Genau in diese Welt schicken Brian Azzarello (Szenario) und Eduardo Risso (Zeichnungen) drei kleine Jungen. Nicht etwa, weil die das Abenteuer suchen. Sie wollen ihre Mutter zurückhaben. Was erst einmal nach einer klassischen Western-Geschichte klingt, entwickelt sich in der Folge zu einer ausgesprochen brutalen Reise durch eine Landschaft, in der Gewalt zum Alltag gehört. BLOOD BROTHERS MOTHER liegt darum nahe bei Werken wie LEAVE THEM ALONE oder BIS ZUM BITTEREN ENDE.

Mit BLOOD BROTHERS MOTHER kehrt eines der bekanntesten Autorenduos des amerikanischen Comics zum Western zurück. Azzarello und Risso haben bereits mit 100 BULLETS bewiesen, wie hervorragend sie menschliche Abgründe erzählen können. Ihre neue Geschichte erschien ursprünglich ab Mai 2024 beim amerikanischen Verlag DSTLRY. Der deutsche Schreiber & Leser Verlag hat die vierteilige Miniserie nun als 224 Seiten starken Hardcoverband aufgelegt.

Nach den ersten Seiten von BLOOD BROTHERS MOTHER hat mich vor allem eine Frage beschäftigt: Wie viel Grausamkeit braucht eine Geschichte eigentlich, um glaubwürdig von einer grausamen Welt zu erzählen?

Ein Revolverheld kehrt zurück

Am Anfang der Erzählung steht Carter Cain. Ein Mann, der nach einem Aufenthalt in einem mexikanischen Gefängnis wieder auf freiem Fuß ist. Wer jetzt auf einen geläuterten Sünder hofft, dürfte ziemlich schnell enttäuscht werden. Cain ist ein brutaler Gangster, der seine Freiheit keineswegs als Gelegenheit für einen Neuanfang betrachtet. Stattdessen macht er dort weiter, wo er aufgehört hat. Gemeinsam mit seinen Kumpanen zieht er durch den Westen und hinterlässt eine Spur aus Gewalt, Erniedrigung und Tod.

Seine Vergangenheit führt ihn schließlich zu Anna, einer Frau, mit der ihn mehr verbindet als eine flüchtige Bekanntschaft. Während Cain hinter Gittern saß, hat Anna – unter den Namen Mary – ein neues Leben begonnen. Sie ist mit Reverend Jon Blood verheiratet, einem Prediger, der sich um sie und ihre drei Jungen kümmert. Daniel, Simon und Jack, den alle Rabbit nennen, wachsen in einer Familie auf, die ihnen zumindest einen gewissen Schutz vor der rauen Außenwelt bietet. Der Reverend ist allerdings nicht ihr leiblicher Vater, denn diese Rolle kommt ausgerechnet Carter Cain zu. Damit bekommt die Geschichte eine besonders unangenehme Wendung. Denn Cain betrachtet Annas neues Leben keineswegs als ihre eigene Entscheidung. Für ihn ist sie noch immer eine Frau, über die er bestimmen darf.

Azzarello nimmt sich für diese Vorgeschichte erstaunlich viel Raum. Das ist durchaus sinnvoll, weil ich dadurch früh verstehe, welche Gefahr von Cain ausgeht. Allerdings liegt hier bereits eine Schwäche des Comics, denn der Verbrecher wird derart konsequent als grausames Scheusal vorgeführt, dass kaum noch Platz für Überraschungen bleibt.

Drei Jungen auf dem Kriegspfad

Als Cain mit seinen Komplizen bei Anna auftaucht, endet das bisherige Leben der Familie schlagartig. Reverend Blood wird erschossen und Anna verschleppt. Zurück bleiben drei Jungen, die gerade alles verloren haben, was ihnen Sicherheit gegeben hat. Ihr leiblicher Vater fühlt sich für sie ganz und gar nicht verantwortlich.

Daniel, der Älteste, übernimmt diese Verantwortung. Gemeinsam mit Simon und Rabbit beschließt er, den Entführern zu folgen und die Mutter zurückzuholen. Das klingt zunächst nach einem ziemlich aussichtslosen Unterfangen, schließlich sind die Brüder noch Kinder. Sie besitzen weder die Erfahrung noch die körperlichen Voraussetzungen, um es mit den Erwachsenen ihrer Welt aufzunehmen. Und trotzdem machen sie sich auf den Weg.

Gerade dieser Gegensatz gehört für mich zu den stärksten Ideen des Comics. Drei Jungen, die eigentlich Schutz brauchen, müssen selbst für ihr Überleben sorgen und erwachsen werden. Ihre Reise ist keine abenteuerliche Bewährungsprobe, sondern eine verzweifelte Suche nach dem letzten Menschen, der ihnen geblieben ist.

Dabei unterscheiden sich die Brüder durchaus. Daniel versucht, die Rolle des Erwachsenen zu übernehmen. Simon und Rabbit sind stärker auf die Entscheidungen ihres älteren Bruders angewiesen. Zwischen ihnen entsteht eine Mischung aus Zusammenhalt, Angst und kindlicher Unsicherheit.

Ich hätte mir gewünscht, dass Azzarello diese Beziehungen ausführlicher zeigt und entwickelt. Gerade weil die Jungen das emotionale Zentrum der Geschichte bilden sollen, bleiben ihre unterschiedlichen Persönlichkeiten stellenweise etwas blass.

Auf dem Trail lauert der Tod

Ihre Suche führt die Brüder durch die Weiten von Texas. Was auf den ersten Blick nach grenzenloser Freiheit aussieht, entpuppt sich schnell als ein gefährliches Niemandsland. Die Jungen begegnen Menschen, deren Absichten sie kaum einschätzen können. Gesetzlose, Kopfgeldjäger und andere Gestalten bevölkern eine Welt, in der ein freundliches Gesicht noch lange kein Garant für gute Absichten bedeutet. Hinzu kommen wilde Tiere, Hunger und die unerbittliche Landschaft.

Azzarello nutzt diese Begegnungen gekonnt, um verschiedene Seiten des Westens zu zeigen. Es geht um Geld, Macht, Besitz und die Bereitschaft, andere Menschen für den eigenen Vorteil zu opfern. Der vermeintlich zivilisierte Teil des Westens unterscheidet sich dabei wenig von der Welt seiner Verbrecher.

Interessant ist, dass die Geschichte auch die Perspektive der indigenen Bevölkerung berührt. Mit der Figur Crazy Owl, die ich hier beim englischen Namen belasse, erweitert sich der Blick über das persönliche Schicksal der Familie hinaus. Die Besiedlung des Westens erscheint nicht als heldenhafter Fortschritt, sondern als gewaltsame Aneignung fremden Landes.

Allerdings wirken manche Begegnungen eher wie einzelne Episoden, die den Jungen weitere Gefahren vorführen sollen. Nicht jede davon bringt die eigentliche Suche entscheidend voran. Hier hätte etwas weniger durchaus mehr sein können.

Blut ist dicker als Wasser

Während die Brüder ihrer Mutter folgen, wird immer deutlicher, dass hinter der Entführung mehr steckt als die Grausamkeit gewöhnlicher Banditen. Carter Cain ist ihr leiblicher Vater. Der Mann, vor dem die Jungs ihre Mutter retten wollen, gehört also selbst zu ihrer Familie. Dieser Umstand verändert den zentralen Konflikt erheblich. Die Jungen kämpfen nicht einfach gegen fremde Verbrecher. Sie müssen sich mit einem Menschen auseinandersetzen, dessen Vergangenheit unmittelbar mit ihrer eigenen verbunden ist.

Damit stellt Azzarello eine unangenehme Frage: Was bedeutet Familie eigentlich, wenn Blutsverwandtschaft weder Liebe noch Verantwortung garantiert? Reverend Blood hat den Jungen ein Zuhause gegeben. Cain hingegen beansprucht eine Stellung, die er durch sein Verhalten längst verwirkt hat. Der Gegensatz zwischen beiden Männern könnte kaum deutlicher ausfallen.

Im weiteren Verlauf gewinnt die Geschichte zunehmend an Härte. Die Suche wird zur Auseinandersetzung mit Gewalt und Vergeltung. Dabei verlieren die Brüder Stück für Stück jene Unschuld, die sie zu Beginn noch ausgezeichnet hat. Gerade diese Entwicklung hätte für meinen Geschmack mehr Aufmerksamkeit verdient. Denn die entscheidende Veränderung findet nicht allein in den äußeren Ereignissen sondern in den Jungen selbst statt. Azzarello zeigt die Folgen ihrer Erlebnisse, lässt aber manche emotionalen Zwischenschritte zu schnell hinter sich.

Wenn der Colt die Geschichte erzählt

BLOOD BROTHERS MOTHER ist ein kompromissloser Western. Daran besteht nach wenigen Seiten kein Zweifel. Gewalt wird hier weder beschönigt noch hinter verschlossenen Türen versteckt. Auch sexualisierte Gewalt gehört zu den erschütternden Bestandteilen der Geschichte. Das kann durchaus seine Berechtigung haben, schließlich geht es um eine Welt, in der Menschen andere Menschen wie Eigentum behandeln.

Mich stört allerdings, dass Azzarello bisweilen so stark auf die nächste Grausamkeit setzt, dass die Figuren dahinter zurücktreten. Besonders die Figur des Carter Cain leidet darunter. Seine Brutalität steht außer Frage, doch als Persönlichkeit bleibt er erstaunlich eindimensional.

Auch Anna hätte ich gerne stärker als eigenständige Figur erlebt. Ihre Vergangenheit und ihre Beziehung zu Cain sind für die Handlung entscheidend. Dennoch wird sie über weite Strecken vor allem durch das bestimmt, was andere ihr antun. Das ist besonders schade, weil der Titel ja ausdrücklich die Mutter in den Mittelpunkt zu rücken scheint. Tatsächlich gehört die erzählerische Aufmerksamkeit jedoch überwiegend den Männern und Jungen um sie herum und macht sie damit irgendwie zu einem MacGuffin (also einem Gegenstand, einer Person oder einem Ziel in einer Geschichte, das die Handlung antreibt, für die eigentliche Bedeutung des Werkes / des Films aber völlig unwichtig ist).

Hinzu kommt ein gelegentlich ungleichmäßiges Erzähltempo. Während manche grausame Episode ausführlich ausgespielt wird, geraten wichtige Veränderungen innerhalb der Familie vergleichsweise knapp. Spannung entsteht dadurch reichlich, emotionale Nähe nicht immer.

BLOOD BROTHERS MOTHER in Wasserfarben

Eduardo Rissos Zeichnungen sind für mich der überzeugendste Bestandteil dieses Comics. Wer Risso hauptsächlich aus 100 BULLETS kennt, dürfte zunächst überrascht sein. Statt der dort dominierenden harten Schwarzflächen arbeitet der argentinische Zeichner hier mit einer deutlich weicheren, aquarellartigen Farbgestaltung, was einen harten Kontrast zwischen den gezeigten Bildern und den dargestellten Ereignissen bildet. Warme Gelb- und Orangetöne bestimmen die sonnenbeschienenen Landschaften. Nachts übernehmen Blau und Violett die Bilder. Die Farben lassen den Westen gelegentlich beinahe friedlich erscheinen. Umso heftiger wirken die Gewaltausbrüche, die diese Ruhe zerstören. Für die handgemalten Innenillustrationen in (THE) BLOOD BROTHERS MOTHER gewann er 2025 den EISNER AWARD in der Kategorie „Best Pinter/Multimedia Artist (Interior Art)“.

Besonders gefällt mir, wie Risso mit Perspektiven und Bildausschnitten arbeitet. Weite Landschaftsbilder vermitteln die Verlorenheit der Jungen. Eng gefasste Panels konzentrieren sich dagegen auf Gesichter, Bewegungen und bedrohliche Einzelheiten. Dabei versteht Risso hervorragend, wann er eine Szene beschleunigen muss. Kurze Bildfolgen lassen Gewalt plötzlich und unmittelbar erscheinen, größere Panels geben anschließend Gelegenheit, ihre Folgen wahrzunehmen.

Seine Figuren besitzen eine ausdrucksstarke Körpersprache. Angst, Erschöpfung und Entschlossenheit werden häufig bereits durch Haltung und Gesichtsausdruck erkennbar.

Ganz ohne Schwächen bleibt die Gestaltung allerdings nicht. Einige Nebenfiguren sind auf den ersten Blick schwer auseinanderzuhalten. Auch die wechselnde Detailfülle fällt auf. Manche Landschaften sind sorgfältig ausgearbeitet, während andere Hintergründe ausgesprochen sparsam bleiben. Trotzdem gelingt Risso etwas Bemerkenswertes: Seine Bilder machen die Schönheit dieser Landschaft sichtbar, ohne ihre Gefährlichkeit zu verschweigen.

Zwei alte Revolverhelden

Brian Azzarello stammt aus Cleveland und gehört seit den 1990er-Jahren zu den bekannten amerikanischen Comicautoren. Besonders seine gemeinsam mit Eduardo Risso geschaffene Krimiserie 100 BULLETS machte ihn international bekannt. Daneben schrieb er unter anderem Geschichten um BATMAN, WONDER WOMAN und JOKER.

Eduardo Risso wurde 1959 in Argentinien geboren und arbeitete zunächst für den südamerikanischen und europäischen Comicmarkt, bevor er auch in den USA große Erfolge feierte. Seine markante Bildsprache und sein Gespür für düstere Geschichten haben ihm zahlreiche Auszeichnungen eingebracht.

Beide Künstler arbeiteten später erneut bei SPACEMAN und MOONSHINE zusammen. BLOOD BROTHERS MOTHER knüpft an ihre Vorliebe für moralisch fragwürdige Figuren an, führt sie aber in eine andere visuelle Richtung.

Fazit

BLOOD BROTHERS MOTHER hat mich vor allem durch seine Zeichnungen beeindruckt. Eduardo Risso liefert einen visuell außergewöhnlichen Western, dessen Schönheit und Brutalität häufig unmittelbar zusammenprallen.

Brian Azzarellos Geschichte überzeugt mich dagegen nicht durchgängig. Die Grundidee ist stark, die Reise der drei Brüder spannend. Doch die wiederholten Grausamkeiten ersetzen gelegentlich jene sorgfältige Figurenentwicklung, die aus einer guten Rachegeschichte eine wirklich bewegende Erzählung machen könnte. Besonders Anna – die titelgebende Mutter – und die Beziehungen innerhalb der Familie hätten mehr Raum verdient gehabt.

Wer harte, schonungslose Western liebt und mit drastischer Gewalt umgehen kann, bekommt dennoch einen sehenswerten Comic. Wer dagegen eine vielschichtige Familiengeschichte erwartet, dürfte nicht vollständig zufrieden sein. Für mich bleibt ein hervorragend gezeichneter, erzählerisch aber nicht immer überzeugender Western. Einer, bei dem die Bilder länger im Gedächtnis bleiben als manche seiner Figuren …

• BLOOD BROTHERS MOTHER
• Brian Azzarello und Eduardo Risso
• Hardcover | 224 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96582-244-3
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★★
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ☆☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Schreiber und Leser Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Der Wolf kehrt später als Sinnbild für jene Welt zurück, in die Baranow gerät. Eine Welt aus Rudeln, Rangordnungen und der ständigen Frage, wer hier wen zuerst beißt. Dieser Einstieg gefällt mir, weil er sofort klarstellt, dass diese Literaturadaption nicht bloß politische Abläufe bebildern will. Nein, sie sucht nach Bildern für gelebte Macht.

Die Vorlage erschien 2022 und war Giuliano da Empolis erster Roman. Noch im selben Jahr gewann sie den Grand Prix du roman der Académie française. Spannend ist die verarbeitete Mischung aus Wirklichkeit und Fiktion. Baranow ist eine erfundene Figur, die sich aber deutlich an den langjährigen Kremlstrategen Wladislaw Surkow anlehnt.

Genau darin liegt die Stärke des Stoffes, aber auch seine heikelste Eigenart: Wer diese Geschichte liest, sollte nie vergessen, dass hier keine geheime Akte geöffnet wird, sondern ein Roman, fiktiv in seiner Darstellung und in Comicform weiterverarbeitet.

Zwei Wege führen nach Moskau

Giuliano da Empoli kennt Politik nicht nur aus Büchern. Der italo-schweizerische Essayist arbeitete als politischer Berater in Italien, gründete den Thinktank Volta und lehrt an Sciences Po in Paris. Schon sein Sachbuch DIE INGENIEURE DES CHAOS beschäftigte sich mit modernen Formen politischer Propaganda. Für seinen ersten Roman wechselte er in die Fiktion und erfindet eine Figur, die zugleich Beobachter, Mitspieler und Erzähler des Systems ist.

Luc Jacamon kommt von einer ganz anderen Seite. Der 1967 geborene Franzose wurde vor allem durch DER KILLER bekannt, den er ab 1998 mit Matz (Alexis Nolent) entwickelt. Sein kontrollierter Realismus und sein Gespür für Spannung in ruhigen Situationen passen gut zu diesem Stoff.

Russland nach dem großen Zusammenbruch

Wadim Baranow wächst zwischen zwei sehr verschiedenen Vorstellungen von Russland auf. Der Vater hat gelernt, sich mit dem sowjetischen System zu arrangieren. Der Großvater stammt aus einer aristokratischen Welt, die den Kommunismus irgendwie überlebt hat. Von ihnen übernimmt Baranow weniger ein politisches Programm als eine Haltung. Er beobachtet Menschen, hört genau hin und entwickelt früh ein Gespür dafür, dass unter jeder offiziellen Wahrheit – mindestens – eine zweite liegt.

Jahrzehnte später ist die Sowjetunion verschwunden. Das neue Russland wirkt frei und gleichzeitig völlig ungeordnet. Baranow arbeitet zunächst am Theater, später fürs Fernsehen. Er ist keiner jener Männer, die von Anfang an nach einem Ministeramt greifen. Sein Zugang zur Politik kommt aus der Inszenierung. Er denkt in Auftritten, Bildern, Erwartungen und Stimmungen. Realität ist für ihn nie nur das, was passiert. Entscheidend ist, welche Geschichte daraus entsteht und wie sie erzählt wird.

Dann tritt Boris Beresowski in sein Leben. Der Oligarch versteht früh, wie eng Geld, Fernsehen und politischer Einfluss im Russland der neunziger Jahre zusammenhängen. Baranow wird für ihn wertvoll, weil er etwas beherrscht, das viele der neuen Mächtigen unterschätzen. Er weiß, wie Aufmerksamkeit funktioniert.

