwegs, etwa über den französischen Verlag Dargaud und Europe Comics. Sein Stil verbindet klassische Lesbarkeit mit digital gestützter Bildfülle und einem sicheren Gespür für Atmosphäre. Genau deshalb passt er so gut zu einer Serie, die zwischen Gasse, Labor und Dämonenportal ständig den Ton wechseln muss.

Fazit

MALCOLM MAX: DER KANNIBALE VON LONDON ist für mich ein fast perfekter Band. Fast – denn dafür ist er stellenweise etwas zu dicht und zu verliebt in die Menge seines Materials. Aber genau darin steckt auch seine Kraft.

Ich bekomme einen deutschen Genre-Comic, der seine viktorianische Bühne ernst nimmt, seine Figuren liebt, seinen Humor trocken serviert und sein Grauen nie bloß vordergründig benutzt. Vor allem bekomme ich aber wieder Malcolm und Charisma. Und ehrlich gesagt reicht mir das schon, um glücklich zu sein.

Ich bleibe also dran, obwohl mich – wie bereits erwähnt – Horror selten begeistert. Diese Reihe aber tut das schon. Und auf Band 7 im September 2026 freue ich mich sehr…

• MALCOLM MAX 6 – DER KANNIBALE VON LONDON
• Peter Mennigen und Ingo Römling
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-98721-297-0
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Ich liebe diese Mischung aus strenger Ordnung, gedämpften Farben, hölzernen Häusern, heißen Badehäusern, höfischer Etikette und plötzlicher Gewalt. Da reicht bei mir schon ein verschneiter Weg zwischen Papierwänden und Laternenlicht und ich sitze etwas gerader vor dem Bildschirm. Bei BLUE EYE SAMURAI kam noch etwas dazu. Diese Serie sieht nicht einfach nur schön aus, sie starrt geradezu zurück.

Schon die ersten Minuten haben mich gepackt, weil hier nichts harmlos eingeführt wird. Mizu, die Hauptfigur, tritt nicht als Heldin auf, die um Zuneigung bittet. Sie kommt aus der Kälte und trägt ihre Wut wie eine zweite Haut mit sich herum. Und sie hat diese blauen Augen, die in ihrer Welt nicht als Besonderheit gelesen werden, sondern als Makel. Als Beweis, dass sie nicht hineinpasst, nicht hineinpassen darf.

Die erste Staffel erschien 2023 auf Netflix, umfasst acht Folgen und stammt von Amber Noizumi und Michael Green. Netflix führt die Serie als erwachsene Action-Animation, angesiedelt im Japan der Edo-Zeit. Die zweite Staffel befindet sich derzeit offiziell in Produktion.

Die Stroyline klingt nach Rachegeschichte und das ist es auch. Aber es ist die gute, gefährliche Sorte Rachegeschichte. Eine, bei der ich zwar auf den nächsten Kampf warte, aber zugleich immer stärker spüre, was die bisherigen Kämpfe aus der Figur gemacht haben. Mizu schneidet sich durch Gegner, Mauern und Lügen. Doch der tiefste Schnitt geht nach innen.

Ein verschlossenes Land, ein unerlaubtes Gesicht

Der historische Rahmen ist hier kein Postkarten-Japan. BLUE EYE SAMURAI spielt im 17. Jahrhundert, in einer Zeit, in der Japan den Kontakt zur Außenwelt streng begrenzte. Netflix’s eigenes Hintergrundmaterial zur Serie verweist auf diese Abschottung und auf die starke Kontrolle westlicher Einflüsse. Genau daraus zieht die Serie ihre Härte. Mizu’s blaue Augen sind nicht bloß ein auffälliges Detail. Sie machen ihren Körper zum Vorwurf. Jeder Blick auf sie kann zur Anklage werden.

Das ist erzählerisch stark, weil die Serie aus einem historischen Zustand eine ganz persönliche Bedrohung formt. Ich muss kein Fachbuch über die Edo-Zeit gelesen haben, um zu verstehen, warum Mizu sich versteckt. Die Welt erklärt es mir durch zuschlagende Türen, durch Blicke, durch Tusche, Stoffe, Waffen und gelebte soziale Regeln. Sie erklärt es mir auch durch das Schweigen. Diese Gesellschaft ist eng gebaut. Wer nicht passt, wird nicht vorsichtig beiseitegeschoben. Wer nicht passt, wird markiert.

Zur Entstehung gehört außerdem ein spürbarer Anspruch der Macher an Genauigkeit. Für Kleidung, Orte, Esskultur, Schrift und soziale Details wurden Fachleute einbezogen. Das merkt ich weniger an einzelnen Dingen als am Gesamtgefühl. Die Serie wirkt nicht wie ein dekorierter Actionspielplatz. Sie hat Schwere, Räume fühlen sich bewohnt an, Küchen, Werkstätten und Bordelle, Burgen und Straßen erzählen etwas über Rang, Begehren und Angst.

Auch die Produktionsform ist interessant. Das französische Studio Blue Spirit beschreibt die Serie als CGI-Animation mit 2D-Hintergründen. Die Figuren bewegen sich körperlich und wuchtig, während die Hintergründe oft eine malerische Ruhe haben. Diese Spannung zwischen Bewegung und Bildfläche gibt dieser Serie ihren eigenen Ton.

Mizu oder wie aus Scham eine Klinge wird

Mizu sucht vier weiße Männer, die zur Zeit ihrer Geburt illegal in Japan waren. Einer von ihnen ist ihr Vater. Für sie ist das jedoch kein Stammbaum, sondern ein Fluch. Sie sieht ihr eigenes Gesicht als Beweis einer Schuld, die sie nie begangen hat. Daraus entsteht ihr Ziel. Sie will diese Männer finden. Sie will sie töten und damit den Ursprung ihres Lebens auslöschen, weil dieses Leben ihr von Anfang an als Schande vorgeworfen wurde.

Die Serie erzählt diesen Wunsch nicht als sauberen Motor. Mizu wirkt nicht frei, weil sie kämpft. Sie wirkt gebunden, tarnt ihre Augen, lebt als Mann und sie versteckt ihren Körper, ihre Herkunft und jede weiche Stelle. Ich habe schnell verstanden, warum sie das tut. Trotzdem tut es weh, ihr dabei zuzusehen. Sie hat sich eine mentale Rüstung gebaut, die sie schützt und zugleich einsperrt.

Besonders stark ist, dass Mizu nicht sympathisch sein muss, um mich zu interessieren. Sie ist hart, abweisend, manchmal sogar grausam. Sie stößt Menschen weg, die ihr helfen wollen und benutzt andere, wenn sie ihrem Ziel dienen. Doch die Serie lässt mich nie vergessen, dass diese Härte erlernt ist. Mizu wurde nicht als Legende geboren. Sie wurde klein gemacht, gejagt, verhöhnt und ausgeschlossen. Aus diesem Abfall der Gesellschaft schmiedet sie sich selbst.

Ringo bringt Wärme in die Kälte

Dann ist da Ringo. Er könnte leicht zum Comic-Relief verkommen. Ein junger Mann ohne Hände, mit großem Herzen, großem Hunger und dem Wunsch, ein großer Koch zu werden. Er hängt sich an Mizu, weil er in ihr eine Meisterin sieht. Vielleicht sieht er sogar mehr als das. Vielleicht sieht er die Möglichkeit, dass Größe nicht so aussehen muss, wie andere sie erwarten.

Ringo ist wichtig, weil er die Serie zwischendurch aufatmen lässt. Durch ihn kommt eine gewisse Wärme hinein, ohne dass die Geschichte weichgespült dadurch wirkt. Seine Begeisterung hat etwas Kindliches, aber nicht Dummes. Er glaubt an Ehre, Lernen und Freundschaft, obwohl die Welt ihm ebenfalls wenig Grund dazu gibt. Neben Mizu wirkt er wie eine Laterne in einem Schneesturm. Nicht hell genug, um alles zu erleuchten. Aber hell genug, damit ich sehe, wie dunkel es wirklich ist.

Auch Taigen gehört in dieses Geflecht. Er war einst Teil von Mizus Demütigung und wird später selbst gedemütigt. Sein Stolz ist fast komisch groß, bis die Serie zeigt, wie verletzlich er unter seiner Fassade ist. Taigen will Ruhm, Anerkennung, Rang – und Akemi. Er will der Mann sein, für den andere ihn halten sollen. Im Kontakt mit Mizu bricht dieses Bild immer wieder auf. Gerade dadurch wird er spannender als der übliche Rivale mit Schwert und schlechter Laune.

Akemi kämpft mit Seide statt Stahl

Akemi lebt in einer anderen Welt als Mizu. Sie ist reich, schön, begehrt – und eingesperrt. Ihr Käfig ist kein schmutziger Hinterhof, sondern ein vornehmes Haus. Die Stäbe bestehen aus Erwartungen, Heiratsplänen und höflicher Gewalt. Ihr Vater will sie politisch verheiraten. Sie selbst will Taigen. Vor allem aber will sie entscheiden dürfen, was aus ihr wird.

Ich mochte Akemi von Folge zu Folge mehr. Zuerst scheint sie wie eine Nebenfigur aus einem höfischen Handlungsstrang, der als Kontrast zu Misu’s Welt erzählt wird. Dann wächst sie. Nicht, weil sie plötzlich mit dem Schwert alles niedermäht. Die Serie macht etwas Besseres. Sie zeigt, wie Akemi Macht dort sucht, wo sie für eine junge Frau erreichbar ist: in Gesprächen, in Blicken, in ihrer Wirkung auf andere und in Momenten, in denen sie selbst unterschätzt wird.

Dadurch entsteht ein schöner Gegenpol zu Mizu. Beide Frauen sind Gefangene ihrer Rollen. Mizu muss sich als Mann ausgeben, um überhaupt handlungsfähig zu sein. Akemi soll als Frau vor allem wertvoll aussehen. Beide begreifen, dass Gehorsam ihnen keinen Schutz bringt. Ihre Wege unterscheiden sich folglich radikal. Trotzdem erzählen sie von demselben Hunger nach „Ich will selbst bestimmen, wer ich bin!“.

Im Laufe der Staffel verschränken sich diese Wege mit Fowler’s Plänen, mit Taigens verletztem Ehrgefühl und mit Mizu’s unerbittlicher Jagd. Dabei kippt die Serie nie in eine reine Abfolge von Kämpfen. Jede Station verändert eine Figur. Jeder Kampf hinterlässt mehr als Leichen. Am Ende steht Mizu vor Fowler, Edo brennt und die Rache, die so klar schien, wird schmutziger. Sie tötet ihn nicht, sie braucht ihn. Der Weg führt weiter, hinaus aus einem abgesperrten Japan, Richtung London. Das ist ein starkes Ende, weil es nicht erlöst. Vielmehr wird die Mizu auch dort nicht dazugehören, denn sie wird wieder zu einer Fremden, nur diesmal zusätzlich in einer fremden Umgebung.

Ist das nun Anime?

Die Frage, ob BLUE EYE SAMURAI ein Anime ist, wirkt zunächst wie ein Streit für Menschen, die ihre Regale sehr genau sortieren. Trotzdem lohnt sie sich, denn sie führt mitten hinein in das, was diese Serie ausmacht.

Im engeren Sinn meint Anime Animation aus Japan. Nach dieser Herkunftsdefinition ist die Serie kein klassischer Vertreter dieses Genres. Sie wurde von Amber Noizumi und Michael Green geschaffen, für Netflix produziert und mit maßgeblicher Arbeit des französischen Studios Blue Spirit umgesetzt. Ich würde sie als Actionserie, Abenteuerserie und Animation für Erwachsene beschreiben.

Gleichzeitig wäre eine knappe Ablehnung dann doch zu einfach. Denn die Serie steht sichtbar im Austausch mit japanischer Erzähltradition, Samurai-Filmen, Manga-Bildgefühl und erwachsener Animationskunst. Sie übernimmt aber nicht nur Oberflächen, keine großen Kulleraugen, keine schnellen Stilzitate, kein Kostümfest mit Katana. Stattdessen sucht sie – wie Mizu – ihren eigenen Weg. Ihre Bilder erinnern mal an Holzschnitt und Tusche, mal an großes Kino, mal an gemalte Bühnenräume. Ihre Gewalt ist choreografiert wie ein Actionfilm, aber rhythmisiert wie Animation. Ihr Blick auf Mizu hat etwas sehr Körperliches, beinahe Live-Action-Nahes.

Ich sage deshalb, dass die Serie kein Anime im strengen Produktionssinn ist. Im weiteren kulturellen Sinn kann ich sie aber verstehen, wenn jemand sie in die Anime-Nachbarschaft stellt. Sie wohnt nur nicht brav in einem einzigen Haus. Sie geht zwischen den Formen umher. Genau dort liegt ihr Reiz. Sie ist westliche Erwachsenenanimation mit japanischem Schauplatz, starkem Samurai-Erbe und einer Bildsprache, die sich nicht entschuldigt, weil sie sich aus mehreren Quellen speißt. Für mich ist das keine Schwäche sondern der Grund, warum sie so frisch wirkt.

Wenn jede Einstellung nach Entscheidung aussieht

Formal ist diese Serie ein Fest. Nicht im Sinne von schönem Hintergrundrauschen. Eher im Sinne von Bildern, die wissen, warum sie existieren. Schnee macht Szenen stiller, Feuer macht Körper verletzlicher, Glas trennt die Menschen und Türen rahmen Macht. Schatten verstecken nicht nur, sie erzählen. Ich hatte oft das Gefühl, dass die Kamera, obwohl es keine echte Kamera gibt, genau weiß, wo sie stehen muss.

Die Action ist hart und präzise. Mizu kämpft nicht wie eine schwerelose Superheldin. Sie stemmt, rutscht, fällt, stößt, nutzt Wände, Kanten, Dreck und Schmerz. Ein Schlag hat Gewicht, ein Schnitt hat Folgen. Live-Action-Stuntarbeit diente als Grundlage für Choreografie und Storyboards. Das erklärt diesen körperlichen Zug, der viele Szenen so greifbar macht.

Action trifft auf Ruhe

Besonders schön finde ich, dass BLUE EYE SAMURAI trotz all seiner Härte Sinn für Ruhe hat. Eine Schwertschmiede kann hier wichtiger wirken als ein Massaker. Eine Mahlzeit kann mehr erzählen als ein Duell und die Episode um Mizu’s mögliche Ehe mit Mikio gehört für mich zu den stärksten Momenten der Staffel. Da wird die Rache für kurze Zeit leiser. Plötzlich scheint ein anderes Leben denkbar. Genau deshalb schmerzt es, als diese Möglichkeit zerbricht.