Zugleich ist da Xenia, die Frau, die Baranow liebt und die er nie ganz festhalten kann. Während er immer tiefer in Systeme, Pläne und Abhängigkeiten gerät, bleibt sie eine Figur, die sich seinem Wunsch nach Kontrolle entzieht.

Jacamon erzählt diesen Teil erfreulich flott. Namen und Funktionen kommen und gehen allerdings schnell. Wer mit der russischen Geschichte der neunziger Jahre wenig vertraut ist, kann anfangs ins Rutschen geraten. Russische Vornamen, Kosenamen und reale Persönlichkeiten tauchen auf, bevor jede Beziehung vollständig erklärt ist. Ich musste an einigen Stellen bewusst langsamer lesen. Das ist kein großes Problem, aber ein möglicher Stolperstein.

Im Kreml wird ein Zar gebaut

Der entscheidende Moment kommt, als Beresowski und sein Umfeld nach einem Nachfolger für Boris Jelzin suchen. Russland ist erschöpft von Chaos, wirtschaftlicher Unsicherheit und dem Eindruck, international an Gewicht verloren zu haben. In dieser Lage erscheint Vladimir Putin zunächst wie ein eher farbloser Funktionär aus den Sicherheitsdiensten. Gerade das macht ihn für jene attraktiv, die glauben, ihn zur Marionette formen zu können.

Baranow erkennt etwas anderes. Er sieht, dass dieser zurückhaltende Mann eine politische Sehnsucht bedienen kann. Nicht Begeisterung steht bei ihm im Mittelpunkt, sondern Ordnung, Stärke und Kontrolle. Der künftige Präsident muss kein großer Redner sein. Er muss nur den Eindruck vermitteln, dass nach Jahren des Durcheinanders wieder jemand entscheidet.

Hier findet DER MAGIER IM KREML zu seiner eigentlichen Kraft. Baranow baut keine Wahlkampagne im üblichen Sinn. Er baut eine Erzählung über Russland. Putin wird darin zur Antwort auf Angst, Demütigung und Unsicherheit. Der Krieg in Tschetschenien, die Gewalt im Inneren und die Fernsehbilder werden Teile (s)einer politischen Dramaturgie. Das Album zeigt diese Vorgänge konsequent aus Baranows Nähe. Dadurch entsteht eine unangenehme Faszination. Ich verstehe, wie seine Arbeit funktioniert, ohne sie deshalb gutheißen zu müssen.

Der Haken folgt schnell. Beresowski glaubt anfangs, eine politische Figur geschaffen zu haben, die abhängig bleiben wird. Doch Putin braucht seine Erfinder bald nicht mehr. Der neue Präsident hat erkannt, wie Macht entsteht – und zieht die Kontrolle an sich!

Beresowskis Einfluss schwindet. Medien werden nicht länger nur Mittel verschiedener Oligarchen, sondern zunehmend Teil des politischen Machtapparats selbst. Beresowski muss gehen. Baranow bleibt.

Das ist für mich die wichtigste moralische Entscheidung des Buches. Er kann sich nicht darauf zurückziehen, bloß ein Beobachter zu sein. Nein, er hilft aktiv mit. Seine Nähe zum Präsidenten verschafft ihm Einfluss, doch zugleich wird sein Spielraum kleiner. Je mächtiger Putin wird, desto weniger ist Baranow der Zauberer.

Moskau lernt die senkrechte Macht

Der Comic verfolgt nun, wie aus dem Versprechen von Stabilität ein System wird. Die Episode um die Katastrophe des U-Boots Kursk zeigt früh, wie empfindlich der neue Kreml auf öffentliche Schwäche reagiert. Beresowskis Fernsehsender berichtet kritisch. Kurz darauf verliert der Oligarch seinen Einfluss und schließlich seinen Platz in Russland. Auch andere Unternehmer erfahren, dass wirtschaftliche Macht nur so lange geduldet wird, wie sie sich der politischen Spitze unterordnet.

Baranow liefert unterdessen Begriffe, Bilder und Geschichten für die neue politische Ordnung. Die Vorstellung einer senkrechten Macht passt zu einem Präsidenten, der konkurrierende Zentren beseitigen will. Der Comic interessiert sich dabei weniger für Verwaltung als für Gefühle. Welche Sehnsucht lässt sich ansprechen? Welche Angst lässt sich vergrößern? Und welches Bild bleibt letztendlich hängen?

Das ist packend und doch beginnt hier auch meine Skepsis. Die Erzählung sitzt so eng auf Baranows Schulter, dass Putins Aufstieg gelegentlich fast zwangsläufig erscheint. Als hätte Russland nach den wilden neunziger Jahren nur auf genau diese Form von Herrschaft gewartet. Der Stoff erklärt sehr überzeugend, wie Baranow das Land und dessen Bedürfnisse deutet und wie diese Deutung ausgenutzt werden kann Er beweist aber nicht, dass diese Deutung die einzig richtige ist.

Xenia bleibt deshalb wichtig. Sie erinnert Baranow an ein Leben außerhalb des Kremls. Ihre Beziehung besitzt jedoch deutlich weniger Gewicht als der politische Teil. Ich verstehe, was sie für ihn bedeutet, doch emotional erreicht mich diese Liebesgeschichte kaum. Baranow ist auch privat ein Mann, der sich selbst beobachtet. Nähe bekommt bei ihm schnell etwas Gedankliches. Das passt zur Figur, schafft aber Distanz.

Von Moskau bis zur Ukraine

Mit den Jahren wird das politische Theater größer. Gegner werden ausgeschaltet, eingeschüchtert oder an den Rand gedrängt. Figuren wie Eduard Limonow und später Jewgeni Prigoschin tauchen auf. Der Comic führt vor, wie politische Kommunikation sich verändert. Das Fernsehen reicht irgendwann nicht mehr.

Digitale Kampagnen, gezielte Störungen und die Arbeit mit widersprüchlichen Botschaften werden Teil desselben Denkens. Entscheidend ist nicht mehr, dass alle dieselbe Wahrheit glauben. Es reicht, wenn niemand mehr sicher weiß, welcher Wahrheit noch zu trauen ist.

Gerade diese Passagen wirken erschreckend gegenwärtig. Jacamon überlädt sie nicht mit Erklärungen. Er lässt Gespräche, Räume und Entscheidungen wirken. Das hilft dem Tempo. Zugleich bezahlt die Adaption dafür einen Preis. Einige Nebenfiguren bleiben flüchtig. Limonow und Prigoschin besitzen historisches Gewicht, bekommen im Comic aber nur begrenzten Raum. Das ist bei 144 Seiten nachvollziehbar, führt jedoch dazu, dass manche politische Entwicklung wie eine schnelle Station auf Baranows Lebensweg wirken muss.

Schließlich rückt die Ukraine ins Zentrum. Baranow hat inzwischen viele Jahre geholfen, die politische Wirklichkeit des Kremls zu formen. Doch sein Verhältnis zu Putin verändert sich. Aus gegenseitigem Nutzen ist längst ein Verhältnis geworden, in dem nur einer wirklich bestimmt. Baranow erkennt zunehmend, dass er nicht der Herr des Spiels ist. Seine Fähigkeit, Erzählungen zu erfinden, schützt ihn nicht vor dem System, das er mit aufgebaut hat. Auch er kann entbehrlich werden.

Der Rückzug aus dem inneren Kreis fühlt sich deshalb nicht wie ein großer Akt der Läuterung an. Dafür hat Wadim zu lange mitgemacht. Genau das finde ich richtig gut. Der Comic schenkt ihm keine bequeme Absolution. Er bleibt faszinierend, kultiviert und oft sympathischer als die Männer um ihn herum, er bleibt aber auch mitverantwortlich.

Zwischen Kremlroman und Geschichtsbuch

Für mich funktioniert die Adaption am besten, wenn ich sie als politischen Roman lese und nicht als Erklärungsschrift über Russland. Empolis Kunstgriff ist stark: ein erfundener Insider führt durch reale Ereignisse und erlaubt eine Nähe, die ein Sachbuch kaum bieten könnte. Jacamons Umsetzung bewahrt diese Nähe. Der Band passt damit sehr gut ins Nachtprogramm von Schreiber und Leser, wo eigenständige, erwachsene Stoffe abseits langer Serien ihren Platz haben.

Gerade die Geschlossenheit der Erzählung verlangt aber auch meine ganze Aufmerksamkeit. Reale Namen, historische Ereignisse und erfundene Gespräche stehen dicht nebeneinander. Das kann den Eindruck erzeugen, hier werde erklärt, was hinter verschlossenen Türen tatsächlich gedacht und beschlossen wurde. Diesen Anspruch kann der Comic aber natürlich nicht einlösen. Er ist Fiktion, auch wenn ich dies beim Lesen an der einen oder anderen Stelle vergesse.

Baranow ist erfunden, seine private Biografie auch. Auch werden die Motive realer Personen literarisch zugespitzt. Für mich mindert das den Wert des Buches nicht. Es macht nur eine bestimmte Lesehaltung nötig. DER MAGIER IM KREML ist eine starke Veranschaulichung von Macht und wie sie funktioniert, aber das Album ist keine Dokumentation.

Russland in Violett, Grau und Eis

Zeichnerisch hat mich Jacamon überzeugt. Sein Realismus ist präzise, aber nicht fotografisch starr. Gesichter tragen die Szenen. Putin bekommt keinen dämonischen Ausdruck verpasst. Viel unangenehmer ist, wie wenig sein Gesicht oft preisgibt. Baranow wirkt beweglicher, neugieriger, manchmal fast charmant. Zwischen beiden entsteht dadurch schon optisch ein Machtgefälle.

Sehr stark sind die Räume. Weite Schneelandschaften, sowjetisch geprägte Städte, Büros, Fernsehstudios und repräsentative Innenräume erzählen mit. Russland wirkt groß, kalt und gleichzeitig doch erstaunlich eng. Sobald Baranow im Machtzentrum angekommen ist, scheint fast jede Begegnung in einem Raum stattzufinden, dessen Ordnung bereits feststeht.

Auch die Farben leisten viel. Jacamon arbeitet mit zurückgenommenen Tönen und wiederkehrenden rosa bis violetten Flächen, die manchen Seiten etwas Abendliches geben. Das ist schön, ohne hübsch sein zu wollen. Besonders die Schneeszenen profitieren davon. Weiß macht die Figuren klein und legt Stille über die Bilder.

Fazit

DER MAGIER IM KREML ist für mich eine sehr gelungene Literaturadaption und zugleich ein Comic, bei dem kritische Distanz zur erzählten Version der Geschichte wichtig bleibt. Am stärksten ist er dort, wo Macht nicht nur erklärt, sondern sichtbar gemacht wird und bei einem Mann, der glaubt, politische Wirklichkeit inszenieren zu können.

Nicht jede Nebenfigur bekommt ihren Platz und Baranows private Geschichte bleibt gegenüber dem politischen Teil etwas blass. Trotzdem trägt mich das Buch mühelos durch seine 144 Seiten. Jacamon hat aus einem stark sprachlich geprägten Roman einen eigenständigen Comic gemacht. Der liest sich spannend, sieht hervorragend aus und hinterlässt bei mir ein ziemlich (un)gutes Gefühl. Aber bei diesem Stoff ist genau das vermutlich das passendste Ergebnis.

• DER MAGIER IM KREML
• Luc Jacamon
• Hardcover | 144 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-96582-247-4
• Storyline:  ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Schreiber und Leser Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Philippe Bihouix und Vincent Perriot beginnen ihren Sachcomic RESSOURCEN genau hier. Nicht bei Lithium, Kupfer oder Recyclingquoten, sondern bei unseren Vorstellungen von Zukunft. Ihr Ausgangspunkt ist – unter anderem – eine Präsentation von Jeff Bezos aus dem Jahr 2019, in der der Amazon-Gründer riesige Weltraumhabitate als möglichen Lebensraum kommender Generationen vorstellt.

Bihouix und Perriot lernten sich ein Jahr später in Bordeaux kennen. Der eine beschäftigt sich seit Jahrzehnten als Ingenieur mit endlichen Rohstoffen und Low-Tech, der andere hatte mit NEGALYOD gerade eine große Science-Fiction-Welt geschaffen. Aus diesem Zusammentrreffen entstand eine reizvolle Frage: Was passiert, wenn ein Science-Fiction-Zeichner seine Zukunftsträume einem Ingenieur zeigt, der anschließend die Materialrechnung aufmacht?

Genau das tut RESSOURCEN. Und weil Bihouix nicht nur die spektakulären Raumfahrtpläne einiger Milliardäre anzweifelt, sondern praktisch unsere gesamte Vorstellung vom unbegrenzten, technischen Fortschritt, wird aus dieser Ausgangsidee schnell ein großer Rundgang durch Industriegeschichte, Ökonomie, Philosophie und Rohstoffkunde. Das ist faszinierend, stellenweise ziemlich anstrengend, aber stets informativ.

Die Ressource Zukunft

Los geht es im Jahr 3019 (ja, kein Schreibfehler). Die Menschheit hat den Weltraum erobert. Nicht ganz so, wie Elon Musk es sich vorgestellt hatte, denn der Mars sich dann doch als schwieriger erwiesen, als ursprünglich vermutet. Also leben Menschen inzwischen in gigantischen, ringförmigen Konstruktionen im Erdorbit. Sie drehen sich (die ringförmigen Konstruktionen) und erzeugen dadurch künstliche Schwerkraft. Das sieht beeindruckend aus. Vor allem sieht es nach jener Science-Fiction aus, die Vincent Perriot sehr gern zeichnet und die in Hollywood-Filmen ebenso gerne präsentiert wird. Dann meldet sich Philippe Bihouix zu Wort.

Er bezweifelt nicht nur Details dieser Zukunft. Er zweifelt daran, dass ihre materielle Grundlage überhaupt existiert. Wo kommen all die Metalle her? Wie viel Energie wäre nötig? Wie lange halten solche Anlagen? Wer repariert sie? Und was passiert mit dem Material anschließend?

Damit ist die Rollenverteilung zunächst klar. Perriot ist der enthusiastische Science-Fiction-Leser und Zeichner. Bihouix ist der Ingenieur, der ständig fragt, woraus das alles eigentlich gebaut werden soll. Daraus entwickelt sich eine Reise durch Zeit und Raum. Mal sitzen beide in futuristischen Fahrzeugen, mal stehen sie in vergangenen Jahrhunderten, mal landen sie bei Bergwerken, Industrieanlagen oder historischen Denkern.

Der Stoff wird durch diese Konstruktion zugänglich, gleichzeitig beginnt hier eines meiner Probleme mit dem Comic. Perriot übernimmt ziemlich lange die Rolle desjenigen, der Fragen stellt, damit Bihouix antworten kann. Natürlich ist das ein bewährtes Mittel für einen Sachcomic. Aber es bleibt ein Mittel. Die Gespräche wirken häufig aufgesetzt, mehr geschrieben als gesprochen. Ich höre zwei Figuren weniger miteinander reden, als dass ich einem Vortrag folge, der auf zwei Sprechblasen verteilt wurde.

Immerhin entwickelt sich Perriot weiter. Seine Fragen werden präziser, seine Einwände interessanter. Ganz abschütteln kann der Comic das Lehrer-Schüler-Gefälle trotzdem nicht.

Gibt es eine unerschöpfliche Schatzkammer?

Die erste große Etappe führt zu einer Denkweise, die Bihouix besonders misstrauisch betrachtet. Dahinter steckt die Vorstellung, technischer Fortschritt könne natürliche Grenzen immer wieder verschieben.

Der Comic reist dafür weit zurück. Roger Bacon, René Descartes und William Godwin tauchen ebenso auf wie spätere Zukunftsoptimisten. Ihnen werden Denker gegenübergestellt, die Grenzen des Wachstums oder der Ressourcennutzung thematisierten. Thomas Robert Malthus gehört dazu, ebenso William Stanley Jevons und schließlich die Autoren des 1972 veröffentlichten Berichts THE LIMITS TO GROWTH des Club of Rome.

Dabei entsteht eine Art Ideengeschichte unseres industriellen Verhältnisses zur Natur. Das gefällt mir grundsätzlich sehr gut. Bihouix zeigt nämlich, dass der heutige Streit über Wachstum, Technik und Rohstoffe keineswegs erst mit Elektroautos und Solaranlagen begonnen hat. Die Frage, ob menschlicher Erfindungsgeist materielle Grenzen überwinden kann, begleitet die Industriegesellschaft schon erstaunlich lange.

Nur wird diese historische Tour irgendwann etwas zu voll. Philosophen, Ökonomen, Schriftsteller oder Wissenschaftler: kaum ist eine Person eingeordnet, steht schon die nächste auf der Bildfläche. Platon, Francis Bacon, Descartes, Jevons, Jacques Ellul, Ivan Illich oder Pier Paolo Pasolini sorgen für ein beeindruckendes Line-Up. Einige Begegnungen bleiben aber kaum mehr als Kurzauftritte.

Hier – finde ich – hätte weniger tatsächlich mehr gebracht. Ich hätte lieber bei zwei oder drei Positionen länger verweilt, statt mit Lichtgeschwindigkeit durch eine ganze Geistesgeschichte zu rasen.

Noch problematischer empfinde ich die starke Zweiteilung. Auf der einen Seite stehen jene, die an technische Lösungen und weiteres Wachstum glauben. Auf der anderen jene, die physische Grenzen betonen. Natürlich werden innerhalb dieser Gruppen Unterschiede sichtbar. Trotzdem werden Gegenpositionen häufig vor allem eingeführt, damit Bihouix sie anschließend widerlegt. Ein echter Streit entsteht selten.

Was steckt eigentlich in unserer Welt?

Am stärksten wird der Comic für mich, sobald er die Philosophen verlässt und sich mit Dingen beschäftigt. Ein Smartphone ist dann kein handliches schwarzes Rechteck mehr. Eine Windkraftanlage ist nicht einfach eine Maschine, die sauberen Strom produziert. Ein Elektroauto besteht nicht bloß aus Batterie, Motor und Karosserie. Hinter all diesen Gegenständen erscheinen Bergwerke, Erze, Transportwege, Schmelzöfen, Energieverbrauch und Abfälle. Plötzlich bekommt der häufig verwendete Begriff der Dematerialisierung etwas ausgesprochen Komisches. Unser Alltag wirkt digital, seine technische Grundlage ist es nicht.

Bihouix führt in diesem Zusammenhang einen wichtigen Unterschied ein. Es reicht nicht zu fragen, wie viel eines Rohstoffs theoretisch in der Erdkruste vorhanden ist. Entscheidend ist, in welcher Konzentration er vorkommt und wie viel Energie nötig ist, ihn zu gewinnen. Ein gewaltiger Rohstoffbestand hilft wenig, wenn der betreffende Stoff so stark verteilt ist, dass seine Gewinnung irgendwann unverhältnismäßig aufwendig wird.

Perriot findet dafür starke Bilder. Minen wachsen zu gewaltigen Landschaftseingriffen. Maschinen erscheinen winzig gegenüber den Mengen an Erde und Gestein, die bewegt werden müssen. Ein besonders eindrücklicher Gedanke betrifft die Verbindung zwischen Energie und Metallen. Je schwieriger zugängliche Lagerstätten werden, desto mehr Energie kostet die Förderung. Gleichzeitig benötigt eine komplexer werdende Energieversorgung wiederum große Mengen unterschiedlicher Materialien. Ein Teufelskreis. Genau an solchen Stellen funktioniert der Sachcomic hervorragend. Eine abstrakte Abhängigkeit bekommt plötzlich Raum, Bewegung und Größenverhältnisse.

Auch das Konzept des Rebound-Effekts wird anschaulich dargestellt. Effizientere Technik senkt nicht zwangsläufig den gesamten Ressourcenverbrauch, wenn niedrigere Kosten oder bequemere Nutzung anschließend zu noch mehr Konsum führen. Fortschritt bedeutet unter diesen Bedingungen nicht automatisch weniger Material. Er kann ebenso zusätzlichen Verbrauch ermöglichen. Das klingt trocken. Auf den Seiten ist es das erstaunlich selten.

Recycling ist keine Zaubermaschine

Irgendwann landet die Reise zwangsläufig beim Recycling. Und hier wird RESSOURCEN besonders unbequem. Denn selbstverständlich kennen Bihouix und Perriot die beruhigende Antwort auf viele Rohstoffprobleme. Wir müssen eben besser recyceln. Doch so einfach ist es nicht.

Moderne Produkte enthalten zahlreiche Materialien in winzigen Mengen. Metalle werden miteinander verbunden, beschichtet, verklebt oder in komplizierten Bauteilen verarbeitet. Je kleiner und komplexer die Bestandteile werden, desto schwieriger wird ihre saubere Trennung. Recycling benötigt zudem selbst Energie und Technik. Materialverluste verschwinden dadurch nicht vollständig.

Der Comic macht daraus allerdings keine pauschale Abrechnung mit der Kreislaufwirtschaft. Recycling bleibt notwendig. Bihouix verschiebt lediglich die Reihenfolge der Fragen. Bevor darüber gesprochen wird, wie ein Produkt wiederverwertet werden kann, sollte gefragt werden, weshalb es überhaupt hergestellt wird, wie lange es hält und ob tatsächlich jedes technische Bedürfnis mit einem neuen Gerät beantwortet werden muss.

Mich überzeugt dieser Teil besonders, weil hier aus der Diagnose langsam eine Haltung entsteht: Es gilt Produkte länger zu nutzen, Reparierbarkeit zu erhöhen, Dinge gemeinsam zu verwenden und materialintensive Technik dort einsetzen, wo ihr Nutzen entsprechend groß ist. Oder anders: Weniger verschwenden! Das klingt geradezu banal. Vielleicht ist genau das der Punkt.

Trotzdem bekommt der Comic an dieser Stelle erneut ein dramaturgisches Problem. Nach all den ausführlichen Erklärungen über Rohstoffgehalte, Energieaufwendungen, Wachstum und Recycling bleibt für die gesellschaftlichen Konsequenzen vergleichsweise wenig Platz. Technisch lässt sich ziemlich leicht sagen, dass weniger verbraucht werden sollte. Politisch wird es sofort kompliziert.

Wer verbraucht weniger? Wer darf weiter wachsen? Was geschieht mit Arbeitsplätzen? Welche Unterschiede zwischen wohlhabenden und ärmeren Ländern müssen berücksichtigt werden? Wer bestimmt, welche Technik sinnvoll ist? Der Comic streift solche Fragen durchaus. Nur reicht das nicht. Gerade dort, wo aus einer technisch überzeugenden Diagnose eine gesellschaftliche Entscheidung entstehen sollte, wird RESSOURCEN erstaunlich schmallippig und positioniert sich nicht.

Wenn ein Sachcomic zu viel zeigen will

Die größte Stärke von RESSOURCEN ist gleichzeitig seine größte Schwäche. Dieser Comic hat unglaublich viel zu erzählen. Und er erzählt fast alles.

Bihouix möchte Geschichte erklären, Wachstumsmodelle, Rohstoffgeologie, Energieversorgung, Recycling, Konsum, Technikphilosophie, gesellschaftliche Werte und mögliche Auswege. Perriot wiederum möchte aus all dem echte Comicbilder machen.

Über weite Strecken gelingt dieses Kunststück überraschend gut. Trotzdem bleiben Seiten, auf denen ich merke, wie schwer die Informationsmenge auf dem Rhythmus liegt. Textkästen und Sprechblasen drängen sich. Ein Gedanke jagt den nächsten. Gerade wenn historische Namen, Zahlen und technische Begriffe zusammenkommen, muss ich langsamer lesen, als es Perriot mit seinen beweglichen Bildern eigentlich nahelegt.

Das ist kein grundsätzliches Problem bei einem Sachcomic. Ich möchte ja etwas lernen. Aber zwischen Lernen und Lesen besteht eben doch ein Unterschied. Hier hätte eine entschiedenere Auswahl geholfen.

Auch die beiden Hauptfiguren bleiben funktionaler, als mir lieb ist. Philippe ist Experte, Vincent ist Gesprächspartner. Persönliche Zweifel, Irritationen oder echte Veränderungen spielen nur begrenzt eine Rolle. Dadurch fehlt der Reise etwas, das andere dokumentarische Comics sehr stark machen können. Wissen verändert dort Figuren. Hier verändert es hauptsächlich den Stand des Gesprächs. RESSOURCEN ist deshalb eher gezeichneter Essay als erzählte Reportage.

Wo Perriot den Vortrag rettet

Zum Glück sitzt Vincent Perriot nicht nur als fragender Comiczeichner innerhalb der Geschichte. Außerhalb dieser Rolle bekommt er erheblich mehr zu tun. Seine Erfahrung mit Science-Fiction ist für dieses Buch Gold wert. Perriot kann futuristische Maschinen, historische Städte, Bergwerke, Landschaften und industrielle Anlagen mit derselben Selbstverständlichkeit zeichnen. Perspektiven dürfen sich strecken. Fahrzeuge schießen durch die Seiten. Orte wechseln innerhalb weniger Panels. Eine theoretische Diskussion kann plötzlich im Weltall, in einer Mine oder mitten in einem historischen Szenario stattfinden.

Die Seitenarchitektur bleibt erstaunlich flexibel. Klassische Panelreihen wechseln mit großen Bildern und erklärenden Schaubildern. Perriot nutzt diese Freiheit nicht bloß dekorativ. Sie bestimmt das Tempo. Wo Größenordnungen wichtig werden, bekommen Bilder Platz. Wo Argumente aufeinander folgen, zieht sich das Raster enger zusammen.

Die Farbgestaltung stammt von Maëlys Cantreau. Ihre Palette unterstützt besonders gut den Wechsel zwischen Technikbegeisterung und materieller Ernüchterung. Kühle Blauwerte tragen viele futuristische Szenen. Erdige Orange-, Braun- und Grautöne holen den Blick wieder in Minen, Industriegebiete und Landschaften zurück. Dadurch bekommt das Buch trotz seiner zahlreichen Schauplätze einen erstaunlich geschlossenen Eindruck.

Zwei Autoren, zwei Blickrichtungen

Wie bereits erwähnt, kommt Philippe Bihouix nicht aus der Comicbranche. Er studierte an der École Centrale Paris und arbeitete anschließend in verschiedenen Industriezweigen, darunter Bau, Energie, Verkehr und Luftfahrt. Seit vielen Jahren beschäftigt er sich mit nicht erneuerbaren Rohstoffen und mit technischen Lösungen, die weniger Material und Energie benötigen. Heute ist Bihouix Generaldirektor der Architektur- und Planungsgesellschaft AREP.

Interessant ist gerade diese Herkunft. Seine Skepsis gegenüber großen technischen Versprechen kommt nicht aus einer grundsätzlichen Ablehnung von Technik. Sie kommt aus der Beschäftigung mit ihrer materiellen Grundlage. Genau deshalb besitzt der Comic an seinen besten Stellen eine erfreuliche Bodenhaftung.

Vincent Perriot studierte an der Kunsthochschule von Angoulême und veröffentlichte zunächst kleinere Arbeiten, bevor unter anderem TAÏGA ROUGE entstand. Später arbeitete er am Animationsfilm DIE KATZE DES RABBINERS mit. Seine bekannteste Arbeit dürfte die Science-Fiction-Serie NEGALYOD sein. Dort zeigt sich bereits seine Freude an riesigen Landschaften, Maschinen und eigenwilligen Zukunftswelten. Für diesen Sachcomic ist auch das eine ideale Voraussetzung. Perriot soll schließlich nicht nur erklären, wie unsere materielle Welt funktioniert. Er darf zugleich jene Zukunft zeichnen, an deren Realisierbarkeit sein Mitautor zweifelt.

Fazit

Nach RESSOURCEN schaue ich anders auf Dinge und halte das für ein ziemlich großes Kompliment an einen Sachcomic. Ein Smartphone wird wieder zu Metall, Glas, Energie und Arbeit. Ein Elektroauto verliert einen Teil seiner sauberen Zukunftsaura und wird zunächst zu einer sehr großen Maschine, die gebaut werden muss. Selbst Science-Fiction bekommt plötzlich eine Materialrechnung.

Nicht alles überzeugt mich gleichermaßen. Der Comic will viel, möglicherweise zu viel, seine Gespräche geraten häufig zum verkleideten Vortrag und gesellschaftliche Konflikte werden deutlich knapper behandelt als technische Zusammenhänge. Auch die Rollen von Bihouix und Perriot könnten erzählerisch lebendiger sein.

Doch gerade dort, wo Perriot abstrakte Größen sichtbar macht und Bihouix hinter vertrauten Alltagsgegenständen deren materielle Voraussetzungen freilegt, funktioniert das Buch ausgezeichnet.

Wer einen spannenden Comic im klassischen Sinn erwartet, dürfte die Informationsdichte gelegentlich mühsam finden. Wer wissen möchte, was hinter unseren großen Versprechen von Wachstum, Digitalisierung und technischer Zukunft steckt, bekommt dagegen reichlich Stoff zum Weiterdenken.

• RESSOURCEN
• Philippe Bihouix und Vincent Perriot
• Hardcover | 176 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-98721-393-9
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Carlsen Comics
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Brett Bean trug die Idee offenbar eine ganze Weile mit sich herum, bevor er im Sommer 2025 erstmals das Cover präsentierte. Den kleinen Schubs in Richtung Öffentlichkeit gab ihm ausgerechnet Nate Piekos, der später das Lettering übernahm und der uns schon als Vater des Letterer-Appreciation-Day bekannt ist. Bean hatte bis dahin nicht nur an der Geschichte gefeilt. Gemeinsam mit Kolorist Jean-François Beaulieu suchte er nach einer Bilderwelt, in der knalliger Spaß, blutiges Durcheinander und echte Gefühle nebeneinander bestehen können.

Ein paar Monate später wurde aus dem Herzensprojekt eine fortlaufende Serie. Das erste Heft erschien im Februar 2026. Der frisch erschienene Band mit dem Titel (bitte mit sehr tiefer Stimme lesen:) THE BOOK OF CERTAIN DOOM ( … und mit normaler Stimme weiterlesen. Danke) sammelt die ersten fünf Ausgaben und erzählt damit einen vollständigen Auftaktbogen.

Das klingt zunächst nach einer recht gewöhnlichen Veröffentlichungsgeschichte. Beim Lesen zeigt sich dann aber schnell, wie persönlich Bean diese Welt genommen hat. Er schreibt, zeichnet und entwirft ihre Figuren selbst. Jeder alberne Ortsname, jedes schiefe Monster und jede Grimasse scheint aus derselben überschäumenden Fantasie zu stammen.

Wenn BONE auf einen schlecht gelaunten Orc trifft

Natürlich musste ich beim Lesen sofort an BONE von Jeff Smith denken. Auch dort geraten kleine, rundlich gezeichnete Figuren in ein Fantasy-Abenteuer, das zuerst niedlich wirkt, dann jedoch bald erstaunlich große Gefahren auffährt. D’ORC besitzt außerdem etwas von der wilden Energie aus I HATE FAIRYLAND, an dem Jean-Francois Beaulieu schon als Zeichner beteiligt war. Trotzdem wirkt die Serie nicht wie eine Mischung aus bekannten Zutaten.

Ihr eigener Tonfall entsteht durch die Hauptfigur. Unser junger Held ist halb Zwerg (eng. Dwarf, mit führendem „D“) und halb Orc – also D’Orc. Keine Seite möchte ihn wirklich haben. Beide Seiten halten ihn außerdem für den angekündigten Zerstörer ihrer Welt Sunderaine. Und hinter all den Schlägereien, Wortspielen und platzenden Monstern steckt eine Geschichte über einen Außenseiter, der nicht einmal einen richtigen Namen besitzt. Das ist einerseits sehr komisch, andererseits aber nie nur ein Witz.

Ein Halb-Zwerg im Niemandsland

Sunderaine wird seit tausend Jahren von einem Krieg zwischen dem Licht und der Dunkelheit verwüstet. Die beiden Lager haben sich so lange bekämpft, dass niemand mehr ernsthaft über den Ursprung des Konflikts nachzudenken scheint. Jede Seite hält sich für rechtschaffen, beide richten beträchtlichen Schaden an.

Zwischen ihren Gebieten liegt die „Scar“ (eng. für „die Narbe“ .. gern geschehen!). Dort lebt seit rund zwanzig Jahren besagter namenloser Halb-Zwerg und Halb-Orc. Er hält sich verborgen, meidet größere Gruppen und versucht vor allem, keinen Ärger zu bekommen. Sein engster Begleiter, ein sprechender Schild, macht dieses nachvollziehbare Vorhaben allerdings nicht gerade leichter. Der verzauberte Schild besitzt auf der Aussenseite ein riesiges Auge, ein ausgesprochen loses Mundwerk und eine beinahe rührende Begeisterung für ausufernde Gewalt.

Als Soldaten beider Kriegsparteien den jungen Außenseiter entdecken, erkennen sie in ihm die Gestalt aus einer alten Prophezeiung. Die Bezeichnung aus Zwerg und Orc wird dabei kurzerhand zu seinem Namen erklärt. Sein Einwand, das sei nicht sein Name, verhallt. Für eine kurze Weile scheint er sogar das Unmögliche geschafft zu haben. Licht und Dunkelheit arbeiten einmal zusammen. Leider besteht ihr gemeinsames Ziel darin, ihn umzubringen.

Orc-Beine auf der Flucht

Der vermeintliche Weltenvernichter entkommt nur knapp und sucht Zuflucht in einer Schenke. Viel Ruhe findet er dort allerdings nicht. Der Gastwirt, ein sprechendes Huhn, wird von einigen Gästen drangsaliert. D’Orc greift ein, obwohl er sich eigentlich aus jeder Auseinandersetzung heraushalten möchte.

Was als Rettungsaktion beginnt, endet mit einem fliegenden Schild und einem kopflosen Huhn. Ganz verschwunden bleibt das Tier allerdings nicht. Wir kennen das: kopflose Hühner rennen manchmal noch ein wenig herum. Seine geisterhafte Hälfte bleibt also erhalten, weil der Begleiter des Helden eben kein gewöhnlicher Schutzschild ist. Wie ich erfahre, handelt es sich um einen Todesschild, der Seelen an sich binden kann.

Damit steht auch die kleine Reisegruppe fest, die mich nun durch die einzelnen Ausgaben begleiten wird. Ein namenloser Halb-Zwerg läuft vor einer Prophezeiung davon, ein Schild auf dem Rücken, der jede Unterhaltung am liebsten mit einem tödlichen Schlag beenden möchte und zu diesem Duo gesellt sich der Geist eines Huhns, dessen unerschütterliche Neugier kaum zur Übersicht beiträgt.

Die Grundidee könnte leicht in einer Reihe lose verbundener Gags versanden. Bean setzt narrativ jedoch früh einen klaren Antrieb: Die Mächte des Lichts und der Dunkelheit schicken ihre jeweiligen Jäger los und D’Orc muss herausfinden, was hinter der Prophezeiung steckt. Vor allem möchte er wissen, weshalb ausgerechnet er darin auftaucht.

Kinder mit gestohlener Zwergenzeit

Die nächste Station führt die Gruppe zu Kindern, die mit leuchtenden Klingen Lebenszeit rauben. Jeder Treffer lässt D’Orc sichtbar altern. Sein Gesicht wird faltiger, der Rücken krümmt sich und die Bewegungen verlieren ihre Leichtigkeit. Bean macht den Zauber sofort verständlich, ohne ihn lange erklären zu müssen.

Hinter dem Einfall steckt mehr als eine gute Kampfszene. Die jungen Diebe sind Waisen des ewigen Krieges. Ein Herr der Zeit hat sie für seine Zwecke eingespannt. Für den Helden wird die Begegnung damit unangenehm persönlich. Auch er wuchs ohne Eltern auf, auch sein Leben wird von Erwachsenen und alten Erzählungen bestimmt, die ihm eine Rolle aufzwingen.

Der Schild schlägt – natürlich – eine schnelle und blutige Lösung vor, das Geisterhuhn stellt Fragen, die selten zum passenden Zeitpunkt kommen und D’Orc entscheidet sich trotzdem gegen den einfachen Weg, denn er erkennt, dass die Kinder gefährlich sind, aber selbst ausgenutzt werden.

Und schon zeigt die Serie erstmals ihr warmes Herz. Der Comic macht sich über Monster, Zauberer und großspurige Heldensprüche lustig. Über Verlassene und Einsame lacht er nicht. Bean lässt seinen Helden handeln, statt ihm eine lange Rede zu geben. Er hilft den Kindern, obwohl sie ihm gerade einen beträchtlichen Teil seines Lebens gestohlen haben.