Die Serie arbeitet dabei sehr bewusst mit Themen, die leicht platt wirken könnten: Identität, Körper, Herkunft, Geschlecht, Scham und Macht. Hier hängen Themen an konkreten Figuren und Situationen. Mizu muss nicht erklären, dass sie zerrissen ist. Ich sehe es an ihren Augen, an ihrer Haltung, an dem kurzen Zögern, bevor sie wieder brutal wird. Akemi muss keine Rede über Freiheit halten. Ich sehe ihren Wunsch nach Freiheit daran, wie sie lernt, Räume zu lesen, in denen andere sie nur als Ware betrachten.

Natürlich ist nicht alles perfekt. Das Finale packt sehr viel auf einmal zusammen. Feuer, Intrige, Rache, politische Umwälzung und die Vorbereitung der nächsten Reise drängen dicht an dicht. Für ein paar Minuten fühle ich mich fast überfüttert. Doch selbst dort bleibt die Serie emotional bei ihren Figuren. Sie verliert Mizu nicht aus dem Blick. Das rettet die große Geste vor dem bloßen Spektakel.

Fazit

BLUE EYE SAMURAI ist für mich eine der eindrucksvollsten Serien der letzten Jahre, weil sie Schönheit und Schmerz zusammenbringt, ohne eines davon zu verraten. Diese Serie ist brutal, wie das Leben im feudalen Japan dieser Zeit. Sie ist stilvoll, aber nicht eitel. Die Macher lieben das Samurai-Genre, doch sie erzählen nicht nur von Schwertern. Sie erzählen von einem Menschen, der so lange als Fehler behandelt wurde, bis aus diesem Fehler eine Waffe entstand.

Ich habe Mizu nicht immer gemocht. Ich habe sie aber fast immer verstanden. Das ist mehr wert, denn diese Serie nimmt ihre Hauptfigur ernst genug. Sie zeigt, wie Wut antreibt, was es sie kostet und warum sie trotzdem so verführerisch bleibt.

Am Ende sitzt Mizu auf einem Schiff nach London. Die Rache ist nicht vorbei. Vielleicht beginnt sie dort erst richtig. Ich bin weiterhin dabei. Nicht nur wegen der Kämpfe, nicht nur wegen der Bilder, nicht nur wegen dieser eisigen Schönheit. Ich bin dabei, weil diese Serie eine Figur erschaffen hat, deren Blick ich nicht vergesse… Also sage ich さようなら (Sayōnara!)

• BLUE EYE SAMURAI
• Amber Noizumi und Michael Green
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © NETFLIX
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Auch hatte ich schon viel Gutes von der Fantasy-Welt Arran gehört. Dass diese beiden Welten mit DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME nun eine Art Cross-Over erhalten haben, nehme ich zum Anlass, endlich einmal selbst einen Blick ins Arran-Universum zu werfen. Piraten-Fantasy mit Orks, Magie und Rache klingt erst einmal nach einer bekannten Mischung, die sehr schnell nur laut und rumppelig werden könnte, es dann aber doch nicht ist. Genau deshalb hat mich DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME so begeistert!

Der Band denkt groß. Er wirft mir ein ganzes Seeimperium vor die Füße, erzählt von Macht, Intrigen und Herrschaft über die Meere. Dann bleibt er aber im Kern bei einer jungen Figur, deren erlittene Verletzung und ihre sich hieraus ergebende Wut den Takt vorgeben. Das ist für mich die eigentliche Stärke dieses Auftaktbandes.

Was ich an diesem Einstieg sofort mag, ist sein fehlender Zynismus. Der Comic will düster sein, keine Frage. Er kennt Mord, Verrat und Machtspiele. Aber er badet nicht selbstgefällig darin. Stattdessen setzt er auf Tempo, klare Konflikte und auf das alte, robuste Versprechen eines Abenteuers alle Stevenson’s „Die Schatzinsel„.

Ich schlage die erste Seite auf und bin sofort in einer Hafenstadt, in der die Schiffe dicht an dicht liegen, die Häuser sich in die Höhe stapeln und die Luft nach Arbeit, Wasser und Ärger riecht. Diese Welt entsteht schnell und sie ist glaubhaft.

Ein Mädchen und ein Medaillon

Im Zentrum steht aber nicht der titelgebende Ork, Thoorak, sondern das Mädchen, Agora. Sie ist zwölf Jahre alt, voller Fernweh und in ihrer eigenen Familie praktisch auf verlorenem Posten. Die ersten Seiten machen daraus keinen geheimnisvollen Seelendialog, sondern bauen eine sehr handfeste Ausgangslage. Agora wird von Mutter und Schwestern klein gehalten, nur der Vater begegnet ihr mit Wärme. Er schenkt ihr ein kostbares Medaillon. Es ist nicht bloß Schmuck, sondern Zuneigung in greifbarer Form. Genau dadurch bekommt der folgende Schlag seine unmittelbare Wucht.

Auftragsmörder dringen abends in ihr Haus ein, richten ein Blutbad an und jagen zuletzt auch Agora. Diese Eröffnung arbeitet sehr direkt. Der Band will kein stilles Familiendrama ausrollen. Er braucht einen Bruch, einen Moment, der das Leben seiner Protagonistin sofort aus der Bahn wirft. Und genau das liefert er.

In dieser Notsituation tritt Thoorak auf. Er ist ein Ork, Mitglied der Bruderschaft der Stürme und alles andere als ein Edelkorsar. Eher das genaue Gegenteil. Er ist grob, schwer, präsent. Einer von jenen Leuten, die in solchen Welten schon durch ihre Silhouette klarmachen, dass sie Ärger nicht aus dem Weg gehen.

Er rettet Agora und nimmt sie mit. Dieser Wechsel vom engen, muffigen und feindseligen Zuhause auf ein Schiff öffnet den Band mit einer steifen Brise. Plötzlich wird aus einer bitteren Kindheitsgeschichte ein Seestück. Genau hier nimmt der Band Fahrt auf. Denn er begnügt sich nicht mit der schönen Vorstellung vom Leben an Bord. Vielmehr zeigt er schnell, dass das Abenteuer, von dem Agora immer geträumt hat, keineswegs warm oder heroisch ist. Es riecht nach Salz, Misstrauen und Gewalt. Schon auf dieser Ebene funktioniert der Band gut, weil er den kindlichen Traum vom Aufbruch gegen die harte Wirklichkeit genau dieses Aufbruchs stellt.

An Bord der „Laterne“

Von da an verlagert sich DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME in jene Zone, in der Fantasy und Piratenstoff sauber ineinandergreifen. Agora kommt auf die „Laterne“, also mitten hinein in eine Welt, die sie immer ersehnt hat und die sich nun als deutlich giftiger erweist, als ihre Sehnsucht es ihr versprochen hatte.

Intrigen ziehen auf, Verrat liegt in der Luft, Magie bleibt kein fernes Gerücht und das Medaillon gewinnt spürbar Gewicht. Ich mochte besonders, dass der Band diese Elemente nicht wie einzelne Punkte einer Checkliste abarbeitet. Sie verhaken sich sehr gut miteinander. Die private Geschichte des Mädchens verknüpft sich plötzlich mit größeren Machtlinien. So wächst das Album unter meinen Füßen, ohne dass es seine Hauptfigur verliert.

Thoorak selbst ist dabei weniger klassischer Held als Türsteher zu dieser Welt. Das ist auch einer der interessanten Kniffe des Bandes. Wer vom Titel her erwartet, dass hier allein ein Ork-Pirat die Bühne dominiert, wird schief gewickelt in diese Geschichte gehen. Hier ist nichts so, wie es im ersten Augenblick scheint.

Tatsächlich ist Thoorak wichtig, sehr sogar, aber der emotionale Schwerpunkt liegt eindeutig auf Agora. Ihr Blick, ihre Verletzung und ihr wachsender Zorn halten alles zusammen. Das fand ich einerseits stark, weil es dem Band eine saubere innere Linie gibt.

Kleinere Schwächen

Gleichzeitig ist es aber auch ein kleiner Haken. Denn ich hätte durchaus nichts dagegen gehabt, noch mehr über Thoorak selbst zu erfahren. Das Album und dessen Titel machen auf ihn neugierig. Der Comic gibt mir aber nur so viel, wie die Geschichte für Agora gerade braucht.

Der Band legt seine Karten nie komplett offen, aber er lässt keinen Zweifel daran, dass Agora von nun an durch ihre Wut und Rachegedanken angetrieben wird. Das ist kein besonders neues Motiv. Vielmehr sehe ich eine sehr alte Dramaturgie, die entschlossen und ohne unnötige Verrenkungen ausgespielt wird. Und ich finde, das reicht in diesem Fall. Nicht jede Fantasy-Reihe muss erst ihre eigene Mythologie in Großbuchstaben in den Himmel schreiben. Manchmal genügt es, wenn ein Album genau weiß, welche Geschichte es erzählen will und sie dann mit entsprechender Energie auflädt. Und das gelingt hier ziemlich gut.

Große Welt, klare Schneise

Erzählerisch lebt der Comic für mich von einem einfachen aber wirksamen Prinzip. Er baut ein großes Setting auf, ohne gleich am eigenen Umfang zu ersticken. Aratheon ist eine Welt der Reiche, der Seerouten, der Machtblöcke und der Magie. Im Hintergrund steht immer der Konflikt zwischen Kaiserreich und Bruderschaft. Im Vordergrund steht ein Mädchen, das alles verloren hat, in – und an – dieser Welt aber wächst. Ich bekomme den Einstieg in eine weite Welt, ohne dass das Album sein Herz im Geek-Lexikon versteckt. Gerade das ist bei solcher Fantasy Gold wert. Ein guter Einstieg!

Dazu passt, dass der Band seine Funktion als Serienauftakt ordentlich erfüllt. Die nächsten deutschen Alben tragen mit ORVANN und ANKONN wieder Eigennamen im Titel und auch sie erzählen jeweils abgeschlossene Geschichten. Das deutet auf eine Reihe hin, die ihre Welt über einzelne Figuren und jeweils eigene Bögen entfaltet. THOORAK funktioniert in diesem Modell sehr gut als Türöffner. Ich bekomme genug, um die Ordnung dieser Welt zu verstehen und genug offenen Horizont, damit ich weiterlesen möchte. Genau so soll ein Auftakt arbeiten.

Ganz ohne kleine Schwächen kommt das Album für mich trotzdem nicht aus. Der Einstieg in Agora’s Familienlage ist wirksam, aber etwas märchenhaft grob zusammen gezimmert. Die Feindseligkeit in ihrem Zuhause hat wenig Zwischentöne. Das ist erzählerisch praktisch, wirkt aber eben auch etwas schematisch.

Hinzu kommt, dass einige Wendungen im weiteren Verlauf nicht besonders überraschend kommen. Der Band setzt eher auf Vorwärtsdrang als auf raffiniertes Hakenschlagen. Ich empfinde das nicht als großen Schwäche. Ich habe nur gemerkt, dass der Comic seine besten Momente dort hat, wo ihn seine Figuren und die Atmosphäre tragen, weniger dort, wo er unbedingt noch eine zusätzliche Volte einbauen möchte.

Wenn die Seite atmet und knarrzt

Am stärksten wird der Band für mich immer dann, wenn Giovanni Lorusso Räume und Gesichter gegeneinander ausspielt. Schon die frühe Hafenansicht macht klar, was dieser Zeichner kann. Da steht erst die ganze Stadt mit ihren Türmen, Kränen, Kais und Booten vor mir. Dann zieht die Inszenierung näher heran und landet bei Agora, bei ihrem Blick, bei der Frage, was sie in dieser Welt eigentlich sucht.

Auf einer späteren Seite schwenkt Lorusso komplett ins Intime und baut über Hände, Tischkante, Medaillon und Gesichter eine Szene, die fast nur aus Close-Ups besteht. Genau diese Spreizung gibt dem Album seinen schönen Rhythmus. Er kann Fernsicht, aber auch den Moment, in dem ein Gegenstand plötzlich mehr sagt als ein Kasten mit Erklärungen. Seine Panel-Aufteilung ist abwechslungsreich und dynamisch.

Ich mag außerdem, wie gut Lorusso Figuren in die jeweiligen Räume stellt. Seine Seiten sind voll, aber nicht unlesbar. Häuser, Treppen, Kaimauern, Schiffsteile, Stoffe und Waffen haben Gewicht. Ich merke beim Lesen, dass diese Welt wirklich gebaut ist und nicht bloß aus einer Kulissenwand besteht. Das hilft besonders in einem Band, der so schnell von Gassen zu Hafen, von Innenraum zu Decks und von Nahaufnahme zu Überblick springt. Die Figuren verschwinden darin nicht. Agora hat eine klare Präsenz, Thoorak hat Masse und selbst kleinere Szenen gewinnen durch die Umgebung an Spannung, weil der Ort immer mitspielt.

Zwei Autoren, ein Kurs

Jean-Luc Istin wurde 1970 in Pontivy in der Bretagne geboren und veröffentlichte seine ersten Comicseiten 1997 im Kollektiv BD Clip. Später prägte er als Szenarist und Serienarchitekt zahlreiche Fantasyprojekte, darunter DAS FÜNFTE EVANGELIUM, DIE KRIEGE VON ARRAN und DIE DRUIDEN.

Sylvain Cordurié, geboren 1968 in Neuilly sur Seine, kam über die Beaux Arts und die Rollenspielszene zum Schreiben. Zu seinen bekannten Arbeiten gehören unter anderem MAGIER, DIE HERREN VON CORNWALL und mehrere SHERLOCK HOLMES Bände.

Für mich merkt man diesem Duo an, dass hier zwei unterschiedliche Stärken zusammenspielen: Istin bringt das Gespür für große Welten mit, während Cordurié Szenenbau, Tempo und Genrehandwerk liefert.

Ein Zeichner, der Weite und Nähe beherrscht

Und dann ist da noch Giovanni Lorusso, ein italienischer Comiczeichner. Er arbeitete zunächst an DER KRIEG DER ORKS und wurde danach vor allem in der frankobelgischen Fantasy bekannt, etwa mit ELFEN, MAGIER, LÄNDER VON OGON, DIE KRIEGE VON ARRAN aber auch mit MYTHEN DER ANTIKE: PERSEUS UND MEDUSA und MYTHEN DER ANTIKE: DIE ODYSSEE.

Diese Laufbahn passt hervorragend zu einem Band wie DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME. Lorusso beherrscht den großen Weltentwurf ebenso wie das präzise Spiel der Gesichter, mit Blicken und Requisiten. Genau das braucht ein Comic, der gleichzeitig Seefahrerabenteuer, Fantasyepos und persönliches Rachedrama sein will.

Die Farben dieser Welt

Sehr gut gefällt mir auch die Farbdramaturgie von Olivier Héban. Draußen dominieren oft kalte, feuchte Töne. Blau, Grau und stumpfes Tageslicht lassen Hafen und Meer nie wirklich romantisch wirken. Innenräume arbeiten häufiger mit wärmeren Brauns und gelblichem Lampenlicht. Das erzeugt aber keine Geborgenheit auf Knopfdruck, im Gegenteil. Oft wird es gerade in diesen wärmeren Szenen emotional unangenehm.

Das ist ein schöner Kontrast. Das Heimelige kippt ins Bedrückende, die Behaglichkeit ist nur Schein. So trägt die Farbe viel zur Grundstimmung bei. Gleichzeitig nimmt sie der Zeichnung nie die Kontur. Ich konnte die Seiten immer gut lesen, auch wenn viel auf ihnen passiert. Nur gelegentlich wirkt die Fülle an Details so massiv, dass ein stiller Moment Intimität verliert. Das bleibt aber eine kleine Sache in einem visuell insgesamt sehr starken Album.

Fazit

Ich habe DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME gern gelesen, weil der Band etwas sehr Solides und zugleich sehr Lustvolles macht: er erzählt mir stilvoll ein klassisches Abenteuer. Er weiß, dass Rache, Verrat, Magie und ein Schiff voller gefährlicher Leute noch lange tragen können, wenn die Tonlage stimmt. Neu ist daran nicht alles, aber vieles sitzt, vr allem die Bildgestaltung. Giovanni Lorusso verleiht dieser Welt Weite, Schwere und genügend Gefühl für ihre Gesichter, damit das Album nie nur nach Kulisse aussieht.

Was bei mir hängen bleibt, sind deshalb nicht bloß der Ork aus dem Titel oder Agora. Ihr verletzter Trotz hält den Band natürlich zusammen. Aber insgesamt ist dieser Start großartig.

Wenn die Reihe dieses Verhältnis von großer Welt und Persönlichkeit beibehält, dann liegt sie echt auf Kurs. Als Auftakt ist THOORAK jedenfalls stark genug, um mich bereitwillig wieder an Bord zu holen – auch wenn in den Folgebänden andere Zeichner (Stéphane Créty und Nico Tamburo) für die Optik verantwortlich sind.

P.S. Auf der letzten Seite lautet ein Hinweis „Thoorak und Agora kehren zurück in Band 6!“ Nun, lassen wir uns überraschen…

• DIE BRUDERSCHAFT DER STÜRME 01: THOORAK
• Jean-Luc Istin, Sylvain Cordurié und Giovanni Lorusso
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-68950-149-5
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★★
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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RUMMELSDORF – ENIGMA ist ein Spin-Off aus dem SPIROU-Universum, ein Teil der Reihe SPIROU PRÄSENTIERT und zugleich der Start einer eigenen Reihe um den jungen Grafen Pankratius Hieronymus Ladislaus Adalbert von Rummelsdorf.

Das Album will die bekannte Figur neu aufstellen. Es will ihr Jugend, Haltung und eine Geschichte mitgeben. Vor allem aber will es zeigen, dass der liebenswerte Sonderling der späteren Abenteuern früher einmal ein junger Mann war, der mit offenem Blick durch eine aus den Fugen geratene Welt ging.

Beka und David Etien setzen dafür nicht auf knallige Effekte. Sie setzen auf Neugier, auf Atmosphäre und auf Figuren, die klug genug sind, um interessant zu sein, aber menschlich genug, um nicht verkopft zu wirken. Und sie sind eindeutig von Morton Tyldum’s Film THE IMITATION GAME aus dem Jahr 2014 inspiriert, den ich persönlich für einen der besten Filme zum Thema Krieg und Spionage im 2. Weltkrieg halte.

Mich hat an diesem Album daher sofort gereizt und natürlich, dass es Krieg nicht als Kulisse für Heldentum benutzt. Der Krieg ist da, ja, und er drückt auf jede Szene. Aber im Mittelpunkt stehen keine Siegerposen, sondern Menschen, die denken, zweifeln, kombinieren und trotzdem handeln.

Genau das macht den Band für mich so sympathisch. Er will nicht bedeutungsschwer wirken. Er will eine gute, bekannte Geschichte noch einmal neu und aus einer anderer Richtung erzählen. Und er vertraut darauf, dass ein kluger Abenteuercomic völlig ausreicht, wenn Figuren und Rhythmus stimmen.

Bletchley Park und die Enigma

Der historische Kern dieses Albums ist präzise gewählt. Die Enigma war keine bloße Fantasie aus einem Kriegsroman, sondern eine echte Chiffriermaschine, die von Deutschland militärisch genutzt wurde. Bletchley Park war das britische Zentrum der Codeknacker, die versuchten ihre Verschlüsselung zu knacken. Dort arbeiteten männliche und weibliche Mathematiker, Linguisten, Logiker, Schachspieler, Funkleute und viele andere Spezialistinnen und Spezialisten daran, die Nachrichten der Achsenmächte zu lesen.

Gerade das macht diesen Ort bis heute so faszinierend. Er war kein Schlachtfeld im klassischen Sinn. Er war ein Ort, an dem Konzentration, Geduld und Kombinationsgabe über Leben und Tod entschieden. Und auch hier führten Fehler möglicherweise zum Verlust von Menschenleben. Für einen Comic ist das fast schon ideal, weil sich hier Spannung nicht aus Explosionen ergibt, sondern aus Gedankenarbeit unter enormem Druck.

Besonders interessant finde ich, dass Bletchley Park eben nicht nur mit Alan Turing verbunden werden darf. Dieser Ort funktionierte stets als Teamleistung. Viele der Beschäftigten waren Frauen. Sie arbeiteten als Übersetzerinnen, Analytikerinnen und Bedienerinnen der Maschinen.

Auch die berühmten Bombes waren keine magischen Wunderkästen, sondern Werkzeuge, die mit der harten Denkarbeit ihrer Erbauer zusammenspielten. Der Band greift genau diese Mischung auf. Er macht aus dem Stoff kein Schulbuch, sondern ein Abenteuer über kluge Köpfe, über Muster und über die seltsame Schönheit eines Rätsels, das sich erst Stück für Stück dem Rätselnden öffnet. Das gefällt mir sehr, weil der Comic spürbar Respekt vor dem Thema hat, ohne sich davon erdrücken zu lassen.

Ein Held, der noch keiner sein will

Die eigentliche Handlung beginnt 1940. Belgien ist besetzt. (Ganz Belgien? Ja, ganz Belgien!) Schloss Rummelsdorf steht unter dem Druck des Krieges. In diese Lage hinein flattert eine verschlüsselte Botschaft, die den jungen Grafen sofort elektrisiert.

RUMMELSDORF ist hier noch nicht die skurrile Vaterfigur, die viele aus den SPIROU UND FANTASIO-Comics kennen. Er ist wach, wissbegierig und ein wenig rastlos. Genau das funktioniert wunderbar. Der Band zeigt ihn nicht als geborenen Helden, der tollkühn irgendwo hinein stolpert. Er folgt einer Spur, weil sie seinen Verstand herausfordert und weil er spürt, dass hinter allem mehr steckt als ein nettes Denkspiel. Die Botschaft enthält eine Einladung, welche ihn nach England führt und damit in ein Abenteuer, das sehr schnell größer wird als er selbst.

Schon dieser erste Abschnitt liest sich angenehm flüssig. Ich mag, wie locker der Comic seine Ausgangslage baut. Das Schloss, die Besatzung, die chiffrierte Nachricht und die Reise nach London greifen sauber ineinander. Nichts wirkt übererklärt, nichts wirkt hektisch.

Stattdessen entsteht das schöne Gefühl, dass sich vor meinen Augen eine Tür öffnet. Hinter dieser Tür wartet kein übliches Kriegsabenteuer, sondern ein Rätselspaß mit Tempo und Charme. RUMMELSDORF ist dafür die richtige Figur, weil er weder Soldat noch Draufgänger ist. Er bringt etwas viel Passenderes mit: Neugier! In England findet der Band dann seine eigentliche Geschichte. 

Blair, Turing und das Rätsel hinter dem Rätsel

RUMMELSDORF trifft im Folgenden auf auf die Welt von Bletchley Park und eine Frau, Blair McKenzie. Blair ist für mich eine der größten Stärken dieses Comics. Sie ist nicht nur eine clevere Begleiterin. Sie gibt der Geschichte Wärme, Witz und Reibung. Zwischen ihr und RUMMELSDORF entsteht schnell eine Spannung, die den Band emotional auch trägt.

Zugleich wird Alan Turing als wichtige Figur eingeführt. Dies hätte leicht daneben gehen und in Ehrfurcht erstarren können. Tut es aber nicht. Der Comic nutzt Turing als Teil eines Teams, nicht als Denkmal. Dadurch bleibt die Geschichte lebendig und der Blick frei für das Zusammenspiel ihrer Figuren.

Die Handlung bleibt dabei angenehm konzentriert. Es geht um das Knacken der Enigma-Codes, um Zeitdruck und Vertrauen. Und es geht um die Frage, wer in so einem Moment eigentlich handeln darf und handeln muss.

Das alles bleibt verständlich, auch wenn man mit Bletchley Park oder kryptografischen Themen vorher kaum Berührung hatte. Genau das rechne ich dem Band hoch an. Er ist klug, aber nie glatt, historisch interessiert, aber nie trocken. Und er schafft etwas, das gar nicht so leicht ist: er macht Denkarbeit spannend, ohne sie künstlich mit Action aufzupeppen.

Mehr als einmal hatte ich beim Lesen das Gefühl, dass hier nicht bloß eine Geschichte erzählt wird, sondern ein ganz eigener Ton gefunden wird, der weit über den Zungenschlag des SPIROU-Universums hinausgeht.

Wo dieser Band seinen Platz hat

Als erster Band der Reihe muss RUMMELSDORF – ENIGMA viel leisten. Er muss seine Hauptfigur noch einmal neu vorstellen und den historischen Rahmen setzen. Auch muss er die emotionale Verbindung zu Blair aufbauen und zugleich den Grundstein für die Folgebände legen.

Genau deshalb verzeihe ich ihm auch kleinere Unebenheiten. Manche Szene erklärt halt doch ein wenig mehr, als sie vielleicht müsste. Manche reale Figur bleibt etwas stärker Funktion als voller Charakter. Trotzdem entwickelt sich der Band erstaunlich gut. Gerade im Rückblick sehe ich, wie sauber hier gearbeitet wurde, weil spätere Bände genau an einzelnen Punkten ansetzen können und die Reihe Schritt für Schritt weiter entwickeln – allerdings dunkler und persönlicher.

Für mich ist das die vielleicht schönste Qualität dieses Auftakts. Er will nicht alles schon im ersten Anlauf überbieten. Er legt an, pflanzt Motive, baut Beziehungen. Und er sorgt dafür, dass man nach der letzten Seite nicht das Gefühl hat, einen abgeschlossenen Einfall gelesen zu haben, sondern am den Beginn einer größeren Lebensgeschichte steht.

PATIENT A führt die Reihe in deutlich dunklere Zonen

Der zweite Band knüpft direkt an Bletchley Park an. RUMMELSDORF und Blair arbeiten weiter an der Entschlüsselung deutscher Kommunikation. Zwischen beiden ist inzwischen mehr gewachsen als Freundschaft. Genau das macht den Einstieg hier angenehm, weil die Reihe ihre Figuren nicht neu sortieren muss.

Dann kommt ein codierter Hilferuf. Wissenschaftler werden von den Nazis gezwungen, an einem Forschungsprogramm mitzuwirken. Dieses Mal führt die Spur nach Berlin. Aus dem Denkabenteuer des ersten Bandes wird damit ein deutlich riskanteres Unternehmen mitten im Machtbereich des verfeindeten Regimes. Der Ton kippt spürbar, die Serie wird dunkler, härter. Sie bleibt zwar zugänglich, wirkt aber nun ernster und dichter.

Gerade diese Verschiebung finde ich stark. Der erste Band lebt von Entdeckung, Tempo und dem Zauber eines großen Rätsels. Der zweite Band zwingt RUMMELSDORF viel direkter in die moralische Wirklichkeit des Krieges. Das gibt der Figur weiter Gewicht.

Blair wird dabei noch wichtiger. Sie läuft nicht bloß mit oder wird als Damsel-in-Distress verwendet. Sie greift ein, sie denkt mit und sie hält die Geschichte menschlich. Dadurch wächst auch mein Blick auf RUMMELSDORF. Er ist jetzt nicht mehr nur der kluge junge Graf, der spannende Probleme löst. Er wird zu jemandem, dessen Intelligenz in einer brutalen Welt bestehen muss. Genau an diesem Punkt zeigt sich, dass die Reihe mehr sein will als ein hübsches Historien-Abenteuer.

EINE HANDVOLL KOHLENSTOFFATOME öffnet die Reihe in eine neue Richtung

Der dritte Band springt in den Herbst 1951. Schon dieser Zeitsprung tut der Serie gut, weil er das Konzept weitet. Eine etwas exzentrische Amerikanerin namens Margaret Sanger taucht auf Schloss Rummelsdorf auf. Sie hat von den Forschungen des Grafen zur Empfängnisverhütung gehört und nimmt ihn mit nach Boston. Dort soll ein Labor helfen, eine Pille zu entwickeln.

Das ist ein überraschender, aber sehr kluger Schritt. Die Reihe bleibt bei Wissenschaftsgeschichte, nur verschiebt sich der Schwerpunkt weg vom Krieg und hin zu Fragen von Körper, Selbstbestimmung und Verantwortung.

Ich finde diesen Band als Fortsetzung besonders spannend, weil er zeigt, dass die Serie nicht in ihrem Kriegsstoff gefangen bleiben muss. Sie will mehr, will RUMMELSDORF als Figur des 20. Jahrhunderts erzählen. Jemanden, der an entscheidenden Momenten wissenschaftlicher Entwicklung beteiligt ist und daran zugleich persönlich leidet.

Genau dadurch gewinnt auch der Auftakt rückwirkend an Tiefe. Was in RUMMELSDORF – ENIGMA noch wie ein kluges Abenteuer mit historischem Kern beginnt, wächst in den Folgebänden zu einer Reihe, die Wissenschaft und Moral zu einer Einheit verbindet.

Wo der erste Band überzeugt und bremst

Was mir an RUMMELSDORF – ENIGMA wirklich gut gefällt, ist seine Art, Spannung aus Intelligenz zu holen. Der Comic hat Vertrauen in seine Leserinnen und Leser. Er glaubt daran, dass ein chiffrierter Brief, ein kluger Einfall und eine gut geschriebene Begegnung reichen können, um Spannung zu erzeugen. Vor allem reicht es, weil Blair und RUMMELSDORF als Paarung so gut funktionieren. Zwischen beiden liegt etwas Zartes, Neugieriges und Unfertiges. Genau das macht sie glaubhaft. Ich habe den Band nicht nur wegen seiner historischen Kulisse gern gelesen, sondern auch, weil ich diesen beiden Figuren beim Denken und Annähern gern zugesehen habe.

Ganz ohne Einschränkung komme ich trotzdem nicht aus. An manchen Stellen merkt man dem Album an, dass es ein erster Band ist. Er muss die Welt erklären, Namen einführen und historische Dinge – zumindest knapp – einordnen. Dadurch fehlt ihm gelegentlich der letzte Hauch Leichtigkeit, den spätere Fortsetzungen an einigen Stellen sogar stärker entwickeln. Das ist aber kein schweres Problem.