Ein Orc sucht eine Familie

Aus dieser Entscheidung wächst langsam eine Gemeinschaft. Das Geisterhuhn ist bald mehr als die Pointe einer missglückten Rettung. Es nimmt Anteil, fragt nach und bleibt. Selbst der Todesschild zeigt unter seiner Freude am Gemetzel erste Spuren von Treue. D’Orc braucht diese Begleiter. Er sehnt sich nach Nähe, rechnet aber ständig mit Ablehnung. Seine Herkunft hat ihn vorsichtig gemacht. Zugleich besitzt er ein so starkes Bedürfnis zu helfen, dass er immer wieder in Schwierigkeiten gerät.

Ich mochte besonders, dass Bean diese Güte nicht mit Unschuld verwechselt. Sein Held trägt einen gewaltigen Zorn in sich. Wenn er die Kontrolle verliert, kann er erschreckend brutal werden. Danach empfindet er innerlich eine gewisse Scham. Die Gewalt löst Probleme, aber sie macht ihn nicht stolz.

So bleibt die Figur auch zwischen all dem Klamauk glaubwürdig. D’Orc ist kein pussierliches Maskottchen, das zufällig durch eine gefährliche Welt stolpert. Er trifft Entscheidungen. Manche sind mutig, andere ungeschickt, fast alle zeigen aber, wie sehr er sich danach sehnt, selbst bestimmen zu dürfen, wer er ist.

Ein Zwergenhammer voller Vorurteile

Mit Gloinspear tritt ein Gegner auf, der äußerlich wie ein klassischer Zwergenheld wirkt. Er trägt einen mächtigen Hammer, folgt einem klaren Auftrag und marschiert mit großer Entschlossenheit durch die Panels. Das Reich des Lichts hat ihn ausgesandt, um den vermeintlichen Weltenvernichter aus dem Weg zu räumen.

Bean dreht dieses vertraute Bild genüsslich um. Gloinspear hinterlässt keine dankbaren Dörfer. Er verbreitet Angst, zerstört was ihm in die Quere kommt und behandelt jede Spur von Freundlichkeit als Täuschung. Hinweise darauf, dass der Gejagte anderen geholfen hat, bringen ihn nicht zum Nachdenken. Sie machen ihn nur wütender.

Beim Aufeinandertreffen versucht D’Orc zunächst eine lächerliche Verkleidung. Der Schwindel hält erwartungsgemäß nicht lange. Der folgende Kampf ist schnell, brutal und deutlich ernster als viele der vorherigen Prügeleien. Gloinspear besitzt Erfahrung, körperliche Kraft und eine magische Flüssigkeit, die ein Wesen vollständig auslöschen kann.

Der Held überlebt nicht, weil er plötzlich stärker wäre. Er setzt auf Bewegung, Einfallsreichtum und eine gute Portion Glück. Das passt zu seiner bisherigen Entwicklung. Seine größte Stärke liegt nicht im Kampf. Sie zeigt sich in seiner Weigerung, das Bild anzunehmen, das andere von ihm haben.

Zwei Goblinlager und kein Gedanke zu viel

Später gerät die Gruppe zwischen zwei verfeindete Goblinlager. Beide Seiten wollen einen riesigen dreiköpfigen Thrawg töten. Gemeinsam hätten sie eine echte Chance. Stattdessen verbringen sie ihre Zeit damit, sich gegenseitig anzuschreien und anzugreifen.

Die fast gleich klingenden Namen ihrer Anführer machen den Konflikt dabei noch absurder. Der große Krieg schrumpft plötzlich auf die Größe eines entgleisten Familienstreits. Beide Seiten ähneln sich so stark, dass ihre Feindschaft noch lächerlicher wirkt.

D’Orc versucht zuerst zu reden. Diese Veränderung fällt nicht groß aus und zeigt sich in kleinen Entscheidungen. Er sucht nach einer Lösung, bei der niemand sterben muss. Gleichzeitig gesteht er dem Schild, wie sehr ihn sein eigener Zorn beunruhigt.

Ausgerechnet der kampflustige Begleiter antwortet mit ehrlichem Zuspruch. Der Moment ist kurz, verändert die Beziehung der beiden aber positiv. Der Schild bleibt laut, frech und gefährlich. Und trotzdem ist er inzwischen jemand, dem D’Orc seine Angst anvertraut.

Ein nackter Orc vor der Knochenhexe

Das fünfte und letzte Kapitel beginnt mit einem herrlich albernen Bild. Der Held ist nass, nackt und auf der Flucht vor Stadtwachen. Schutz sucht er ausgerechnet bei der Wahrsagerin Madam Morrigan. Dort hofft er endlich auf Antworten zur Prophezeiung und zu seiner Herkunft.

Madam Morrigan lässt ihn erzählen, obwohl sie deutlich mehr weiß, als sie zugibt. Ein Rückblick berichtet von einem Bad, wachsendem Chaos und einem verschwundenen Lavadrachen. Bean hält den Ton leicht, rückt aber erstmals die Vergangenheit von D’Orc ins Zentrum.

Bald zeigt sich, dass Madam Morrigan selbst eine Knochenhexe ist. Sie kennt Gloinspear, weiß um die magische Flüssigkeit und verfolgt eigene Ziele. Der erste Bogen endet deshalb erst einmal nicht mit einer bequemen Lösung. Stattdessen öffnet sich die Geschichte weiter.

Ich finde, das funktioniert als Abschluss des Auftaktbandes sehr gut. Die einzelnen Hefte bieten jeweils ein überschaubares Abenteuer, zugleich sammeln sich Fragen zu Geburt, Prophezeiung und Todesschild an. D’ORC liefert damit genug, um zufrieden zu sein und hält genug zurück, um neugierig zu bleiben.

Lichtzwerge sind nicht automatisch die Guten

Die Welt von Sunderaine kennt klare Lager: Licht steht gegen Dunkelheit, Zwerge kämpfen gegen Orcs und Helden verfolgen Monster. Bean stellt diese bekannte Fantasy-Ordnung von Beginn an auf den Kopf. Schon die Hauptfigur widerspricht ihr durch ihre bloße Existenz.

Der Comic erklärt diese Idee nicht in langen Gesprächen, er zeigt sie. Soldaten des Lichts handeln grausam, Kinder werden zu Dieben, weil Erwachsene ihren Verlust ausnutzen und Goblins führen einen Krieg, dessen Gründe kaum noch jemand versteht. D’Orc dagegen trägt sowohl Güte als auch gefährliche Wut in sich.

Besonders gelungen finde ich, dass keine Eigenschaft seine ganze Persönlichkeit bestimmt. Seine Herkunft macht ihn weder edel noch böse. Auch die Prophezeiung sagt noch nichts darüber aus, welche Entscheidungen er treffen wird. Darin liegt das erzählerische Herz der Serie. Der Held möchte nicht beweisen, dass alle anderen ihn falsch eingeschätzt haben. Er versucht zunächst überhaupt herauszufinden, wer er ohne ihre Urteile sein könnte!

Fünf Abenteuer aus der Orc-Spielrunde

Formal erinnert der Sammel-Band an eine sehr gute Rollenspielrunde. Jede Station bringt eigene Regeln, Gegner und komische Einfälle mit. Mal geht es um gestohlene Lebenszeit, mal wartet ein fanatischer Zwerg. Später geraten Goblins und ein dreiköpfiges Monster aneinander.

Trotzdem wirkt der Band nicht wie eine lose Sammlung, die Richtung bleibt deutlich: Aus der Flucht wird eine Suche, aus zufälligen Begleitern entsteht eine kleine Gemeinschaft und die Prophezeiung verändert sich von einer Bedrohung zu einem Rätsel, dem sich der Held stellen möchte.

Gelegentlich setzt Bean einen Gag zuviel oben drauf, obwohl die Szene bereits funktioniert. Sei’s d’rum! Insgesamt findet er aber erstaunlich sicher die Balance zwischen Klamauk, Action und Gefühl.

Große Orc-Augen und kurze Zwergenbeine

Brett Bean’s Zeichnungen tragen diesen Comic. Seine Figuren besitzen klare Umrisse, große Augen und stark überzeichnete Körper. Jede Stimmung wird sofort sichtbar. D’Orc kann innerhalb weniger Panels trotzig, verschreckt, wütend und peinlich berührt wirken. Besonders sein Gesicht bleibt mir im Gedächtnis. Die Kapuze rahmt es fast wie eine kleine Bühne. Bean braucht oft nur einen schiefen Mund oder einen verunsicherten Blick, um einen Witz vorzubereiten. Bei ernsteren Momenten nimmt er die Übertreibung zurück, ohne den Stil zu wechseln.

Auch die Nebenfiguren erhalten schnell einen eigenen Auftritt. Gloinspear bewegt sich schwer und zielgerichtet. Die Goblins wirken hektisch und streitlustig. Das Geisterhuhn besitzt trotz seines einfachen Entwurfs eine erstaunliche Ausdruckskraft. All das erinnert mich stark an das bereits erwähnte BONE.

Wenn der Orc durch die Panels fliegt

Die Actionszenen bleiben selbst im größten Durcheinander gut lesbar. Bean setzt eindeutige Bewegungsrichtungen. Figuren fliegen durch Bilder, Waffen schlagen ein und Körper purzeln übereinander. Trotzdem verliere ich selten den Überblick. Große Panels geben Monstern und magischen Effekten den nötigen Platz. Engere Bildfolgen beschleunigen Fluchten, Schläge und Wortwechsel. Häufig baut Bean eine Pointe über mehrere Bilder auf. Das letzte Panel setzt dann den sichtbaren Treffer.

Seine Erfahrung aus Animation, Film, Spielen und Figurengestaltung ist deutlich zu spüren. Bewegungen besitzen Schwung. Silhouetten bleiben auch aus der Entfernung erkennbar. Selbst kleine Gesten erzählen etwas über die Figuren. Das ist wichtig, weil der Comic sehr viel Tempo besitzt. Eine weniger klare Zeichnung würde das Lesen anstrengend machen. Bean behält dagegen die Ordnung, auch wenn seine Figuren sie vollständig verlieren.

Orcgrün, Geisterblau und Zwergenfeuer

Jean-François Beaulieu hält die wilde Bildwelt mit seinen Farben zusammen. Das Grün und Gelb des Helden hebt ihn deutlich von fast jeder Umgebung ab. Das Geisterhuhn leuchtet in einem kühlen, blassen Blau. Magie erhält häufig giftige Türkis- und Violetttöne.

Sobald Kämpfe eskalieren, kippen die Hintergründe in kräftiges Orange und Rot. Die Farbe beschreibt deshalb nicht nur Orte oder Tageszeiten. Sie bestimmt auch, wie laut sich eine Szene anfühlt. Ruhige Momente werden sichtbar gedämpft. Dann dürfen Mimik und Körperhaltung stärker wirken. In den großen Actionszenen ziehen die Farben das Tempo wieder an. Beaulieu unterstützt Bean’s Zeichnungen, ohne sie zuzudecken.

Währenddessen sorgt Nate Piekos‘ im Lettering dafür, dass die unterschiedlichen Stimmen auseinanderzuhalten sind. Schild, Huhn, Erzähler und übrige Figuren besitzen jeweils eine eigene Klangfarbe. Geräuschwörter werden Teil der Bewegung. Gerade in vollen Szenen hält das die Seite übersichtlich.

Fazit

D’ORC ist laut, albern, blutig und deutlich herzlicher, als das erste Gemetzel vermuten lässt. Brett Bean erzählt von einem Außenseiter, ohne die Geschichte in Schwermut zu ziehen. Stattdessen verbindet er eine wilde Fantasykomödie mit einer Figur, deren Güte sie immer wieder Kraft kostet.

Nicht jede Pointe sitzt gleich gut. Ja, manche Szenen dürften etwas früher enden. Trotzdem bin ich mit dieser seltsamen Reisegruppe gerne auf den Strassen der Scar unterwegs. Der Auftakt bietet ein vollständiges Abenteuer und breitet zugleich eine große Welt vor mir aus. Vor allem besitzt er einen Helden, der weder Zwerg noch Orc genug sein darf. Gerade deshalb möchte ich unbedingt erfahren, wer er im Laufe der Serie einmal werden wird. Eine ganz klare Empfehlung meinerseits! In diesem Jahr sind die Geschichten rund um den D’Orc (noch) nicht für die Eisner Awards nominiert, aber ich glaube fest daran, dass sie 2027 gelistet sein werden …

Ach ja, zum Schluss noch ein Aufruf an die deutschen Verlage: nehmt diesen Comic um Himmels Willen in Euer Programm auf!

• D’ORC: The Book of Certain Doom
• Brett Bean, Jean-Francois Beaulieu und Nate Piekos
• Softcover | 128 Seiten | Farbe
• ISBN 978-1-53433-152-5
• Storyline:  ★★★★★
• Zeichnungen: ★★★★★
• Farben: ★★★★★
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★★★☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★★
• © Image Comics Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Eigentlich passiert in diesem Buch gar nicht so viel. Jedenfalls nicht in dem Sinn, dass Autos explodieren, Familiengeheimnisse ganzer Dynastien erschüttert werden oder am Ende die Welt gerettet wird. Bei Bianca Bagnarellis Geschichten genügt oft … sagen wir: eine Bank oder … eine Haustür. Jemand klingelt, draußen steht ein Mädchen und bittet um Hilfe. Drinnen sitzt ein Paar, das nun entscheiden muss, ob es dieser Fremden glaubt und genau diese Hilfe gewährt. Schon ist alles da. Unsicherheit, Angst, Misstrauen und diese unangenehme Frage, wie ich wohl selbst in der geschilderten Situation reagieren würde.

Das ist typisch für KREATUREN. Der Band versammelt 13 Kurzgeschichten, die über ungefähr zehn Jahre entstanden sind. Bagnarelli hat dafür nicht einfach alles zusammengesucht, was noch in irgendwelchen Schubladen lag. Sie ließ ältere Arbeiten weg, mit denen sie sich heute nicht mehr wohlfühlt und ordnete die übrigen Geschichten auch nicht streng nach ihrem Entstehungsdatum. Abergläubisch scheint Bagnarelli trotz ihrer italienischen Herkunft jedenfalls nicht zu sein.

Dreizehn kleine Geschichten, die keinem großen Heldenbogen folgen und die sich trotzdem recht geschlossen lesen lassen. Gleichzeitig kann ich verfolgen, wie sich Bagnarellis Zeichenkünste und ihr Erzählen entwickeln. Interessant, denn hier habe ich keine Künstlerin vor mir, die schon auf Seite eins fertig ausgebildet aus dem Ei geschlüpft ist. Ich sehe eine Künstlerin, die sich noch ausprobiert, die kürzt, sicherer wird.

Alltag heißt auch, jemandem nicht zu glauben

Die erste Geschichte zeigt ziemlich gut, worauf ich mich einstellen darf. Ein Paar verbringt seine Freizeit auf dem Land. Dann taucht an der Tür dieses Mädchen auf. Sie erzählt von einem Wolf und bittet um Hilfe. Eigentlich könnte die Sache schnell erledigt sein: Tür auf, zuhören, helfen, Tür zu. Aber so funktionieren Menschen nun einmal selten. Das Paar beginnt zu zweifeln. Vielleicht stimmt etwas an der Geschichte nicht? Vielleicht bringt man sich gerade selbst in Gefahr, weil die Tür geöffnet wird?

Ich fand das sofort … unangenehm. Nicht, weil Bagnarelli daraus einen Thriller macht. Genau das tut sie nämlich nicht. Es gibt keine Titelmusik vom „Weißen Hai“, die in meinem Kopf immer lauter wird, keinen großen Schockmoment und auch keinen Bösewicht, der hinter dem nächsten Baum hervorspringt. Stattdessen beobachte ich zwei Menschen dabei, wie sie sich ihre Vorsicht langsam selbst erklären. Und da wird es interessant. Denn irgendwann geht es gar nicht mehr um den Wolf. Es geht darum, wie schnell Hilfsbereitschaft verschwindet, sobald die eigene, verquaste Angst eine halbwegs vernünftige Begründung erhält.

Erkennnis beginnt manchmal im Klassenzimmer

Auch danach bleibt Bagnarelli bei solch kleinen Situationen. Eine ehemalige Schülerin erinnert sich an ihre Philosophielehrerin. Als Jugendliche sah sie in ihr vor allem eine strenge, unangenehme Frau. Jahre später, aus einem erfahreneren Blickwinkel, sieht dieselbe Erinnerung plötzlich anders aus. Das kennt wahrscheinlich jeder. Menschen, über die ich mir mit siebzehn ein felsenfestes Urteil gebildet habe, wirken mit zeitlichem Abstand plötzlich komplizierter, manchmal sogar verständlicher.

Bagnarelli macht daraus zum Glück keine Geschichte über die große Weisheit des Älterwerdens. Sie interessiert sich eher dafür, wie wenig wir voneinander wissen, obwohl wir ständig glauben, längst Bescheid zu wissen. „Be curious, not judgemental“ wie Walt Whitman (vielleicht) – Ted Lasso aber auf jeden Fall – einmal gesagt hat. Diese Weisheit zieht sich für mich durch das ganze Buch.

Leben und Tot

Eine der älteren Geschichten heißt FISH (dt. FISCHE). Sie fällt ein wenig aus dem Rahmen, weil sie erzählerisch noch deutlich auf einen bestimmten Punkt hinsteuert.

Im Mittelpunkt steht Milo, zwölf Jahre alt. Seine Eltern sind bei einem Unfall gestorben. Seitdem kreisen seine Gedanken immer wieder um Tod, Verletzungen und Vergänglichkeit. Ein toter Vogel oder ein verwesendes Tier bekommt für ihn eine Bedeutung, die Erwachsene wahrscheinlich sofort wegwischen würden.

Dann wird ein vermisstes Mädchen tot aufgefunden. Milo glaubt, dass ihm die Begegnung mit diesem Tod vielleicht helfen könnte, den Tod der eigenen Eltern zu begreifen. Das ist harter Tobak.

Bagnarelli erzählt ihn erstaunlich ruhig. Kein großes Schluchzen, keine aufdringlichen Tränenbilder. Gerade deshalb kommt mir Milo nahe. Kinder denken schließlich nicht automatisch so, wie Erwachsene sich kindliche Trauer vorstellen. Milo sucht etwas sehr Konkretes. Er will verstehen, was der Tod eigentlich bedeutet.