Es ist eher die kleine Reibung eines sehr ambitionierten Auftakts. Für mich überwiegt ganz klar der Gewinn. Der Band ist klug gebaut, lesbar, warm und deutlich charakterstärker, als man es von einem historischen Spin-Off vielleicht zunächst erwarten würde.

Zeichnungen, die Rätsel greifbar machen

David Etien ist genau der richtige Zeichner für diesen Stoff. Sein Strich bleibt beweglich und klar. Die Figuren haben Ausdruck, ohne zur Karikatur zu werden. Räume, Maschinen und historische Details wirken konkret, nie steif oder künstlich. Schloss, Arbeitsräume, Züge und Bletchley Park haben in diesem Comic nicht bloß einen Dekorwert. Man spürt, wie dort gedacht, beobachtet und gearbeitet wird. Das hilft der Geschichte enorm, weil ein Stoff über Codeknacker nur dann funktioniert, wenn die Welt drumherum glaubwürdig bleibt.

Dazu kommt ein gutes Gefühl für Tempo. Etien kann eine Szene leicht halten, wenn der Band spielen will. Er kann sie verdichten, wenn Gefahr aufzieht. Das passt hervorragend zu einem Album, das zwischen Charme, Romantik und Kriegsdruck balanciert. Ich würde sogar sagen, dass ein Teil der Zugänglichkeit dieser Reihe direkt aus den Zeichnungen kommt. Sie laden ein. Sie schrecken nicht ab. Und genau deshalb erreicht der Comic sowohl erfahrene Leser als auch Menschen, die mit frankobelgischen Reihen sonst wenig anfangen können.

Fazit

RUMMELSDORF – ENIGMA ist für mich ein sehr gelungener Reihenauftakt. Der Band ist klug, warm und spannend, ohne laut zu werden. Er erzählt von Krieg, Wissenschaft und Verschlüsselung. Vor allem aber erzählt er von Menschen, die mit ihrem Kopf und ihrem Herzen gegen eine dunkle Zeit anarbeiten. Gerade das macht ihn so lesenswert.

Wer nur ein historisches Abenteuer sucht, bekommt hier schon viel. Wer etwas mehr will, bekommt zusätzlich eine Figur, die im Lauf der Reihe sichtbar an Tiefe gewinnt und eine interessante Vorgeschichte erhält. Und genau deshalb bleibt RUMMELSDORF – ENIGMA für mich nicht bloß der erste Band einer Serie, sondern ein Band, der ihr ein Gesicht verleiht.

P.S. Mit RUMMELSDORF – DIE DUNKLEN JAHRE erscheint beim Carlsen Verlag in Kürze der vierte Band der Reihe, der dem Cover-Bild zu Folge den Weg zu den Schattenseiten des technologischen Fortschritts beschreitet. Ich freue mich schon darauf…

• SPIROU PRÄSENTIERT: RUMMELSDORF 1 – ENIGMA
• Beka und David Etien
• Hardcover | 64 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-551-77676-1
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★★☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Carlsen Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Dieser erste Sammelband vereint die ersten fünf US Hefte der Reihe, die mich sehr an die – mehr oder weniger – erfolgreichen TV-Serien Black Mirror oder Beforeigners erinnert. Er wirft normale Menschen in eine Sci-Fi-Welt, in der sich die Zeit selbst nicht mehr an Regeln hält. Denn vor der eigenen Haustür kann beispielsweise plötzlich die Steinzeit stehen. Oder der Bus fährt statt nach Queens in ein anderes Jahrhundert.

Doch zwischen all dem Chaos bleibt das eigentliche Drama erstaunlich bodenständig. Die Figuren wollen arbeiten, lieben, trauern oder einfach nur überleben. Sie stolpern dabei über eine Realität, die sich wie ein schlecht aktualisiertes Betriebssystem verhält. Mal hängt sie, mal springt sie, mal zeigt sie dieselbe Szene immer und immer wieder.

Mich hat das Konzept sofort gepackt, weil ich Zeitreisen liebe und die einzelnen Geschichten nicht so tun, als müsse man die Phänomene erst groß erklären. ASSORTED CRISIS EVENTS folgt dem klassischen Grundsatz Show-Don’t-Tell und zeigt mir die jeweilige Story-Idee Seite für Seite für Seite.

Die formale Spiellust wird dabei jedoch nie zum Selbstzweck. Sie hat eine klare Funktion und drückt ein Gefühl aus, das vielen gerade vertraut vorkommt. Unsere Welt wird schneller, Krisen werden zum Dauerrauschen und Orientierung wird zu persönlichem Luxus. Dieser Comic macht daraus keine These, baut jedoch aber abwechslungsreiche Erzählungen.

Kurzgeschichten mit Langzeitwirkung

Die Grundidee ist simpel und zugleich radikal. Die Zeit selbst hat eine Krise. Epochen, Alternativen, Schleifen und Ausreißer mischen sich in den Straßenverkehr.

In diesem Setting erzählen Deniz Camp und Eric Zawadzki keine einzelne, große Heldenreise. Sie liefern lieber One-Shot-Geschichten. Jede davon konzentriert sich auf eine Person und nutzt eine andere Erzählform. Dabei stellt jede Geschichte eine andere Frage nach Verantwortung, nach Mitgefühl oder Selbsterhalt.

Das klingt nach Anthologie und irgendwie ist es das auch. Gleichzeitig fühlt es sich aber an wie eine lose Reihe von Kurzromanen, weil Camp sich pro Heft viel Platz nimmt. Selbst die Seitenstruktur wirkt wie aus dem Labor, da jede Ausgabe ihr eigenes Regelwerk bekommt. Auch das ist für mich der Reiz der Reihe.

Während ich lese, mache ich drei Beobachtungen: Erstens, die Geschichten leben vom Kontrast. Das Zeit-Chaos tobt im Hintergrund. Im Vordergrund kämpfen Menschen mit sehr persönlichen, konkreten Dingen wie Trauer, Arbeit, Gewalt, Beziehung oder Zugehörigkeit.

Zweitens: Zawadzki und Bellaire machen das Thema Zeit sichtbar. Seitenaufteilungen kippen, Wiederholungen werden zu Fallen und Farben steuern den Blick, statt ihn zu überladen.

Und drittens: das Ganze wirkt nicht wie ein Trickfilm aus Ideen. Es landet emotionale Treffer. Ich spüre Wut, Angst und Scham. Und ja, ich spüre das unangenehme Wissen, dass vieles davon auch ohne Zeit-Risse passieren könnte.

Ashley und die neue Normalität

Heft eins folgt Ashley, einer jungen Frau, die ihren Tag und ihren Kalender genauso organisiert wie jede(r) andere. Nur dass sie neben Terminen auch Warnmeldungen zu atypischen temporalen Phänomenen checkt.

Draußen wird ihre Straße ständig zur Filmkulisse. Billige Endzeit-Drehs laufen praktisch nebenan. Mal marschieren Nazis durchs Bild, mal treiben Kannibalenhorden ihr Unwesen.

Ashley müsste längst abgestumpft sein. Doch gerade diese Mischung aus Dauer-Ausnahme und Alltag macht sie anfällig. Der Band zeigt sehr genau, wie sie ihre Gegenwart – ihre Realität – sortiert. Sie versucht, feste Punkte zu behalten. Einer davon ist eine Uhr, ein altes Familienerbstück, das sie mit ihren verstorbenen Eltern verbindet. Als diese Uhr kaputtgeht, kippt mehr als nur ein Gegenstand.

Camp erzählt das als langsames Abrutschen. Ashley rennt nicht sofort schreiend durch die Straßen. Sie wird erst unruhig, dann reizbar, dann panisch. Zawadzki unterstützt dies mit Seiten, die dicht getaktet sind, ohne hektisch zu wirken. Neben Ashley tauchen Höhlenmenschen, Ritter oder futuristische Fahrzeuge auf, doch sie bleiben oft Hintergrund.

Gerade dadurch wirkt der Wahnsinn glaubhaft. Die Welt insgesamt hat das Absurde akzeptiert, Ashley kann es nicht. Am Ende steht ein Moment, der sich wie eine persönliche Apokalypse anfühlt. Kein großes Spektakel, eher der Punkt, an dem eine Stimme im Kopf entscheidet, dass Ordnung wohl nicht mehr erreichbar ist.

Jesus auf dem Fließband der Zeit

Das zweite Heft wechselt den Ton. Es folgt Jesus, einem spanischen Arbeiter im Schlachthaus. Schon diese Wahl ist ein Statement. Hier geht es um Körper, um Routine und um Gewalt, die als Job verkauft wird.

Camp schneidet Szenen wie Fleisch, schiebt Erinnerungen ebenso in die Gegenwart wie Halluzinationen. Dazwischen liegt das Dröhnen der Maschinen. Jesus trägt eine Geschichte mit sich, die der Comic nur stückweise seziert. Sein Schock sitzt tief. Der Tod seines Vaters wird zum Knotenpunkt. Nichts daran fühlt sich fair alles jedoch industriell an.

Die Zeit-Krise kommt hier nicht als bunter Epochenmix. Sie kommt als Verzerrung der Wahrnehmung. Blut scheint zu wandern. Räume wirken endlos. Die Arbeit frisst Minuten und Jahre zugleich. Das Thema ist Ausbeutung und es wird nicht weichzeichnet.

Oder ist das Heft überfrachtet und zu sehr auf Schock gebaut? Ich bin mir unsicher. Die Wucht trifft, gleichzeitig drückt Camp so viele Grausamkeiten in dieses eine Heft, dass auch meine Emotion irgendwann stumpf wird. Das hilft dem Anliegen nicht immer, passt aber ins Bild.

Formal ist es trotzdem beeindruckend. Details wie ein sich steigernder Bluteindruck im Seitenrand machen das Heft zu einem Objekt, das man fast wie einen Unfallbericht betrachten muss. Wegschauen geht, aber das Gesehene bleibt im Kopf.

Warum ein Schlachthaus nie neutral ist

Das zweite Heft trifft einen Nerv, weil Schlachthäuser als Symbol längst aufgeladen sind. Der moderne Fleischbetrieb steht für Industrie, für Unsichtbarkeit und für eine Arbeit, die viele Gesellschaften gern an Bevölkerungsschichten auslagern, die sowieso keine andere Wahl haben.

In den USA wurde diese Unsichtbarkeit schon früh literarisch verarbeitet. Upton Sinclair’s Roman THE JUNGLE erschien 1906. Er beschrieb drastisch die hygienischen Zustände und die Ausbeutung im Umfeld der Fleischindustrie.

Der öffentliche Druck trug dazu bei, dass 1906 Gesetze wie der PURE FOOD AND DRUG ACT und der MEAT INSPECTION ACT beschlossen wurden. Roosevelt unterschrieb den Meat Inspection Act am 30. Juni 1906. Der Roman zielte stark auf die Lage der Arbeiter. Die unmittelbare Debatte drehte sich aber um Sauberkeit und Verbraucherschutz.

Der Punkt ist keine Nostalgie. Es geht um ein Muster. Die Fleischindustrie funktioniert als System. Sie zerlegt Leben in Arbeitsschritte, verschiebt Verantwortung und versteckt Gewalt hinter Prozessen und Verpackung.

Industrie als Horror, damals wie heute

Natürlich ist das nicht einfach dieselbe Geschichte. Trotzdem bleibt der Kern aktuell. Fleischverarbeitung ist bis eine Branche, die von harter, gefährlicher Arbeit lebt. Sie zieht oft Migrantinnen und Migranten an, weil sie Jobs bietet, die andere nicht machen wollen.

Gleichzeitig entstehen Abhängigkeiten, Verletzungen, Schweigen. Genau dieses Spannungsfeld nutzt Camp, wenn er die Routine des Tötens mit einer zerrissenen Zeit Wahrnehmung koppelt. Der Comic übertreibt, halluziniert und schockt. Doch die Metapher sitzt, weil das reale System schon lange wie ein Fließband funktioniert, das Menschen und Tiere in Einheiten zerlegt.

Hearth, zwei Welten, ein schlechtes Willkommen

Heft drei wirkt auf den ersten Blick wiederum klassischer. Dann merke ich, wie fies es ist. Eine Kleinstadt namens Hearth verliert ihre Welt, denn ein Feuer frisst alles. Die Bewohner retten sich in eine nahezu identische Nachbarwelt. Dort existiert Hearth noch. Nur eben mit anderen Menschen, die sich selbst schon für vollständig hielten. Plötzlich stehen ihre Doppelgänger vor der Tür.

Camp setzt hier nicht auf Action. Er setzt auf soziale Chemie. Wie lange hält eigentlich Empathie, wenn die Ressourcen knapp wirken? Wie schnell kippt Hilfe in Abwehr? Und wie bequem ist die Sprache, mit der man sich selbst zum Original erklärt? Der Konflikt entsteht schrittweise.

Zuerst gibt es Essen, Decken, freundliche Hände. Eine Wir-Schaffen-Das-Situation. Dann folgen Gerüchte, dann die Schuldzuweisungen, dann das erste WIR gegen DIE. Das Heft schaut dabei auf beide Seiten. Die Geflüchteten aus Hearth 1 tragen ihr Trauma, die Bewohner von Hearth 2 tragen ihre Angst.

Camp macht keine einfache Rechnung auf. Er zeigt Mechanismen, wie sich Menschen in einer Krise gern an Regeln klammern, die nur so lange galten, wie niemand sie testen muss.

Formal arbeitet das Heft mit Spiegelungen und Parallelität. Man spürt, dass hier zwei Versionen derselben Geschichte gegeneinander gestellt werden. Aber das Ende hat keinen Sieger, es hat nur den bitteren Beweis, dass man selbst in einem absurden Zeit-Setting sehr real scheitern kann.

Mike und die verlorene Zeit

Heft vier erzählt das Leben von Mike, ein Leben als Beschleunigung. Er wacht als Schüler auf. Zwei Seiten später ist er erwachsen. Kurz darauf datet er wieder, wird Vater.

Beziehungen entstehen, zerreißen und verschwinden. Der Horror liegt nicht in irgendwelchen Monstern sondern darin, dass Mike nie wirklich ankommt. Camp nutzt den Zeit-Riss als Metapher für das Gefühl, sein eigenes Leben zu verpassen.

Zawadzki hält die Zeichnungen bewusst im Banalen zwischen Küche, Auto, Couch und Krankenhaus. Gerade das macht es schlimm. Wer schon einmal gedacht hat, dass Jahre plötzlich weg sind, erkennt sich sofort wieder.

Anna und die Grausamkeit der Wiederholung

Heft fünf setzt noch einen drauf, weil es nicht nur schnell ist. Es ist rund. Anna steckt in einer Zeit-Schleife fest. Sie erlebt immer wieder einen Moment häuslicher Gewalt. Nicht als langer Film, sondern in sechzig Sekunden Schnipseln.

Der Comic zeigt, wie Trauma Zeit einfriert und zugleich doch endlos abspult. Die Seite wird zum Kreis. Wir, die Beobachter, stehen außen. Anna steht innen. Das liest sich wie ein sozialer Pranger und wie ein Therapieraum zugleich.

Hier stimmt für mich alles. Die Form erzählt mit. Die Wiederholung erzeugt mein Mitgefühl. Und plötzlich versteht ich, warum dieser Band ein formales Ausrufezeichen ist. Er macht das Erlebte anderer zur inneren, eigenen Erfahrung und hilft mir, mich besser in Andere hinein zu versetzen.

Ein starker Beginn

ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1 sammelt den ersten Story-Block der nach hinten offenen Reihe. Ab Heft sechs startet ein neuer Handlungsbogen. Er setzt stärker auf die Frage, was diese kaputte Zeit überhaupt ausgelöst hat.

Die Serie bleibt dabei bei ihrem Kern. Sie folgt den normalen Leuten und Portale, Schleifen oder Zeitreisende bleiben Störgeräusche, die in die jeweiligen Biografien eindringen.

Zeichnung, Farbe, Lettering als Zeitmaschine

Zawadzki’s Zeichenkunst ist der Motor dieses ersten Sammelbandes. Er kann ruhig erzählen, wenn es nötig ist. Er kann aber auch ganze Seiten in ein Kontrollfeld verwandeln, in dem Panel-Ränder wie Zäune wirken. Oft führt er den Blick so, dass man die Zeit nicht nur liest, sondern sie spürt.

Jordie Bellaire unterstützt dies mit Farben, die nicht dekorieren. Sie ordnen. Figuren bleiben dadurch klar, selbst wenn das Layout explodiert. Bellaire kann jedoch auch reduzieren. Einzelne Elemente stehen dann wie farbige Skizzen im Raum, nur dass die Reduktion hier nicht kühl wirkt.

Wenn Schrift mitspielt

Dann ist da noch das Lettering von Hassan Otsmane Elhaou. Viele Comics behandeln Schrift als Transportmittel, als Hintergrundrauschen. Hier ist sie Teil der Choreografie.

Geräusche, Ansagen, Warnhinweise, Werbesprüche fügen der Geschichte eine zusätzliche Ebene hinzu. Alles hat eine eigene Textur.

In manchen Ausgaben hat man das Gefühl, die Buchstaben selbst würden stolpern. Das ist selten so konsequent eingebaut. Und es passt zum Thema, weil Sprache in einer Krisenwelt oft das Erste ist, was sich automatisiert. Slogans ersetzen Gedanken. Dieser Sammelband legt auch dies offen.

Die Macher hinter den Geschichten

Deniz Camp wirkt wie jemand, der zu viel Energie hat, um sich auf ein Format festzulegen. Im US Markt kennt man ihn als Autor von 20TH CENTURY MEN, einer politischen alternativen History, die Supermenschen und Geopolitik zusammen bringt. Mit BLOODSHOT UNLEASHED hat er gezeigt, dass er auch im Action-Korsett Charakterarbeit unterbringen kann.

Bei Marvel schrieb er unter anderem CHILDREN OF THE VAULT, bevor er mit THE ULTIMATES im neuen Ultimate-Kosmos zu einer Art Ideen-Motor wurde. Gleichzeitig arbeitet er bei DC an ABSOLUTE MARTIAN MANHUNTER, einer viel gelobten Neuinterpretation der Figur im frisch gestarteten Absolute-Universum. Diese Bandbreite erklärt viel.

Camp denkt gern in Genre-Mechanismen. Dann nutzt er sie, um über die Gegenwart zu sprechen. Er liebt formale Kniffe, baut daraus moralische Fallstudien, vergisst dabei aber selten die Figuren.

Eric Zawadzki hat sich über Jahre einen Ruf als grafischen Erzähler aufgebaut, der Sequenzen nicht nur ansprechend zeichnet, sondern sie exakt konstruiert. Seine Arbeiten reichen von THE DREGS über ETERNAL bis zu HEART ATTACK. Dazu kommt die HOUSE OF EL Trilogie.

Auf seiner eigenen Portfolio-Seite wirkt das wie eine klare Linie. Er interessiert sich für Figuren, die unter Druck stehen. Dazu baut er Seiten, die diesen Druck sichtbar machen. Er kann zwischen Stilen springen, ohne seine Handschrift zu verlieren.

Fazit

ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1 ist ein Band, den man nicht einfach schnell überfliegt. Er zwingt dich zum Tempowechsel, zur Einteilung der eigenen Lebens- und Lesezeit. Mal renne ich durch die Seiten, mal bleibe ich hängen, weil ein Layout meinen Blick festhält. Camp und Zawadzki haben eine seltene Kontrolle über Format und Inhalt.

Die besten Momente sind die, in denen das Zeit-Phänomen direkt in die Psyche der Figuren greift. Heft eins, vier und fünf können sich neben den stärksten US One-Shots der letzten Jahre sehen lassen.

Dem gegenüber wirkt Heft drei wie eine bitter realistische Parabel. Heft zwei bleibt für mich der wackligste Teil, weil es seine Themen stellenweise in Blut ertränkt. Trotzdem gehört es zum Gesamtbild, weil es zeigt, wie unterschiedlich Krisen sich anfühlen können.

Wer als Gelegenheitsleser nach einem runden Genre-Spaß sucht, muss sich auf Arbeit einstellen. Der Band ist zugänglich, aber wahrlich nicht bequem. Wer Comics liebt, weil das Medium Dinge kann, die Film und Prosa nicht können, bekommt hier eine Lehrstunde. Wer gerade das Gefühl hat, die Welt sei aus dem Takt, findet hier keine Therapie, aber einen Spiegel, der erstaunlich klar reflektiert.

Insgesamt gehört diese Reihe meiner persönlichen Meinung zum Besten, was in den vergangenen Jahren in Comic-Form produziert wurde. Es würde mich daher doch sehr wundern, falls die Autoren bei der kommenden Verleihung der Eisner-Awards leer ausgehen…

• ASSORTED CRISIS EVENTS VOL. 1
• Deniz Camp und Eric Zawadzki
• Softcover | 208 Seiten | Farbe | Englisch
• ISBN 978-1-53433-396-3
• Storyline(s): ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★★
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Image Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

The post ASSORTED CRISIS EVENTS – Alltag im Zeitsalat first appeared on P A N E L W A L K E R.

Schon in dieser Auftaktszene zeigt Josephine Mark, wie sie Spannung über die Temperamente ihrer Figuren aufbaut. Rosa hält ihre Sätze kurz, Friedwart redet sich warm. Zwischen beiden knistert es. Der Witz dieses Comics entsteht nicht aus Pointen, sondern aus der Reibung seiner Figuren. Dann kippt der Tonfall und aus einer Geschichte mit Slapstick-Potential wird ein Krimi.

Friedwart’s Nase findet Blut, versteckt ganz hinten im Schrank unter der Treppe. Plötzlich steht nicht mehr nur die Frage im Raum, ob Rosa den Hund wieder rauswirft, sondern was in diesem Haus seit Jahrzehnten begraben liegt. Das Szenario setzt bei der Erzählung nicht auf Krimi-Horror, sondern auf Krimi-Humor. Schließlich erscheint RED im Kibitz-Verlag, der Comics für Kinder herausbringt.

Das Blut wirkt wie ein Fremdkörper in Rosa’s strenger Ordnung. Genau daraus gewinnt die Geschichte jedoch ihren Antrieb. Aus einer Ordnung, die Risse bekommt und aus einem Hund, der diese Risse begeistert verfolgt. Und ganz nebenbei schiebt sich der Name des Opfers ins Bild. Es geht um Rosa’s Ex-Mann RED.

Huh, huh, da ist Blut im Sch… Schrank!

Der Fund bleibt nicht einfach ein düsteres Detail. Er wird zur Eintrittskarte in einen Cold Case. Vor dreißig Jahren hat ein tragischer „Unfall“ den Ort erschüttert. Rosa glaubt nicht an Zufälle, SIE glaubt an Mord. Und das ist kein leiser Verdacht, das ist inzwischen eine Überzeugung.

Diese Überzeugung richtet sich nicht konkret gegen eine einzelne Person, sondern färbt auf ein ganzes Umfeld ab. Rosa verdächtigt schnell die halbe Nachbarschaft – na ja, eigentlich die ganze. Damit verschiebt Mark den Fokus. Der Krimi wird zwar auch zur Jagd auf den einen Täter, in erster Linie aber zur Bestandsaufnahme einer Gemeinschaft, die sich über Jahre eingerichtet hat. Jede(r) kennt jeden, jede(r) weiß angeblich nichts, aber jede(r) hat eine Version.

Friedwart ist dabei mehr als ein Sidekick. Seine Spürnase liefert den Anlass, seine Offenheit liefert den Anstoß, die Untersuchung (wieder) aufzunehmen und seine Fähigkeiten liefern Hinweise, die den Fall voranbringen. Währenddessen liefert Rosa den emotionalen Antrieb. Aus dieser Konstellation entsteht die schwungvolle Dynamik des Albums. Der Tote bleibt als Abwesender stets präsent, der Hund drängt in die Gegenwart, während Rosa sich an die Mysterien der Vergangenheit herantastet.

Was nach klassischem Whodunit klingt, wird in Mark’s Händen auch zu einer Sozialstudie. Der Fall wirkt schräg, weil die Figuren schräg sind. Der Fall wirkt wendungsreich, weil Mark gerne Erwartungen anstupst und dann zur Seite schiebt. Wer einen Krimi mag, der sich nicht allzu ernst nimmt, wird hier großartig abgeholt. Und wer den Ton von Filmen wie Fargo liebt, erkennt die Richtung sofort.

Lakonische Dialoge, trockener Witz und viel Gefühl

Schon in der kurzen Leseprobe sitzen die Dialoge wie kleine Schwinger und Haken. Rosa stellt Fragen, die wehtun und Friedwart liefert Begeisterung, die nervt. Beides ist präzise beobachtet.

Josephine Mark zeigt keine Sympathieträger, die auf Kommando gefallen wollen, sondern Menschlichkeit, die sich gegenseitig etwas zumutet. Genau daraus entsteht Nähe. Der Humor bleibt trocken, oft nur in einem Nebensatz, oft auch lauthals bissig. Rosa hat eine harte Schale und tief in ihrem Inneren einen weichen Kern – sehr, sehr tief im Inneren.

Visuell arbeitet die Autorin mit einem cartoonigen Strich, der schnell lesbar ist und trotzdem nuancenreich ausfällt. Die Gesichter sind klar, Haltungen erzählen viel, die Farbgebung bleibt zurückhaltend aber der Situation angemessen. Das unterstützt den Krimi-Ton. Gleichzeitig bleibt der Look offen genug für die Zielgruppe.

Nur der Alterungsprozess der Figuren lässt letztendlich zu wünschen übrig. Wo ich in der Geschichte nämlich immer wieder strauchele ist, wenn Zeitsprünge in die Vergangenheit ohne entsprechende Hinweise auftreten und das Charakterdesign diese Änderung nicht immer mitgeht. An dieser Stelle ist weniger nicht wirklich mehr.

Ich finde jedoch sofort in die Geschichte hinein und bleibe dran, weil die Figuren sie problemlos tragen. Gerade das ist Mark’s Stärke. Sie nimmt schwere Themen leichtherzig an die Hand. Bei RED heißt dies, dass Trauer, Erinnerung und Dorfgeheimnisse mitschwingen können, auch wenn der Witz vorneweg läuft.

Ein weiterer, kleiner kritischer Punkt steckt genau da. Wer einen Krimi sucht, der konsequent düster ist und bleibt, muss sich auf Mark’s Balance bewusst einlassen und wird vielleicht enttäuscht. Sie will Spannung, ja. Sie will aber auch Schrulligkeit und die hat bei ihr immer Vorrang vor irgendeiner Genre-Pflichterfüllung. Aber mir gefällt das gut.

Von Roadmovie zu Krimi

Josephine Mark, geboren 1981 in Naumburg an der Saale, arbeitet als Illustratorin, Comiczeichnerin und Grafikdesignerin. Seit 2004 veröffentlicht sie – auch über ihr Blog puvoproductions.com – Comics und Cartoons.

In der Comic-Welt hat sie sich ihre eigene Nische gebaut. Sie erzählt All-Age-Geschichten, auch wenn Tiere die Bühne betreten. Ihr Frühwerk TIERE SIND AUCH NUR MENSCHEN markiert diesen Blick auf menschliche Macken im Tierkostüm. Ihr Debüt-Comic MURR erscheint 2021. Dort verhandelt sie in Westernstiefel gekleidete Fragen nach Angst, Nähe und Endlichkeit. Der Ton bleibt humorvoll, der Kern ernst.

Ihr großer Durchbruch im Comic-Bereich heißt TRIP MIT TROPF. Das Buch verbindet Roadmovie, Klamauk und Krankheitsthema. Genau diese Mischung hat international viele Leser erreicht.

Mark’s Erzählstil ist warmherzig, dabei aber nie rührselig. Humor erscheint zumeist subtil. Ihre Geschichten funktionieren für Kinder und Erwachsene, weil sie auf mehreren Ebenen gelesen werden können. Auszeichnungen und Preise unterstreichen die Wirkung. TRIP MIT TROPF wurde z.B. beim Comic Salon Erlangen 2022 mit dem Max und Moritz Preis für den besten Kindercomic ausgezeichnet.

Mit DER BÄRBEISS wechselte Mark von dem selbstgeschriebenen Comic in die Adaption. Sie übersetzt die Geschichten von Annette Pehnt und Jutta Bauer in Comic-Sprache. Auch dort passt ihr Zugang. Sie findet den Witz in der Grummeligkeit, die Wärme im Widerstand. Wenn man diese Linie kennt, wirkt RED wie der logische nächste Schritt. Dieser Krimi erlaubt ihr, Misstrauen, Einsamkeit und Annäherung zugleich zu erzählen.

Fazit

RED hat eine starke Ausgangsidee. Ein streitlustiges Duo stolpert über Blut und über ein Dorf, das lieber schweigt. Josephine Mark setzt dabei auf Tempo in den Dialogen und auf Figuren, die man in ihrer Andersartigkeit sofort lieben muss und ihnen gerne in das Abenteuer folgt. Das ist ihre Qualität. Sie schreibt zugänglich, bleibt dabei aber eigenständig.

Dieser Krimi scheint nicht dazu da, eine Checkliste an Spannungselementen abzuhaken, sondern Menschen in Bewegung zu setzen, auch wenn sie Rosa heißen und lieber distanziert bleiben würden. Wer Mark’s Mischung aus trockenem Witz und ehrlichem Gefühl schätzt, dürfte hier sehr glücklich werden. Wer neu einsteigt, bekommt einen Comic mit einem überraschenden Twist, der leicht wirkt und trotzdem etwas mitgibt.