FISH gefällt mir, aber ich merke hier stärker als in den späteren Geschichten, dass Bagnarelli mich zu einem bestimmten Gefühl führen möchte. Das Ende sitzt ziemlich genau dort, wo es sitzen soll. Bei ihren neueren Arbeiten vertraut sie häufiger darauf, mich einfach stehenzulassen. Ist das fair? Ich frage mich, warum erzählt sie mir ihre Geschichte, ihre Sicht auf die Dinge nicht zu Ende?

Alltag nach der Pandemie

Besonders hängen geblieben ist mir Miriam. Die Geschichte spielt während der Covid-Zeit. Eine junge Frau geht feiern. Im Club liegen Masken herum, Körper kommen sich wieder nahe, und für ein paar Stunden scheint dieses seltsame Leben mit Regeln, Abstand und Vorsicht draußen zu bleiben. Später sitzt Miriam im Bus. Die Masken sind zurück. Der Alltag hat sie wieder.

Das Interessante daran ist die Entstehung. Die Grundidee schrieb Bagnarelli bereits 2015. Damals plante sie eine größere Geschichte über eine Epidemie, führte das Projekt aber nicht zu Ende. Jahre später wurde etwas, das einmal erfunden war, plötzlich ziemlich real. Sie griff die Geschichte wieder auf und passte sie an die tatsächliche Pandemie an.

Ich finde das fast ein bisschen unheimlich. Gleichzeitig passt es wunderbar zu dem Band. Bagnarelli erzählt immer wieder davon, wie schnell etwas Vertrautes fremd werden kann. Eine Straße bleibt dieselbe Straße, ein Bus bleibt ein Bus. Und trotzdem verändert sich mit einem Mal, wie Menschen sich darin bewegen und einander ansehen.

Geschichten ohne Ortsschild

Viele dieser Geschichten könnten fast überall spielen. Wohnungen, Schulräume, Straßen, Busse, Clubs. Bagnarelli hängt selten ein großes Schild über die Szene und sagt mir, wo genau ich mich befinde. Auch ihre Figuren sind nicht immer so stark herausgearbeitet, dass ich sie nach zwanzig Seiten sofort wiedererkennen würde.

Das ist Stärke und Schwäche zugleich. Einerseits komme ich sehr schnell in die Situationen hinein. Ich brauche keine lange Einführung. Andererseits verschwinden einige Figuren auch schnell wieder aus meinem Kopf. Gerade wenn ich KREATUREN am Stück lese, merke ich irgendwann ein Muster. Wieder eine einsame Figur, wieder eine Beziehung, in der etwas nicht stimmt, wieder ein Moment, in dem jemand verletzt wird oder jemanden verletzt.

Hier beginnt der Band für mich an Kraft zu verlieren. Nicht dramatisch, aber ich würde ihn nicht mehr in einem Rutsch lesen wollen. Drei oder vier Geschichten, dann erst einmal weglegen. So bekommen die einzelnen Stücke mehr Luft.

Gesellschaft kann ganz schön kleinlich sein

Oft sind es die kleinlichen Momente, die mir aus KREATUREN im Gedächtnis bleiben, nicht die großen Katastrophen. Jemand glaubt jemand anderen nicht, jemand lässt eine andere Person absichtlich auflaufen. Ein Sohn kennt die empfindliche Stelle seiner Mutter und drückt genau dort drauf.

Das klingt nun ziemlich düster, und tatsächlich ist Bagnarelli keine Autorin, bei der ich nach jeder Geschichte beschwingt durchs Leben laufe. Trotzdem empfinde ich den Band nicht als schwermütig. Dafür beobachtet sie ihre Figuren zu genau. Sie führt sie nicht vor, selbst dort, wo Menschen etwas Hässliches tun, bleiben sie Menschen.

Genau hier liegt für mich aber auch die deutlichste Schwäche des Buches. Irgendwann weiß ich, welche Art von Moment Bagnarelli interessiert. Wenn mehrere Geschichten hintereinander auf ähnliche Weise offen auslaufen, stellt sich Gewöhnung ein. Ein offenes Ende kann wunderbar nachwirken. Dreizehn offene oder nur halb geschlossene Türen hintereinander verlieren den Reiz. Hier hätte ich mir im Nachhinein mehr Abwechslung zwischen (halb-)offenen und geschlossenen Erzählungen gewünscht.

Alltag mit wenigen Strichen

Zeichnerisch macht der Band richtig Spaß, gerade weil ich die Entwicklung über die Jahre erkennen kann. Die früheren Geschichten wirken noch etwas genauer ausformuliert: Gesichter, Hände und Körper bekommen mehr Linien. Später reduziert Bagnarelli ihren Zeichenstil stärker.

Figuren bestehen nun aus weniger Strichen und wirken trotzdem lebendiger. Das klingt zunächst widersprüchlich. Beim Lesen funktioniert es aber sofort. Ich mag diese Zurückhaltung an manchen Stellen sehr. Die Figuren führen Gefühle nicht vor. Niemand setzt für mich ein Trauergesicht auf, nur damit ich auch wirklich verstehe, dass gerade jemand traurig ist.

Auch die Seiten bleiben angenehm lesbar. Bagnarelli veranstaltet keine großen Kunststücke mit Panels, nur um zu zeigen, dass sie es könnte. Sie baut ihre Seiten so auf, dass Gespräche funktionieren und Pausen spürbar werden. Punkt. Gerade in einem Band voller kurzer Geschichten ist das hilfreich. Ich bin schnell drin, ohne jedes Mal erst den neuen Rhythmus suchen zu müssen.

Das Leben hat seine eigenen Farben

Die Farbe gehört fest zu dieser Erzählweise. FISCHE hat beispielsweise eine gedämpfte, leicht malvenfarbene Stimmung. Der Sommer wirkt dadurch nicht sonnig und leicht, sondern ein wenig fiebrig. Das passt zu Milo und seinen Gedanken.

In der Geschichte mit dem Mädchen und dem Wolf arbeitet Bagnarelli stark mit dem schwindenden Tageslicht. Je dunkler es draußen wird, desto unbehaglicher fühlt sich die Situation an. Eigentlich ist das ein sehr einfacher Effekt. Er funktioniert trotzdem prächtig, weil er sich nicht in den Vordergrund drängt.

Überhaupt nutzt Bagnarelli Farbe eher, um Licht und Atmosphäre zu bestimmen, als einzelne Dinge möglichst hübsch anzumalen. Das merkt man ihrer Arbeit als Illustratorin an. Ihre Seiten wollen nicht spektakulär aussehen. Sie wollen, dass ich mich in einem Raum sofort zurechtfinde und spüre, ob dort gerade etwas nicht stimmt.

Einblick außerhalb der Panels

Bianca Bagnarelli wurde 1988 in Mailand geboren und arbeitet heute in Bologna. Sie studierte dort an der Kunstakademie und gehörte zu den Mitgründerinnen des unabhängigen Comicprojekts Delebile. Schon früh veröffentlichte sie Kurzcomics. FISH brachte ihr 2015 eine Goldmedaille der Society of Illustrators in New York ein.

Parallel dazu entwickelte sie eine erfolgreiche Karriere als Illustratorin. Ihre Arbeiten erschienen unter anderem in THE NEW YORKER und THE NEW YORK TIMES. Das erklärt vielleicht auch, weshalb ihre Bilder so schnell funktionieren. Bagnarelli muss in einer einzigen Illustration oft sehr viel erzählen. Dieses Können nimmt sie mit in ihre Comics.

Fazit

Nach dreizehn Geschichten hatte ich nicht das Gefühl, dreizehn kleine Welten besucht zu haben. Eher saß ich dreizehnmal irgendwo ein Stück daneben und durfte Menschen beobachten, beim Streiten, beim Zweifeln, beim Erinnern oder beim „Gemein sein“. Manchmal auch einfach bei dem Versuch, irgendwie durch den Tag zu kommen.

Nicht jede Geschichte berührt mich gleich stark. Einige bleiben hängen, andere verschwimmen später miteinander. Und Bagnarellis Vorliebe für leise, offene Enden nutzt sich über 224 Seiten – für mein persönliches Gefühl – dann doch ab.

Trotzdem würde ich KREATUREN bedenkenlos jemandem geben, der Kurzgeschichten mag und bei Comics nicht darauf wartet, dass spätestens auf Seite drei etwas explodiert. Dieses Buch interessiert sich für die vielen kleinen Dinge des Lebens, für den Moment, in dem ich eine Tür öffne oder eben nicht, für einen Blick, der eine Spur zu lange dauert oder für ein Foto, von dem zwei Menschen ganz genau wissen, warum es ihnen wichtig ist.

Und vielleicht ist genau das der Grund, warum mir einige dieser Geschichten nachgehen. Bagnarelli erzählt nicht davon, wie außergewöhnlich Menschen sein können. Stattdessen erzählt sie davon, wie gewöhnlich wir sind. Das ist manchmal ziemlich komisch, häufig traurig und gelegentlich erstaunlich grausam. Aber immer sehr bodenständig.

• KREATUREN
• Bianca Bagnarelli
• Hardcover | 224 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-95640-545-7
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★☆☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★☆☆☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Reprodukt Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Eine zweite Zutat kommt allerdings aus einer ganz anderen Ecke. In Hayao Miyazakis japanischem Anime PORCO ROSSO kidnappen Luftpiraten eine Gruppe Mädchen, stellen dann aber ziemlich schnell fest, dass sich die Kinder nicht besonders gut an die üblichen Regeln für unspektakuläre Entführungen halten. Studio Ghibli trifft Italo-Western-Kömodie. Gegensätzlicher geht es kaum noch.

Recht gefiel diese Idee und zusammen mit Jean-Baptiste Hostache baut er aus diesem Gemisch einen Comic, der irgendwo zwischen Prügelwestern, Kinderabenteuer und nostalgischer Komödie oszilliert. Und damit ist auch das Grundrezept von SIE NANNTEN SIE JUNIOR & SENIOR schnell gepitched.

Interessanter ist für mich aber eigentlich die Frage, ob daraus mehr wird als ein ziemlich aufwendig inszeniertes Bud-Spencer-und-Terence-Hill-Fanprojekt? Und die Antwort fällt mir nicht ganz leicht.

Warum? Der Comic macht eine Menge Spaß, sieht dabei gut aus und besitzt Herz. Nur verlässt er sich an einigen Stellen so sehr auf seine Vorbilder und auf die nächste Pointe, dass seine eigene Geschichte hier und da ein wenig zu kurz kommt … ein wenig.

Zwei Halunken reiten aus dem Gefängnis

Ach ja, die Geschichte. Sie spielt während des amerikanischen Sezessionskrieges, also etwa im gleichen Abschnitt wie WYOMING, 1863. Während andernorts Nord- und Südstaatler aufeinander schießen, beschäftigen sich die Herren Smith und Wesson (!) mit einer mindestens ebenso erbitterten Auseinandersetzung: Sie wollen an die politische Macht ihres Bezirks. Smith fürchtet, gegen seinen Konkurrenten Wesson keine Chance bei einer anstehenden Wahl zu haben. Also muss er etwas gegen seinen Rivalen in die Hand bekommen.

Glücklicherweise kennt Smith (wie jeder erfolgreiche Politiker) ein schmutziges Geheimnis seines Kontrahenten. Wesson hat eine uneheliche Tochter namens Karina, die in einem Mädcheninternat versteckt lebt. Wenn Smith dieses Kind in die Finger bekäme, besäße er ein wunderbares Druckmittel. Für die Entführung braucht Smith allerdings Mitstreiter, die robust genug sind, das Mädchen zu holen und gleichzeitig nicht zu viele Fragen stellen. Junior und Senior erfüllen beide Voraussetzungen, nur sitzen sie leider im Gefängnis.

Schon die Namen Smith und Wesson verraten, auf welchem „Gelände“ wir humoristisch unterwegs sind. Robin Recht besitzt wahrlich keinen subtilen Humor. Er winkt mit dem Cowboyhut, einem Lasso oder allem, was sich dazu eignet, bis auch der letzte Leser den Witz erkannt hat. Aber kommen wir zu den Hauptpersonen.

Junior ist der schmale, schnelle Teil des Duos. Er redet gern, flirtet noch lieber und bekommt schon deshalb immer wieder Schwierigkeiten, weil irgendwo in seiner Umgebung eine Frau auftaucht. Senior dagegen ist ein menschlicher Rammbock. Er spricht wenig und erledigt Diskussionen notfalls mit seinen Händen. Das ist natürlich haargenau die Rollenverteilung, die ich aus zahllosen Filmen von Terence Hill und Bud Spencer kenne.

Smith holt die Brüder aus dem Knast. Als Gegenleistung sollen sie Karina entführen und später bei Mamita abliefern, einer Frau, die in der Vergangenheit der beiden eine wichtige Rolle gespielt hat. Außerdem winken 5000 Dollar für einen Neuanfang. Das klingt für die Beiden einfach, das klingt genug. Aber natürlich ist es das nicht.

Sechs Gören und kein brauchbarer Fluchtplan

Im Internat stoßen Junior und Senior auf ein klitzekleines Problem, das für zwei Entführer erstaunlich banal ist: Sie können Karina nicht eindeutig identifizieren! Also treffen sie eine fatale Entscheidung, die ungefähr so vernünftig ist wie eine Stange Dynamit an einem Lagerfeuer zu parken. Sie nehmen einfach alle Mädchen mit – alle sechs.

Ab diesem Punkt findet SIE NANNTEN SIE JUNIOR & SENIOR zu seiner eigentlichen Form. Zwei Banditen, sechs selbstbewusste Kinder ziehen – beziehungsweise jagen – durch den Wilden Westen. Zu den Jägern gesellen sich die zunehmend wütende Gouvernante (Mlle Bismarck im Original deutschsprachig, Frau Antje bei uns, niederländisch parlierend), ein konföderiertes Kavallerieregiment, weitere Gesetzlose und allerlei Gestalten, die Gelegenheit bekommen, mit Junior oder Senior zusammenzustoßen.

Der hübsche Kniff liegt darin, dass die vermeintlichen sechs Opfer sehr schnell aufhören, sich wie Opfer zu benehmen (PORCO ROSO lässt grüßen). Die Mädchen sind keine verschreckten „Pakete“, die Junior und Senior nur von einem Ort zum anderen transportieren müssen. Sie stellen Fragen, mischen sich ein, verlangen Aufmerksamkeit und treiben ihre Entführer regelrecht an den Rand ihrer Möglichkeiten.

Auf intelligente Weise verschiebt Robin Recht damit das Kräfteverhältnis seiner Erzählung. Junior und Senior sind körperlich jeder Situation gewachsen. Gegen eine Bande bewaffneter Männer hilft Seniors Faust, aber gegen sechs Kinder hilft sie selbstverständlich nicht. Der große Kerl kann einen Saloon auseinandernehmen, aber ein kleines Mädchen auf dem Arm verändert sofort seine Körpersprache. Junior kann noch so lässig auftreten, sobald mehrere Kinder gleichzeitig etwas von ihm wollen, zerfällt die zur Schau gestellte Coolness. Gut, das ist vorhersehbar und trotzdem hat es Charme. Für mich funktioniert der Comic an dieser Stelle am besten, denn die berühmte Spencer-Hill-Mechanik bekommt hier eine neue Gegenkraft.

Staubwolken und Kavallerie

Robin Recht gibt dem Geschehen in der Folge kaum Gelegenheit zum Stillstand. Sobald sich die Gruppe aus einer Schwierigkeit befreit, taucht schon die nächste am Horizont auf. Pferde, Schießereien, Dynamit, Desperados, Frau Antje und das Militär sorgen dafür, dass der Comic ständig in Bewegung bleibt. Sogar ein Heißluftballon kommt zum Einsatz.

Diese Ballonfahrt gehört einerseits zu den interessantesten Momenten der Erzählung, weil der Comic dort kurz seine übliche Lautstärke herunter dreht. Von oben sehen Junior, Senior und die Mädchen eine andere Welt als jene, die ihre Abenteuerkomödie bisher bestimmt hat. Unter ihnen liegen Baumwollfelder mit versklavten Menschen. An anderer Stelle wird gekämpft. Plötzlich ist der Bürgerkrieg nicht mehr bloß eine dekorative Kulisse aus Uniformen und Kavalleristen.

Andererseits lässt mich diese Szene sehr zwiespältig zurück. Sie ist stark, weil Hostache die Perspektive nutzt, um dieses ausgelassene Abenteuer für einen Augenblick mit der tatsächlichen Brutalität seiner Zeit zu konfrontieren. Schade nur, dass dieser Gedanke nicht lange nachhallt. Kaum ist der Augenblick vorbei, setzt die Geschichte ihren Galopp wieder in eine andere Richtung fort. Die Sklaverei und der Krieg wurden sichtbar, aber nicht wirklich Bestandteil dieser Erzählung.

Ja, das ist grundsätzlich erlaubt. Schließlich soll dies alles hier kein historischer Sachcomic sein. Trotzdem öffnet Recht an dieser Stelle eine Tür, durch die er anschließend nicht hindurchgeht und die schöne Idee trägt nicht wirklich etwas zur eigentlichen Geschichte bei.

Wenn Banditen plötzlich Familie werden

Wichtiger wird etwas anderes. Je länger Junior und Senior mit den Mädchen unterwegs sind, desto weniger überzeugend lässt sich noch behaupten, sie würden lediglich einen Auftrag erledigen. Stattdessen kümmern sich die beiden.

Senior eignet sich dafür besonders gut, weil seine enorme Körperlichkeit ständig gegen seine zunehmende Fürsorge ausgespielt wird. Jean-Baptiste Hostache, der Zeichner, braucht dafür keinen Text. Wenn dieser Berg von einem Mann ein Kind trägt, entsteht der Witz bereits aus den Größenverhältnissen und die Emotion aus der dargestellten Zärtlichkeit.

Junior entwickelt sich ebenfalls, nur funktioniert seine Figur nicht ganz so gut. Der ewig flirtende Draufgänger ist als komischer Gegenpol brauchbar, bleibt im Wesentlichen aber näher an seinem Vorbild. Bei Senior entsteht nach und nach eine eigenständige Figur, bei Junior sehe ich häufiger noch Terence Hill durch die Panels spazieren.

Auch die sechs Mädchen leiden ein wenig unter ihrer Zahl. Als Gruppe sind sie hervorragend, erzeugen Chaos, Tempo und Wärme. Einzeln bleiben mehrere von ihnen dann aber doch erstaunlich blass. Gerade weil die Geschichte ihre Beziehung zu den beiden Banditen emotional auflädt, hätte ich gern zwei oder drei Kinder näher kennengelernt.