Ich würde mir eine Fortsetzung wünschen. Ich will doch schließlich wissen, ob Friedwart Plüschmann bleiben darf …

• RED
• Josephine Mark
• Hardcover | 112 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-948690-46-5
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★★☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Kibitz Verlag
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The post RED – Gewitter vor der Tür und ein Hund, der bleibt first appeared on P A N E L W A L K E R.

Jordi Lafebre nimmt mich mit nach Barcelona und in die Weinberge des Alt Penedès. Er tut dies ohne touristische Postkarte. Er setzt mich lieber an einen Tresen, lässt Motorroller vorbei düsen und zieht dann den Hocker weg. Plötzlich liegt ein Toter da und ich merke, dass ich längst auf der Seite der Frau stehe, die gleich verdächtig wirken wird.

Ich sitze Dr. LIull gegenüber. Mein Verhalten war in letzter Zeit etwas „exzentrisch“, deshalb soll er meine psychische Gesundheit bewerten. Er bittet mich, ihm von meiner letzten Woche zu erzählen. Ich berichte, wie ich erst eine Leiche gefunden habe und dann den Mörder dazu. Ehrlich gesagt, bin ich ziemlich gut darin, Kriminalfälle zu lösen. Und die Stimmen, die ich höre? Pah, die hab ich im Griff.

Schon auf den ersten Seiten hat mich dieser Comic erwischt. Er wirkt sonnig, fast übermütig. Er stellt aber Fragen, die hängen bleiben. Wie lebt man weiter mit Stimmen im Kopf? Wie geht Familie als System? Und wie schnell wird eine Frau zur Projektionsfläche, wenn sie nicht brav funktioniert?

Dr. Llull hört zu, ich auch

Der Einstieg ist ein kleiner Trick, den ich sofort liebe. Eva Rojas sitzt nicht in einem Polizeirevier, sondern beim Psychiater. Dr. Llull soll einschätzen, ob sie beruflich noch tragbar ist. Eva braucht diese Einschätzung, weil ihre Approbation auf der Kippe steht. Sie wirkt dabei wie jemand, der gleichzeitig flieht und angreift. Rojas beantwortet Fragen mit Tempo. Sie weicht aus, wenn es zu nah wird und sie hat diese gefährliche Gabe, Menschen mit einem Satz zu durchleuchten.

Während sie erzählt, klappen die Tage der letzten Woche auf wie ein Fotoalbum. Das verleiht dem Ganzen einen schwebenden Rhythmus, einen Abstand. Ich springe zwischen Gespräch und Rückblende hin und her. Ich spüre, wie Eva die Kontrolle behalten will und ich ahne, warum sie gewisse Details lieber verschlucken würde. Zum Beispiel die Stimmen der Frauen aus ihrer Familie, die sie begleiten. Das ist keine billige Spukidee, sondern ihr Alltag. 

Penélope klopft an

Dann kommt Penélope, eine ehemalige Patientin, die Eva um Hilfe bittet. Es geht um eine Testamentseröffnung, die eigentlich eine Feier sein soll. Penélope’s Familie besitzt ein Weingut und stellt Cava her. Der Clan heißt Monturós. Schon diese Ausgangslage hat etwas Köstliches, weil Lafebre die Reichen nicht als elegante Statue zeichnet. Er zeichnet sie als nervöse Lebewesen mit teuren Zähnen.

Eva sagt zu, obwohl sie keine Anwältin ist. Sie sagt zu, weil sie neugierig ist, weil sie Penélope mag und weil sie spürt, dass in dieser Familie etwas faul ist. Auf dem Gut prallen die Generationen aufeinander. Alte Kränkungen stehen wie Flaschen im Regal, Investoren laufen herum. Alle lächeln, niemand hört wirklich zu. Außer Eva, sie hört zu. Und sie macht dabei das, was gute Ermittler – und Psychologen – gerne tun: sie sammelt kleine Widersprüche.

Familienfeier mit Sprengstoff im Dessert

Bevor der Krimi richtig zupackt, lässt Lafebre die Situation einmal durchatmen. Es wird gegessen, geprotzt, geschäkert. Die Matriarchin ist uralt und trotzdem das Machtzentrum. Ihr Testament wird zu Lebzeiten verlesen. Alle tun so, als wäre das ein zivilisierter Akt. In Wahrheit ist es ein Kampf um Land, um Firma, um Einfluss und Deutungshoheit.

Ich mag, wie Eva sich durch diese Menge bewegt. Sie wirkt provokant, aber nicht dumm und sie beobachtet Gesten. Sie erkennt Rollen und hat einen Blick für die Selbstlügen der Leute. Dazu kommt ein verspieltes Motiv, das hier wunderbar passt. Eva ordnet die Familienmitglieder gedanklich Figuren aus der griechischen Mythologie zu. Das ist witzig und es ist entlarvend. Plötzlich sehe ich nicht nur teure Hemden. Ich sehe Eitelkeiten, Gier und Ängste. Und ich sehe eine Penélope, die zwischen Loyalität und Fluchtversuch festhängt.

Der Moment, in dem alles kippt

Irgendwann wird es spät und Eva geht hinaus in die Nacht, ein Mitternachtsspaziergang über das Anwesen. Warme Luft, leise Geräusche, dieser Moment, in dem man glaubt, die Nacht sei harmlos. Dann entdeckt sie Spuren. Sie folgt ihnen in den Weinkeller. Dort liegt Francesc Monturós, tot, ermordet.

Das ist die Szene, in der der Comic seine Tonalität beweist. Er kippt nicht in düsteren Horror. Er bleibt hell, bleibt beweglich. Und gerade deshalb trifft mich der Moment. Lafebre zeigt, wie schnell ein luxuriöser Rahmen zur Tatort-Kulisse wird. Er zeigt auch, wie Eva reagiert. Sie verfällt nicht in Panik, sie schaltet um. Sie denkt, sie handelt und macht damit genau das, was ihr später Probleme einhandelt. Rojas wird zur Person, die zu viel weiß, zu schnell da war, zu unkontrollierbar wirkt.

Ab hier zieht der Plot straffer an. Ich wollte wissen, wer lügt. Ich wollte aber genauso wissen, wie Eva diese Nacht mental übersteht. Ein typischer Agatha-Christie-Aufbau, aber mit einer besonderen Hauptdarstellerin.

Zwei Köpfe, ein Tatort

Jetzt kommt die Polizei. Und hier macht Lafebre etwas, das ich bei Krimis selten so elegant sehe. Er lässt die Figuren sehr viel reden, ohne dass es statisch wirkt. Eva prallt auf Ermittlungsroutine, auch auf Vorurteile. Eine Psychiaterin mit beschädigter Karriere, eine Frau, die keine Demut ausstrahlt und eine Frau, die sich selbst nicht immer traut. Das schreit nach Verdacht.

Kommissarin Alemany, die in manchen Momenten wie eine Merkel-Karikatur durch die Seiten weht, wird zum Gegenpol. Sie will Fakten. Eva liefert Interpretationen. Sie will Ordnung. Eva bringt Chaos. Und trotzdem funktioniert dieses Duo, weil beide klug sind.

Lafebre inszeniert die Gespräche wie Kamerafahrten. Er wechselt Winkel, baut Körpersprache ein, lässt Blicke arbeiten. Dadurch wirken die Dialogseiten lebendig. Das Tempo bleibt hoch, obwohl wir oft nur Menschen sehen, die sprechen und (laut) denken.

An dieser Stelle hatte ich das Gefühl, ICH BIN IHR SCHWEIGEN erzählt nicht nur einen Mordfall. Es erzählt mir auch, wie schwer es ist, als Person ernst genommen zu werden, wenn man nicht in die erwartete Schablone passt.

Wenn Psyche keine Ausrede ist

Die drei inneren Begleiterinnen gehören für mich zu den besten Ideen des Albums. Sie sind nicht nur Gimmick, sondern Erinnerung, Kommentar und Gewissen. Sie stehen für Generationen von Frauen, die vieles geschluckt haben. Eva trägt das weiter, ob sie will oder nicht. Das macht den Titel so stark, auch wenn der Comic ihn nicht plakatieren muss. Er zeigt, wie Schweigen vererbt wird. Er zeigt auch, wie es knackt, wenn jemand versucht, dieses Schweigen zu brechen.

Dazu kommt der Umgang mit psychischer Gesundheit. Eva wirkt bipolar, getrieben. Sie wirkt manchmal unvernünftig. Lafebre romantisiert das nicht. Er benutzt es aber auch nicht als billige Erklärung für Plot-Wendungen. Er zeigt einen Menschen, der mit sich ringt und trotzdem kompetent sein kann. Das finde ich extrem wohltuend. Gerade weil der Comic gleichzeitig leichtfüßig bleibt.

Nicht alles ist gleich tief. Manche Action-Momente wirken bewusst überdreht. Ich nehme das hin, weil Lafebre damit den Ton hält. Er will keinen grauen True-Crime-Realismus. Er will ein lebendiges, warmes Thriller-Spiel.

Ein Zeichner als Menschenfänger

Wer Jordi Lafebre nur über diesen Barcelona-Ausflug kennenlernt, verpasst den langen Anlauf. Er hat sich schon früh als Zeichner etabliert, der Figuren nicht nur hübsch anordnet. Er gibt ihnen Lebensatem. Zusammen mit Zidrou erzählt er in LYDIE eine Geschichte über Verlust und Gemeinschaft. Das Setting ist klein, eine Sackgasse im Leben und im Kopf. Die Emotionen allerdings sind groß. Lafebre’s Linie kann zärtlich sein, ohne weichgespült zu wirken.

Dann ist da WUNDERVOLLE SOMMER – und bleiben wir im Bild des aktuellen Comic: Das ist Familienleben als Jahrgangswein. Warm, melancholisch, manchmal bissig. Auch dort beobachtet Lafebre Gesten und Blicke, die mehr sagen als jede Sprechblase.

Diese Vorgeschichte erklärt, warum ich Eva so schnell geglaubt habe. Lafebre kann Menschen zeichnen, die man sofort erkennt, auch wenn man sie nie getroffen hat. Das ist sein Kapital. Und er setzt es hier auf Tempo.

Struktur als Herzschlag

Als Autor im Alleingang hat Lafebre mit TROTZ ALLEM … LIEBE einen besonderen Treffer gelandet. Die Liebesgeschichte läuft erzählerisch rückwärts. Sie beginnt am Ende und arbeitet sich zum Anfang vor. Das klingt nach Konzept, fühlt sich aber erstaunlich organisch an, weil Lafebre jede Szene wie ein eigenes kleines Leben baut.

Warum ist das für ICH BIN IHR SCHWEIGEN wichtig? Weil man merkt, dass Lafebre Struktur kann – und auch liebt! Er liebt den Rahmen, liebt die Idee, dass eine Erzählung aus einzelnen Schachteln bestehen kann, die zusammen ein Bild ergeben. Das Büro des Therapeuten in Barcelona funktioniert ähnlich. Eva erzählt, wir sehen, Dr. Llull fragt nach, wir springen in der Geschichte zurück. Das ist kein Selbstzweck, vielmehr ist es der Motor. Lafebre versteht sich auf Zeitebenen.

Ich mag auch, wie Lafebre Humor einsetzt. Nicht als Pointe, eher als Überlebensstrategie. In TROTZ ALLEM … LIEBE rettet Humor vor Sentimentalität. In diesem Krimi rettet Humor vor Schwere. Das passt zu Eva. Sie lacht, weil sie sonst absäuft.

Dialoge als Choreografie

Grafisch ist das Album ein Genuss. Lafebre zeichnet mit einem Strich, der zugleich locker und kontrolliert wirkt. Er übertreibt Gesichter, wenn es komisch sein soll, ohne mangaesk zu sein. Er zieht sie wieder zusammen, wenn es ernst wird. Diese Balance macht Eva so lebendig. Ihre Mimik sitzt, ihre Gestik spricht oft lauter als ihre Worte.

Ich habe besonders auf die Gesprächsseiten geachtet, weil Krimis daran sterben können. Lafebre choreografiert sie wie kleine Szenen im Theater. Er verschiebt die Perspektive, er lässt Figuren stehen, gehen, sich drehen. Und er nutzt Räume. Ein Behandlungszimmer wird zur Bühne. Ein Verhör wird zu einem Tanz aus Nähe und Abwehr.

Auch Barcelona bekommt Charakter: Häuser, Straßen, Bars, der Hafen, nichts wirkt wie Kulisse. Es wirkt bewohnt und dann sind da die Weinberge, die Architektur des Weinguts, die Keller. Lafebre hat Freude an Orten. Er lässt mich aber nie im Detail ertrinken. Er bleibt lesbar, bleibt schnell.

Farbe als Mit-Erzähler

Die Farbgestaltung trägt den Trick des Comics. Alles wirkt hell, selbst wenn es um Mord geht. Lafebre arbeitet viel mit warmen Tönen. Gelb, Orange, grünliche Sommerreste. Das erzeugt diese mediterrane Leichtigkeit, die mich erst entspannen lässt. Dann kommt der Bruch, weil die Handlung düsterer wird, aber das Licht bleibt.

Wenn es Nacht wird, kippt die Palette. Violett, Indigo, tiefere Blautöne. Innenräume bekommen bräunliche Wärme. Das ist subtil, aber es steuert meine Stimmung. Ich habe gemerkt, wie ich schneller lese, wenn die Seiten sonnig sind. Ich habe gemerkt, wie ich langsamer werde, wenn das Blau kommt.

Wichtig ist auch, wie die Farben den Humor stützen. Eva’s schräge Momente wirken nicht peinlich, weil die Welt sie auffängt. Der Comic sagt nie, dass sie verrückt ist. Er sagt eher, dass sie die Welt – ihre Welt – anders sieht. Und diese Andersartigkeit bekommt eine visuelle Heimat. Das ist eine Form von Respekt, die ich nicht selbstverständlich finde.

Kleine Schwächen, große Eva

Ich hatte großen Spaß an diesem Werk und ich meine das als Qualitätsmerkmal. Trotzdem bleibt ein kleiner Haken. Der Krimi-Plot ist clever gebaut, aber er fühlt sich stellenweise leichter an als die Themen, die er streift. Ich hätte mir an ein paar Punkten mehr Nachdruck gewünscht, vor allem bei den historischen und gesellschaftlichen Schatten der Familie. Der Comic deutet an, dass die Machtstrukturen alt sind. Er zeigt auch Spuren davon, aber er geht nur nicht so tief, wie es möglich wäre.

Dazu kommen einzelne Szenen, die bewusst überziehen. Ich sehe, was Lafebre dabei will. Er will den Ton der rasanten Komödie halten, auch wenn es um Leichen geht. Manchmal wirkt das ein wenig konstruiert und ich rutsche kurz aus der Illusion.

Und doch. Wenn ich die Seiten schließe, bleibt Eva, ihre Wucht, ihre Verletzlichkeit. Genau deshalb verzeihe ich dem Album seine kleinen Luftsprünge. ICH BIN IHR SCHWEIGEN ist für mich nicht der Krimi, der mich mit einem perfekten Rätsel erobern will. Es ist der Krimi, der mich mit einer Figur an die Hand nimmt und nicht mehr loslässt.

Eva geht in die nächste Runde

Dass Lafebre Eva nicht loslassen will, überrascht mich kein bisschen. ICH BIN EIN VERLORENER ENGEL setzt laut Verlagsankündigung rund achtzehn Monate nach den Ereignissen auf dem Weingut an. Eva steht erneut im Zentrum und erneut geht es um eine Woche, die entgleist. Sie will diesmal einen vermissten Patienten finden. Es handelt sich um einen aufstrebenden Fußballstar. Parallel taucht ein Toter auf, der die Sache in eine sehr hässliche Richtung schiebt. Neonazis spielen ebenfalls eine Rolle. Dr. Llull bleibt als Begleiter dabei und die Stimmen der verstorbenen Frauen mischen sich weiterhin ein.

Für mich klingt das nach einem konsequenten Schritt. Lafebre nimmt die Formel wieder auf, aber er verlegt sie in ein anderes Milieu. Fußball, Nachtleben, Beton am Hafen. Das ist weniger Cava-Romantik und mehr Gegenwartsschmutz. Ich vertraue ihm, dass er dies nutzt, um den gesellschaftlichen Biss noch ein Stück zu vertiefen.

Fortsetzung mit ein wenig mehr Kante, bitte

Was wünsche ich mir? Ich wünsche mir, dass Eva einen Widerpart bekommt, der ihr wirklich gewachsen ist. Ich wünsche mir, dass die Nebenfiguren wieder so glänzen wie im ersten Band, gerade weil Lafebre darin extrem gut ist. Und ich wünsche mir, dass der innere Frauenstimmen-Chor noch stärker in die Handlung eingreift. Nicht als Kommentaristas, sondern als Entscheidungskraft.

Gleichzeitig will ich, dass der Ton bleibt. Dieses helle, freche Erzählen ist Lafebre’s Markenzeichen. Wenn er es schafft, mehr Schärfe hineinzuschmuggeln, ohne die Leichtigkeit zu verlieren, dann könnte ICH BIN EIN VERLORENER ENGEL genau der Band werden, der aus einer starken Figur eine wirklich große Serie macht.

Fazit

ICH BIN IHR SCHWEIGEN ist für mich ein Krimi, der sich anfühlt wie ein wechselvoller Spaziergang in der Sonne, obwohl es unterwegs knallt. Jordi Lafebre verbindet Witz, Tempo und ein warmes Barcelona-Gefühl mit Themen, die man nicht einfach weglegt. Er zeichnet Figuren, die man sofort erkennt. Er lässt Dialoge lebendig wirken. Und er baut mit Eva Rojas eine Heldin, die nicht geschniegelt sein will. Sie ist klug, anstrengend und verletzlich. Genau deshalb funktioniert sie.

Wenn du nur gelegentlich Comics liest, bekommst du hier einen Einstieg, der nicht abschreckt. Du kannst dem Fall folgen und dich am Rhythmus erfreuen. Wenn du Comic-Erzählweisen liebst, kannst du dich an Struktur, Körpersprache und Farbdramaturgie sattsehen. Ich empfehle das Album, obwohl ich mir beim Plot an ein paar Stellen mehr Wucht wünsche. Aber ich empfehle es gerade auch deshalb, weil es eben nicht geschniegelt perfekt sein will.

Lies ICH BIN IHR SCHWEIGEN. Und wenn du am Ende auch nur ein bisschen an Eva hängen bleibst, dann weißt du schon jetzt, warum du 2026 auf ICH BIN EIN VERLORENER ENGEL warten wirst.

• ICH BIN IHR SCHWEIGEN
• Jordi Lafebre
• Hardcover | 112 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-98721-393-9
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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An seinem ersten Erscheinungstag wurde der Strip in 35 Zeitungen veröffentlicht, zuletzt waren es rund 2.400. In den 10 Jahren dazwischen wurden 3.160 tägliche (!) Comic-Strips publiziert. Dreitausend-einhundert-sechzig, eine unvorstellbare Zahl. Ja, es waren Strips bei denen es durchaus qualitative Höhen und Tiefen gab. Aber Bill Watterson hat die Latte für alle, die nach ihm kamen, sehr, sehr hoch gelegt. Jetzt ist aber Schluss mit all den Zahlen!

In diesem Artikel geht es nicht nur um eine Kinderfreundschaft, sondern um ein lebenskluges, witziges Plädoyer für eben diese Freundschaft, gepaart mit ausufernder Fantasie und der Kunst, die Tür zum Abenteuer im Alltag immer einen Spalt offen zu halten.

Mit den Abenteuern des sechsjährigen Calvin und seines Stofftigers Hobbes hat Autor Bill Watterson einen Zeitungscomic geschaffen, dessen magische Qualitäten bis heute unerreicht sind. […] Calvin ist Chaos! Ob Eltern, Babysitterin oder Nachbarstochter: Der Bengel treibt seine Umwelt mit Spitzfindigkeiten und den absurdesten Streichen an den Rand des Wahnsinns. Wenn er nicht gerade als „Raumfahrer Spiff“ oder mächtiger Dinosaurier im Reich seiner überbordenden Fantasie unterwegs ist.

Einzig seinem besten Freund, dem liebenswerten Stofftiger Hobbes, gelingt es, den hyperaktiven Calvin auf den Boden der Tatsachen zu holen. Wenn auch nie für lange, denn eine zünftige Partie Calvin-Ball, eine Vereinssitzung des E.M.S.V. (Eklige Mädchen Sollen Verduften) oder ein tiefschürfendes Gespräch über Zuckerbomben mit Schokoguss sind schließlich auch nicht zu verachten. Hobbes ist ja kein Spielverderber! [Verlagstext]

Drei Strips zum Einstieg

In manchen Strips zeigt uns Bill Watterson einen Gag, in anderen verbindet er seine narrative Kunstfertigkeit zu einer Fortsetzungsgeschichte, die sich über mehrere Strips entwickelt. Aber immer endet die aktuelle Bildfolge mit einer wohlgesetzten Pointe. Dies ist ein wichtiges Merkmal der Zeitungsstrips der damaligen Zeit.

Fantasie zwischen Keksdose und Urknall

CALVIN & HOBBES erzählt die Geschichte des ewig sechsjährigen Calvin, dessen wildes, widerspenstiges Herz einzig von seinem getigerten Weggefährten Hobbes verstanden wird. Auf dem Papier ist Hobbes ein Plüschtier. Doch kaum sind Erwachsene außer Reichweite, verwandelt er sich für uns blitzschnell in einen sprechenden, bestens aufgelegten Tiger.

Mit ihm an seiner Seite geht Calvin auf atemberaubende Fantasiereisen. Da wird das Wohnzimmer zur außerirdischen Dschungellandschaft, das Badezimmer zum See voller Monster, der Schulhof zum Planeten einer Alieninvasion. Jede noch so graue Kleinigkeit des Alltags wird im Kopf des Jungen zur Rakete für große, oft absurde Abenteuer.

Die Erzählstruktur der Comicstrips ist schlau angelegt. Oft reicht ein einziger Blick, ein Satz oder die absurde Klage über das vermeintliche Leiden am Erwachsensein, um einen Bogen vom Alltäglichen zum Kosmischen zu schlagen.

So sieht Calvin im strengen Schuldirektor prompt einen außerirdischen Spion, der mit teuflischen Hausaufgaben die Welt unterjochen will. In anderen Strips plant Calvin genüsslich destruktive Attacken auf seine Nachbarin Susie oder philosophiert (mal kindlich-naiv, mal entwaffnend klarsichtig) über die großen Fragen von Zeit, Existenz und Moral.

Trotz aller Sprunghaftigkeit pendelt CALVIN & HOBBES immer zwischen den Extremen und euphorischer Übermut trifft auf melancholische Nachdenklichkeit. Denn so uneingeschränkt Calvin mit seinem Tiger durch Traumlandschaften jagt, so regelmäßig kracht er zurück auf den Boden der unnachgiebigen Wirklichkeit.

Die Pointen blühen auf der Diskrepanz zwischen dem Wunsch, die Welt zu formen, und der Frustration, ihr ausgeliefert zu sein. Was anfangs als ulkige Alltagsflucht erscheint, entwickelt sich zunehmend zur Meditation über Kindheit, Freundschaft, Identität – und die Fähigkeit, mit kindlichem Staunen die Welt täglich neu zu begreifen.

Zwei, die die Welt neu erfinden

Im Zentrum des Strips strahlt die kontrastreiche Freundschaft zwischen Calvin und Hobbes. Calvin platzt vor Energie, Fantasie und Renitenz. Er rebelliert gegen Hausaufgaben, Zähneputzen und jede Form von Kontrolle.

Sein Vater ist die verkörperte Ironie, seine Mutter die stoische Geduld, die Lehrerin das Sinnbild pädagogischer Frustration, doch wirklich ernst nehmen kann Calvin nur Hobbes. Dieser besitzt alles, was Calvin fehlt: Gelassenheit, ein ausgeprägtes Verständnis für Ironie, das rechte Maß an Nachsicht und gelegentlicher Raubtierlust.

Hobbes oszilliert zwischen Spiegelbild, Korrektiv und subversivem Draufgänger. Mit seiner sanften, oft spöttischen Klugheit erdet er Calvin. Die Dialoge sind funkelnde Wechselspiele, in denen sich philosophisch grundierte Nachdenklichkeit mit anarchischem Klamauk paaren.

Während Calvin bei seinen Ausflügen ständig moralische und existenzielle Grenzen testet, mahnt Hobbes immer wieder zur Reflexion und Menschlichkeit – wenn er nicht selbst zur Attacke übergeht oder sich das nächstbeste Sandwich stibitzt.

Die Dynamik erinnert frappierend an wiederkehrende Paarkonstellationen der Comicgeschichte, doch selten wurden Ego und Über-Ich, Impuls und Vernunft so subversiv miteinander verbunden.

Auch in den Nebenfiguren spiegelt sich eine stimmig gezeichnete, analoge Vorstadtwelt. Ob Eltern, Rektor, bullige Mitschüler oder die smarte Nachbarin Susie: sie alle tauchen in Calvins Vorstellungswelt transformiert auf. Sie sind mal Monster, mal Helden oder bloßes Inventar für seine Fantastereien.

Jeder Charakter gewinnt Kontur durch Calvin’s überbordende Fantasie und zeigt zugleich etwas Grundsätzliches über menschliche Beziehungen, Macht und Ohnmacht.

Ein Mann, ein Tiger, ein Comic-Weltwunder

CALVIN & HOBBES ist das Werk von Bill Watterson (im deutschen Sprachraum teils auch als William Watterson II geführt). Der 1958 geborene US-Amerikaner prägte mit seiner Serie eine ganze Generation von Leserinnen und Lesern. Ursprünglich als kleiner Strip in der Lokalzeitung gestartet, wurde die Serie bald zu einem internationalen Phänomen. Auf dem Höhepunkt ihrer Popularität erschien sie weltweit in Hunderten Zeitungen, doch lehnte Watterson – gegen allen wirtschaftlichen Menschenverstand – jegliche Vermarktung seiner Figuren als Trickfilm, Serie oder Merchandise kategorisch ab.

Bill Watterson ist bekannt für seine kompromisslose, romantisch verklärte – und äußerst humorvolle – Haltung gegenüber Kunstfreiheit. In der Comic-Szene gilt er daher als widerspenstiger Erneuerer.

Er lotete die engen Rahmen des Zeitungsstrips künstlerisch wie erzählerisch immer weiter aus und hielt dabei einen einzigartigen Stil zwischen klassischer Linie und visueller, experimenteller Freude. Neben CALVIN & HOBBES hinterließ er vor allem Spuren in der Debatte um die Comic-Kunst an sich, Veröffentlichungsrechte und anti-kommerzielle Haltung. Zahlreiche Comicautoren wie z.B. Art Spiegelman oder die PEANUTS-Erben sehen ihn als kreativen Wegbereiter.

Bilder, die träumen wollen

Was CALVIN & HOBBES in der visuellen Abteilung vollbringt, begeistert mich immer wieder auf’s Neue und ist einfach bahnbrechend. Die Panels leben von einer unglaublichen Dynamik. Ob rollende Wälder für rasante Schlittenfahrten, verwaschene Regenstürme als melancholisches Intermezzo oder minimalistische Portraits punktgenauer Ironie: Watterson zieht souverän alle Register der Zeichenkunst. Die Vielseitigkeit reicht von locker-flirrenden Federstrichen bis hin zu detailverliebten Splash-Panels, wie sie für Sonntagsseiten typisch sind.

Besonders bemerkenswert ist die expressive Mimik von Calvin. Mit wenigen Strichen springt Watterson von Ekstase zu tiefster Verstörung oder rührender Nachdenklichkeit. Die Dramaturgie funktioniert auf mehreren Ebenen. Während die wortlosen Gags auch für Kinder verständlich bleiben, baumeln viele Anspielungen und Meta-Kommentare wie versteckte Bonbons im Bild für uns Erwachsene.

Die Gestaltung der Traumsequenzen, etwa wenn Calvin als „Spaceman Spiff“ durchs All jagt, ist ein Fest für die Augen. Auch in Schwarz-Weiß bleibt die visuelle Wucht ungebrochen.

Revolution aus der Rappelkiste

CALVIN & HOBBES erschien in einer Zeit, als die Comic-Strips in den Zeitungen zunehmend standardisiert und stromlinienförmig wurden. Watterson stemmte sich sowohl mit erzählerischer, als auch stilistischer und politischer Finesse dagegen.

Durch seine Weigerung, die Figuren ins Konsum-Karussell zu schicken, setzte er ein zudem wichtiges Zeichen gegen Kommerzialisierung und für künstlerische Autonomie.

Thematisch greift CALVIN & HOBBES Debatten auf, die den jeweiligen Zeitgeist widerspiegeln, manchmal subtil, manchmal aber auch mit der Brechstange. Kritik an der Konsumgesellschaft, Betrachtungen über Umwelt, Bildung, mediale Überforderung und das moderne Familienleben durchziehen die Strips, ohne moralisch zu belehren.

Die Beziehung zu anderen Comic-Klassikern ist offensichtlich. Doch während die PEANUTS ihre Welt zumeist melancholisch und resigniert erleben, zelebrieren CALVIN & HOBBES den anarchischen Spaß und den Widerstand gegen die Erwachsenenlogik mit einer Leichtigkeit, die ihresgleichen sucht.