Robin Rechts Kernmotiv ist dabei überraschend schön, denn Familie entsteht bei ihm nicht nur aus Abstammung, sondern aus der Entscheidung, Verantwortung füreinander zu übernehmen. Am Ende müssen Junior und Senior deshalb entscheiden, was für Banditen sie sein wollen. Ein krimineller Lebenslauf bedeutet noch lange nicht, dass jede Schweinerei erlaubt ist. Diese Grenze ist simpel gezogen, aber sie passt wunderbar zum Ton des ganzen Albums.

Die Geschichte endet entsprechend nicht mit einer Läuterung. Aus den beiden werden keine braven Bürger, zum Glück! Sie bleiben Halunken, nur eben Halunken mit Regeln.

Am Lagerfeuer der alten Western

Die große Stärke und zugleich das größte Problem des Albums ist seine Liebe zu anderen Geschichten. Überall stolpere ich über Wegweiser. Wie mehrfach erwähnt, sind Bud Spencer und Terence Hill nicht zu übersehen. Hinzu kommen LUCKY LUKE, ASTERIX, klassische Westernfiguren und das bereits erwähnte PORCO ROSSO. Selbst die Grundidee von zwei körperlich völlig unterschiedlichen Helden reicht viel weiter zurück und erinnert an Komikerduos wie Laurel und Hardy.

Recht und Hostache wollen genau diese populäre Abenteuertradition wiederbeleben. Das fühlt sich angenehm altmodisch an. SIE NANNTEN SIE JUNIOR & SENIOR schämt sich weder für den Prügelhumor noch für sentimentale Augenblicke. Nach einer Schlägerei darf ein Kind jemandem einen Kuss geben, nach einem leisen Moment dürfen wieder Bohnen gegessen und schlechte Gerüche produziert werden. Ich mag diese Unbekümmertheit.

Sobald ein Comic so stark von gemeinsamem Popkultur-Wissen lebt wie dieser, besteht jedoch immer die Gefahr, dass Erinnerungen den Platz eigener Ideen einnimmt. Die sechs Mädchen verhindern, dass dies hier passiert. Sie sind der entscheidende Einfall, der aus einer bloßen Kopie eine schöne, eigenständige Variante macht.

Revolverhelden bekommen ihren Platz

Jean-Baptiste Hostache ist für diesen Stoff als Zeichner fast wichtiger als das Szenario. JUNIOR & SENIOR müssen nur nebeneinanderstehen und die Rollen sind verteilt. Junior besteht aus langen Beinen, schmalem Oberkörper und einem Gesicht, das praktisch schon beim Stillstehen grinst. Senior ist Masse. Schultern, Bart, Hände, Bauch und schwere Kleidung ergeben einen Körper, der ein Panel praktisch besetzen kann.

Hostache zeichnet bewusst cartoonesk. Nasen dürfen groß sein, Kinnpartien übertrieben, Augenbrauen unter Hüten hervorragen. Trotzdem kippen die Figuren nicht in reine Cartoon-Skizzen. Hier hilft Hostaches beruflicher Hintergrund im Animationsbereich spürbar, denn Bewegungen werden sauber vorbereitet. Eine Figur steht nicht plötzlich irgendwo, sondern läuft, stolpert, springt oder fliegt dorthin. Besonders in den Prügeleien entsteht daraus eine beinahe filmische Abfolge.

Das Seitenlayout bleibt dabei beweglich. Große Querpanels schaffen Raum für Landschaften oder neue Schauplätze. Kleinere Bilder beschleunigen Dialog und Aktion. Sobald mehrere Kinder, Verfolger und Sprechblasen zusammenkommen, werden einige Seiten allerdings sehr voll. Dann interessiert sich die Inszenierung stärker für das nächste komische Ereignis als für eine ganz saubere räumliche Orientierung. Das passt zum Chaos. Trotzdem musste ich gelegentlich einen Augenblick länger schauen, wer sich gerade wo befindet.

Unter einem staubigen Himmel

Noch stärker als die Zeichnung hat mich die Kolorierung überrascht – und das meine ich positiv. Hostache hätte diesen Comic problemlos mit knalligem Cartoonlicht ausstatten können. Stattdessen liegen häufig gedämpfte Gelb-, Braun-, Rosa- und Blautöne über den Seiten.

Dazu kommt eine flache, leicht körnige Oberfläche. Das gibt den Bildern etwas angenehm Gebrauchtes. Fast so, als hätte dieser neue Comic einige Jahrzehnte irgendwo in einer Kiste mit alten Westernheftchen gelegen. Und gerade dadurch gewinnen die gefühlvolleren Szenen.

Zwei Cowboys hinter den Kulissen

Robin Recht, Jahrgang 1974, kommt ursprünglich stärker vom Zeichnen als vom Schreiben. Nach seiner Ausbildung in Paris arbeitete er unter anderem an DER GLÖCKNER VON NOTRE DAME – DER TAG DER NARREN, ELRIC und CONAN DER CIMMERIER. Besonders viel Aufmerksamkeit bekam später seine THORGAL-SAGA ADIEU AARICIA, bei der er Szenario und Zeichnungen übernahm. Dass Recht Kino ebenso stark mitdenkt wie Comics, überrascht bei SIE NANNTEN SIE JUNIOR & SENIOR kaum. Die Geschichte lebt von filmischen Typen, Timing und Bewegungsabläufen. Mit Hostache verbindet ihn zudem eine langjährige Freundschaft.

Jean-Baptiste Hostache wurde 1981 in Rouen geboren und arbeitete zunächst im Animationsbereich als Dekorateur sowie später als Concept Artist und Production Designer. 2008 erschien CLOCKWERX. Danach folgten Arbeiten wie ASSASIN’S CREED CONSPIRATIONS – DIE GLOCKE oder ES WAR EINMAL AMERIKA. Er unterrichtete außerdem Concept Art und Storyboarding. Seine Erfahrungen mit Bewegung, Raum und Bildfolge passen erstaunlich gut zu einer Geschichte, die praktisch nie stillsteht.

Fazit

SIE NANNTEN SIE JUNIOR & SENIOR ist ein Comic, bei dem ich ziemlich genau weiß, warum ich während der Lektüre grinse und zugleich gelegentlich die Augen verdrehe. Robin Recht und Jean-Baptiste Hostache lieben ihre Vorbilder so sehr, dass sie ihnen manchmal etwas zu dicht auf die Pelle rücken. Manche Pointen sind sehr einfach und die ernsteren Hinweise auf Bürgerkrieg und Sklaverei verschwinden schneller, als mir lieb ist. Besonders Junior braucht künftig mehr Eigenleben, damit aus einer offensichtlichen Terence-Hill-Variation wirklich Junior wird.

Trotzdem funktioniert das Album. Vor allem deshalb, weil unter all den Prügeleien etwas erstaunlich Warmes steckt. Zwei Kerle, die praktisch jedes Problem mit einer Faust lösen könnten, bekommen es ausgerechnet mit sechs Mädchen zu tun und entdecken dabei Verantwortung. Hostaches lebendige Zeichnungen und seine wunderbar staubige Farbgebung erledigen den Rest.

Wer mit Bud Spencer und Terence Hill nichts anfangen kann, wird vermutlich auch aus diesem Comic wenig mitnehmen. Wer dagegen Westernkomödien, klassische frankobelgische Abenteuer und sympathische Grobiane mag, bekommt einen ausgesprochen unterhaltsamen Serienauftakt.

Die Reihe ist auf Fortsetzung angelegt. Recht und Hostache haben bestätigt, dass mindestens ein weiteres Abenteuer geplant ist. Beim zweiten Band dürfen die beiden dann gern etwas weiter von ihren großen Vorbildern wegreiten… Yiipijajeh!

• SIE NANNTEN SIE JUNIOR & SENIOR 01
• Robin Recht und Jean-Baptiste Hostache
• Hardcover | 104 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-69258-011-1
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★★☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Bei MALCOLM MAX 7: AM ENDE DER ZEIT lohnt sich das wieder besonders. London riecht wieder nach kaltem Rauch, schlechtem Alkohol und nassen Mänteln. Später springt die Geschichte nach Afrika, in einen Dschungel voller feuchter Grüntöne und kurz darauf in eine Welt außerhalb der mir vertrauten Zeit. Die Farben erzählen mir, wo ich bin und wie sicher sich dieser Ort anfühlt. Doch dazu später mehr.

Peter Mennigen setzt genau dort an, wo Band 6 – DER KANNIBALE VON LONDON aufgehört hat. Malcolm hat Charisma, Emmeline und Miranda verloren. Nicht im übertragenen, symbolischen Sinn. Nein, ganz konkret: eine Zeitmaschine hat die drei verschluckt und Malcolm weiß nicht einmal, ob sie in einer anderen Epoche noch am Leben sind. Das gibt dem sonst so schlagfertigen Geisterjäger etwas, das mir in diesem Band besonders gefällt. Hinter seinen Sprüchen sitzt dieses Mal echte Verzweiflung.

Gleichzeitig will Mennigen zum Abschluss dieser zweiteiligen Geschichte sehr viel. Abenteuer, Horror, Zeitreise, historische Gastfigur, Parallelwelt, Weltuntergang und Familiendrama drängen auf relativ engem Raum zusammen. Das ist spannend erzählt, aber auch ein Punkt, an dem der Band gelegentlich über seine eigenen Ideen stolpert.

Im Jahr 1895 schlägt die Wirklichkeit zurück

Bevor die Handlung richtig Fahrt aufnimmt, lohnt sich ein kurzer Blick auf das Jahr, in das Charisma und die Finch-Schwestern durch den Zeit-Sog geraten sind.

1895 ist für eine Zeitreisegeschichte beinahe unverschämt passend. In diesem Jahr erschien H. G. Wells’ THE TIME MACHINE als Buch (und über den Comic gleichen Namens von Dobbs und Mathieu Moreau berichte ich in der kommenden Woche). Wells machte die Reise durch die Zeit zu einem technischen Gedankenexperiment und nicht bloß zu einem Märchenmotiv. Dass Charisma ausgerechnet 1895 landet, ist deshalb ein hübsches, historisches Augenzwinkern.

Noch interessanter ist zudem Mary Henrietta Kingsley. Sie ist keine Erfindung Mennigens. Die britische Reisende war 1895 tatsächlich in Westafrika unterwegs und bereiste unter anderem das Gebiet des heutigen Gabun. Sie fuhr den Ogooué hinauf, bewegte sich mit afrikanischen Begleitern und Dolmetschern durch Regionen, die für europäische Reisende damals nur unzureichend kartiert waren und sammelte naturkundliche Objekte. Ihre Erfahrungen verarbeitete sie später in ihrem Buch TRAVELS IN WEST AFRICA.

Heute gehört zu dieser Geschichte selbstverständlich auch der koloniale Rahmen, in dem solche Expeditionen stattfanden. Kingsley war eine emanzipierte, eigenwillige Frau, die die Erwartungen an Frauen ihrer Zeit durchbrach. Darum passt sie sehr gut in das MALCOLM-MAX-Universum. Zugleich bewegte sie sich selbstverständlich innerhalb einer europäischen Welt, die Afrika erforschte, ordnete und für sich beschrieb.

Verlorene Stunden in London

Wer den ersten Band – und / oder meinen Artikel zu MALCOLM MAX 6 – DER KANNIBALE VON LONDON – gelesen hat, kennt die Ausgangslage. Dort spielten mehrere Geschichten nebeneinander, ineinander.

In Londons East End trieb ein Mörder sein Unwesen, dessen Opfer bis auf die Knochen abgenagt wurden. Malcolm und Charisma gerieten bei ihren Ermittlungen an Kreaturen, die selbst für ihre beruflichen Maßstäbe außergewöhnlich waren. Emmeline und Miranda untersuchten Erdbeben, während im Hintergrund ein Physiker an einer Erfindung arbeitete, die das Problem der Zeit selbst lösen sollte. Der Mann handelte bekanntlich nicht aus wissenschaftlicher Neugier, sondern um seine todkranke Tochter zu retten. Aus diesem privaten Wunsch wuchs eine Katastrophe, die am Ende auch Malcolm und seine Gefährtinnen erfasste.

Band 7 beginnt nun mit den Folgen im London des Jahres 1889. Malcolm sitzt betrunken in einer Gaststätte und wirkt zum ersten Mal seit langem nicht wie jemand, der schon den nächsten frechen Satz vorbereitet. Die Zeitmaschine ist außer Kontrolle geraten und zerstört, Charisma und die beiden Schwestern sind verschwunden und für Malcolm ist dabei nicht nur die Entfernung das Problem. Ein paar Sekunden für ihn können für die anderen Jahre bedeuten. Vielleicht sogar ein ganzes Leben.

Mennigen lässt ihn trotzdem nicht allzu lange im Selbstmitleid versinken. Malcolm trinkt, flucht, macht Witze und geht voran. Der Humor nimmt seinem Verlust nicht die Wirkung. Er zeigt, wie Malcolm tickt und versucht, überhaupt handlungsfähig zu bleiben. So bekommt der großspurige Geisterjäger eine Verletzlichkeit, die der Serie insgesamt gut tut.

Zwei Jahre zurück, sechs Jahre voraus

Parallel dazu führt mich Mennigen zurück ins Jahr 1887 (minus zwei Jahre). Der Physiker Elias Sinclair, ja der mit der Zeitmaschine, ist in Zentralafrika unterwegs. Er sucht nach einer geheimnisvollen Energiequelle, die seine Maschine antreiben soll. Die Expedition endet schließlich in einer Höhle, in der nicht nur gewaltige Knochen liegen. Eine schwarze, kaum fassbare Kreatur greift die Männer an. Sinclair überlebt als Einziger. Was er von dieser Reise mitbringt, wird später Teil jener Kette von Ereignissen sein, die sowohl London als auch die Zeit selbst gefährden.

Achtzehn Monate liegt seine sterbende Tochter im Samantha Hopkins Hospital for Women. Hier liegt für mich einer der wichtigeren Gedanken der Doppelfolge. Die Zeitmaschine entsteht aus Trauer und Angst. Sinclair will den Tod nicht akzeptieren. Darin steht er Malcolm näher, als es zunächst aussieht. Beide Männer versuchen, einen Verlust rückgängig zu machen. Der eine baut dafür eine Maschine. Der andere jagt durch Zeiten und Welten, weil er Charisma und die Finch-Schwestern zurückholen will.

Die Halbvampirin Charisma landet derweil nicht in Malcolms Jahr, sondern 1895 (plus sechs Jahre) im heutigen Gabun. Dort treffen sie, Emmeline und Miranda auf Mary Kingsley.

Dieser Handlungsstrang fühlt sich sofort anders an. Charisma muss nicht mehr Malcolms Widerpart spielen. Sie bekommt Raum für eigene Entscheidungen. Kingsley ist dafür eine passende Partnerin. Sie tritt tatkräftig, neugierig und erstaunlich unerschrocken auf. Bald führt die Reise zu einem europäischen Außenposten, der verlassen wirkt, während etwas aus dem Dschungel die Gruppe beobachtet. Die Abenteuerlust bekommt dadurch gleich einen dunkleren Unterton.

Die Zeit und ihre Richter

Während Charisma mit sehr irdischen Gefahren kämpft, landet Malcolm in einer deutlich verrückteren Ecke der Geschichte. Fremdartige Gestalten greifen ihn auf und bringen ihn vor die Chronologen. Diese Wesen verstehen sich als Hüter der Zeit. Für sie ist Malcolm kein Held, sondern ein Störenfried, der durch seine Reisen elementare Regeln verletzt und den Fortbestand des Raum-Zeit-Gefüges gefährdet hat.

Ich mag diese Passage, zum Einen weil ich Zeitreisen mag, zum Anderen weil Mennigen die kosmische Größe mit Bürokratie erdet. Malcolm steht vor einem Gericht, das über die Ordnung des Universums wacht. Selbst dort kann er den Mund nicht halten. Seine Ironie trifft auf eine Umgebung, in der alles endgültig und feierlich wirken soll. Römling wechselt farblich in kühlere Blau-, Grau- und Grüntöne. Mantel, Haltung und Gesichtsausdruck halten Malcolm zusammen, während rund um ihn die Realität aus den Fugen gerät.

Das kleine Problem liegt in der Menge dessen, was ich als Leser hier kennen und verstehen soll. Der Comic muss erklären, wer die Chronologen sind, was Malcolm getan haben soll und warum daraus eine Gefahr für alles entsteht. Gleichzeitig warten Charisma und Sinclair auf ihre Fortsetzung. Einige Seiten werden dadurch voller, als es ihnen gut tut. Mennigen schreibt gern ausführliche Dialoge. Hierdurch bremsen einzelne Textblöcke aber den Sog, den Römlings Bilder gerade aufgebaut haben.

Trotzdem bleibt die Konstruktion auf ihre Weise übersichtlich. Farben und Schauplätze geben jedem Erzählstrang ein eigenes Gesicht. Ich musste nie zurückblättern, um herauszufinden, in welchem Jahr ich gerade stecke, auch wenn dies mit den zeitlichen Hin-und-Her-Gehopse durchaus hätte schief gehen können.

Die letzte Stunde vor dem Nichts

Charismas Reise wird derweil zum klassischen Abenteuerstoff. Sie und ihre Begleiterinnen geraten an kriegerische Frauen, tödliche Kreaturen und Orte, an denen die bekannte Zivilisation nur noch eine ferne Behauptung ist.

Ingo Römling kann sich zeichnerisch wahrlich austoben. Pflanzen, Wasser, verfallene Gebäude und Monster bekommen Gewicht und Oberfläche. Besonders gern sehe ich, wie er Gefahr zunächst am Rand eines Panels auftauchen lässt. Ein Schatten reicht ihm, während das Grauen danach erst die ganze Seite beanspruchen darf.

Malcolm hat solche Probleme nicht. Sein Weg führt konsequent in eine andere, entgegengesetzte Richtung. Je weiter Charisma in eine sehr körperliche Welt aus Schlamm, Moskitos und Dschungel gerät, desto abstrakter wird seine Reise. Die Flucht vor den Chronologen schleudert ihn schließlich in einen Zeitstrom und weiter bis an den Punkt, an dem nicht nur seine persönliche Geschichte enden könnte.

Der Comic macht aus dem drohenden Weltuntergang kein stilles philosophisches Finale. Malcolm Max bleibt Malcolm Max. Also gibt es Tempo, groteske Bilder, Witze im falschen Augenblick und einen Helden, der sich selbst dann noch weigert, eine kosmische Entscheidung einfach nur hinzunehmen.