Eigen-Sinn und Tiger-Biss

Watterson sprengt in CALVIN & HOBBES nicht nur die Grenzen der Formatvorgaben für Zeitungscomics. Er inszeniert Panel, die von philosophischer Tiefe bis zum hintergründigen Klamauk reichen.

Besonders prägnant bleibt der Verzicht auf eine fortlaufende Handlung. Jedes Abenteuer, jede Krise, jeder Gag steht wie eine Miniatur für das große Ganze. So erreicht der Comic eine emotionale und intellektuelle Bandbreite zwischen absurdem Alltagswitz und existenzieller Reflexion, die in der Comiclandschaft herausragt.

Ungewohnt bleibt auch, dass der Strip jede Vermarktung verweigert. Keine Animationsfilme, keine Actionfiguren, kein T-Shirt-Universum. Der Wunsch, CALVIN & HOBBES ausschließlich als gezeichnete Figuren weiterleben zu lassen, bewahrt ihnen einen Zauber, den kaum eine andere Serie so lange halten konnte. Alles, was – außer Büchern – mit CALVIN & HOBBES Motiven erhältlich ist, kann getrost als nicht autorisiert betrachtet werden.

Einzigartig wie Tigerstreifen

CALVIN & HOBBES bleibt ein zeitloses Meisterstück, das Grenzen überschreitet und Leserinnen und Leser aller Generationen inspiriert. Der Comic glänzt als Abenteuerreise für den Geist und als liebevolle Hommage an das kreative Potenzial des kindlichen Blicks. Wer sich auf CALVIN & HOBBES einlässt, reist zwischen urkomischen Alltagskatastrophen, existenziellen Gedankenspielen und poetischen Momentaufnahmen hin und her. Die raffinierten Zeichnungen, pointierten Dialoge und das anarchische Herz der Figuren laden zum Staunen, Lachen, Nachdenken und – nicht zuletzt – zum Kind-sein ein. Immer wieder aufs Neue!

Dieser Comic gehört für mich in jedes Was-Nimmst-Du-Mit-Auf-Die-Einsame-Insel-Paket und in jedes Comic-Regal.

Egal ob Sammler oder Neueinsteiger: Diese Comic-Strips sind ein wichtiger, unverzichtbarer Teil unserer Popkultur und ein Geschenk für alle, die Humor mit Haltung, Zeichnung mit Gehalt und Fantasie mit bissigem Witz lieben.

Wer Calvin und seinen Tiger noch nicht kennt, sollte ihnen unbedingt begegnen – auf der nächsten Zeitungsseite, im Comicladen oder direkt als Gesamtausgabe. Man bleibt dabei garantiert nicht derselbe. Um es mit den letzten Worten von Calvin heute vor 30 Jahren zu sagen: „Let’s go exploring!“

P.S:

CALVIN & HOBBES erhielt 1990 den Max-und-Moritz-Preis als bester internationaler Comicstrip und 2007 den Sondermann-Preis 2007 als bester Comic International 2007. Zuuuuuu recht! 

CALVIN UND HOBBES

© CARLSEN VERLAG | Hardcover | 1456 Seiten | Schwarz-Weiß und Farbe

Storyline:  ★★★★★

Zeichnungen: ★★★★★

Farben: ★★★☆☆

Lettering: ★★★★☆

Humor: ★★★★★(★)

Meine persönliche Bewertung: ★★★★★(★)

ISBN: 978-3-551-78907-5 (Gesamtausgabe)

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Kann eine Maschine zum Menschen werden – und was bedeutet es überhaupt, menschlich zu sein?

Unter der Regie von Chris Columbus und mit dem unvergleichlichen Robin Williams als Andrew, dem Androiden mit Hang zu tiefsinnigen Fragen, erleben wir eine Zukunft, die uns näher ist, als so manches Silicon-Valley-Update.

Basierend auf Isaac Asimov’s Kurzgeschichte DER ZWEIHUNDERTJÄHRIGE entfaltet Columbus’ Film einen epischen Bogen über eben diese zwei Jahrhunderte, in denen Andrew alles durchlebt, was ein Mensch eigentlich nie zu hoffen wagt: Unsterblichkeit, die Qual der Endlichkeit und das bittersüße Privileg der Selbstbestimmung.

Ein Android entdeckt seine Selbstständigkeit

Die Reise beginnt im Haushalt der Familie von Richard Martin (Sam Neill). Der Androide NDR-114 –  von der jüngsten Tochter Amanda oder „Little Miss“ liebevoll Andrew getauft – wird zunächst skeptisch beäugt. Zumal er nach einem Sturz aus einem Fenster veränderte und für einen Roboter geradezu irritierende Verhaltensweisen an den Tag legt.

Schnell gibt Andrew sich nicht mehr mit den üblichen Routinen zufrieden. Er strebt nach mehr, nach eigenen, kreativen Projekten und sozialer Teilhabe. So wird er schließlich Teil der Familie, entwickelt sich, bekommt Bücher zu lesen, beginnt kunstvolle Uhren zu erschaffen und zeigt uns, wie ein Android schrittweise Persönlichkeit entfaltet.

Doch spätestens der Wunsch nach Freiheit markiert einen Wendepunkt. Andrew bittet seinen Besitzer, ihn freizugeben – ein bittersüßer Moment, der den Beginn einer großen Odyssee markiert.

Der Anfang einer großen Reise

Andrew lernt die Ambivalenz der Freiheit kennen. Während Menschen altern und geliebte Familienmitglieder versterben, bleibt er ewig jung. Der Drang, andere seiner Art zu finden, begleitet ihn bei seiner Wanderung durch die Welt und viele Jahre vergehen, bis er Rupert Burns (Oliver Platt) begegnet, dem Enkel des ursprünglichen Androidenerfinders.

Rupert ist ein Bastler mit Hang zur Grenzüberschreitung, der mit Galatea (Kiersten Warren) die einzige noch funktionstüchtige Androidin aus Andrew’s Baureihe besitzt. Mit seiner Hilfe bekommt Andrew ein menschliches Gesicht und das, was für Maschinen bislang eine unüberwindbare Grenze schien: echte Gefühle!

Das alles schlägt sich in einer bemerkenswerten Zeitreise nieder. Columbus inszeniert das so liebevoll und detailverliebt, dass der Genre-Fan ebenso angesprochen wird wie der emotionale Cineast.

Zurück in die Familie Martin, verliebt sich Andrew in Portia (Embeth Davitz in einer Doppelrolle), die Enkelin von „Little Miss“, und kämpft fortan um Anerkennung als menschliches Wesen.

Seine Fähigkeiten und sein Streben nach Individualität werden belohnt. Er und Portia heiraten, doch die Gesellschaft will weder ihn als Mensch noch ihre „Beziehung“ akzeptieren. Die Geschichte steuert somit auf das unvermeidliche Ziel und die Frage zu, ob ein künstliches Wesen letztlich Mensch sein kann und was muss passieren, damit die Menschheit dies anerkennt.

Charaktere, Tiefe und Wandel

Robin Williams verleiht Andrew eine seltene Mischung aus Komik, Verletzlichkeit und philosophischem Tiefgang. Selbst unter der Metallmontur spürt man die legendäre Ausdruckskraft des leider viel zu früh verstorbenen Schauspielers.

Williams spielt nicht nur den Roboter. Er spielt einen Suchenden, einen ewigen Außenseiter, dessen Streben nach Individualität stets nachvollziehbar bleibt. Seine Performance wird von vielen Kritikern als eines seiner besten Werke betrachtet, weit entfernt von den reinen Komödienrollen in MRS. DOUBTFIRE oder JUMANJI, selbst im Vergleich zu seinen schauspielerischen Leistungen in DER CLUB DER TOTEN DICHTER oder PATCH ADAMS.

Und ja, in diesem Film zeigt er, welche wahren Möglichkeiten dieser Mann hatte. Hier ist jeder Lacher eine Einladung zum Nachdenken, jeder Witz ein Funken Menschlichkeit, jeder Tragik auf den Punkt.

Von Schaltkreisen und Seele

Besonders gelungen ist Andrew’s Charakterentwicklung. Er startet als mechanische Hilfskraft, mutiert zum gefühlvollen Freund und entwickelt sich schrittweise zum (fast?) vollständigen Menschen.

Aber nicht nur Williams überzeugt, auch die Nebenrollen sind glänzend besetzt. Sam Neill als „Sir“ Martin, bringt eine väterliche Würde in den Film. Embeth Davidtz spielt gleich zwei Generationen, zuerst die jugendliche, vertrauensvolle „Little Miss“, die ihren Gefühlen für Andrew nicht nachgibt, dann deren Enkelin Portia, die Andrew auf seinem Weg zur Menschwerdung begleitet. Diese Doppelrolle ist clever besetzt, sorgt sie doch für Vielfalt und Tiefe.

Mensch werden, Mensch sein

Der Wandel von Andrew zieht sich nicht nur durch die Geschichte, sondern auch durch seine äußere Erscheinung (das Make-Up wurde nicht umsonst für einen Oscar nominiert). Gerade die Entwicklung von einer emotionslosen Dienstmaschine zum liebenden, verletzlichen Mensch-Maschinen-Hybrid läuft glaubhaft ab.

Die Figuren in DER 200 JAHRE MANN sind Spiegel der Gesellschaft, sie schwanken zwischen Akzeptanz, Ablehnung und Neugier. Sie erleben Trennung, Trauer und neue Liebe.

Die Dialoge sind oft charmant und pointiert – ein Markenzeichen der Regie von Columbus – aber nie Selbstzweck. Die Interaktionen zwischen Mensch und Maschine erinnern an große Vorbilder wie COMMANDER DATA aus STAR TREK oder die einsamen Androiden in BLADE RUNNER. Nur ist Andrew weit weniger tragisch – unter Columbus‘ Regie viel lebensbejahender – gezeichnet.

Freundschaft, Liebe, Zugehörigkeit und Identität stehen bei diesem Film im Fokus. Besonders die Momente der Komik, wie etwa Andrew’s misslingende Versuche, menschliche Eigenarten nachzuahmen, wirken nie lächerlich, sondern machen den robotischen Helden umso nahbarer.

In diesem Zusammenhang lässt sich DER 200 JAHRE MANN durchaus mit dem Comic ROSTIGE HERZEN vergleichen, in denen uns die Autoren Beka und Zeichner Munuera auf eine Entdeckungsreise zu künstlichen Intelligenzen, Seele und Liebe mitnehmen.

Glänzende Bolzen und leise Botschaften

DER 200 JAHRE MANN ist kein reines Science-Fiction-Spektakel mit Explosionen und optischer Effekthascherei. Ganz im Gegenteil.

Die Besonderheiten des Films liegen in feinen Details. Die Geschichte vereint philosophische Themen – Identität, Sterblichkeit, Gefühle – mit einer erstaunlichen Leichtigkeit. James Horner’s Filmmusik trägt ebenso zum Flair bei wie die klugen Location- und Zeitraumsprünge.

Die nahe Zukunft des Jahres 2005 (damals eine „nicht zu ferne Zukunft“) erscheint aus Sicht des Jahres 1999 angemessen futuristisch. 2025 befinden wir uns nun in einer Zeit, in der NDR-114 und seine Brüder und Schwestern am Horizont unserer Realität erscheinen. San Francisco sieht in dieser Zukunft aus wie eine Mischung aus DAS FÜNFTE ELEMENT und klassischen amerikanischen Zukunftsvisionen. Währenddessen ist das Weltparlament die perfekte Bühne für die Frage, ob Menschlichkeit aus der Biologie oder dem Geist erwächst.

Philosophische Tiefe statt Bling-Bling

Im Vergleich zu Genre-Kollegen wie I, ROBOT oder BLADE RUNNER setzt DER 200 JAHRE MANN auf sanfte Töne, Familiennähe und sogar politische Korrektheit. Da gibt es keine fliegenden Autos, keine schießenden Cyborgs, sondern Bewegtheit, Humor und das bittersüße Streben nach Anerkennung.

Die Alltagsprobleme zwischen Mensch und Maschine werden oft augenzwinkernd dargestellt. Sie sind gezeichnet durch Synchronisationsfehler, seltsam empathische Fehlleistungen und die Schwierigkeit, mit dem technischen Fortschritt mitzuhalten. Mir gefällt sehr, wie Andrew durch kleine, feine Innovationen wie das erste Lachen, die erste Träne, tatsächlich Menschlichkeit ausdrückt. Aber auch Portia muss sich die Frage stellen, ob sie ihr Herz einer Maschinen schenken will.

Zwischen Robotik und Rührung

Auch wenn es sicherlich Redundanzen und eine gewisse Überlänge im Story-Verlauf gibt und das letzte Drittel bei zu nüchterner Betrachtung ein wenig ausgedehnt erscheint, bleibt die Botschaft klar und durchweg motivierend:

Jeder kann über sich hinauswachsen!

DER 200 JAHRE MANN schafft es, ein komplexes Thema zugänglich und bewegend zu inszenieren. Die Oscar-Nominierung für das Make-Up war verdient. Die filigranen Maskenleistungen unterstreichen die feinsinnige Analogien im Film – Transformation ist eben nicht nur äußerlich, sondern geschieht ganz und gar im Innern.

Fazit

Man sagt, jeder (Film-)Kritiker hat einen Lieblingsfilm, bei dem er alle Objektivität fallen lässt. DER 200 JAHRE MANN ist meiner und bekommt volle Punktzahl.

Wer Science-Fiction liebt und sich fragt, was Menschlichkeit wirklich bedeutet, wer auf intelligente, warmherzige Komik steht, sollte diesem Film unbedingt eine Chance geben. Die Geschichte ist ein Fest aus leisen Momenten, bewegender Musik und einer Handlung, die auch nach der letzten Szene nachhallt.

Nicht umsonst rangiert DER 200 JAHRE MANN bei vielen Kritikern als unterschätztes Meisterwerk. Vielleicht hat der Film nicht das große Publikum erreicht. Wer aber einmal unvoreingenommen eintaucht, erlebt Science-Fiction von der filigranen, menschenfreundlichen Seite, wie sie nur wenige Werke bieten.

DER 200 JAHRE MANN lädt uns dazu ein, selbst zu reflektieren. Sind wir Menschen, weil wir geboren wurden oder werden wir zu Menschen durch unser Streben, unsere Entscheidungen und unsere Fähigkeit, Schmerz zu ertragen? Diese Fragen machen DER 200 JAHRE MANN zu etwas Besonderem. Und genau das ist mein Aufruf: Lass dich darauf ein, denn die Komik, die Tragik, das Unendliche im Endlichen, all das findet sich hier in Hülle und Fülle.

Kleiner Fun-Fact zum Schluss: In der STAR TREK NG – Epsiode 9 der zweiten Staffel „Wem gehört Data?“ (im Original „The Measure of a Man“) wurde das Thema bereits 1992 schon einmal ähnlich kenntnisreich aufgegriffen. Nur das der plappernde Andrew halt keinen Ausschaltknopf hat…

Bilder © 1999 Columbia Pictures

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