Was man von einer anderen Ebene sieht

Für mich funktioniert MALCOLM MAX 7: AM ENDE DER ZEIT am besten, wenn der Band Zeit nicht als technische Spielerei behandelt, sondern als etwas Persönliches. Sinclair will zurück, weil seine Tochter stirbt. Malcolm will vorwärts, rückwärts oder irgendwohin, solange er nur Charisma und die Mädchen wiederfindet. Charisma selbst muss akzeptieren, dass sie außerhalb ihrer vertrauten Welt handeln kann. So bekommt das große Zeitreisegerüst eine emotionale Mitte.

Auch formal passt vieles zusammen. Römling trennt Epochen und Räume über Licht und Farbe. London trägt Braun- und Ockertöne, Gabun wirkt feucht und grün, die Welt der Chronologen kühl und fremd. Dadurch kann Mennigen schnell schneiden, ohne die Orientierung zu verlieren. Römlings besondere Gabe liegt für mich seit Jahren in den Mimiken: Müdigkeit, Trotz, Ekel, Unsicherheit und Schadenfreude sitzen sichtbar in den Gesichtern seiner Figuren.

Mennigens Kunstfertigkeit – und damit vielleicht auch seine größte Schwäche – ist sein Wunsch, möglichst wenig aufzugeben. Jede Idee bekommt noch eine Erklärung, jeder Schauplatz noch eine Wendung. Die Geschichte wirkt nach ihrem Abschluss zeitweise wie ein Koffer, der nur unter Druck zugeht. Die Handlung bleibt verständlich, aber nicht jede Station bekommt ausreichend Raum. Eine Kürzung hier oder dort hätte den dramatischen Verlauf präziser machen können. Oder einfach ein paar Seiten mehr – das ginge natürlich auch.

Und doch ist genau diese Überfülle auch Teil des Reizes der Marke MALCOLM-MAX. Die Serie war nie eine zurückhaltende. Sie liebt viktorianischen Schauer, Pulp, alberne Spitzen, Monster und große Gefühle. MALCOLM MAX 7: AM ENDE DER ZEIT treibt all das bis an die Grenzen.

Fazit

MALCOLM MAX 7: AM ENDE DER ZEIT ist für mich ein guter, lesenswerter Abschluss dieser zweiteiligen Geschichte. Aber kein exzellenter. Dafür ist der Band zu voll und der Afrika-Erzählstrang trägt Bilder in sich, die ich aus heutiger Sicht gern deutlicher distanzierter gesehen hätte. Trotzdem schließt Peter Mennigen die große Zeitreisehandlung mit Tempo, Gefühl und genügend Irrsinn ab.

Vor allem Ingo Römling hält die vielen Ebenen zusammen. Seine Bilder geben jedem Zeitsprung eine eigene Stimmung und Malcolm erhält von seinen „Vätern“ eine überraschend verletzliche Seite.

Am Ende bleibt bei mir weniger der Weltuntergang hängen als die simple Angst, jemanden für immer verloren zu haben. An dieser Stelle wird aus der großen Zeitreise wieder eine sehr menschliche Geschichte…

• MALCOLM MAX 7: AN ENDE DER ZEIT
• Ingo Römling und Peter Mennigen
• Hardcover | 72 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-98721-298-7
• Storyline:  ★★★★☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★★☆
• Lettering: ★★★★☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★★☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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ICH BIN IHR SCHWEIGEN fand ich großartig, richtig großartig. Nicht makellos, aber lebendig, witzig, überraschend und vor allem getragen von einer Hauptfigur, der ich gern folge. Eva Rojas ist chaotisch, impulsiv, verletzlich, manchmal herrlich daneben und trotzdem nie bloß eine Ansammlung schriller Eigenschaften. Ihre bipolare Störung gehört zu ihr, erklärt sie aber nicht vollständig. Dazu kommen ihre verstorbenen Vorfahrinnen – ja, alles Frauen – , die sich in ihre Gedanken einmischen, als säßen sie mit am Tisch.

All das ist wieder da. Jordi Lafebre zeichnet weiterhin wunderbar. Eva kann weiterhin einen Raum betreten und sofort die Aufmerksamkeit auf sich ziehen. Ihre Dialoge haben Tempo und ihre Mimik erzählt manchmal mehr als alles andere. Und trotzdem funktioniert dieser zweite Band für mich deutlich schlechter.

Das liegt nicht am hintergründigen Fußball-Thema. Ich interessiere mich nicht für Fußball, daher ist er mir in diesem Zusammenhang letztlich egal. Der verschwundene junge Spieler João könnte auch ein bekannter Musiker, ein berühmter Schauspieler oder der Sohn eines reichen Unternehmers sein.

Entscheidend ist etwas anderes. Die Suche nach ihm führt Eva in ein Umfeld aus Sexarbeit, rechter Gewalt und Neonazis. Genau dort liegt für mich das eigentliche Zentrum dieses Albums. Und genau dort hätte Lafebre bleiben sollen.

Wenn die Vergangenheit plötzlich sehr gegenwärtig wird

Barcelona ist bei Lafebre nie bloß eine hübsche Kulisse. Natürlich gibt es besonderes Licht, Straßencafés, enge Gassen und auch dieses besondere Mittelmeerflair. Gleichzeitig steckt in der Stadt eine politische Geschichte, die bis heute sichtbar ist. Für ICH BIN EIN VERLORENER ENGEL ist das wichtiger als jeder Fußballplatz.

Spanien lebt nach dem Bürgerkrieg von 1936 bis 1939 fast vier Jahrzehnte unter der Diktatur Francisco Francos. Der Übergang zur Demokratie beginnt erst nach dessen Tod 1975. Die Erinnerung daran ist bis heute nicht erledigt. Massengräber, verschwundene Angehörige, politische Symbole und die Frage nach dem Umgang mit franquistischer Vergangenheit beschäftigen das Land weiter.

Lafebre erzählt diese tragischen Teile spanischer Geschichte nicht über Textblöcke oder Vorträge. Er verbindet sie mit Eva. Eine ihrer verstorbenen Vorfahrinnen, Ana Rojas, erlebte den Spanischen Bürgerkrieg und kämpfte auf republikanischer Seite. Wenn Eva nun mit Neonazis und einer gewalttätigen, rechtsextremen Gruppe zu tun bekommt, treffen Gegenwart und Familiengeschichte mittelbar aufeinander. Das gefällt mir als Ausgangspunkt ausgesprochen gut.

Auch die Verbindung zu den Sexarbeiterinnen passt dazu. Lafebre schaut auf Menschen, die schnell an den Rand der Gesellschaft gedrängt werden und bei denen erlebte Gewalt oft erheblich weniger öffentliche Empörung auslöst als anderswo. Unter ihnen befinden sich Trans-Frauen, die zusätzlich zum alltäglichen Risiko mit rechter und trans-feindlicher Gewalt konfrontiert sind.

Damit liegt eigentlich genug Material auf dem Tisch: Faschismus, Ausgrenzung, Gewalt, Erinnerung und Evas sehr persönlicher Umgang mit Autoritäten und mit Ungerechtigkeit.

Referenzen zum ersten Band

Zu Beginn sitzt Eva wieder in einer Situation, die sehr an den ersten Band erinnert. Ein Mann ist tot. Ricardo Mazas, genannt Riqui, landet auf ziemlich spektakuläre Weise kopfüber im Beton einer Großbaustelle. Eva kennt ihn, natürlich kennt sie ihn. Bei Eva Rojas wäre alles andere fast schon enttäuschend.

Vizeinspektorin Alemany und ihr Kollege Ohne-bekannten-Dienstgrad García wollen wissen, was passiert ist. Eva erzählt, Dr. Llull sitzt dabei. Damit kehrt Lafebre zu der bekannten Konstruktion aus ICH BIN IHR SCHWEIGEN zurück. Die Geschichte entfaltet sich rückblickend, gefiltert durch Evas Beobachtungen, unterbrochen von ihren Sprüngen, Kommentaren und den Stimmen ihrer verstorbenen Verwandten.

Eine Vermisste wäre fast ehrlicher gewesen

Ausgangspunkt ihrer Erzählung ist João, ein neunzehnjähriger brasilianischer Profifußballer und Patient von Eva. Er ist verschwunden. Sein Verein glaubt, Eva könne vielleicht wissen, wo er steckt oder warum er untergetaucht ist. Also sucht sie ihn. Das funktioniert als Auslöser. Mehr aber auch nicht.

Je länger ich lese, desto weniger interessiert mich João als Fußballspieler. Dass er jung ist und unter öffentlichem Druck steht, spielt natürlich eine Rolle. Dass ein Verein über ihn verfügen möchte, ebenfalls. Doch daraus entwickelt Lafebre keine wirklich eigenständige Geschichte über den Profisport. Er schaut weder lange genug hinter die Kulissen noch erzählt er etwas, das diesen besonderen Beruf für die Geschichte unverzichtbar machen würde. Darum wirkt das Fußballmilieu auf mich eher wie eine Einstiegstür. Hinter anderen Türen beginnt jedoch der interessantere Teil des Comic.

Die Spur führt Eva zu Sexarbeiterinnen. Sie trifft auf Frauen, die bedroht und angegriffen werden. Neonazis tauchen auf, Gewalt bekommt plötzlich eine politische Richtung. Riqui gehört in dieses Umfeld. Aus der Suche nach João wird nach und nach eine Geschichte über Menschen, die andere einschüchtern, weil sie sich ihnen körperlich überlegen fühlen. Ab hier interessiert mich die Geschichte sofort.

Eva läuft dahin, wo andere wegschauen

Eva besitzt eine Eigenschaft, die sie für solche Erzählungen hervorragend geeignet macht: Sie kann Manches nur sehr schwer ignorieren! Das ist nicht immer vernünftig und häufig ist es sogar gefährlich. Doch genau darin liegt der Reiz ihrer Figur.

Wo andere Abstand halten, geht Eva näher hinein, geht tiefer ins Dunkele. Sie stellt Fragen, mischt sich ein, provoziert und überschreitet eigene Grenzen und die anderer.

Hinzu kommt ihre bipolare Störung, mit der Lafebre vergleichsweise sorgsam umgeht. Sie dient nicht als einfache Erklärung für jedes impulsive Verhalten. Eva bleibt verantwortlich für das, was sie tut. Gleichzeitig gehört ihre psychische Erkrankung aber zu ihrem Alltag und beeinflusst, wie sie Belastung, Kontrolle und eigene Grenzen erlebt. Gerade im Umfeld der bedrohten Sexarbeiterinnen funktioniert diese Figur hervorragend.

Figuren vom Rande der Gesellschaft

Eva begegnet ihnen nicht als Retterin von oben herab. Sie landet vielmehr mitten in ihrer Welt. Lafebre lässt sie zuhören, handeln und Fehler machen. DAS tut diesem Comic gut. Besonders wichtig finde ich, dass die betroffenen Frauen nicht nur als Staffage für Evas Heldentum auftauchen. Ihre Lage bildet das moralische Zentrum dieses Falls. Hier werden Menschen bedroht, weil andere glauben, über deren Existenz urteilen zu dürfen. Rechte Gewalt wird damit nicht zu einer abstrakten politischen Idee, sie bekommt Ziele und Opfer. Leider bleibt Lafebre ausgerechnet bei den Tätern erstaunlich unspezifisch.

Die Neonazis sind hässlich, brutal, dumm und leicht zu hassen. Natürlich darf ein Comic Faschisten verabscheuen. Das tue ich ebenfalls. Nur ersetzt Verachtung keine gute Figurenzeichnung. Mir fehlt bei diesen Männern etwas, das sie wirklich unangenehm macht. Nicht Sympathie, bitte nicht, ich meine Glaubwürdigkeit.

Wenn rechte Gewalt nur von grölenden Idioten ausgeht, wird sie fast schon zu bequem. Dann kann ich sie als klar markiertes Böse betrachten und wieder weglegen.

Beunruhigender wäre gewesen, wenn Lafebre gezeigt hätte, wie solche Strukturen funktionieren, wie Gewalt vorbereitet wird oder wie sich Menschen darin gegenseitig bestätigen. Stattdessen bleiben die Root Boys lediglich Comic-Prügelknaben. Und das ist mir zu einfach.

Die Gespenster wissen mehr als der Krimi

Viel interessanter wird es, sobald Ana Rojas ins Spiel kommt. Eva wird bekanntlich von ihren verstorbenen Vorfahrinnen begleitet. Ob ich diese Erscheinungen psychologisch, symbolisch oder innerhalb der Geschichte ganz wörtlich lese, ist dabei gar nicht so entscheidend. Sie sind Teil ihrer Wahrnehmung und Teil ihres – und Lafebres – Erzählens.

Ana verbindet Eva mit dem Spanischen Bürgerkrieg. Plötzlich bekommt der Kampf gegen die Neonazis eine familiäre Vorgeschichte. Faschismus ist dann nichts, was Eva nur aus Geschichtsbüchern kennen könnte. Er hat ihre Familie berührt. Genau diesen Gedanken hätte Lafebre für meinen Geschmack viel weiter treiben können … ja, müssen!

Denn hier liegt eine Verbindung, die sich nicht künstlich anfühlt. Ana hat politische Gewalt erlebt. Eva begegnet den „Nachfahren im Geiste“ in einer anderen Zeit und in anderer Form. Die Sexarbeiterinnen erleben wiederum ganz konkret, wie schnell Menschen aufgrund ihrer Herkunft, ihrer Arbeit, ihrer Geschlechtsidentität oder schlicht aufgrund eines Feindbildes zum Ziel werden. Hier spricht ICH BIN EIN VERLORENER ENGEL plötzlich über Erinnerung, ohne pathetisch zu werden. Dann biegt der Comic wieder ab.

Und plötzlich steht Evas Mutter im Zimmer

Evas Mutter Maria gehört für mich zu den interessantesten, neuen Figuren des Albums, auch, wenn Sie im ersten Augenblick nur wie eine ältere Version von Eva erscheint. Und gleichzeitig weiß ich nach der Lektüre nicht recht, warum dieser Erzählstrang ausgerechnet in diesem Comic so viel Platz bekommt.

Eva besucht Maria in einer psychiatrischen Einrichtung. Dabei erfahren wir mehr über die Beziehung zwischen Mutter und Tochter. Rückblicke zeigen, wie beide gemeinsam Menschen beobachten und aus Gesten, Kleidung oder Verhalten kleine Geschichten ableiten. Das erklärt sehr hübsch, woher Evas enorme Aufmerksamkeit für andere Menschen stammen könnte.

Maria nimmt außerdem ebenfalls die verstorbenen Frauen der Familie wahr. Das ist ein erhellender Gedanke. Nur was macht er mit diesem Fall? Erstaunlich wenig.

Natürlich erweitert Maria unsere Vorstellung von Eva. Ich verstehe ihre Kindheit besser. Ich sehe eine familiäre Verbindung zwischen psychischer Erkrankung, Wahrnehmung und den Geistern der Vergangenheit. Auch emotional haben diese Szenen Gewicht. Nur stehen sie für mich neben der eigentlichen Geschichte statt in ihr.

Quo vadis, Eva?

Der Mord an Riqui, die Neonazis und die bedrohten Sexarbeiterinnen bekommen durch Marias Anwesenheit keine neue Richtung. Ihre Szenen unterbrechen vielmehr den Ermittlungs- und Erzählfluss. Danach kehrt Eva wieder in die alte Handlung zurück. Ich hatte deshalb zunehmend das Gefühl, Material für einen weiteren Band zu lesen, das bereits hier vorbereitet wird. Das ist als Erleuchtung kein kleines Problem.

Gerade weil Maria interessant ist, hätte ich ihr einen Comic gewünscht, der wirklich von ihr handelt. Hier konkurriert sie jedoch mit einem politischen Kriminalfall, der für sich genommen schon zu wenig Raum bekommt.

Zu viele Geschichten für einen Engel

Dazu kommt García, der Polizist. Schon im ersten Band war klar, dass zwischen ihm und Eva etwas knistert. Nun wird daraus mehr, körperliche Nähe entsteht, Gefühle werden komplizierter. Eva zieht ihn an und stößt ihn wieder weg. Auch das könnte einen ganzen Erzählstrang tragen.

Nur haben wir inzwischen einen verschwundenen João, einen ermordeten Neonazi, bedrohte Sexarbeiterinnen, rechte Gewalt, Evas Mutter, ihre Vorfahrinnen, den Spanischen Bürgerkrieg, Evas bipolare Störung und eine halbgare Liebesgeschichte. Irgendwann ist einfach Feierabend.

Lafebre erzählt schnell, seine Dialoge helfen ihm dabei. Seine Figuren brauchen oft nur wenige Bilder, um eine Situation lebendig zu gestalten. Doch Geschwindigkeit ersetzt eben keinen narrativen Raum. ICH BIN IHR SCHWEIGEN hatte ebenfalls viele Zutaten. Dort griffen sie aber erheblich besser ineinander. Die Familie Monturós, das Weingut, der Mord und Evas private Eigenheiten gehörten zur selben, kohärenten Erzählung.

ICH BIN EIN VERLORENER ENGEL fühlt sich dagegen häufiger wie eine Sammlung interessanter Ansätze an. Der Fall geht weiter, weil Eva eine neue Spur entdeckt. Maria erscheint, weil Eva persönlich vertieft werden soll. García erscheint, weil die Beziehung weitergehen soll. Ana erscheint, weil die Geschichte damit eine historische Ebene bekommt. Die Neonazis erscheinen, weil Gewalt das eigentliche Thema ist. Alles davon kann ich nachvollziehen. Nur selten habe ich aber das Gefühl, dass das Eine zwingend aus dem Anderen entsteht.

Lafebre zeichnet besser, als er diesmal erzählt

Und dann sehe ich wieder diese Zeichnungen. Verdammt. Lafebre besitzt ein wunderbares Gefühl für Körper. Seine Figuren stehen nicht einfach in Panels. Sie lehnen, gestikulieren, schauen weg, gehen aufeinander los, verkrampfen, grinsen und reagieren.

Besonders Eva profitiert davon. Ihre Persönlichkeit steckt in jeder Bewegung. Selbst wenn sie nichts sagt, habe ich das Gefühl, genau zu wissen, ob sie gleich lachen, fluchen oder jemanden beleidigen wird. Auch die Gespräche bleiben visuell lebendig. Lafebre braucht keine spektakulären Perspektiven, um Spannung zu erzeugen. Ein Gesicht genügt, zwei Personen an einem Tisch genügen, ein kleiner Blickwechsel reicht ebenso. Dadurch liest sich der Comic unglaublich flüssig.

Vielleicht stört mich die Geschichte deshalb sogar stärker. Die Bilder ziehen mich vorwärts, während ich erzählerisch immer wieder zurückbleibe und denke, dass Lafebre gerade das spannendste Thema schon wieder verlassen hat. Ich wollte mehr über die Frauen, mehr über die rechte Gruppe, mehr über Maria und Ana wissen. Stattdessen bekam ich von allem etwas.

Fazit

ICH BIN EIN VERLORENER ENGEL hat eine großartige Hauptfigur, fantastische Zeichnungen und einen politischen Kern, dem ich gern folge. Doch der Comic vertraut diesem Kern einfach nicht genug.

Die Geschichte über Neonazis, Gewalt gegen Sexarbeiterinnen und die Verbindung zur faschistischen Vergangenheit Spaniens hätte mir vollkommen ausgereicht. Genau dort wird Evas Herangehensweise interessant, genau dort bekommen ihre Wut, ihre Impulsivität und ihre Familiengeschichte eine Richtung.

Der Erzählstrang um Maria ist zwar interessant, wirkt hier aber wie angeklebt. Die unnötige Beziehung zu García nimmt zusätzlichen Platz ein. Und irgendwann merke ich, wie ein eigentlich spannender Kriminalfall zwischen all diesen Dingen zerrieben wird.

Das ist besonders schade, weil Lafebre hier alles besitzt, was ich an Comics liebe. Er hat eine unverwechselbare Figur, einen wunderbar lebendigen Strich, sarkastischen Humor, Tempo und ein gutes Gespür für menschliche Schwächen. Für meinen Geschmack wollte er dieses Mal nur zu viel davon gleichzeitig erzählen. Vielleicht war der Erfolg des ersten Teils zu groß und die Zeit für die Entwicklung des neuen Szenarios zu kurz. Schade eigentlich, vertan!

Ich bin ein großer Fan von Jordi Lafebre, das gebe ich gerne zu. Doch leider muss ich auch zugeben, dass dieser Comic der Schwächste in der Reihe derer ist, bei denen er sowohl das Szenario als auch die Zeichnungen verantwortet.

Nach ICH BIN IHR SCHWEIGEN hatte ich mich auf Evas Rückkehr gefreut. Nach ICH BIN EIN VERLORENER ENGEL freue ich mich immer noch darauf, Eva wiederzusehen. Nur beim nächsten Mal bitte mit einer Geschichte, die sich entscheidet, worüber sie wirklich erzählen möchte…

• ICH BIN EIN VERLORENER ENGEL
• Jordi Lafebre
• Hardcover | 112 Seiten | Farbe
• ISBN 978-3-68950-166-2
• Storyline:  ★★☆☆☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★☆☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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Der eigentliche Begriff ist etwas freundlicher, zumindest ein bisschen. Nekromantie bezeichnet ursprünglich die Beschwörung von Toten, um von ihnen Wissen oder Weissagungen zu erhalten. Ein Nekromant ist also zunächst jemand, der Kontakt zu Verstorbenen aufnimmt. So weit, so einfach.

Olivier Gay und Tina Valentino bauen aus dieser Definition ein hübsches Morgenland-Szenario. In NEKROMANTEN binden Magier die Geister Verstorbener an sich und nutzen deren Fähigkeiten. Wer also den richtigen Kämpfer erwischt, wird im Duell stärker, ein berühmter Gelehrter bringt Wissen ein und selbst ein gerissener Händler kann nach seinem Tod noch nützlich sein. Die Toten sind Helfer, Machtquelle und Statussymbol zugleich.

Düster? Könnte sein. Olivier Gay erzählt vielmehr eine flotte Fantasykomödie, während Tina Valentino sie in eine Welt aus detailreichen Grabmälern, Basaren, Kuppeln und Palästen umsetzt. Disney’s Aladdin lässt auf mehreren Ebenen grüßen.

Die deutsche Ausgabe liegt nun als Splitter Double vor und packt die vollständige Geschichte auf 96 Seiten in einen Hardcoverband. Das ist gut, denn dieses Abenteuer möchte ohnehin am liebsten ohne Pause durch das Tor zum Totenreich.

Das Grab unter der Bodenklappe

Also, Sesam, öffne Dich! Morla, eine junge Nekromantin, weiß genau, was sie will. Sie ist ehrgeizig, selbstbewusst und überzeugt, dass in einem verlassenen Grabmal ein besonders wertvoller Geist auf sie wartet. Ihr jüngerer Bruder Acher begleitet sie. Er ist ebenfalls Nekromant, allerdings ein ausgesprochen schlechter. Morla geht wie üblich voran, Acher folgt, stellt Fragen und hofft, dass niemand seine Unsicherheit bemerkt.

Das gesuchte Grab liegt überwuchert irgendwo im Wald, Pflanzen wachsen über Mauern und kaltes Licht schwebt durch muffige Räume. Morla hält all das eher für eine Einladung als für eine Warnung. Tief im Inneren stößt die kleine Gruppe aus Geschwistern und Helfern auf Boph-Êt. Der uralte Erzmagier war einst so mächtig, dass mehrere große Helden nötig waren, um ihn zu besiegen. Die ehrgeizige Morla versucht nun, seinen Geist an sich zu binden, was – natürlich – nicht funktioniert. Boph-Êt dreht das von ihm entwickelte Ritual einfach um und übernimmt stattdessen ihren Körper. Zwei Begleiter sterben, die Anlage stürzt ein und Acher entkommt dem Schlamassel nur mit knapper Not.

Das Schöne ist, dass damit sein Charackter-Arc feststeht: Acher muss seine Schwester retten und verhindern, dass Boph-Êt erneut die Macht ergreift. Dafür ist er ungefähr so gut gerüstet wie ein Kameltreiber für einen Seekrieg. Aber aus genau diesem Grund mochte ich ihn sofort. Acher ist kein verklemmter Überflieger. Er ist wirklich überfordert – trotzdem läuft er nicht davon! Das gibt seiner Reise von Beginn an Mut und viel Herz.

Drei Geister ziehen zum Basar

Ganz allein ist Acher bei dieser Reise natürlich nicht. Drei Geister sind an ihn gebunden. Teodor ist ein älterer Gelehrter, der viel weiß, sich aber im entscheidenden Augenblick gern im eigenen Gedächtnis verirrt. Teheris ist ein Krieger, der bereits in seiner ersten Schlacht starb und deshalb erschreckend wenig Kampferfahrung besitzt. Und Isia war eine Bauchtänzerin mit Temperament, einer schnellen Zunge und wenig Lust, sich wie ein Werkzeug behandeln zu lassen. Als Sammlung mächtiger Geister sind die drei eine Enttäuschung, als Reisegesellschaft großartig.

Boph-Êt zieht in Morla’s Körper nach Biblys. Die Hauptstadt breitet sich über die Hügel aus, während sich unten Marktstände, Stoffbahnen und schmale Häuser drängen. Darüber wachsen arabische Kuppeln und Türme in den Himmel. Ganz oben schließlich sitzt die Akademie der Magie. Dort beginnt der frisch erwachte Erzmagier seinen Einfluss auszubauen und nach jenen Personen zu suchen, die ihn vor Jahrtausenden besiegt hatten. Man will so ein Desaster ja kein zweites Mal erleben.

Acher folgt ihm und trifft auf Ayu. Sie gehört zur Elitetruppe der Garde und kann mit einer Waffe deutlich besser umgehen als ein Teheris-gepimpter Acher mit seinen Geistern. Sie packt zu und läuft nicht bloß bewundernd neben dem Helden her, sie widerspricht und entscheidet selbst. Ihr trockener Blick auf Acher’s Chaos hält dabei viele Szenen auf eine besondere Art zusammen.

Die Spur führt zu drei legendären Toten. Montserrat war einst eine brillante Strategin, Dmitris war der große Kämpfer und Varlam ein mächtiger Magier. Gemeinsam brachten sie Boph-Êt zu Fall. In der Gegenwart braucht Acher nun erneut ihre Hilfe. Dummerweise haben diese Geister ihre eigenen Wünsche und sehr, sehr alte Rechnungen offen.

Im Palast wartet ein alter Fluch

Montserrat bringt neue Unruhe in die Geschichte. Ihr Geist steckt im Körper eines Händlers, den sie als Wirt benutzt. Sie will Boph-Êt vernichten und bietet Acher ihre Hilfe an. Vertrauen ist dabei aber eine zweischneidige Angelegenheit. Montserrat verrät immer nur so viel, wie es ihrem Plan dient. Und Acher bemerkt langsam, dass er damit zwischen zwei uralten Gegnern steht, die andere gern wie Figuren auf einem Spielbrett hin- und herschieben.

Auch Morla bleibt wichtig, obwohl Boph-Êt ihren Körper beherrscht. Für Acher ist sie nicht einfach die Hülle des Bösewichts, sie ist – und bleibt – seine große Schwester. Jeder Angriff auf den Erzmagier kann deshalb auch sie treffen. Auf diese Weise wird das Abenteuer auch persönlich: Acher muss nicht nur gewinnen, sondern auch einen Weg finden, Morla zurückzuholen. Bereits hier zeichnen sich schmerzhafte Entscheidungen am Horizont ab.

Ich hätte Morla – die echte – gern öfter erlebt. Vor der Besessenheit zeigt sie Eigensinn, Mut und eine gute Portion Überheblichkeit. Danach verschwindet ihre Stimme lange hinter der Boph-Êt’s. Ja, das ist für die Handlung gut nachvollziehbar. Der Geschwisterbeziehung fehlt andererseits dadurch aber Raum und ihre Rettung wird für mich als Leser weniger emotional aufgeladen.

Olivier Gay gleicht das mit narrativem Tempo aus. Palastwachen, Fluchten, Magie und Geisterbeschwörungen folgen dicht aufeinander. Am stärksten bleibt für mich trotzdem die kleine Gruppe um Acher. Teodor liefert Wissen mit eingebautem Wackelkontakt, Teheris versucht tapfer, wenigstens gelegentlich wie ein Krieger auszusehen und Isia kommentiert das Chaos mit Spott und erstaunlicher Treue. Die vier müssen gar nicht über Freundschaft reden. Wie sie streiten und sich im nächsten Augenblick retten, sagt mehr als tausend Worte.

Karawane zum Grab des großen Magiers

Im zweiten Teil verschärft sich die Lage dramatisch. Kaiser Othman Al-Thariv, der Herrscher des Reiches, ist ermordet worden. Biblys steht unter Spannung, während Boph-Êt im Palast immer mehr Einfluss gewinnt.

Montserrat weist Acher den Weg zum Grab Varlam’s. Der tote Magier war entscheidend am ursprünglichen Sieg über Boph-Êt beteiligt und ohne seine Macht sieht es für ihre Mission schlecht aus.

Natürlich erfährt auch Boph-Êt von diesem Plan. Er schickt Luu hinterher. Luu ist sein Vollstrecker und führt bewaffnete Männer gegen Acher und seine Geister. Die Suche nach Varlam’s Grab wird zum Wettlauf durch Wüsten und Ruinen. Auf der einen Seite reist eine Heldengruppe, die eher zufällig zusammengefunden hat, auf der anderen Seite marschieren Leute, die genau wissen, wie Gewalt funktioniert.

Das Tempo der Erzählung steigt jetzt noch einmal kräftig. Enthüllungen, Kämpfe und Seitenwechsel folgen eng getaktet aufeinander. Das hält die Spannung hoch, lässt aber wenig Platz für die Vergangenheit von Montserrat, Dmitris und Varlam. Aus diesen alten Feindschaften hätte Gay locker mehr machen können.

Das Finale verrate ich nicht. Entscheidend ist ohnehin Acher’s Entwicklung. Er wird durch die Umstände nicht plötzlich zum mächtigsten Nekromanten des Reiches. Er lernt jedoch, seine Geister ernst zu nehmen. Teodor, Teheris und Isia sind keine schlechten Werkzeuge, nein, sie sind überhaupt keine Werkzeuge! Sie sind eigensinnige Gefährten und genau daraus zieht die Geschichte ihre Wärme.

Der Geschichtenerzähler am Tor der Unterwelt

Schauen wir gemeinsam noch auf die Autoren dieses Comic. Olivier Gay, unser Szenarist, wurde 1979 in Grenoble geboren. Bevor er vom Schreiben leben konnte, arbeitete er als Manager in einer Unternehmensberatung. Er veröffentlichte Kriminalromane, Fantasy sowie Kinder- und Jugendbücher. Zu seinen Reihen gehören LE NOIR EST MA COULEUR, LES ÉPÉES DE GLACE und LA MAIN DE L’EMPEREUR. 2019 schloss er sich dem Fantasy-Label Drakoo an. Dort schrieb er unter anderem DÉMONISTES, LES MALÉFICES DU DANTHRAKON und LES MAGES DE BONAPARTE.

Mit leichtem Schritt durch 1001 Gruft

Gay’s Art Geschichten zu erzählen macht mir den Einstieg angenehm leicht. Die Regeln der Nekromantie dieser Welt stehen nach wenigen Seiten fest. Ein Geist besitzt eine Fähigkeit, ein Nekromant bindet ihn an sich und aus dieser Verbindung entsteht Macht. Danach kann die Geschichte loslaufen. Ich musste nicht erst ein Glossar heranziehen oder eine Weltkarte studieren. Sehr schön.

Der Humor der Geschichte entsteht meist aus den Figuren selbst. Acher möchte souverän wirken, während seine Geister ihn öffentlich untergraben. Ayu durchschaut ihn ohnehin und Isia besitzt häufig die schärfste Zunge der Runde. Diese Rollen sind deutlich, kippen aber selten in bloße Nummern.

Andererseits sitzt nicht jeder Witz. Einige moderne Anspielungen passen nur bedingt in die Gassen von Biblys. Außerdem rennt der zweite Teil seinem Ende entgegen. Ruhigere Gespräche hätten Morla, Montserrat und den übrigen alten Helden mehr Gewicht geben können, trotzdem bleibt die Erzählung jederzeit verständlich. Ich weiß immer, wer etwas will und warum der nächste Schritt nötig ist.

Macht, Besitz und Stimmen aus dem Jenseits

Wenn ich es recht bedenke, steckt hinter dieser Komödie auch eine interessante Frage: Wem gehört die Erfahrung eines Menschen nach dessen Tod? Mächtige Nekromanten behandeln Geister wie Besitz. Ein berühmter Toter erhöht den Rang seines neuen Herrn. Wissen, Kampfkunst und Einfluss wechseln einfach den Besitzer. Auch dies erinnert mich an Aladdin: Dschinny ist dort ein Wesen mit eigenen Wünschen, obwohl er an seinen Meister gebunden ist. So auch hier.

Das Album verfolgt diesen Gedanken nicht bis in jede Ecke. Dafür ist das Buch zu gern Abenteuer. Acher bietet trotzdem einen Gegenentwurf. Seine Verbindung zu Teodor, Teheris und Isia beruht immer weniger auf Befehl und immer mehr auf Kooperation. Er gewinnt nicht durch bessere Unterwerfung, sondern weil aus vier Außenseitern eine sich ergänzende Gruppe wird.

Die Zeichnerin im blauen Geisterlicht

Wer ist nun für die schönen Zeichnungen verantwortlich? Tina Valentino wurde an der Scuola Internazionale di Comics in Rom in Zeichnung und Animation ausgebildet. Sie arbeitete an GERONIMO STILTON, gestaltete Cover und war an der Webserie IL CRESTOMAT beteiligt. 2021 begann sie bei Drakoo die Zusammenarbeit mit Olivier Gay.

Kuppeln, Knochen und flinke Blicke

Valentino eröffnet die Geschichte mit einem Grabmal, das sofort Lust auf Erkundung macht. Bäume, Wurzeln und Ruinen schieben sich in- und übereinander. Kleine Figuren laufen durch eine riesige grüne Anlage. Schon die erste Seite erklärt die Größe, die Stimmung und die Gefahr. Danach rückt die Zeichnerin näher an die Gruppe heran. Gesichter, Hände und Blicke fokussieren.

Ihre Figuren spielen sehr körperlich. Acher zieht die Schultern ein und schaut gern zur Seite. Morla steht fest und nimmt mehr Raum ein. Nach der Übernahme durch Boph-Êt wird ihr Gesicht härter. Ayu wirkt wach und kampfbereit, Isia schwebt zwar als Geist durch die Panels, besitzt aber mehr Haltung als viele Lebende.

Besonders schön ist das Geisterlicht. Teodor, Teheris und Isia erscheinen in kühlen Blautönen. Alice Scimia’s Kolorierung trennt sie deutlich von warmen Hautfarben, goldenen Kuppeln und rötlichen Stoffen. Gerät die Magie außer Kontrolle, strömen Grün und Gelb in die Seiten. Ich erkenne dadurch schnell, welche Kräfte gerade wirken.

Fazit

NEKROMANTEN ist keine finstere Abhandlung über verbotene Rituale. Es ist eine warmherzige Coming-of-Age-Fantasy-Komödie über einen jungen Zauberer, der mit drei wenig angesehenen Toten über sich hinauswächst. Olivier Gay erzählt diese Geschichte flott und verständlich, während Tina Valentino dem Abenteuer starke Gesichter und sehr viel Bewegung mitgibt.

Ich hätte mir manchmal mehr Platz für Morla, Montserrat und die alten Helden gewünscht. Auch Biblys bleibt eher schöne Bühne als vollständig ausgearbeitete Stadt. Das Double habe ich trotzdem mit großem Vergnügen gelesen, denn seine beste Idee liegt darin, dass Acher aufhört, seine Geister nach ihrem Nutzen zu beurteilen und ihre Freundschaft zu schätzen lernt. Am Ende schlagen in diesem Totenreich erstaunlich viele Herzen…

• NEKROMANTEN
• Olivier Gay und Tina Valentino
• Hardcover | 96 Seiten | Farbe | Double
• ISBN 978-3-96792-284-4
• Storyline:  ★★★☆☆
• Zeichnungen: ★★★★☆
• Farben: ★★★☆☆
• Lettering: ★★★☆☆
• Humor: ★★☆☆☆
• Meine persönliche Bewertung: ★★★☆☆
• © Splitter Verlag
• Informationen zu den Bildrechten findest Du hier

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